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El monstruo de White Roses: Emily Dawson a través del televisor

Decía Fernando Pessoa, poeta, escritor y dramaturgo portugués, que el inventor del espejo envenenó el corazón humano. Casi 90 años después podemos añadir a la frase un responsable más: los medios de comunicación.

Nos encontramos en los aclamados años 90 en Ohio. Un sótano extraño, repleto de cajas de zapatos, desordenado, frío, oscuro. Hay cadenas por el suelo, un colchón desvencijado y todo un ambiente de misterio y extrañeza. El miedo no aparece (todavía).  En el escenario nos recibe de espaldas una chica de ojos llorosos y alma rota. Frente a una cámara nos cuenta su historia: se llama Emily Dawson y, al igual que Alicia, también ha atravesado espejos y pantallas. 

 

“El monstruo de White Roses” es un thriller teatral escrito por Jesús Torres e interpretado por Víctor Palmero y Lucía Díez, rostros conocidos de la televisión y los escenarios.

 

“I ́m here! Help!”, fue el grito de auxilio que despertó al tranquilo barrio de White Roses, en Ohio, una mañana de abril. Aquella voz apesadumbrada y llena de energía era la de Emily, la joven adolescente secuestrada casi un año atrás. ¿Y su verdugo? Harry Coleman, el zapatero del barrio, un hombre esquivo pero tranquilo, quien la había sometido a toda clase de abusos y torturas en el sótano de su casa. Y así es cómo Harry pasó a la Historia de América como el Monstruo de White Roses. Y así es cómo el caso de la desaparición de Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente de manera repetitiva y sensacionalista en los noticieros y periódicos dando pie a la llamada “década de las desapariciones”.

En un mundo actual dominado por los medios de comunicación, las redes sociales – qué curioso que la publicación de este artículo coincida con el veinte aniversario de Facebook –, el mensaje rápido, fugaz, viral y de olvido más rápido todavía, el contenido vacío, el clickbait y la nula crítica del periodismo hacia el periodismo este thriller teatral se hace más necesario que nunca. ¿Y qué mejor forma que criticar el rol de los medios, usuarios, productores y consumidores que mediante una historia truculenta y morbosa? Porque no nos olvidemos que si hay una forma criticable de contar una noticia atroz es porque hay espectadores dispuestos a escucharla y a humedecer los labios. Por eso, resulta tan interesante que en los Teatros Luchana donde se representa la obra, el espectador se vea obligado a entrar a la zona de butacas por el escenario, como si también fuera parte de la cadena, del entramado.

Como en una especie del Mito de la Caverna de Platón, el espectador es puesto frente a un escenario repleto de sombras y cadenas, en el que los actores cuentan una historia que, poco a poco, se va complicando y enroscando en el misterio para dar un sorpasso final.

Cuenta el director y dramaturgo que el proceso de creación ha sido apasionante y que, a raíz de escribir una escena, ensayarla y pulirla nacía la siguiente. Así se forma una obra delicada, con unas interpretaciones fascinantes y más profunda de lo que aparenta. El rol de los medios de comunicación y el sensacionalismo del que se han nutrido la sociedad y los medios, unos para hacer caja y audiencia, otros por querer una víctima sobre la que llorar y volcar sus penas y miserias, como si la desgracia de un desconocido nos sirviera para darnos cuenta de la felicidad (a veces escondida) de la que gozamos. Todo un mecanismo fatal y falto de sensibilidad que entronca lo más negro del ser humano.

Pero también nos habla del juego de los espejos y de las máscaras que ponemos a los demás de una forma prejuiciosa y automática y ahí creo que radica lo más interesante de la obra. Como si no viésemos la escena realmente completa, algo parecido a las sombras que veían los hombres presos de la caverna. ¿Se experimenta una cierta liberación cuando se cierra el telón?

“El monstruo de White Roses” es un retrato de una década en la que las noticias espantosas copaban portadas y espacios con entrevistas mordaces y documentales frívolos. Tiempos oscuros en los que surgía toda una hazaña acompañada de la creatividad más visceral para ver quién se llevaba a la audiencia de calle, quién arrasaba y qué medios conseguían más telespectadores pegados al televisor. De hecho, la propuesta de Jesús Torres es innovadora, ya que se nutre de documentales de este género producidos por Netflix y puesto que combina la dinámica narrativa clásica del teatro con otras formas audiovisuales más actuales.

Todo esto, con el aumento de las tecnologías y el apego – a veces nocivo, todo sea dicho – del móvil y las redes sociales ha mutado a lo que conocemos hoy en día como true crime. ¿Cuántas veces leemos una noticia horrible en alguna red social y nos entristecemos o nos enfadamos con el mundo para, en un segundo después, pasar a otro vídeo, otra foto random?  ¿Existe un limbo con todas las sensaciones que nacen en un segundo casual para morir en otro segundo posterior y casual?

¿Cuántas tragedias en portadas y medios empañaron su verdadera desgracia? ¿Nos acordamos de las víctimas o sólo de la que fue más comentada, más viral? ¿Hay velas para todas ellas? ¿Un caso eclipsa otro caso? ¿Las víctimas logran en algún momento mirar hacia otro lado y seguir con su vida?

Harry Coleman y Emily Dawson se van desnudando, psicológicamente, en el escenario, conversando y ejecutando un retrato perfecto de su cotidianeidad, dando pie a que el espectador vaya elaborando una ficha policial de los hechos y de la psique de cada personaje, para confirmar lo que reconocía Hitchcock: que a cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima. Aunque, a veces, convertirnos en víctimas pueda ser la perfecta solución. Han pasado más de 30 años desde el incidente y hay quien asegura que ha visto a Emily Dawson por alguna calle de Ohio. Hoy, tantos años después, se sigue buscando carnaza: ¿cómo es Emily hoy?, ¿ha olvidado lo que le sucedió?, ¿cómo consiguió salir adelante?, ¿cómo lucha contra las secuelas? Al igual que José María Íñigo, la gente quiere saber…. ¿Estará de nuevo Emily Dawson pronto en sus mejores pantallas?

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Carmen Sevilla: ovejitas, algo de rock&roll y la picardía ingenua

Hay personas que alcanzan la figura, la sombra o la mantilla de mito y eso les permite no desaparecer nunca. Avanza cruel y distante el tiempo y sólo unos pocos privilegiados consiguen traspasar esa barrera, con sus anécdotas, sus historias y sus hitos.

Conocí a Carmen Sevilla de niño, en un televisor que no era plano, no tenía Internet integrado y tenía más culo que calidad. No eran los 90, no era el telecupón. Por cosas de la edad, yo descubrí a Carmen Sevilla con Cine de Barrio. Me sentaba en el sofá de Moratalaz con mi abuela y veía a aquella señora maquillada, con un peinado muy parecido al de mi abuela, como recién salida de la peluquería, de sonrisa de Gato de Cheshire que transmitía luz propia…

Aún me acuerdo hoy de sorprenderme por ver a la que podría ser mi vecina del bajo que me regalaba caramelos cada vez que pasaba por su puerta, presentando un programa de televisión, sentada en un saloncito bastante parecido al nuestro, rodeada de gente divertida y sonriendo con los ojos.

Quizás estas mujeres, algunas de verso en pecho, otras de baberos de esmeraldas, todas empoderadas e iconos, nos han educado a una generación entera, mostrándonos que los límites en cuanto a edad y género son absurdos y que la personalidad (mucho más que la belleza) puede resultar la mejor baza para jugar y ganar.

 

Se va la novia de España, la que generaba suspiros a su paso, la que rechazó Hollywood por miedo, la que popularizó que las estrellas participaran en campañas de publicidad. Aquella mujer torbellino que encandiló a personajes de la altura de Charlton Heston, Cantinflas, Frank Sinatra, el torero Carlos Arruza o Marlon Brando.

A Carmen Sevilla no me la volví a cruzar hasta mucho después. Ya sería de adolescente cuando me topé con su faceta de actriz y con su cine y sus canciones. La misma mirada, el mismo ímpetu, la misma bondad. Comenzó su carrera muy joven, en 1946, bajo la pupila de Estrellita Castro. Para 1949 obtendría su primer papel protagonista acompañada de Jorge Negrete en “Jalisco canta en Sevilla”, la primera producción hispanomexicana de la Historia y que supuso un éxito. Además, el primer beso que dio la actriz en su vida fue en esta película, con 16 años. Le seguirían “La hermana San Sulpicio” con Imperio Argentina, “Gitana tenías que ser” con Pedro Infante y Estrellita Castro o “Violetas imperiales” junto al tenor Luis Mariano, siendo su última cinta en 1978 junto a Bárbara Rey y el cantautor Juan Pardo. España, Francia, Italia, México y hasta Hollywood…, todo un mercado internacional que se quedó prendado de la actriz.

Su carisma y su belleza la condujeron a ser una de las actrices más solicitadas del panorama cinematográfico español, siendo actriz fetiche de Franco. Sin embargo, sus roles serían casi siempre iguales: la guapa, la bella, el sex symbol… El cine (y la sociedad, todo sea dicho de paso) vieron en Carmen un modelo de mujer que interesaba: recatada, católica, patriota, decente, que siendo bellísima guardaba el decoro y no se dejaba eclipsar ni por los pecados de la carne ni por la brillantina de la fama. Lejos de todo eso, la que fuera natural de Sevilla, mantenía la imagen que España quería ver en ella por interés, porque, como otras tantas, en una España en blanco y negro, siempre hizo lo que quiso, que ante Dios y ante Franco, primero la Sevilla.

“He tenido pretendientes y es que de mí se prendaban los hombres porque tenía eso, tenía una especie de ingenuidad pícara, una dulzura pícara, un misterio… Quería y no quería. Les ponía a tope” reconocía en una entrevista. Haciendo gala de esa ingenuidad pícara, no tuvo problemas en reconocer haber sufrido dos abortos para hacer frente a unos contratos de trabajo (cuando en España estaba penado con cárcel) ni que mandó a paseo a su primer marido, Augusto Algueró, por las infidelidades y las tensiones constantes en su matrimonio antes de legalizarse el divorcio.

 

También hubo tiempo para ser pionera: fue la primera estrella en pactar una exclusiva con una revista de la prensa rosa. Hasta 30 millones de pesetas recibió el matrimonio de Carmen Sevilla y Vicente Patuel. Una boda tan secreta, que el hijo de la cantante y actriz no estuvo invitado. Esto abriría las puertas a otras famosas, desde Sara Montiel hasta la reciente boda de Tamara Falcó e Íñigo Onieva.

Actriz de la época dorada del cine mexicano y de los años 50 y 60 en España,  para los años 70, tanto la sociedad española como los papeles de cine para las mujeres cambiarían. Así, optaría a papeles más picantes en “El apartamento de la tentación” o “Un adulterio decente”, siempre  jugando en la frontera entre el quiero y no quiero, enseño y no enseño, me apetece, pero no tanto. Se dice que Carmen Sevilla participó – brevemente y de manera muy superficial, eso sí – en el cine de destape por venganza hacia Augusto Algueró, cansada de sus infidelidades.

De su filmografía destaco “El balcón de la luna” que, curiosamente, veía en la Antigua Fábrica El Águila de Madrid hace justo un año. Carmen Sevilla, La Faraona y Paquita Rico… Un trío de ases y de divas que se llevaba a matar en la película por una competencia insana, pero profundamente divertida. Se cuenta que, para evitar egos y peleas por ver quién  aparecía antes en los títulos de crédito, idearon una ruleta con los tres nombres que daba tres vueltas, así cada una aparecía al mismo tiempo, sin orden, pero con mucho concierto. También destaco “La Venganza” por ser la primera película española nominada a los Premios Oscar en la categoría de Mejor película en lengua extranjera, “Rey de reyes” dirigida por Nicholas Ray en la que interpretaba a María Magdalena y que supuso su aparición en Hollywood o “Marco Antonio y Cleopatra”, en la que Charlton Heston la escogió para el papel de Octavia y en la que se cuenta que el actor aprovechó alguna escena para tocar más de lo escrito en el guion. La actriz, ni corta ni perezosa, le dio un mordisco en el labio mientras se besaban en señal de castigo.

Tras el ultimátum de su segundo marido, Vicente Patuel, quien le obligó a escoger entre el amor o el cine, se retiró a la famosa finca de las ovejitas en Extremadura. Para 1991, llegaría Valerio Lazarov – un semidios dentro de la Historia de la Televisión en España – a rescatarla de su letargo y ponerla al frente del Telecupón. Vicente no quería que Carmen Sevilla volviera a su vocación, pero el contrato que fijaba el caché de 300.000 pesetas por programa fue crucial. Y menos mal, había nacido una estrella de la televisión.

Diagnosticada de Alzheimer en 2009, Carmen Sevilla se retiró definitivamente de la televisión y el cine, manteniendo siempre las distancias y protegida de dimes y diretes, fallecía el pasado 27 de junio. Como en aquella canción de Fangoria, parece que una parte de mi mundo desaparece… Carmen Sevilla era la última del grupo de folklóricas que quedaba viva. Y con ella, parece que enmudecen – me niego a pensar que mueren – las anécdotas de aquella España en blanco y negro, de ese grupo de mujeres que se supieron mover en un mundo carente de libertades, gracias a su arrojo, su carácter y su personalidad y que pasearon sus buenas piernas derramando talento y dinero. Las portadas de revista, las fiestas, las bodas multitudinarias, los piponazos, las pelucas imposibles, los trucos de belleza a base de esparadrapo y medias y sus entrevistas mostrándose emperifolladas y empoderadas. Sólo pienso en cómo estarán allí arriba, todas juntas, en una especie de sala enorme con el lujo americano más auténtico del que tanto disfrutaron, pero al mismo tiempo, con la esencia más pura y más castiza, que para españolísimas ellas. Entre el camp hollywoodiense y lo cañí, nuestras folklóricas se reúnen alrededor de una mesa en la que hay mucho jamón, mucho alcohol y muchas risas. Y cuando yo vaya para allá (espero que dentro de muchos años), pienso llamar a esa puerta. A ver si con suerte, también anda por allí Terenci.

Hasta siempre, Carmen

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Los mejores planes si vas a pasar el verano en Madrid

Se acerca el verano y, aunque la mayoría prefieren sombrilla y playa, son muchas las personas que tienen que hacer frente al calor de Madrid sin ni siquiera poder desconectar de la ciudad. No son pocos los que creen que la capital en verano pierde un poco el encanto, los chapuzones en el mar amenizan las olas de calor y la verdad es que Madrid de playero tiene poco.

Aquí traemos algunos planes para pasar un poquito mejor estos sofocantes meses: Desde la máxima variedad de carteles de festivales, hasta los espectáculos de moda en la ciudad, pasando por experiencias únicas en parques temáticos o tours por grandes estadios para los más futboleros.

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Festivales en Madrid

Mad Cool Festival

Uno de los eventos masivos en Madrid. Todos los años ofrece un cartel muy variopinto tanto si quieres disfrutar de buenas bandas de rock como si prefieres la música urbana, pasando por cantantes de rap internacionales y los mejores DJ.

En la edición pasada, Nathy Peluso causó impacto con su poderío, y fue un placer tener en directo a Imagine Dragons o Metallica. Este año también viene pisando fuerte y nombres como Lil Nas X, The 1975 o Red Hot Chili Peppers son cabezas de cartel.

 

Boombasticland

 

Una de las opciones para disfrutar de la mejor música urbana. El año pasado se estrenó con un cartelazo, recibiendo a cabezas de cartel como Duki, Bizarrap, Maria Becerra o Nicki Nicole.

Este año la novedad es que incluye el acceso a Boombasticland, una mini-ciudad que contará con parque de atracciones, cine, beach club, zona disco y muchas más experiencias. Se celebrará en el Auditorio Miguel Ríos de Rivas.

 

 

Reggaeton Beach Festival

Si eres fanático del reggaetón y prefieres vivir la experiencia de un solo género, Reggaeton Beach Festival ofrece el mejor cartel para perrear hasta el suelo. El ambiente de este festival es muy enérgico, y se crea una energía electrizante que no te puedes perder.

Lo mejor es el ambiente playero que recrea con la instalación de atracciones acuáticas y un montón de actividades que lo convierten en más que un festival de música. Todo perfecto para cargar pilas y bailar al ritmo de Ozuna, Anuel AA, Sech, Jhayco, Arcángel o Eladio Carrion en la edición de Madrid.

 

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Espectáculos en Madrid

WAH Madrid

Si buscas un espectáculo diferente que te vuelva a sorprender y te devuelva las ganas de invertir en cultura, WAH Madrid sin duda superará tus expectativas. Porque no es solo un musical: combina el arte y la música, con la gastronomía en un formato que te permite disfrutar sentado y relajado mientras pruebas comida de los cinco continentes ¡Y ya desde entonces te mantiene distraído con los primeros shows!

 

Cantantes y bailarines de las grandes productoras de Broadway nos deleitan durante toda la estancia con increíbles interpretaciones de las canciones más conocidas. Además, también hay un after show ¡Para que la fiesta no pare! Todo bien resguardados del calor en el IFEMA de Madrid.

 

 

Juan Dávila – La capital del pecado

El verano a veces tiene momentos muy aburridos, sobre todo si caemos en la monotonía y no encontramos ningún plan divertido. Si echas de menos las risas y los buenos momentos para evadirte, no puedes perderte la nueva comedia de Juan Dávila. Si sus momentos más divertidos se han hecho virales en TikTok, es porque algo está haciendo bien.

Las primeras fechas han completado la venta de entradas para un espectáculo que promete quitarnos la vergüenza con un repaso de los pecados capitales en esta segunda versión de La capital del pecado, un monólogo de éxito para todo tipo de público.

 

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Parques en Madrid

Parque Warner de Madrid

Habrá quien lo tenga pendiente y también quien esté harto de ir, pero esta temporada no te puedes perder Parque Warner y vivir de primera mano la experiencia de ‘Batman Gotham City Escape’ ¡La montaña rusa que acaba de estrenar! El parque ha dado la bienvenida al 2023 con la novedad de las novedades.

‘Batman Gotham City Escape’ hace un recorrido por la ciudad de Gotham, alcanzando una altura de hasta 45 metros y lanzamientos que llegan a los 100 km/h en apenas unos segundos. La intención de los creadores es que quien se siente en este Batmóvil viva la experiencia al 100% con 111 segundos de adrenalina, música, sonidos e incluso diálogos entre personajes pasando por lugares como la Mansión Wayne, la Batcueva y el Metro de Gotham City.

Entre medias puedes refrescarte en atracciones como ‘Río Bravo’, ‘Oso Yogui’, ‘Rápidos ACME’, ‘Cataratas Salvajes’ o los chorros de agua de Cartoon Village en compañía de Looney Tunes.

 

Warner Beach

Si eres demasiado caluroso y prefieres estar constantemente en remojo, Parque Warner también ofrece la opción acuática.  Disfruta de la velocidad en toboganes como Superman, Batman, Wonderwoman, Harley Queen o Aquaman; o si prefieres una experiencia más tranquila puedes darte un chapuzón en la Playa de Olas o descansar en la zona de tumbonas.

Y por supuesto, también hay zonas para los más pequeños que quieran bañarse acompañados de los Looney Tunes en la piscina Baby Olas, o en las islas ¡Todos al agua! y Agua Aventura.

 

Aquópolis de Villanueva de la Cañada

Otra alternativa si el Parque Warner te pilla lejos es el Aquópolis de Villanueva de la Cañada. Kamikaze, Splash, el tobogán Zig Zag, el Turbolance y la piscina de olas son algunas de las variadas atracciones que puedes disfrutar. Este parque también dispone de zonas infantiles ¡Y una zona vip para el descanso!

 

 

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Tours de Estadios de fútbol

Estadio Santiago Bernabéu

 

Y para los fanáticos del fútbol o simplemente turistas de Madrid, el tour del Santiago Bernabéu se ha convertido en un imprescindible.

A pesar de las obras que se están llevando a cabo en el estadio, se ha podido habilitar el museo con alguna modificación de horarios en los meses de octubre y noviembre y una reducción del recorrido ¡Pero se puede seguir disfrutando de la vista panorámica del campo o el museo!

 

 

Estadio Cívitas Metropolitano

Si por el contrario el madridismo no es lo tuyo, Cívitas Metropolitano también ofrece un recorrido muy completo por la casa del Atlético de Madrid.

Los visitantes pueden hacer ruta por los vestuarios, el túnel de acceso al campo, la sala de prensa y el museo, además de otras actividades para disfrutar la experiencia de forma interactiva.

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Vive un sueño en Toledo con Puy Du Fou España

Se te acaba de ir el metro en la cara, quedan 5 minutos para el siguiente. Después de meterte varias veces en Instagram y TikTok decides echar un vistazo alrededor, la gente, los bancos, las marquesinas: “Puy Du Fou España”. 

Así de primeras mucho sentido no tiene. Parece una consecución de letras elegidas al azar que forman un nombre propio francés graciosillo. El caso es que también pone España. “A menos de 1 hora de Madrid”, se lee en otros anuncios. Como ya adelanta el título, el parque se encuentra en la provincia de Toledo. A diez minutos en coche de la estación de autobuses de la capital Castellano-Manchega.

Lo del nombre francés graciosillo tiene todo el sentido del mundo, pues la franquicia que da nombre a este parque comenzó en el oeste de Francia. Concretamente, a los pies de las ruinas del castillo renacentista de Puy Du Fou, situado en el pueblo de Les Epesses, en la región de Países del Loira

¿Por qué Toledo?

Volviendo al parque toledano, no existe mejor lugar que la ciudad imperial. Antaño era un lugar donde convivieron las tres religiones más importantes sobre la faz de la tierra: Cristianismo, Islam y Judaísmo, y es sin duda una de las ciudades más históricas de nuestro país. Capital del Imperio Español, Toledo es una de las ciudades más infravaloradas de la península, pero gracias a este parque temático la gente está empezando a descubrir su encanto. 

Pero Puy Du Fou no es solo una excusa para visitar Toledo, no. Se trata de un parque temático único en nuestro país, donde se unen el ocio, el espectáculo y la historia para formar un cóctel único. 

¿Qué puedes encontrar en Puy Du Fou?

Nos da la bienvenida la Puerta del Sol, no la madrileña sino la toledana. Y es que, como podréis imaginar, el parque está inspirado en gran parte por la arquitectura toledana y castellana. A esta puerta le acompaña el Arrabal, lugar donde podemos disfrutar de tabernas y puestos que nos ofrecen víveres, quizá no muy comunes en la época medieval pero no por ello menos apetecibles. 

Después de pasar por tan imponente puerta, nos encontramos con la Puebla Real que como su propio nombre indica es el poblado a los pies del castillo. En este castillo encontramos el primero de los espectáculos que ofrece el parque: “El Último Cantar”. Basado en las aventuras de Rodrigo Díaz de Vivar (El Cid Campeador), la puesta en escena es algo insólito y digno de ser visto. Mis palabras no harían justicia a lo que se vive ahí dentro.

Más poblados históricos como el Askar Andalusí o Villanueva del Corral dan vida a estás 30 hectáreas de pura fantasía. Pero bueno, seguro que si habéis oído hablar del Puy Du Fou es por sus espectáculos. Espectáculos inmersivos como “Allende y la mar océana, en el que eres partícipe en primera persona del viaje que descubrió el Nuevo Mundo o “Cetrería de Reyes”, un Duelo sin armas entre el Califa Cordobés y el Conde Ferrán González, donde sus distintos estilo de cetrería compiten de manera directa. Pero, sin Duda, la joya de la corona es “El sueño de Toledo.

El Sueño de Toledo | Puy Du Fou

El espectáculo con el que Puy Du Fou se presentó en nuestro país es, sin ninguna duda, el más llamativo y majestuoso que nos ofrece el parque. Un aguador nos cuenta la historia de Toledo de una manera que nunca serás capaz de imaginar. Vuelvo a insistir en mi incapacidad para expresar a través de las palabras la experiencia que se vive en este parque. La historia de Toledo, y de España, cobra vida delante de tus propios ojos: desde Recaredo hasta Napoleón, pasando por los Reyes Católicos y Cristóbal Colón los personajes e historias más conocidos de nuestra historia y folklore se plantan frente a ti para que les acompañes en sus innumerables aventuras.

Resumiendo, la experiencia que te ofrece Puy Du Fou es única en España. Lo que ocurre en Toledo es algo que os recomendamos vivir en vuestras propias carnes. No os quepa ningún tipo de duda de que, como espectadores, quedaréis cautivados por la magia que desprende el parque y todo lo que lo rodea. Se trata de un lugar extraordinario.

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La función que sale mal. La paradoja de triunfar fallando estrepitosamente

Pocas veces he estado encima de un escenario, pero siempre ha habido unos nervios difíciles de controlar – ahora se da cuenta uno de lo bien que sienta ser espectador. Hay tantas cosas que pueden salir mal: olvidarse del texto, no saber cuál es tu pie, los fallos técnicos, que el público no congenie con la obra, bajas de última hora o la constante molestia de los móviles que no llegan a apagarse del todo…

“La función que sale mal” no podía tener un título más clarificador. Nos situamos en una noche de estreno que presume ser mágica y espectacular. Los espectadores van ocupando su sitio, leyendo el programa de mano, hablando entre ellos… Mientras tanto, un equipo técnico ataviado de uniforme con actitud a ratos pasota, a ratos histérica, parece sumergido en su propia burbuja y, en el aire, la pregunta de los espectadores más puntuales: ¿ha comenzado ya el show?

Tras el saludo inicial del director de la obra – un joven que apunta maneras con (no) éxitos tan notorios como “Cat”, “Siete novias para cuatro hermanos” o “La fea y la bestia” –, comienza una función que va de mal en peor. Estamos en el salón de una mansión inglesa que bien podría aparecer en una novela de Agatha Christie y sobre la chaise longue descansa un cadáver. Alrededor del incidente se reúnen todos los personajes que deberán iniciar una investigación para averiguar quién es el culpable, pero la obra no va a ir todo lo bien que la compañía universitaria desea: un director desquiciado, un auxiliar pasivo y torpe, actores que se salen del papel, técnicos molestando y un largo etcétera de todo aquello que no debería pasar.

Con una carrera de fondo de lo más longeva y exitosa y presencia en 30 países, “La función que sale mal” ha hecho reír a carcajadas a más de 8 millones de espectadores desde que se estrenara en el West End londinense en un 2012 que ya apunta lejano. Esta comedia en estado puro cuenta con un reparto talentoso y perfectamente coordinado que no tiene problemas en improvisar cuando haga falta en compenetración con el público. Y aunque no lo parezca, todo lo que sale mal, los fallos, los descuidos, los accidentes y hasta el peligro que sufre el decorado cuentan con un engranaje perfectamente ejecutado, planificado, ensayado y realizado. Desde las butacas se nota la labor de coordinación que hace todo el equipo, lo cohesionado que está el reparto y la pasión y entrega que demuestran.

Con ritmo ágil y mucha gracia, se recuerdan pocas comedias en cartelera en las que el público se ría cada dos segundos y la comicidad aguante de manera ingeniosa y constante durante toda la representación. No extrañan para nada las ovaciones y los aplausos del final, tan merecidos, pues supone un diez en todas las categorías necesarias para que una obra destinada al fracaso sea un éxito rotundo. Y aunque la banda sonora pueda ser José Luis Perales o una canción de suspense y terror, en realidad, el tempo que marca la obra son las carcajadas sin fin del público.

Tras llegar a Madrid en septiembre de 2019, esta compañía aficionada universitaria echa el telón en el Teatro Marquina el día 28 de mayo y Dios sabe si seguirán triunfando y fallando al mismo tiempo, cosechando éxitos, aplausos, risas y premios como hasta ahora. 

Como un engranaje de un reloj suizo, la obra de cierto corte surrealista combina de un modo brillante el ingenio necesario para escribir y representar una obra tan complicada y la coordinación imprescindible de muchos equipos para que todo salga como debe salir: mal, fatal, nefasto, siguiendo la estela de obras condenadas a la ruina o incluso malditas como “Macbeth” o “El enfermo imaginario”, que supuso la propia muerte de Molière sobre el escenario. Todo un ejemplo paradójico de que, a veces, para triunfar hay que fallar estrepitosamente. Ya saben, ¡no se la pierdan!

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‘Malinche’ de Nacho Cano no es solo un musical

Una experiencia 360º en la que no faltará la música, una gran oferta gastronómica y muchas sorpresas

Son infinidad las historias que nos rodean. Mientras unas son olvidadas, otras se propagan de forma tan rápida como fugaz. Pólvora. Solo algunas consiguen instaurarse de forma casi permanente en nosotros. En lo que nos define. En lo que somos. 

Si hay algo en lo que todos estaremos de acuerdo, es que no hay historia sin personajes que la escriban, ni relato si no hay quién lo cuente. Son muchos los hitos que marcan nuestra historia y muchos los hitos que, del mismo modo, hacen lo propio con nuestro destino. 

Malinche fue y es una mujer amada en España y tomada como traidora en su propio país. Curioso. La considerada madre de la cultura mestiza, lo que a día de hoy nos gusta llamar pionera. Revolucionaria o incluso resiliente. 

No hay historia sin personajes que la escriban, ni relato si  no hay quién lo cuente.

‘Malinche, el musical de Nacho Cano’, cuenta la historia de cómo esta joven esclava fue vendida a los mayas. Y cómo tuvo uno de los primeros mestizos mexicanos con el conocido conquistador español Hernán Cortés. Muchos quizá duden de si están o no leyendo unas líneas que son realidad histórica y que, aunque romantizada, aparece retratada en un musical que nos permite conocer la llegada de los españoles a México

Representado en las instalaciones de IFEMA Madrid y con unas cifras que marcan el éxito precedido estos meses atrás, el espectáculo no es sino un despliegue de lo artístico. Se dice que son doce los años que el exmecano tardó en dar forma a un musical que hoy brilla por sí solo en la cartelera madrileña.

Un musical que nos permite conocer la llegada de los españoles a México.

Y es que, si algo tiene el musical es que no solo es un musical. Desde que entras en la carpa, tienes la sensación de estar inmerso en un país que no es el nuestro. En un mundo que es el suyo. Luces de neón, DJ, comida típica mexicana-española, y un post show que te animan a continuar la fiesta más allá de la función. El Templo Canalla lo llaman.

La complejidad de contenido resulta quizá la barrera principal que el musical debe franquear. Una historia densa y tan rica en matices, obligada a ser contada en dos horas, provoca un exceso de estímulos y una lluvia de ideas que en ocasiones pueden resultar inconexas. Aún así la ambición nunca fue pecado, y el resultado es grandilocuente y brillante.

Mención especial merecen sus números musicales. Temas como ‘México Mágico’ o ‘Hijo de la guerra’ suponen una reminiscencia a una historia pasada. Con Andrea Bayardo, Ignacio Galán, Adrián Salzedo, Olga Llorente, Javier Navares y Jesús Carmona entre el reparto, se hace todo un homenaje a la actuación, el arte y el flamenco que abarca este país de punta a punta. Ahora se entiende el trabajo de esos doce años. 

Un homenaje a la actuación, el arte, y el flamenco que abarca este país de punta a punta

La magia del musical ha logrado atraer a figuras como la de Juan Magán, que el próximo 31 de marzo y 1 de abril, actuará en las funciones nocturnas con el remix que ha compuesto junto a Nacho Cano: ‘Hijo de la Guerra’. Sin duda una de las canciones estrella del espectáculo.

Malinche escribió su propia historia. Nacho Cano decidió que debía ser contada. Y cantada.

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Las guerras de nuestros antepasados. Delibes hace pleno.

Hay algo especial en las novelas de Delibes que hace cosechar tanto éxito en los clubs de lectura, los colegios e institutos, la gran pantalla y hasta el escenario. Un qué sé yo que se une al talento natural del escritor artesano de palabras, fonemas e historias y que consigue ganarse al público y cubrirse de aplausos.

Estrenada el 25 de enero en el Teatro Bellas Artes, “Las guerras de nuestros antepasados” cuenta la historia de Pacífico Pérez, un recluso condenado por homicidio, al que a un psicólogo de la prisión le cuenta su vida, sus sentimientos y su pasado. A través de un extenso diálogo que le otorga un gran dinamismo a la obra, el espectador se adentra en la psique de Pacífico y en la relación con su padre, su abuelo y su bisabuelo. 

En contraste con la firmeza y la crueldad de estos hombres, Pacífico es un hombre cándido, de una sensibilidad casi enfermiza, que no busca librar ninguna batalla – ni siquiera la de su propia existencia – y que lejos de imponer sus propias normas, vive de acuerdo con sus propios valores y sus convicciones morales en una estabilidad pasmosa que no casa con la tradición familiar. 

Si Delibes es indiscutiblemente un factor destinado al éxito (lo hemos visto triunfando en escenarios de toda España con obras como “Señora de rojo sobre fondo gris”, “Cinco horas con Mario”, “Los Santos Inocentes” o “La hora roja”), el talento, la habilidad y el trabajo de fondo que hay detrás de la interpretación de Carmelo Gómez hace que el público quede prendado. Sin duda, estamos ante una de las mejores actuaciones teatrales de esta temporada. Y es que Pacífico es un personaje complicado de interpretar por su condición de enfermo, víctima de unos altibajos emocionales fuertes, que pasa de la pena a la más pura felicidad, de la ternura al llanto y de la melancolía propia del pasado a la esperanza que nos trae el futuro, aunque Pacífico tenga más de lo uno que de lo otro. También hay que añadir que el texto es complicadísimo de defender a causa de los vaivenes temporales del personaje al contarnos su propia historia, las frases que se entrecortan, las ideas que quedan suspendidas en el aire sin llegar a matizarse y el estar interrumpiendo constantemente su monólogo por las toses, las dificultades respiratorias y la angustia vital que siente y padece.

Carmelo Gómez, dotado de un talento inmensurable, nos presenta un personaje de una sensibilidad exquisita y una historia con mucho trasfondo y mucha filosofía. Actor, texto y personaje son una misma cosa.

La novela, publicada en 1975, no pudo escoger mejor momento para dar el salto a las librerías: la Transición. Como un libro bisagra, supone la perfecta frontera entre el viejo mundo y el que estaba por llegar. Sin embargo, la naturaleza humana siempre se abre camino. En un contexto como el actual con guerras presentes en Afganistán, Ucrania, Etiopía, Yemen, Israel y Palestina, la crispación política que atraviesa nuestro país, las guerras comerciales entre EE. UU. y China, los asesinatos y las protestas civiles en Perú o Brasil y la ocupación del Tíbet, esta obra toma un cariz especial, siendo su mensaje más necesario que nunca.

A lo largo de la obra, se nos presenta una sociedad enfrentada y violenta que necesita de las guerras de cualquier índole para poder vivir, como si de la guerra naciera un impulso vital tremendamente necesario para nuestra propia existencia.

El padre, el abuelo y el bisabuelo de Pacífico, marcados por la Guerra Civil, la de Marruecos y la última de las contiendas carlistas, respectivamente, no pueden concebir que el muchacho no tenga una guerra que librar y que nunca llega. La obsesión hecha diálogo: “Tu guerra debe estar al caer, Pacífico”. Surgen los cuestionamientos, las señalaciones y Esa Palabra: ¿Pacífico es maricón? ¿Es Pacífico un hombre realmente?  ¿Está sano mentalmente? ¿Qué le ocurre a este muchacho que detesta las guerras y la crueldad? 

Pacífico cae bien. Pacífico cae de puta madre. “Cada hombre tiene su guerra, lo mismo que tiene una mujer”, a tal conclusión llega el ingenuo Pacífico Pérez quien al final, sin comerlo ni beberlo, ajeno a una sociedad en la que no ha sabido ni querido integrarse, morirá aplastado por quienes dictan las normas y recorren los recovecos del sistema para su propio beneficio. Hecha la ley, hecha la trampa, que diría el refranero popular. Como nos pasa a muchos, desgraciadamente – añado yo –, porque… ¿Cuántos Pacíficos ha podido haber en la Historia de la Humanidad? ¿Cuántas personas deben regirse por unos convencionalismos sociales implantados con los que no concuerda? ¿Están marcados todos los Pacíficos por el mismo sino? 

Esta versión realizada por el prestigioso dramaturgo Eduardo Galán, que ha contado con el apoyo de Carmelo Gómez, natural de León, para adaptar la manera de hablar y hacerla más real, se erige bajo la batuta de Claudio Tolcachir, director de teatro argentino con una trayectoria envidiable tanto en Argentina como en el extranjero. Todo un equipo cohesionado que funciona a la perfección formado por Miguel Delibes, Claudio Tolcachir, Eduardo Galán, Jesús Cimarro, Carmelo Gómez y Miguel Hermoso. 

Una obra que sobresale por la maestría de la interpretación y el debate posterior que surge sobre la justicia, la moralidad y la ética, las nuevas masculinidades, la importancia de marcar la diferencia, el placer de vivir según nuestras normas y la necesidad de, en ciertas ocasiones, plantar un pie y defenderse.

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Retorno al hogar: lo que sucede alrededor de una mesa

“Quien bien te quiere, te hará llorar” seguramente sea uno de los refranes populares españoles que más detesto; con esa cosa rancia y desfasada de tiempos antiguos que desprende el refrán y provoca que se alarguen las palabras más de la cuenta por la caspa que contienen que hace trabarse la lengua a cada movimiento.

En “Retorno al hogar” del Premio Nobel Harold Pinter hay un poco bastante de eso.

“Retorno al hogar” nos sitúa en una casa de Londres plagada de ostracismo, decadencia, envidia, desidia vital, sueños rotos, comida pésima y un ambiente asfixiante que secuestra a los personajes, sin permitirles la libertad ni dentro ni fuera de la familia. Hay algo que no les deja marchar de la casa y, al mismo tiempo, les convence de que echarán de menos aquel ambiente si es que se atreven a abandonarlo. Una especie de “ni contigo ni sin ti” en la que somos lo suficientemente conscientes para detectar la toxicidad y lo bastante cobardes para no querer huir de ella. ¿Y si el ambiente de allá afuera es peor? ¿Y si la burbuja desagradable en realidad es un mecanismo de protección? ¿Y si…?

Hace años que no habita una mujer aquella casa. El viejo Max vive con su hermano Sam y con sus dos hijos, Lenny y Joey. La vida simplemente transcurre, nunca en paz, pero transcurre.

Un día aparece por sorpresa Teddy con su mujer tras seis años sin pisar aquella casa. Ahora vive en Estados Unidos, ha estudiado filosofía y tiene una brillante carrera como profesor y escritor. Parece que lo ha conseguido todo y podría darse por satisfecho, ¿puede que necesite volver? ¿Se siente extraño sin aquella atmósfera? La mala energía de la que se nutre la casa y los roles de cada uno de los personajes realmente son los protagonistas. Porque esta historia no va de Teddy, de Ruth, de Max, de Lenny, de Joey o de Sam. Va de los roles que asumimos los seres humanos en nuestros grupos o en la sociedad, de las burlas y los miedos, las herramientas que tenemos para defendernos o del orgullo que nace en situaciones desagradables. De aquellos hombres que sólo saben lanzar piedras a su propio tejado para absolutamente todo: con tal de llevar razón, para no asumir sus propios fracasos, para fingir que no existe el miedo (no es que no haya miedo, directamente no existe), para no tener que enfundarse en el perdón o en el cariño…

Pinter juega con los personajes, los diálogos, las acciones, los silencios y enreda la escena en un caos de tensión y una marea de resentimiento y reproches: la comida, la filosofía vital, la ropa, los hobbies, las decisiones, la imagen sobre el otro…

Lo que más he disfrutado del texto es la participación del público, ya que, siguiendo su estilo único, su estela rebelde y su personalidad irreverente y provocadora, Pinter parece saltarse algunas páginas o momentos, como si viéramos una vieja cinta casera en VHS en la que hay partes borradas por el tiempo, aunque su esencia sí se deja entrever. Es ahí donde el espectador – actuando una vez más como voyeur frenético – debe formar parte activa de la historia y tirar de su imaginación para unir las piezas y los detalles de la escena y los diálogos y rellenar esos huecos mínimamente perceptibles con sus propios detalles, añadiéndolos de su propia cosecha para dar redondez a la trama.

Esta versión a cargo de Daniel Veronese (Premio Max Iberoamericano) cuenta con la participación de un equipo actoral de primera con rostros tan conocidos como Miguel Rellán, Alfonso Lara, Fran Perea, David Castillo, Juan Carlos Vellido y Silma López. Todo un equipo cohesionado, pese a los malos rollos entre los personajes, que se ha tenido que enfrentar – y no es tarea fácil – al estilo de Pinter y adaptarse a sus juegos poco convencionales y carentes de lógica.

A través de la más absoluta cotidianeidad, pues toda la obra transcurre en un salón y alrededor de la mesa, se recrea un ambiente cargado de tensión y provocación.

Estrenada en 1965 bajo el nombre “The Homecoming”, esta obra se representó por primera vez en España en 1970, en una sesión única que acogió el Teatro Marquina bajo la tutela de Luis Escobar, todo un referente en el mundo del teatro. Después llegarían otras representaciones en la Sala Olimpia con un Javier Cámara treintañero o el Teatro Nacional de Catalunya en el año 2007 y ahora en el Teatro Fernán Gómez.

De EE. UU. a Londres y de Londres en un viaje itinerante por teatros de Madrid, Murcia, Guadalajara, Burgos, Málaga, Toledo y Rivas Vaciamadrid. Con la casa y la tensión a cuestas, nuestros protagonistas tienen trabajo por delante.

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Señora de rojo sobre fondo gris: la historia de amor más puro

El gol de Iniesta. Aquel “Pedrooooo” de Penélope Cruz en la gala de los Óscar del 2000. El pendiente perdido de La Faraona o ese “yo he venido a hablar de mi libro” espetado por Francisco Umbral.

Son hitos que forman parte de la memoria de los españoles; como si estos momentos recogieran de algún modo lo que somos, nuestra esencia. A esa lista, yo también añado la voz de Pepe Sacristán. Porque él lo vale.

Parece que las novelas de Miguel Delibes estaban hechas para ser representadas en el teatro. Y triunfar, por supuesto. Ya lo vimos en su momento con Lola Herrera y sus “Cinco horas con Mario” – porque son sus cinco horas con Mario – que ha interpretado desde 1979 hasta 2022. También se han llevado al teatro otras novelas como “La hoja roja” o “Las guerras de nuestros antepasados”, que se estrenará en el Bellas Artes en febrero de 2023. En “Señora de rojo sobre fondo gris” también se recoge la muerte, la soledad, la memoria sentimental, el paso del tiempo, las cosas que se quedaron por decir a quien ya no está y el amor como el sentimiento más puro. El texto nace como un recuerdo y un homenaje póstumo a la mujer del escritor que Sacristán sabe reconocer, valorar y engrandecer. No en vano, el propio Sacristán fue amigo del escritor y éste le concedió los derechos para versionar la obra. Al final del monólogo, tras los aplausos correspondientes totalmente merecidos, cae un solemne “en honor de Ángeles de Castro, puesto que, sin ella, sin su aliento, sin sus ánimos, no conoceríamos muchas de las obras de Delibes”.

Tal y como comentó el escritor en su momento, aquella mujer sensacional fallecida de un tumor cerebral a los 51 años y que, con su sola presencia, aligeraba la pesadumbre de vivir, fue su mitad. 

Estamos en 1975, Nicolás es un pintor prestigioso en plena crisis creativa. Consumido por la tristeza y el estrés por la incapacidad de pintar y de que acudan los ángeles (las musas), evoca recuerdos tristes de su vida. Por un lado, la detención de su hija y su yerno por motivos políticos. Por otro lado, la enfermedad y la muerte de su mujer, Ana, que le hace abandonar la pintura, descomponerse y preguntarse cómo va a vivir a partir de ahora. ¿Cómo se combate la soledad, la pesadumbre, el abandono?

Es curioso cómo un solo actor abarca el escenario por completo y lo llena. No resulta difícil de creer tratándose de un actor que arranca desde la pasión y ha sabido escoger su trabajo en base a la auténtica vocación. ¿Qué diría aquel niño que venía de la tierra de los ajos si se viera a sí mismo ahora sentado desde una butaca? Al trabajar con pasión y desde el buen hacer, se nota que el texto es completamente suyo: las pausas para rellenarse la copa, las miradas al vacío, la modulación de la voz en según qué momentos… Es tan impresionante el talento de este hombre que hasta los silencios los llena, creando en el espectador un cierto desasosiego en compenetración con el ambiente de la obra.

En “Señora de rojo sobre fondo gris” nos encontramos un escenario lúgubre, deshabitado y descuidado. La buhardilla le sirve como refugio para evadirse de sus pesares, si no los llevara dentro y a cuestas. Hay cuadros sin terminar porque los ángeles no acuden – ¿es posible que estén ocupados acunando a alguien? –, el polvo se acumula, las botellas de licor parecen más vacías cada vez y aquella chaise longue de estilo victoriano hace mucho que no siente a dos amantes cobijarse en su tela. Y en el medio de aquel escenario, un hombre solitario con mirada lánguida nos narra sus miedos.

No es de extrañar que el Teatro Bellas Artes cuelgue a menudo el cartel de “todo vendido” o sold out, salvo que ahora se cuelga en sus redes sociales. Tiempos modernos, supongo, aunque con la esencia de siempre.

Eso sí, a los espectadores les aconsejo apagar los móviles completamente, evitar los excesos de tos y levantarse para aplaudir en cuanto acabe la obra. Ahora sólo queda preguntarse quién será el guapo que se atreva a rescatar este texto en un futuro (esperemos que muy lejano) y competir con semejante actor; la sombra de Sacristán es alargada.

 

Y como conclusión que me atrevo a compartir, diré que la obra supone un alegato a favor del arte, que siempre queda, como una forma exquisita de alcanzar la inmortalidad. Así pues, tanto la novela, como la obra como el retrato de Eduardo García Benito realizado en 1962 nos presentan la historia de amor y duelo de Miguel Delibes y Ángeles de Castro, uniéndoles no sólo a través del amor, también a través del arte y la cultura por toda la eternidad.

Quizás su amor, como tantos otros, también forme parte de la memoria sentimental de este país.

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‘Tick, Tick… Boom!’: hay muchas formas de estallar

El Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío apuesta por un musical innovador y revolucionario

30. Los años que tenía Harrison Ford cuando le dieron su primer papel importante como secundario en ‘American Graffiti’: y de ahí a la historia del cine. 33. La edad que tenía Jan Koum cuando desarrolló Whatsapp, la aplicación por excelencia. 32.  Los años de J.K. Rowling cuando publicó ‘Harry Potter y la piedra filosofal’, la primera novela de una de las sagas más importantes hasta hoy. Hay vida después de los 30, y quien diga lo contrario, miente.

(…) como si los 30 fuesen una barrera imposible de franquear.

Aceptar que nuestro tiempo se acaba es probablemente el mayor de los retos al que se enfrenta el ser humano. A contrarreloj, sentimos como se esfuman nuestros sueños, y la frustración y la sensación de fracaso se apoderan de nosotros como si los 30 fuesen una barrera imposible de franquear. Como si no existiese margen de maniobra. Como si la resignación fuese la única opción. 

Sin embargo, en un mundo en el que imperan la ansiedad y el estrés, donde está de moda no arriesgarse y no salir de la zona de confort, hay quienes deciden aferrarse a sus sueños. A pesar de que estos suenen en nuestra cabeza como la cuenta atrás de una bomba dispuesta a estallar en cualquier momento. 

Jonathan Larson (Daniel Diges), Michael (Julian Fontalvo) y Susan (Anabel García) son solamente tres más de los tantos que en los años 90 eligen Nueva York como destino para probar suerte en el mundo de lo musical, lo dramático, lo artístico. Tres más que reflejan el sino al que la mayor parte de ellos está abocado. El destino al que solo los más valientes se enfrentan. 

Michael, quien prefiere rodearse de lujos para no hacer frente a una realidad que lo persigue de forma casi aterradora. Susan, quien no ha dudado en bajar el listón de sus sueños para poder considerarse más feliz. Jonathan, quien se agarra a sus sueños, se atrinchera y se prepara para todo lo que venga: el aspirante a compositor que trabaja de camarero en Nueva York mientras escribe lo que espera que sea el próximo gran musical americano.

Un espectáculo que, con solo un piano, una buena banda y tres actores, crea la más especial de las historias.

Hay ocasiones en las que hasta los acontecimientos más inesperados acaban sucediendo. O si no que se lo digan a algunos como Jonathan Larson que, en el mismo lugar en el que sólo triunfan las fórmulas repetidas de Broadway, consiguen que gane lo revolucionario, lo innovador, lo especial. 

Fue la película de Netflix estrenada el pasado 2021 protagonizada por Andrew Garfield ‘Tick, Tick… Boom!’ la que abrió la veda y dio paso a un espectáculo que, con solo un piano, una buena banda y tres actores, crea la más especial de las historias.

Si algo se escapa de toda razón y entendimiento es el hecho de que nunca podremos hacer nada contra unas agujas del reloj que avanzan incesantes a nuestro paso. Quizá, lejos de huir, debamos hacer frente y dejarnos llevar por ese ‘tick’, ‘tick’, ‘tick’, tan caprichoso y sobrecogedor que retumba en nuestra cabeza. Puede que perderse de la forma más inesperada sea el comienzo de la gran historia de nuestra vida. Y la única forma posible de estallar. 

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Lavar, marcar y enterrar, o el multiverso pop criminal

¿Qué pasaría si metes en una coctelera – con brilli brilli, por supuesto – a Andy Warhol, a Pedro Almodóvar, a Agatha Christie y a Arantxa Castilla – La Mancha?

Tras seis años en cartel, más de 20.000 espectadores y ser candidata al premio Max Autor Revelación en 2015, la trilogía de nuestra peluquera en serie favorita surge de nuevo…, pero esta vez en formato musical. “Lavar, Marcar y Enterrar, el musical” es una comedia divertida y disparatada donde brillan las pelucas, los tintes, los peinados imposibles y ¡hasta tres extrañas criaturas!

¿Cuáles son sus historias? ¿Qué secretos esconde la peluquera de “Cortacabeza”? ¿Estarás en disposición para abrir sus puertas y convertirte en cómplice (y fan incondicional) de sus extravagancias?

 

Tras mucho esfuerzo, nuestra protagonista consigue cumplir su sueño: abrir una peluquería en la que desatar toda su creatividad, acompañada siempre de su fiel (y mal pagado) ayudante. Sin embargo, hay ciertas personas empeñadas en truncar su sueño hecho realidad. Y, por supuesto, luchará con secador y laca Nelly para no dejarse pisar por nadie.

Nacida como una versión del texto original de Juanma Pina gracias a José Masegosa, el musical, completamente renovado, se tiñe – nunca mejor dicho – de un aire burlesque, cabaretero y pop, con canciones y diálogos con mucho ritmo (yeyé) y unos personajes a cada cual más estrambótico, gracioso y pintoresco. A través de canciones divertidas, algunas veces escatológicas, y escenas que se mueven perfectamente hiladas entre el terror, la más pura cotidianeidad y el cachondeo, se introduce al espectador en la historia de la propia peluquería que, realmente, es la protagonista. Y, aunque pueda parecer algo vano, este musical va más allá de coreografías, pelucas, decoración vintage y la historia cómica de dos atracadoras muy bien peinadas, pero algo torpes para con su misión. El musical nos habla de temas tan interesantes como el Orgullo Friki, la liberación de la personalidad, el rechazo profundo a la normalidad, el culto al universo pop (al que los raros le debemos darnos un hueco en la sociedad, muchos referentes y combatir el sentimiento de individualidad) y, por supuesto, la lucha por cumplir los sueños.

 

Si Alaska creó la funcionaria asesina en el 86, ¿por qué no esperar lo mismo de una peluquera? ¿Por qué no añadir a la fórmula esa especie de electroduendes y conformar así un multiverso pop criminal?

 

El musical refleja la historia de la peluquería y de los personajes que allí habitan, transcurriendo por el pasado, presente y futuro de manera indiscriminada, pero siempre con la comedia como centro y sin hacer perder el punto de referencia al espectador. Quizá, lo que menos me ha gustado es que, al principio, parece que el ambiente del musical atrapa y ahoga demasiado rápido al espectador y cabe preguntarse “¿pero qué pasa? ¿Qué invento es esto?”, pero transcurridas un par de escenas, el espectador se adentra completamente en la obra y su esencia. Lo que más he disfrutado es que todo el elenco de intérpretes parece manejar perfectamente la vis cómica de la obra, crear un ambiente propicio para las risas y dejarse llevar por la absurdez y las coreografías.

 

 

Con una puesta en escena innovadora y un halo de misterio sobre las criaturas terroríficas que habitan la peluquería que se va desvelando según avanza la obra, “Lavar, Marcar y Enterrar, el musical” nace como el plan perfecto para pasar una tarde de risa, entre otras cosas, gracias al talento de los intérpretes, las letras de las canciones y los diálogos cómicos que surgen entre los personajes. Nadie ajeno al disparate y al escape de la rutina diaria debería perderse esta comedia que destila talento. 

 

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Marco Moncloa: “La Zarzuela tenemos que hacerla y exportarla desde España porque es un género español”

Tras 35 años sobre el escenario, Marco Moncloa es ya todo un veterano de la Ópera y la Zarzuela que representa el arte de nuestro país. Con la intención de acercar el género lírico a todo el mundo, participa como actor, cantante y director en un proyecto tan pionero y revolucionario como es el I Festival de Zarzuela y Ópera que se celebrará en el Teatro Amaya del 20 de octubre al 13 de noviembre de 2022. En él, se presentarán obras tan emblemáticas como La Gran Vía, Rigoletto, La Corte de Faraón o La Revoltosa: signos de identidad de la lírica.

¿Cómo surge la idea de organizar esta primera edición del festival?

Nosotros desde L’Operamore queríamos traer y acercar el género lírico, un género que creemos que está bastante abandonado por parte de las instituciones públicas. Yo vengo de tres generaciones de zarzuela, le tengo mucho respeto y mucho amor.

Participas en varios de los títulos como actor y cantante, pero además eres el director artístico del festival y escénico en algunos casos, ¿cómo es compaginar tantas facetas diferentes?

Realmente yo soy barítono. Toda mi carrera la he hecho cantando pero siempre he estado muy ligado y muy cerca de la interpretación. Valoro tanto cantar bien como actuar bien, porque creo que un artista es eso, si no es solamente un cantante. Para mi hay dos tipos de personajes: el cantante que canta y hace música y el artista que canta, hace música, y también hace emocionar al público. Yo busco eso en todas mis actuaciones y es lo que exijo ahora en los montajes. Me he atrevido a dirigir y, lógicamente, después de 35 años sobre las tablas quiero poder enseñar a gente joven que está en este proyecto a desenvolverse encima de un escenario.

¿Cuál ha sido el mayor reto para ti?

El mayor reto lo estoy teniendo a diario a la hora de dosificar. Los cantantes líricos que cantamos ópera y zarzuela somos un poco frágiles, tenemos que tener reposo, dormir bien nuestras horas de sueño… Es como hacer vida de deportista de élite. Si entrenas más de la cuenta te puedes lesionar, si no descansas te puedes lesionar, si tienes mucho estrés puede provocar agotamiento muscular y todo esto llevando la producción y la dirección es realmente el mayor reto.

Este festival tiene unos precios bastante asequibles y esta puede ser una oportunidad para acercar el género lírico a todo el mundo.

Es una gran oportunidad viendo lo que se está haciendo por ahí y la poca oferta que tiene el público que quiere ver zarzuela, y no solo durante 5 o 10 días al año. Creo que era necesario un teatro que aunque sea de una forma modesta, ofrezca al público títulos emblemáticos con el mayor de los respetos.

¿Pasa lo mismo con la ópera?

Hay un público que no conoce la ópera y que le gustaría hacerlo, pero no puede acceder a pagar los precios de, por ejemplo, la única casa de ópera que tiene Madrid que es el Teatro Real. Yo creo que Madrid necesita un teatro que tenga una cierta programación a unos precios asequibles.

Madrid necesita un teatro que tenga una cierta programación a unos precios asequibles

¿Cuánto cuestan las entradas para el I Festival de Ópera y Zarzuela?

Nosotros tenemos entradas desde 14 euros, hasta la más cara que son 50. Bastante menos que cualquier comedia musical de las que se ven hoy en Madrid.

¿Qué van a poder encontrar en este festival?

Van a ver algo muy serio, muy trabajado, con muy buenos profesionales que mezclan tanto a aquellos que están deseando comerse el escenario y necesitan una oportunidad de demostrar que tienen una voz y una valía, como veteranos de toda la vida que pisan muy fuerte: Carmen Aparicio, Ricardo Muñiz, Amelia Font, Teresa Castal, Didier Otaola… Gente que lleva muchos años haciendo grandes producciones a nivel nacional y que quieren apostar por el género y poner su granito de arena en este festival del teatro Amaya.

¿Con qué quedarías satisfecho, es decir, que esperas de parte del público para  poder decir: ha merecido la pena el esfuerzo?

Yo me daría por satisfecho si el festival empieza con un público y poco a poco se va llenando la sala. Ese sería mi éxito.

Todas las obras que representáis son imprescindibles y tienen solera en nuestra historia, ¿qué las hace tan especiales?

Son las joyas de la lírica española y del género chico. La composición orquestal y los libretos son maravillosos y enseñan muy bien lo que era el Madrid de la época. Hemos elegido unos títulos que van a encantar, que van a hacer disfrutar y con los que vamos a poder enseñar la forma clásica de hacerlo. Para mi lo transgresor es que vamos a poder hacerlo tal y como quería el compositor, pero desde un punto de vista actoral moderno respetando lo que querían los autores, tanto de música como de libreto.

Hemos elegido unos títulos que van a encantar, que van a hacer disfrutar y con los que vamos a poder enseñar la forma clásica de hacerlo

En concreto La Corte de Faraón se dice que es “fácilmente adaptable a los gustos actuales”, ¿A qué se refiere?

Tiene unos tintes eróticos, sensuales y es muy cómica pero también hay partes vocales muy serias. Puede gustar a cualquier tipo de público: al joven porque no esperará reírse tanto con unas situaciones muy simpáticas, y luego musicalmente es una especie de mini-ópera. El número de presentación de La Corte del Faraón es muy grandioso, muy Aida.

¿Y Rigoletto?

Con la ópera Rigoletto queríamos demostrar también al Teatro Amaya que no solo hay un público al que le guste y quiera ver zarzuela sino también ópera, y que no puede asistir al Teatro Real pero que quiere ir a ver los títulos de siempre. Además, otro público al que queremos acoger es aquel que no ha ido nunca a la ópera y está buscando la oportunidad de hacerlo. Hacemos esta primera incursión con mucha esperanza y mucha ilusión.

La Ópera y la Zarzuela son dos géneros que muchas veces no tienen el protagonismo que merecen o no despiertan el interés tanto como otros, ¿a qué crees que se debe?

La ópera es un tema aparte, porque es algo internacional: un coreano, un norteamericano, un alemán, un inglés conocen Rigoletto. La ópera se hace en todas las casas de ópera de todo el mundo, hay unos cuantos cientos de teatros de ópera, pero la zarzuela no. La zarzuela tenemos que hacerla y exportarla desde España, porque es un género español. En su día, cuando mi madre y mi tío dirigían, conseguimos exportarlo y hacerlo por todo centro de América, Sudamérica, Japón, Israel, Australia, Atenas… y la gente bramaba, y eso que eran extranjeros y no entendían el idioma, solo sentían la música, escuchaban, veían los bailes, las coreografías. Y esto se ha ido perdiendo porque el español en general es un poquito acomplejado, y pensamos que lo de fuera es mejor que lo nuestro.

¿Cómo podríamos cambiar eso?

Yo creo que son las instituciones las que deben actuar. Hay que exigir que el dinero público vaya también para colegios y sepan, al menos, que una vez al año existe un género como este y que igual que llevamos a los niños a ver una obra de Pío Baroja o de Valle-Inclán, pueden ir a ver Zarzuela y darse cuenta de que esto es nuestro. Esto tan bello, esta Verbena, esta Revoltosa, estos Gigantes… Pero es una tarea pública más que privada.

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Una y otra vez, ‘Cantando bajo la lluvia’

Àngel Llàcer,  Manu Guix y Miryam Benedited llevan el musical al Teatro Nuevo Apolo de Madrid

Entre flecos, lentejuelas y perlas que danzan en zapatos que acostumbran a moverse al ritmo de la música. Así es como ‘Cantando bajo la lluvia’ constituye toda un explosión de brillos y colores que nos hacen trasladarnos 100 años atrás: a nuestros queridos años 20

Por aquel entonces tuvieron lugar muchos acontecimientos reseñables en nuestra historia, entre ellos el paso del cine mudo al sonoro y con él una estela de películas y musicales que se han convertido en todo un clásico. Algunos en los mejores de todos los tiempos, y ‘Cantando bajo la lluvia’, con el inconfundible guión de Betty Comden y Adolph Green, no es sino uno de ellos. 

Tras su éxito en Barcelona como el espectáculo más visto de la temporada, el musical aterriza en el escenario del Teatro Nuevo Apolo de Madrid con la intención de conquistar la capital que, no olvidemos, cada vez lucha con más fuerza por conseguir su merecido tercer puesto después de Nueva York y Londres. El tándem perfecto que forman Àngel Llàcer, Manu Guix y Miryam Benedited reaparece dispuesto a darlo todo.

El elenco formado por Miguel Ángel Belotto en el papel de Don Lockwood y Diana Roig como Kathy Selden es una gran forma de completar un engranaje que solo puede tener un espectáculo de estas características. Ricky Mata encarnando al mismísimo Cosmo Brown y Mireia Portas en la piel de Lina Lamont son una más de las ruedas de este circuito que completa un equipo técnico que hace posible lo imposible. Verán ahora de qué les hablo. 

El mayor dilema o responsabilidad al que puede enfrentarse un actor de musicales es cómo ser fiel a la película que interpreta. A su personaje. Bien, la respuesta es fácil para Belotto, quien lleva un tiempo enfrentándose al reto de interpretar a Don Lockwood: “la película es un referente súper importante, pero no puede ser nunca una losa que nos pese”. Por eso, destaca la importancia de quedarse con la esencia pero transformarla y “que sea una Kathy Selden-Diana Roig y un Don Lockwood-Belotto. Siempre hay algo de nosotros en el personaje”.

“Hemos querido mantener muchas cosas que ya directamente son guiños a la película”, comenta Diana Roig. Quizá con esto podamos explicar que el teatro por un momento se olvide de sus limitaciones y haya conseguido que llueva. Sí, que llueva dentro del teatro. Lo que convierte al musical en “técnicamente una locura”, afirma la protagonista. 

‘Singin’ in the rain’ y ‘All I Do Is Dream of You’ son las dos únicas canciones que serán interpretadas en inglés: “porque han sido creadas así y no nos imaginábamos cantándolas de otra manera”, comenta la pareja protagonista. Sin embargo, otras como ‘Good Morning’ sí han sido traducidas y adaptadas para que los espectadores puedan comprender toda la trama y el argumento de la historia. 

El lenguaje de Gene Kelly y Donald O´Connor es único, y Belotto y Roig tenían que buscar su propia forma de llevarlo ante un escenario y un patio de butacas, donde no existe la voz de corten, ni la posibilidad de repetir escenas o de cantar y bailar por separado. Ellos tienen que dosificar su energía en ocho funciones semanales, sin margen de error y repletas de un gran sacrificio que solo puede sanar un público de pie tras cada actuación. 

Esta versión del clásico recuerda a más de uno a Broadway. Quizá porque se cuida hasta el más mínimo detalle. Por el trabajo, el esfuerzo y el cuidado que hay detrás de cada movimiento de los artistas. De quien tiene las tablas necesarias.

En palabras de Belotto, asistir a este musical, a esta expresión de arte, es lo mismo que ir a un lugar donde la gente “se divierte, se enamora, descubre la historia del cine y se traslada”. A esos años 20 que tanto nos regalaron. Tanto que 100 años después seguimos queriendo recrearlos cantando siempre bajo la lluvia. 

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Bob Pop, ¿el referente de los referentes?

Su monólogo ‘Los días ajenos’ llega al Teatro La Latina de Madrid cargado de una aplastante sinceridad

Sobre lo extraordinario y lo ordinario. Sobre el talento y la identidad. Sobre aquello que puede parecer lo contrario. La antítesis del otro.  La opción alternativa. ¿Quién soy?, una simple pregunta que puede dar tanto de sí que responder nos lleve toda una vida. Y esto es precisamente lo que trata de hacer Bob Pop. Y, quién sabe, puede que hasta lo haya conseguido.

Para Roberto Enríquez, el talento y la identidad son “la misma cosa” y admite que no es nadie sin los demás: “soy como todo el mundo”. Para quien leer tiene mucho más sentido y veracidad que escribir resulta sencillo tomar a unos cuantos (o muchos) como referentes que contribuyen a convertirle en aquello que es hoy. “Los que han dado la cara lo han hecho porque han triunfado”, afirma, pero puede que haya quienes triunfen porque dan la cara, y no al revés. Y no está mal pensar que en su caso ha podido ser así. 

Llegar al Teatro La Latina de Madrid y ver en lo alto el cartel de tu espectáculo debe ser una de esas sensaciones que no se olvidan en la vida. “Una barbaridad”, como diría Bob. Para alguien que ha puesto su grano en todo tipo de espacios televisivos y radiofónicos y que le han permitido aprender a  “leer al público, a olerlo y a escucharlo“, un teatro debe ser el mayor de los regalos. Y eso es lo que son sus ‘Días ajenos’.

Una vez publicados sus dos volúmenes se pregunta: ¿Por qué no hacer algo distinto? Con la aprobación de su co-director Andrés Lima y la seguridad que esto le aportaba, decidió convertirlos en teatro y lanzarse al vacío con una propuesta que en todo momento entiende quién es, desde dónde y para quien habla. Porque tal y como dice Bob: “las historias al final no son solo propias, nos acogen a muchos y probablemente nos encontremos reflejados, nos den pistas, lugares o caminos de escapada”

Y aunque nadar a contracorriente no es fácil, incluso para quien se define a sí mismo como “un error del sistema”, en esta tónica se mantiene y se ha mantenido toda su vida. En encontrar esa bocanada de aire, esa tierra avistada, ese chaleco salvavidas que aparece cuando y donde lo necesitas. Todos nos perdemos y ‘Los días ajenos’ de Bob Pop nos demuestran que podemos encontrarnos.  De hecho, es de esa pérdida de la que surge este espectáculo: “a lo mejor lo que queremos hacer es algo que a la gente le parece un disparate pero con el tiempo estamos viendo que hay posibilidades de vida, de futuro”, afirma Pop. 

Según van pasando los años, las preguntas que nos forman y nos conforman empiezan a verse difusas en el tiempo y sustituidas por otras que llevan una connotación de arrepentimiento o de orgullo. ¿He hecho todo lo que debería? ¿Lo he hecho bien? ¿El niño que fui estaría orgulloso de lo que soy? Para alguien que lleva la libertad por bandera es quizá más fácil que para el resto sentirse orgulloso de todo lo que ha hecho y dicho: “A veces siento que no lo he dicho de la precisa manera en la que me habría gustado. Pero no me arrepiento de haber dicho nada de lo que he dicho nunca”, concluye. 

Y, aunque el niño que fue se encuentre con el desconcierto propio de quien ve toda su vida pasar como una montaña rusa, diría: ¡Madre mía, todo lo que he logrado! Y tras buscar referentes para sí mismo, puede que hasta pueda verse convertido en uno de ellos.

Colaboración: Alejandro Pérez

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Antonio Márquez: “Cuando conozcan ‘Medea’ van a estar buscando este género cada día”

El bailarín y coreógrafo sevillano presenta a su compañía en el teatro EDP Gran Vía de Madrid

Toda una vida repleta de dedicación, esfuerzo y sacrificio es lo que ha costado al artista Antonio Márquez llegar a donde está hoy. “Yo seguiría dejando el alma cada día en el escenario como si fuera la primera y la última vez”, son las palabras de quien acostumbra a apostar por el arte, la danza y por aquellas obras que lejos de merecer ser olvidadas, tratan de abrirse un hueco entre los escenarios y teatros del mundo. Y así es ‘Medea’

Casi cuatro décadas después de su estreno la obra sigue siendo considerada como uno de los momentos culminantes del ballet teatral flamenco. Mérito que se debe atribuir a la música de Manolo Sanlúcar, la coreografía de José Granero y al libreto de Miguel Narros, quien a día de hoy sigue siendo todo un referente para bailarines y coreógrafos. 

La pieza ha estado siempre en manos del Ballet Nacional y este “no ha sabido tratarla”, afirma el bailarín. Tanto es así, que el heredero ha decidido que no debería quedarse en los baúles y contrató a Antonio y a su compañía para que pudieran “poner la obra donde debe estar: en el mismo sitio en el que está una Giselle o una Carmen de Roland Petit ”. El artista aboga por dar a este tipo de obras clásicas y a la danza “la repercusión y el sentido” que se merecen. Porque “a ‘Medea’ o la ven aquí y la ven ahora o dios sabe cuándo lo harán”, sentencia Márquez.  

Recuerda el día que se rebeló ante el “no” de su jefe y decidió presentar un espectáculo de flamenco en la Ópera de la Bastilla de París. El público, el escenario y el teatro colapsaron. El mismo público que acostumbrada a salir quince minutos antes de los espectáculos se quedó media hora más aplaudiendo. Media hora. Y eso lo consiguieron el flamenco y Antonio Márquez. “Un director de un teatro no puede ser exclusivo, debe ser neutral y entender que tiene público de todo tipo. Tu dale buen género y verás cómo responde”, asevera el sevillano. 

Quizá sea por esto mismo por lo que el escenario es su sitio. Como dice el refrán Zapatero a tus zapatos. Y qué razón tiene. “A mí dirigir no me ha gustado. A mi me ha gustado siempre formar a los bailarines, transmitirles mi energía, mi pasión. Para mi eso es lo mejor, sentirme bailarín, dirigido”, comenta. 

A día de hoy los bailarines salen del conservatorio preparados pero necesitan clases y lugares que los acojan y donde puedan desarrollarse. Sin embargo, muchos de ellos acaban trabajando en algo totalmente alejado de su pasión.  “Te da pena ver esto, que es nuestro, esta cultura y que poco la cuidan para que estas personas tengan que estar donde tienen que estar: bailando”, se lamenta.

Para la compañía no ha sido fácil llegar a dónde están hoy: “hemos tenido que sustituir a varias personas de la compañía y eso nos ha quitado tiempo de clases, ensayos y de poder seguir con el repertorio habitual”, afirma Márquez. “Pero así es como se cogen realmente las tablas, el sentido de la compañía y como todos  acabamos respirando igual”. 

Las bailarinas Helena Martín como Medea y Lupe Gómez como la Nodriza, y el bailarín Luis Ortega como Creonte son algunos de los que forman parte del equipo de más de 23 personas que cuentan con “una disciplina tremenda y sobre todo están enamorados de lo que hacen cada día”. 

Y es que la danza, en palabras del bailarín, al igual que todas las artes debe tener el poder de comunicar. De transmitir. Los pasos acompañan, el cuerpo acompaña pero: ”lo importante de todo eso no es ejecutarlo sino hacer sentir al público. Hacerle vibrar con lo que tú sacas de dentro”

Por eso ‘Medea’ es importante y por eso la compañía de Antonio Márquez lo hace tan bien. Porque lo saca de dentro y es capaz de reconocer con la cabeza bien alta que “el día que la conozcan van a estar buscando este tipo de género y de compañías cada día”

 

Colaboración: Alejandro Pérez

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A Chorus Line, el musical que cuenta la historia de los de Broadway

Las personas acostumbramos a hacer fila para todo. Fila en el patio del colegio, fila en la compra, en el banco, en las urgencias del hospital, en las oficinas de administración. No es raro ni inusual para nosotros colocarnos en posición, expectantes, aunque muchas veces ya sepamos lo que viene después. Los artistas, los bailarines, los cantantes, los talentosos, y muchas veces los incomprendidos, forman su fila en Broadway e, inevitablemente, también saben lo que ocurrirá: ¡Gracias, ya te llamaremos! Y rumbo al próximo casting. 

En un mundo donde parecen tener cabida solo los mejores, A Chorus Line cuenta la historia de unos soñadores, resilientes y valientes que parecen resumir su vida en ir audición tras audición, derrota tras derrota, o éxito tras éxito agridulce. Nada más lejos de la realidad. Lo que parece ser una prueba más en la que demostrar sus virtudes artísticas y volver a casa con la frustrante sensación de no conseguir aquello que se desea, se convierte en un recorrido por los miedos, las experiencias, la infancia, adolescencia y madurez de unos personajes que parecen tener mucho que contar… ¿Cuál es tu historia?

El flamante musical de Michael Benett, James Kirkwood y Nicholas Dante, bajo la producción de Antonio Banderas, se propone hacer historia. Y lo consigue. Habrá quienes se pregunten por la trama, la trama, señores, es la vida. Nuestras experiencias más dolorosas, nuestros sueños incumplidos, ambiciones, crecimientos y procesos. Una historia que parece no contar nada pero que lo cuenta todo, que no necesita historias enrevesadas de planteamiento, nudo y desenlace, que es por sí misma, que muestra, que retrata, que relata, que canta los pretextos de unos pocos y lo que hay detrás de muchos. 

En A Chorus Line no se trata de destacar. Puede que no tenga un número estrella como sí lo tienen otros musicales, ni un personaje que brille con más luz que el resto, ni una historia que conmueva más que la otra. Y eso es lo que pretende. La vida no solo es lo grandioso, lo espectacular, lo que brilla, lo complejo o lo complicado. La vida es. Y punto.  Es vulnerable, son nuestros miedos nuestros éxitos, derrotas y victorias. Es lo que solo es nuestro. Es de estos personajes. 

En cuanto al reparto, no se puede sino hacer mención a todos aquellos artistas que forman parte del show. Angie Alcázar, Tomy Álvarez, Lucía Castro, Alex Chavarri, Javier Cid, Aaron Cobos, Anna Coll, Fran Del Pino, Daniel Délyon, Sonia Dorado, Roberto Facchin, Daniel Garod, Bealia Guerra, Pep Guillém, Cassandra Hlong, Ariel Juin, Flor Lopardo, Joan López-Santos, Juan José Marco, Graciela Monterde, Fran Moreno, Marcela Nava, Ivo Pareja-Obregón, Lucrecia Petraglia, Estibalitz Ruiz,  Aida Sánchez, Lorena Santiago, Sarah Schielke y Victor González. Son todos protagonistas. Tampoco necesita una gran escenografía, bastan unos cuantos espejos y unos pocos golpes de luz para contar lo que se quiere contar. Apuesta por lo simple, y por un maestro de ceremonias de la talla de Manuel Bandera, quien armoniza a más no poder. 

A Chorus Line, el mismo que estuvo quince años en cartel en Broadway, el del Pulitzer, el que Michael Douglas llevó a la gran pantalla. El de los espejos, los números musicales, las filas y las audiciones. El que cuenta historias: la historia de los de Broadway.

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El Mago Pop: el arte de desafiar a lo imposible (y salir ganando)

Aquí va una confesión que Harry Potter, Houdini y cualquiera que haya dicho alguna vez «abracadabra» desaprobaría negando con la cabeza y alejándose un poquito de mí: no me gusta la magia. Más bien, no me gustan los trucos de magia.

Que adivinen la carta en la que estaba pensando, que me roben la nariz o que se pasen un pañuelo de una oreja a otra me fascina, de verdad. Pero como no sé cómo lo hacen, me frustro y termino enfurruñada hasta que se me olvide el disgusto o busque (sin éxito) la razón por la que eso parece posible.

Por eso, cuando fuimos a ver «El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)» en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid, mi ilusión nacía principalmente de la adrenalina que una siempre siente cuando pisa el teatro. Entré emocionada por enseñar la entrada a la acomodadora antes de indicarnos nuestros sitios de entre todos los que ya estaban llenos. Con la adrenalina de adentrarme entre las butacas llenas de miradas brillantes de expectación que iban dirigidas hacia el escenario. Entré como una simple espectadora de un show.

Y salí mágica.

Antonio Díaz es el nombre detrás del título «Ilusionista europeo más taquillero del mundo» y «Estrella de la Magia» en Netflix, formando parte de las pantallas de más de 190 países en todo el Globo. Es la persona que ha dejado a Antonio Banderas, Penélope Cruz y Stephen Hawking, entre muchos otros millones de espectadores, maravillosamente confusos y fascinados a partes iguales.

Ha estado en nuestras televisiones, tablets y sobre diferentes escenarios. Incluso aunque no hubiésemos visto nada de él, sabríamos decir de quién se trata. Porque lo único imposible de todo el espectáculo es no disfrutar cada vez que habla.

Y sobre todo, cada vez que hace magia. Porque lo que hace Antonio Díaz no son trucos, una manera de pasar el rato o el momento en el que chuleas de algo que sabes delante de tus amigos. Lo que hace es magia, y es arte.

Y eso es precisamente lo que el ilusionista catalán nos trae en «El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)», arte. Un espectáculo con fechas tanto en Madrid (Teatro Nuevo Apolo), como en Barcelona (Teatre Victòria) donde todas las leyes de los libros de física, química, biología, matemáticas y la lógica se desafían y nos dejan completamente seguros de que todo lo que hemos estudiado en nuestra vida es relativo.

Juega con la realidad y con el público de una manera tan espectacular, tan elegante y tan bien hecha, que le dejas. Le dejas guiarte hacia un baile con el tiempo, el espacio, la gravedad, el azar que con él se vuelve menos caprichoso, y lo «imposible«. Y para cuando lo consigue, para cuando tú todavía estás intentando pensar en las maneras en las que lo que acaba de hacer tiene algún sentido, él ya ha empezado con la próxima razón de tu siguiente: «Pero, ¿qué?»

Porque simplemente te cautiva. Desde el principio, hasta mucho más allá del final. Y es que querrás hablar de cada instante del espectáculo con cada grupo de amigos, familia y hasta con la almohada. Este efecto sobre el espectador, sin embargo, no se debe únicamente al indiscutible talento del ilusionista y al equipo técnico, sino también a otros pilares clave: sus ayudantes y la música.

Tan importante es saber ser el protagonista, como el secundario sobre el que todo se sustenta, y los ayudantes de Antonio Díaz son clara prueba de ello. Este es un espectáculo rápido, divertido y ameno. Y como tal, se necesita un constante movimiento que ayude de manera invisible a la figura principal del espectáculo. Y así lo hacen.

¿Respecto a la música? Simplemente decir que en el metro camino a casa después del espectáculo busqué la playlist para poder escucharla de nuevo. Es que qué maravilla. Qué maravilla de canciones, y qué manera de situar cada una de ellas perfectamente en el lugar adecuado.

Ya me habían dicho que El Mago Pop era increíble, que cada truco era único y que se trataba de EL espectáculo de magia por excelencia. Todo el mundo estaba maravillado y parecía que el truco final era hechizar a todo aquel que saliera del teatro. Pero es cierto, porque no hay otra forma de salir.

«El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)» es un show tan bien pensado y ejecutado, que es imposible encontrar las palabras. Es una hora y media que se sienten como cinco minutos, una delicia en directo, y un trabajo audiovisual tan bonito que simplemente te emociona. Porque no es que sea bueno con la magia, desaparezca y haga desaparecer bien las cosas (que también), sino que te hace sentir un poquito más vivo con cada palabra y cada nueva realidad que se inventa.

Podría escribir una tesis y un doctorado sobre el espectáculo. Pero cualquier cosa que te digan o que pueda decir yo, se queda corta. Porque la magia de verdad no se hace ni se dice, se siente. Y eso es exactamente lo que ocurre con Antonio Díaz: que siente la magia, y nosotros con él.

Porque sí, ahora sí me gusta la magia. Pero solamente si es El Mago Pop quien está sobre el escenario.

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‘Cabezas de cartel’ o cómo reflexionar sobre la industria teatral con tanto arte

Celia Nadal y Javier Manzanera, la pareja de cómicos en la Sala Lola Membrives del Teatro Lara

¿Cuál es el fin último del teatro? Históricamente, el teatro siempre ha sido ese espejo en el que se reflejaba y, por consecuencia, se cuestionaba la vida humana. Establece, casi de forma determinante el bien y el mal en lo que al ser humano y a su vida se refiere. Sin embargo, ¿quién cuestiona al propio teatro? ¿Se cuestionan los del gremio a sí mismos? ¿Son coherentes? Y, ¿consecuentes?

Cabezas de cartel es más contenido que continente. El caos en su sentido más amplio como hilo conductor de todo un recorrido por el proceso creativo que supone producir una representación teatral desde cero. La que promete ser toda una crítica a la propia industria nos adentra en el ensayo de ‘Cimarrón, una obra que trata de romper con lo establecido y estampar su propio sello en una reflexión que pone sobre la mesa aspectos que puede que todos piensen, pero que solo unos pocos valientes son capaces de verbalizar y subir a un escenario.

¿Hacia dónde se encamina el teatro de hoy? Levantarse contra lo que nos es impuesto y asumir que, ser conocido o famoso no es ser artista. El artista es el que interpreta, pero sobre todo el que transmite. ¿Y el arte? El arte es la capacidad de crear, y estos dos en escena han creado. Y mucho.

Celia Nadal y Javier Manzanera quieren elegir de qué arrepentirse, y deciden no hacerlo nunca de no haber perseguido su verdadera pasión. Ella es un ataque de expresividad y energía constante, la parte más racional de la historia con unas aspiraciones que bailan entre la pasión, el beneficio e incluso la supervivencia. Él, por el contrario, se muestra como revolucionario y cómodo a la hora de nadar a contracorriente. Fiel, ante todo, a unos ideales que abogan por no venderse nunca a “esa industria” qué tantas páginas ocupa en su obra, y tantos quebraderos de cabeza le ha producido. Ambos, cercanos, queridos, pasionarios y enfrentados en una dicotomía que, muy a nuestro pesar, se presenta en numerosos aspectos y situaciones de la vida, y que no es otra que: ¿razón o corazón?

 

Deciden poner las circunstancias a su favor y, ¿qué mejor manera de hablar de teatro que en el propio teatro? Puede que muchos piensen que esto no va a interesar a nadie, pero las butacas se llenan y su público aplaude, se ríe y rinde ante la maestría de este dúo sobre el escenario.

Cabezas de cartel es la historia de unos valientes que deciden romper con lo establecido y apostar por cuestionarlo todo. Incluso a sí mismos. Unos personajes que bailan con lo que es y no es el teatro, que disfrutan entre contradicciones, misterios, certezas y asumen lo bonito y difícil que es ponerle límites al arte. Apuestan por lo suyo y se emocionan al defenderlo. Se ven así mismos en el espejo y, por supuesto, se gustan. 

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En Tierra Extraña, el musical que resucita la copla en un suspiro

El musical ‘En Tierra Extraña’ reúne a Concha Piquer, García Lorca y Rafael de León sobre los escenarios teatrales

“Lo correcto es el enemigo del arte”, dicen. No sé exactamente qué es y no es lo correcto, ni lo que sería lo correcto para Lorca, la Piquer o Rafael de León, pero lo que presenciamos ayer día 3 de marzo de 2022 en el Teatro Marquina, fue, indudablemente, el más fiel de los amigos del arte.

Los grandes se merecen un homenaje, sería lo que pensó Juan Carlos Rubio, el director que se movía en tierra conocida, pero hizo de ella la más extraña posible. Él, eligió sin duda a los más grandes: ¿Qué pasaría si Concha Piquer, Federico García Lorca y Rafael de León tuviesen un encuentro? Pues esto es lo que se figuró Juan Carlos Rubio, y le llevó a hacer una reconstrucción histórica basada en hechos posibles pero que no sucedieron realmente. Algo así como un final histórico alternativo. 

Los mismos que entraban decididos a ocupar aquellas butacas rojas del teatro, segundos después, aplaudían la voz y el verso que en Tierra Extraña se contenía. Dispuestos a adentrarse en aquel encuentro ficticio de la España del 36, en esa tierra querida que la guerra a tantos arrebató, a lo extraño que tienen a veces los conflictos que se escapan de toda razón o entendimiento. A la historia y al arte de una tierra. Nuestra tierra.

Ansiosos, puede. Expectantes, también. Satisfechos, sí rotundo. Alguna que otra cámara dispuesta a filmar lo que muchas veces se ve en los escenarios, pero pocas se hace de esta manera. Incluso, pasaba por allí un Santiago Segura que, no dudó en asistir, presenciar y recomendar una de las mayores expresiones del arte de nuestro país.

Pero, ¿quién es Concha Piquer? Una mujer de los pies a la cabeza, una artista envidiable, la musa, el duende, la luz y la sombra del espectáculo. La valenciana. La tonadillera por excelencia, la que no acostumbra a recibir un no como respuesta, la expresiva, la emotiva, el arte. Y, ¿Diana Navarro? Diana Navarro, también. 

Junto a ella, encarnado por Alejandro Vera, el hombre de los pies planos y el corazón redondo. El autor de ese tal Romancero Gitano, el poeta cuyo nombre figuraba en las listas negras del país. El de todos y el de nadie, el que ama por encima de todo su tierra y se resiste a huir de ella. Y bajo la piel de Avelino Piedad, el marqués, uno de los grandes del 27, el de las letras de copla, el enamorado, resiliente y vulnerable Rafael de León.

Una obra que rebosa talento, que empapa hasta la médula, que deja la estela de un público en pie que aplaude el arte de antaño. Y el de ahora. Una de esas que te enseñan lo valioso que es pertenecer a un lugar, y lo difícil que es estar en tierra de nadie, porque como decía la Piquer:Entre vivas y entre olés por España se brindó”. 

Imaginémonos ese encuentro en el que Concha Piquer pregunta: “Y, ¿ha merecido la pena conocerme?”, a lo que el poeta Lorca responde: “Más de lo que a mi vanidad le permite admitir”. 

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Pepa Rus: “La comedia nace cuando te empiezas a reír de tu propio drama”

Da igual comedia que drama: Pepa Rus lo hace todo y lo hace todo bien. En esta ocasión es el monólogo ‘Viva la Pepa’, el que pone en la palestra a la actriz. Una buena dosis de “risa y humanidad”, un papel hecho a medida y algún que otro golpe de suerte que nos harán complicado discernir entre lo real y la ficción. 

La historia de una madre soltera con dos hijas que se convierte en toda una heroína de la noche a la mañana, una Pepa que se enfrenta a la fama efímera, a unas promesas que nunca se cumplen y a una esperanzadora campaña política. Una función dirigida por Juan Luis Iborra que acaba de prorrogarse y que tendrá lugar en el Teatro Lara de Madrid.

Pregunta. ¿Qué tal va ‘Viva la Pepa’?

Respuesta. Estamos muy contentos, porque la verdad que está viniendo gente. Hemos prorrogado a enero y la verdad que es un personaje que me gusta mucho hacer, es un monólogo precioso y que da mucha vidilla.

P. Como experta en comedia, ¿crees que se puede hacer comedia de todo?

R. Sí. Yo creo que de todo se puede hablar desde la comedia, y no deja de tener importancia el mensaje, a veces pensamos que porque se lanza a través de la comedia deja de tener impacto en el público y, en mi opinión, es todo lo contrario.

P. Muchas veces la comedia no es otra cosa que reírse de las desgracias de uno.

R. La comedia es reírse del drama, y cuando te empiezas a reír de tu propio drama es cuando nace la comedia.

P. ¿Lo haces? ¿Te ríes de ti misma?

R. Pues es que no nos queda otra. Los problemas van a aparecer y mientras se puedan ir teniendo un tinte de humor mejor, se sale mejor del bache con un tinte de humor, excepto claro, de cosas que sean dramas sin nada más, pero a veces hacemos drama de cosas que, si estamos acostumbrados a vivir con sentido del humor, viviríamos mejor.

P. En el escenario no conoces la vergüenza pero, ¿y en tu vida diaria?

R. No. Es verdad que no soy nada introvertida, soy bastante abierta y cojo confianza rápido pero claro, no haría las cosas que hago a través de los personajes muchas veces.

P. ¿Qué diferencia hay entre la Pepa de los escenarios y la ficción y la Pepa real, la de su casa?

R. Primero que no tendría ningún interés en meterme en política. Segundo, que ella tiene una manera de vivir y de hablar muy natural, muy tierna y muy del presente, y a mi eso me gustaría aprenderlo del personaje y llevarlo a mi vida.

 

P. En una entrevista, afirmabas que: «(…) al final, por mucho que te muevas, hay algo que no te deja progresar por mucho que quieras si no tienes ese golpe de suerte». ¿Crees en la suerte? ¿Cuánto protagonismo crees que tiene la suerte en tu vida?

R. No es que crea, es que yo he tenido suerte. Puedes llamarlo suerte, azar, destino… Lo puedes llamar de muchas maneras. Pero al final yo creo que estar en el momento apropiado con la gente apropiada es importante. Y eso es una cuestión de suerte, porque tú no sabes lo que va a pasar.

P. Alguna vez te has sentido como la Pepa de tu monólogo, es decir, ¿alguna vez has sentido esa desazón, y de repente, un golpe de suerte llega y te cambia la vida?

R. Sí. Al final hay algo que te hace notar que todo se empieza a mover, que empieza a cambiar. Yo creo que esto es importante para seguir avanzando y evolucionando. Pero sí, tiene que haber esa gota de suerte que si no aparece, te hace mucho más difícil avanzar.

P. En más de una ocasión has comentado que esta obra es un traje a medida, ¿por qué?

R. Esto lo dice Juan Luis Iborra, que es el director y el autor junto a Sonia Gómez, y él lo dice porque se lo pedí. Somos amigos, hemos hecho varias funciones y a raíz de ahí nos hemos conocido, encajamos bastante bien y ya nos hicimos amigos. Un día comiendo, yo acababa de ver `Gibraltareña´ de Elisa Matilla, que la había escrito y dirigido él y, inconsciente de mi, le dije que me hiciera uno y me lo hizo. Por eso él dice que es un traje a medida, porque lo escribió pensando en mí.

P. Juan Luis Iborra menciona que esta obra es una crítica a la sociedad actual, en la que nos preocupamos de todo menos de los temas que realmente importan. ¿Es cierto esto? ¿Nos preocupamos de todo menos de lo importante?

R. Más bien creo que habla un poco de la fama efímera. El personaje critica esto a su manera, la idea de que al final nos centramos en algo muy externo a la sociedad, o incluso algo extraño, y realmente los problemas del día a día no se tienen tan en cuenta. Hace dos semanas no parábamos de hablar del récord histórico de la subida de la luz, y ahora nadie habla de que sigue subiendo la luz y hay gente que no puede pagarla, ahora el covid le ha ganado en popularidad, y aunque está muy bien y nos tienen que poner las pilas y tenemos que aprender, no podemos obviar que sigue subiendo la luz. Al final siempre hay una cosa ahí como del momento.

 

P. Y al hilo de lo anterior, ¿qué es para ti lo realmente importante?

R. Los derechos humanos. Al final, como todo el mundo eres superficial, y yo me centro en los problemas míos diarios pero, si te paras a pensar y a reflexionar un poquito y miras más allá de tu casa, hay mucho que solucionar.

P. Esta es la primera vez que te enfrentas sola al público. ¿Cómo está siendo la experiencia?

R. La primera vez que lo hice yo creía que me iba a dar un paro cardíaco, yo pensaba: y si se me olvida algo, ¿qué hago?, ¿a quién miro?, ¿quién me ayuda? Estas sola. Pasa mucho en las funciones, pero miras a tu compañero y aunque no se sepa tu texto sabe más o menos como ayudarte. Aquí no hay nadie y eso me daba pavor, y me lo sigue dando, de hecho repaso el texto como si no me lo supiera. Es el miedo más grande que tengo: equivocarme y no tener en quien apoyarme.

P. Uno de los temas de este monólogo es la fama. ¿Cómo se lleva esa parte cuando es real y la vives en tus propias carnes?

R. Es que eso tú no lo decides, aparece, por lo que sea. Lo curioso es cuando la gente te saluda y tú no sabes quien es, pero claro, tienes que ser amable porque entiendes que sí, que te conocen, aunque no lo hagan personalmente sí saben bastante de ti. Es algo muy raro que tiene su parte buena y su parte mala, como todo.

P. Para ti es proporcional, ¿cuánta más fama mejor te va?
R. Es verdad que hay muchísimos actores que no se conocen a nivel nacional que son muy buenos actores y no paran de trabajar. Pero al final yo creo que si haces algo internacional pues te van a conocer más y tu fama va a ser mayor, y va a ser un proyecto mucho más imponente que algo más pequeñito. No es que te vaya mejor a nivel personal, sino a nivel profesional. Yo creo que sí que va un poco más proporcionado.

P. Por último, ¿por qué nos recomendarías ir a ver `Viva la Pepa´?
R. Porque es una función donde te lo vas a pasar muy bien, donde la gente no para de reírse en una hora. También porque es un texto digno de escuchar, en el que se hablan de muchas cosas yo importantes. Es un suspiro de humanidad y de risa, por eso hay que verla.

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Una boda y muchos trapos sucios en ‘La madre que me parió’

Una comedia sobre las relaciones entre madres e hijas

Hay quien, al tratar de escribir una buena obra de teatro, busca la sucesión constante de una carcajada tras otra como único objetivo, fin y final. Sin embargo y frente a lo que muchos creen tener como certeza, la verdadera comedia no es aquella que te hace reír mucho o muy fuerte y de manera descontrolada, también es la que te hace sonreír.

Esto es muy fácil. Para cualquiera con un mínimo de ingenio arrancarnos una risa impetuosa y ruidosa es muy sencillo. Una tarea de coser y cantar. Un mal chiste, una caída ridícula o un comentario hábil son muchas veces suficiente pero, ¿qué es de quién consigue mantener a alguien con una sonrisa durante un tiempo? No se trata de provocar una tímida risa con fecha de vencimiento en los dos o tres segundos posteriores, se trata de ser capaz de mantenerla. De principio a fin.

Arthur Miller solía decir que “el teatro es tan infinitamente fascinante, porque es muy accidental, tanto como la vida”. Esta frase del dramaturgo cobra sentido en numerosas historias y en la vida de no solo muchos personajes, también en la de muchas personas. Pero… ¿y en La madre que me parió? ¿No lo hace acaso más que nunca? 

Mujeres divorciadas, mujeres sumisas a cargo de sus maridos, mujeres valientes, madres que necesitan ser reconocidas y queridas pero, sobre todo: mujeres empoderadas. Todas ellas capaces de coexistir formando una simbiosis perfecta.  Mujeres que, al fin y al cabo, nos enseñan que la maternidad es una opción, hasta qué punto puede llevarnos el autoengaño, las consecuencias de una mala decisión o lo dependientes que podemos llegar a ser sin darnos cuenta. Y es ahí donde está el quid de la cuestión, en el mismo quid pro quo al que, indudablemente, se enfrentan madres e hijas generación tras generación. 

Los años pasan y no perdonan y el “te lo dije” de una madre tampoco. Hijas con derecho a equivocarse y madres que tratan de no volver a ver repetidos sus mismos errores. Un camino que de la mano del humor es mucho más divertido. Y menos doloroso.

La veteranía dentro y fuera del escenario precede a las madres: Marisol Ayuso, Aurora Sánchez y a Juana Cordero quienes deslumbran y hacen deslumbrar en el escenario. Unas hijas que, encarnadas por las maravillosas Alicia Garau, Ana Villa, Eva Higueras y Sara Vega no hacen otra cosa que demostrarnos que distintas generaciones son capaces, frente a todo pronóstico, de convivir sin matarse. Así lo han hecho toda la vida. Y así lo harán.

Fue también Arthur Miller quien afirmó que “El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a sí misma.” Y qué cierto es esto. ¿Qué es la comedia sino una manera sana de enfrentarnos a la realidad? ¿Qué es lo que nos asusta? ¿Y lo que nos enfada? O, ¿qué es lo que nos parece injusto? A veces, hacerse cargo de todo este crisol de sentimientos puede resultar muy doloroso.

¿No lloramos lo suficiente ya  por nuestras pérdidas? ¿No sentimos suficiente rabia por nuestras frustraciones? Los años no perdonan igual que no lo hace la vida pero, si nos reímos y sobre todo si sonreímos quizá todo nos parezca un poco mejor.

 

Por: Nara Juárez

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‘Viva la Pepa’: cómo sobrevivir a la fama y a la sociedad, y hacerlo con gracia

La nueva comedia protagonizada por Pepa Rus

En la vida siempre necesitamos alicientes. Ya sea una onza de chocolate, una hora (o varias) tomando algo con los amigos o una película con mantita. Necesitamos algo que nos sirva como meta para que acabemos rápido lo que sea que estemos haciendo, o viviendo. Pues bien: esa es Pepa.

Pepa es ese alguien que te da energía positiva, aun viviendo algo que dista mucho de ser así. Es la simpatía en la que te centras para llegar a la meta. Y es que ella es, simplemente, pura luz.

Pepa Rus es Pepa, la única madre soltera de dos gemelas de Melilla que tiene la positividad y la alegría de quien no tiene nada más. Un día, sin embargo, todo cambia cuando rescata a un águila en peligro de extinción y se convierte en toda una estrella. Periodistas, políticos,  medios de todo el mundo e incluso la realeza quieren tenerla al lado… hasta que acaban olvidándose de ella, y ninguna de las promesas sobre mejorar su vida y la de sus hijos se cumplen. Eso sí, antes de que su popularidad desaparezca por completo, Pepa tiene un plan: convertirse en la alcaldesa de Melilla y ayudar a sus habitantes.

“¡Viva la Pepa!”, dijo Pepa Rus nada más pisar el escenario con un chándal gris y un carrito de bebé de dos plazas. Nos encontrábamos en el Teatro Lara, en una calle paralela a la Gran Vía, resguardada de los flashes de turistas dirigidos al edificio de Schweppes. Y dentro del teatro, de esa fachada que te pide entrar y disfrutar de su entrada con cristales y columnas de época, está la sala Lola Membrives. Se trata de una pequeña estancia a la que entras bajando por unas escaleras, como quien descubre un tesoro en el sótano de su casa. Está formada por un escenario en el centro y filas de sillas rodeándolo, y a los tres elementos en los que nos centraremos los siguientes 65 minutos: un carrito de bebé, un versátil bloque gris y la indiscutible Pepa (la Chimpa). Fue aquí donde varias personas respondieron a Pepa Rus con un “¡Viva!”.

“Me va a gustar”, pensé justo después de esta primera intervención. Y no me equivocaba.

Creada por Juan Luis Iborra y Sonia Gómez, esta historia nos presenta la realidad en su más absoluta crudeza. Nos habla de pobreza, del proceso de ascenso y descenso de la fama, y de una sociedad actual en la que las prioridades están difusas. Y sin embargo, no hay un solo momento en el que no lo pases bien. Ya sea por el desparpajo de Pepa o por su ingenua naturalidad, lo cierto es que te roba el corazón (y la risa) desde el principio, y te dura hasta el final. Dirigida por Juan Luis Iborra, la obra nos habla de la realidad, sí, pero no se recrea en esas verdades amargas, sino en cómo solucionarlas. O, al menos, en aceptarlas con gracia.

Pepa hace ayuno intermitente involuntario y vive bajo la pobreza en recursos de todo tipo y condición. “Aunque riqueza en el alma”, como nos cuenta que le dijo un día Vicenta, heladera y su mejor amiga. “Pero el alma no alimenta”, le respondía nuestra protagonista a su vez. Y es que es una historia de realidad. De estar arriba, abajo y de levantarse para intentar llegar a un estado vital intermedio. Y aun así, a pesar de contarnos algo tan crudo, si te lo dice Pepa, nuestra protagonista de Melilla, todo cobra un significado y una filosofía distintos.

Con una rapidez de pensamiento increíble, el espectador presencia la vida de la protagonista de una manera tan ágil que ni siquiera te hace consciente de que está pasando el tiempo. Un tiempo marcado por una iluminación distinta ideada por Juanjo Llorens que, junto a la escenografía de Eduardo Moreno, ayuda al público a dividir el tiempo inconscientemente.

Y gracias a Pepa Rus, porque Pepa no sería Pepa si no fuera por ella. El monólogo dura más de una hora, y el público no se cansa de verla en ningún momento. Y ella parece que tampoco. Se mueve por el escenario y se queda quieta; nos hace reír y nos deja pensando sobre algún comentario supuestamente ligero pero lleno de significado al que le das vueltas al salir de la obra. Haga lo que haga, se mete al público en el bolsillo desde el principio. Y nosotros lo aceptamos de buen gusto, porque sería antinatural no dejarla hacerlo.

No tengo nociones de interpretación, tengo que admitirlo, así que no sé cuánta validez puede tener mi opinión, pero memorizar más de una hora de monólogo tiene que ser complicado, y mucho. Y hacerlo con gracia, aún más. Pero ahí está Pepa Rus, con la voz clara con cada línea y haciéndonos sentir cada palabra. Nos convierte en sus confidentes y nos deja con las ganas de tener su número de teléfono, burofax o e-mail para seguir hablando con ella de la vida.

Nos habla como amigos, como quien queda con su grupo de la infancia a actualizarse la vida desde hace tiempo. Interactúa con las filas de sillas, haciéndonos partícipes sin ser protagonistas. Nos hace parte de su historia y, por tanto, de su vida.

Una vida que pudo haberse convertido en un juguete roto, pero que no llega a serlo gracias a la candidatura a unas elecciones a la alcaldía de Melilla. ¿La razón? Ayudar a los demás y evitar que sus vecinos se quemen por el sol y tengan los dientes mal alineados.

Viva la Pepa, sí, y vivan todas las Pepas que salvan águilas todos los días y de las que nadie se da cuenta.

 

Por: Marina Carrasco

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Cultura Espectáculos y teatro LGTB Microteatro Monólogos y Humor

YAG: el microteatro contra la homofobia que le da la vuelta a todo

A veces, tan solo basta con buscar el absurdo, el lado más irracional o disparatado de algo. Puede ser una situación, un lugar o simplemente una cuestión que muestre lo ilógico, incluso lo demencial que resulta eso mismo visto desde otra perspectiva. El ser humano, tiene la capacidad de normalizar aquello que se repite de manera prolongada en el tiempo, discerniendo entre lo que es lo habitual y lo raro, sentenciando, por otra parte, lo que es normal y lo que no. 

“Papá, soy hetero”. Tres palabras son suficientes para darle la vuelta a toda una estela de prejuicios, encasillamientos, mentes cerradas o simplemente a una sociedad que dice estar preparada para un cambio que no hace patente. La cruda realidad es que las palabras hetero y gay o lesbiana no van nunca de la mano, ni se meten en un mismo saco, sino que se muestran como líneas paralelas o divergentes que tratan sin éxito de convergir. 

YAG, un microteatro contra la homofobia al que le bastan 20 minutos para demostrar que esta no debería tener cabida en nuestra sociedad. Charlotte Arrese y Nacho Arrese, padre e hija en la vida real y padre e hija en la ficción nos hacen partícipes de una complicidad que se te pega a la piel y al corazón a cada minuto que pasa. El Teatro Off Latina da la oportunidad a esta humilde, pero talentosa representación que hará que salgas siendo una persona distinta de la que ha entrado. Una persona mejor. 

 

El humor esconde, en incontables ocasiones, situaciones duras y dramáticas que, bañadas de una absurda realidad logra transmitir lo que la tragedia no siempre consigue. Por su parte, Charlotte (o Carlota) y Nacho son el claro ejemplo de que menos es siempre más. En escena, junto a ellos: una mesa, dos sillas y un plato de lentejas de bote que son suficientes para concienciar, transmitir, sensibilizar e impregnar de valores a un público dispuesto. “Pero…, ¿qué he hecho mal?”, “¿Se le nota mucho?”, “¿Tú estás segura?”, “¿Quieres que llame a mi amigo terapeuta?» ¡Seguro que puede ayudarte!” YAG desmantela todos estos interrogantes y demuestra que dejan de tener sentido según el qué, el quién o el dónde.

Unos personajes capaces de mirar a los ojos a su enemigo, sin un solo ápice de miedo, sin balbucear y sin que les tiemble el pulso. Hablan alto y claro en favor de todo un colectivo oprimido dispuesto a señalar al opresor. ¿Se ve todo con más claridad si le damos la vuelta? ¿Qué deja de tener sentido y qué no? ¿Nos da miedo ver desvanecerse a las creencias de toda una vida? ¿Nos da miedo romper con esa normalidad?

Más allá de lo absurdo, de lo dramático o lo cómico. Un padre y una hija que se desnudan y se sinceran ante una realidad patente en la sociedad y en muchas familias. Un tremendo ejercicio de valentía que conciencia, que abre los ojos de muchos y cierra los de otros. Un padre, un Nacho comprensivo, que ama sin condiciones y condicionantes. Una hija, una Carlota (o Charlotte) que se presenta a sí misma como valiente y vulnerable, y que nos enseña que ambos son compatibles. Un público que no juzga, que no cuestiona, que deja ser, hacer y deshacer a su antojo. Una obra que cierra caminos y abre senderos. 

 

Por: Nara Juárez

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Espectáculos y teatro Uncategorized

Reseña Whitney Houston: todos los ídolos merecen un homenaje a su altura

¿Qué darías por tener a Withney Houston cantando frente a ti? ¿Qué darías por volver a sentir sus directos, con la misma potencia y energía que siempre?

Ahora es posible experimentarlo, porque la voz con mayúsculas vuelve a los escenarios con sus mejores éxitos en un formato de gira que nunca imaginaste: ¡el Hologram Tour!

Tras un estreno frustrado en Las Vegas durante el año pasado debido a la COVID 19, ha sido el Gran Teatro Bankia Principe Pío quien ha acogido su estreno mundial en Madrid. Podrás disfrutarlo hasta abril de 2021, cuando continuará su gira por otros países, ¡te lo contamos todo!

 

WHITNEY HOUSTON HOLOGRAM TOUR: EL ESPECTÁCULO

Un inmenso escenario, una banda de música en directo, un cuerpo de bailarines de primera y los mejores efectos de luces y sonido te esperan dentro de la Estación de Tren Principe Pío, anticipando lo que será un show sorprendente y poco habitual para el público.  Y es que este concierto holográfico sólo es posible gracias a una cuidadosa mezcla de innovación y pura experiencia en el mundo del espectáculo. La novedosa tecnología utilizada viene de la mano de Base Hologram, empresa pionera en la recreación de imágenes con grandes y reconocidos montajes a sus espaldas. Además, desde la parte artística se suma al proyecto la aclamada directora de arte y creativa Fátima Robinson, quien dirige y coreografía. El resultado: un show digno de la artista que lo protagoniza.

La suma del esfuerzo técnico y humano da un resultado estéticamente impresionante e inesperado, donde lo físico se fusiona con lo virtual en un concierto continuo e imparable. Desde la profesional banda que acompaña a la artista con la música en estricto directo, siguiendo por el acompañamiento de cantantes, los efectos, el ritmo del espectáculo, el enérgico cuerpo de bailarines siempre sumido en dinámicas coreografías… y como colofón, el espectáculo de luces e inmensas pantallas, con proyecciones que convierten cada tema en todo un homenaje a Whitney Houston.

El realismo y excepcional integración del holograma de la artista con el resto del espectáculo nos hizo zambullirnos de lleno en la música, olvidando lo que era real y lo que era proyectado, permaneciendo absortos en la voz, la música, el movimiento y espectáculo. Fe de ello es la emoción incontenible de muchos espectadores, pues vivir el concierto póstumo de un gran icono como Whitney Houston es todo un privilegio. Y es que la voz, los sentimientos, y la vibración a la altura del esternón son los mismos.

Un gran montaje para un gran show, a la altura de su estrella. Una puesta en escena cuidadosa, con atmósferas envolventes que te llevan in crescendo al exceso vocal de Witheny, que llena cada rincón del teatro. Y por supuesto, ella: la gran Withney Houston, como centro y guía de todo el concierto.

No echamos de menos ninguno de los hits más icónicos en el repertorio, con un set list escogido con mimo para que nos trasladásemos a sus mejores actuaciones: I wanna dance with somebody, Higher Love, I have nothing, Greatest love of all o los más conocidos temas de la película El Guardaespaldas I Will always love you y Run to you. Con una Withney tan real y casi tangible moviéndose por el escenario. Los fans más acérrimos verán satisfecha su nostalgia y tampoco decepcionará a los que descubran a la artista en esta gira. Porque en el patio de butacas vimos emocionarse a gente de todas las edades ante el realismo de la puesta en escena.

Especial mención al cuidado de las medidas COVID por parte del personal del teatro: gran precaución en entradas y salidas, ordenadas y por filas progresivas para evitar acúmulos de gente en las puertas, mesas individuales con gran separación entre ellas ,y mascarillas obligatorias durante toda la función, para que la seguridad no te impida disfrutar cada minuto.

Todos los fans merecemos el directo de nuestro ídolo. Todos los ídolos merecen un homenaje a su altura. No importa lo exigente que te consideres como fan, ni el recuerdo que tengas de sus directos: este concierto es una experiencia única y novedosa.

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Espectáculos y teatro

Lavar, marcar y enterrar: el valor de la comedia

Mezcla mechas, balas, y algún que otro hueso enterrado, dale forma de teatro y obtendrás una divertidísima comedia. El resultado es Lavar, Marcar y Enterrar, una veterana obra que te inundará de estilo y de carcajadas, aunque intentes esconderlo detrás de la mascarilla. ¿Quién no necesita un corte de pelo y de paso un buen atraco en estos tiempos de pandemia? 

Tras una satisfactoria andadura iniciada en 2014, Lavar, Marcar y Enterrar lleva nada menos que cinco temporadas en el Teatro Lara.  Forma parte de la Trilogía Capilar sobre el Secuestro, junto a su precuela Rulos, el origen y su secuela No hay mejor defensa que un buen tinte, todas ellas repletas de humor, misterio y mucha estética. Escrita y Dirigida por JuanMa Pina, cuenta a sus espaldas con la candidatura al Autor Revelación en los Premios MAX 2015 y III Premios Mi Butaquita por Mejor Dirección y Autoría Novel.

Crónica Lavar Marcar Enterrar

En el corazón del Teatro Lara, la Sala Lola Membrives se convierte así durante 90 minutos en testigo de un bizarro y descalabrado secuestro que mantendrá al espectador inmerso en una comedia ágil, inmersiva y con tantos giros de guión como extensiones puedan caber en una buena peluca. Bienvenidos a la peluquería “Cortar Cabezas”.

Justo antes del cierre nocturno de “Cortar Cabezas”, una pareja de atracadores enmascarados irrumpen con un plan perfecto en su mente: entrar, conseguir el botín y huir fugándose de la capital. Parecía fácil. Pero escena a escena todo se irá enredando por culpa de los misterios que encierra ese sótano húmedo en el que se van desenterrando secretos y huesos a partes iguales, de los que ni la orgullosa dueña ni su empleado saben nada…aparentemente. El pasado no es sencillo de ocultar bajo permanentes y laca, y entre estrafalarias situaciones y flashbacks a los años dorados de la movida madrileña, la obra va transcurriendo paralelamente en distintas líneas temporales, desenredando en ágiles diálogos e hilarantes situaciones la verdadera historia de este local de Malasaña que ha sido testigo de mucho más que cortes de pelo y permanentes.

Reseña Lavar Marcar Enterrar

Desde el primer minuto, queda de manifiesto la gran conexión de los actores con el público, quien pasa a formar parte del espacio dramático como clientes de esta peluquería demencial. Destaca el personaje interpretado por Mario Alberto Díez: Fer, el empleado tan fiel como neurótico que desde su particular personaje explota la esencia más cómica de la mímica. Cada mirada, cada tic , arranca risas con su mera presencia sobre el escenario. En el extremo opuesto, la tranquila inteligencia de la dueña del local (en la piel de una soberbia Olga Hueso), resignada sólo en apariencia a ver cómo en una sola noche se puede ir al traste todos los años invertidos en puntas abiertas y en mantener su negocio.

Por descontado el cuidado con que se mantiene toda la normativa sanitaria (desinfección completa de la sala tras cada representación, distancia de seguridad, gel hidroalcóholico previo al acceso), para que sólo nos preocupemos de dejarnos llevar por el ruido de tijeras y secadores. Y las risas.

Vete pidiendo hora en Cortar Cabezas, tienen hueco los sábados a las 17:15 y aprenderás que ni el tinte ni la tierra pueden ocultarlo todo.

Reseña Lavar Marcar Enterrar

 

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Matilda, el Musical llega directo del West End a Madrid

Si os nombramos a una niña de cinco años muy viva e inteligente a la que le chiflan los libros, ¿os imagináis de quién hablamos? Y si además añadimos que tiene poderes telequinéticos, es decir, es capaz de cambiar los objetos de lugar y controlar las cosas con su mente… ahora sí, ¿verdad?

Efectivamente, estamos hablando de la archiconocida Matilda, la protagonista de aquella historia de Roald Dahl de 1988, que consiguió enamorar a generaciones y generaciones enteras. ¿Quién no ha fantaseado de niño con tener superpoderes como ella? Su brillantez e ingenio, su descaro y osadía, nos han hecho quererla y admirarla. Una niña valiente que se impuso a su ignorante familia y peleó por el futuro y la vida que se merecía.

¿Y qué ocurre con ella? Pues resulta que próximamente tendremos la oportunidad de vivir su historia como nunca antes lo hemos hecho. Al fin llega a Madrid, directo desde el West End de Londres, Matilda, el Musical, de la mano de SOM Produce. La empresa, que ha producido otros grandes espectáculos en la capital como el exitoso Billy Elliot,  ya ha convocado audiciones para su futura producción. ¡La próxima temporada teatral promete volver con toda la fuerza del mundo!

 

 

SOM Produce está buscando niños y niñas de entre siete y diez años, con alturas máximas de 1,35 centímetros. Si conoces a alguien con superpoderes o que al menos encaje en estos parámetros, ¡debéis rellenar el formulario de inscripción! Por ahora, todavía no se saben las fechas de estreno, ni el teatro en que tendrá lugar la premiere de Matilda, el Musical, pero estaremos atentos para no perdernos detalle de las futuras revelaciones que se hagan sobre el show. 

Un espectáculo que ha dado la vuelta al mundo, ha conquistado al público y a la crítica, y se ha mantenido en cartelera durante años y años. Después de haber estado en las mecas del teatro de los dos lado del globo, Broadway y el West End, tendremos la suerte y el honor de acoger Matilda, el Musical en España. 

La novela infantil de Roald Dahl fue adaptada en 2010 por el escritor británico Dennis Kelly, y se le puso la letra y música del compositor y cómico Tim Minchin. El debut de Matilda, the Musical en el West End se produjo el 24 de noviembre de 2011 en el Cambridge Theatre, y el estreno en Broadway tuvo lugar en el Shubert Theatre, el 11 de abril de 2013. Tal fue y tal es la acogida de esta superproducción, que el show ha continuado representándose hasta el día de hoy en el West End de Londres.

Vete preparando porque lo que está a punto de llegar es insólito y se convertirá en parte de la historia teatral de Madrid. Matilda viene para hacernos soñar como nos hizo de niños, para hacernos perseverar y enfrentarnos a las adversidades, y sobre todo, para darnos esperanzas. El cuento clásico de la niña que tenía poderes y amaba la lectura, ahora más real y cercano que nunca. ¡No te pierdas el estreno más importante de la próxima temporada!

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Espectáculos y teatro Eventos Monólogos y Humor

El telón se levanta de nuevo: espectáculos para este otoño en Madrid

Se aproxima el inicio de una nueva estación, y con ella no solo varía el color de las hojas, sino que también cambian las ofertas teatrales. El otoño pisa Madrid con pie firme. Llega dispuesto a revolucionar las carteleras y a inundar todas sus salas con las mejores representaciones y espectáculos. 

Qué mejor forma de celebrar este cambio estacional en el que los días se vuelven progresivamente más fríos que en el interior de un buen teatro, disfrutando de una obra desde la calidez de una cómoda butaca. Una época del año llena de encanto, que nos cautivará, más si cabe, con las oportunidades de entretenimiento que trae consigo. Aunque esta temporada viene con algunas restricciones y medidas especiales debido a la Covid-19 (restricción de aforo, obligatoriedad de mascarilla, distancia social), éstas convierten a los teatros en entornos seguros y preparados en los que podremos seguir invirtiendo nuestro tiempo de ocio.

De forma que, a continuación, os presentamos la guía teatral de la temporada. Si eres un cultureta adicto a las buenas funciones, ¡coge papel y lápiz porque no querrás perderte ni una sola de estas maravillosas obras!

 

El Brujo

Ya que hablábamos de encanto y hechizo, la primera sugerencia no podía ser otra que El lazarillo de Tormes de El Brujo, un espectáculo de poco más de hora y media que tiene lugar en el Teatro Cofidis Alcázar. En él, nuestro querido Rafael Álvarez realizará un monólogo en tono intimista, cuyo objetivo es hacer reflexionar al público sobre cuestiones existenciales como la infancia o la marginación.

Las entradas para El Brujo tienen un precio de tan solo 20 euros, ¡no lo pienses más y consigue ya la tuya!

 

Corta el cable rojo

El Pequeño Teatro Gran Vía acoge la novena temporada de  Corta el cable rojo, posiblemente una de las comedias más hilarantes de toda la cartelera teatral del momento. Un espectáculo lleno de humor, improvisación y originalidad, en el que sus tres protagonistas irán construyendo sus monólogos con las aportaciones que hacen los espectadores. 

Carlos Ramos, Salomón y Jose Andrés consiguen hacer un show ameno, divertido e interactivo, en el que las carcajadas están aseguradas. Además, encontrarás localidades desde apenas 14 euros, ¡un precio inmejorable!

 

El Peliculero

El cómico Víctor Parrado nos trae una temporada más de El Peliculero en el Pequeño Teatro Gran Vía. Un monólogo de hora y media lleno de música, baile y humor, en el que Parrado nos hará revivir alguna de las escenas más icónicas de la historia del cine a través de sus vivencias personales.

Consigue tu entrada por el increíble precio de 18 euros, y asiste a una Gala de los Oscars de lo más original, en la que se premiarán los mejores y peores momentos de la vida del humorista. ¡No te pierdas el evento del año!

 

Escape Room

La trepidante comedia de Joel Joan y Héctor Claramunt, Escape Room, pisa fuerte el escenario del Teatro Fígaro de Madrid. La historia de cuatro amigos que deciden hacer un escape room parece, de primeras, una idea inocua. El problema es que quizás nada en el juego que están a punto de comenzar es tan inocente como creían. Lo que parecía un plan divertido se convertirá en todo un infierno. Una obra que mezcla suspense y humor, y trata temas como la amistad, las relaciones de pareja y los problemas cotidianos. Se podría decir que con Escape Room morirás de la risa, ¿te atreves a entrar?

Las entradas para disfrutar de esta joya cómica tienen un precio que oscila entre los 18 y los 20 euros, ¡hazte ya con unas!

 

El método Grönholm

La cruel comedia de Jordi Galcerán, El método Grönholm, inaugura su nueva temporada en el Teatro Cofidis Alcázar. Una sátira que reflexiona sobre la ambición, los límites y los principios, y en la que veremos a los personajes someterse a una dura entrevista de trabajo por un cargo de director en una importante empresa. 

Luis Merlo, Jorge Bosch, Marta Belenguer y Vicente Romero encarnan a los cuatro protagonistas de esta despiadada comedia de hora y media. Las entradas tienen ahora un precio de 16 euros, ¡aprovecha esta oferta inmejorable!

El metodo gronholm teatro

 

Hasta aquí hemos llegado

El humorista y monologuista español Leo Harlem nos trae junto a Sinacio y Serio Olalla, otros dos grandes comediantes del panorama nacional, el espectáculo Hasta aquí hemos llegado. Un show de aproximadamente 100 minutos en el que no podrás contener las risas, y que ha cerrado cada una de sus temporadas siendo un éxito rotundo.

Nuestros tres humoristas repasarán sobre el escenario del Teatro EDP de Gran Vía alguna de las situaciones más habituales a las que se enfrentan los cómicos antes de sus funciones. Las localidades para disfrutar de esta desternillante actuación tienen un precio de 25 euros. ¿A qué esperas para conseguirlas?

 

I Want You Back

El Teatro EDP de Gran Vía acoge el impresionante show I Want You Back, un espectacular homenaje a la estrella del pop por excelencia, Michael Jackson. El musical, de aproximadamente dos horas de duración, contará con la voz de Dabeat, una banda en directo que interpretará el repertorio del artista y un grupo de baile liderado por SacMJJ. 

Únete a la fiesta y déjate llevar por ritmo, consiguiendo tus entradas por el precio de tan solo 15 euros. 

 

Esperamos que estas opciones os hayan servido de ayuda para planear vuestro regreso a los teatros tras las vacaciones de verano, y que disfrutéis mucho con todas ellas. ¡Feliz otoño teatral en Madrid!

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Espectáculos y teatro

Cádiz: miedos, amigos y crisis de los 40 para volver al teatro

Ni una pandemia podrá acallar los escenarios. Después de meses de silencio, reprogramación e incertidumbre,  el teatro ha vuelto a Madrid. Lo ha hecho tímidamente, tratando de adaptarse a las difíciles nuevas circunstancias del distanciamiento social. Distanciamiento que no sabe de teatro, precariedad de la industria, problemas de aforo, compañías ni funciones. Pero el teatro siempre vuelve.

Y nosotros por fin lo hemos vuelto a vivir en directo, en el Teatro Lara, que en julio ha abierto nuevamente sus puertas con Cádiz en sus marquesinas.

Dirigida por Gabriel Olivares (autor de la exitosa Burundanga), Cádiz nos presenta a Eugenio, Adrián y Miguel, tres amigos que se reúnen cada año a cenar para mantenerse al día de lo que ocurre en sus vidas. Pero no nos engañemos: estas distendidas tertulias anuales entre colegas son mucho más que tertulias. Tras la cháchara, nos espera un argumento más profundo y transversal sobre cómo la vida pasa, avanzando de forma inexorable. Habla de lo humano de ir haciéndose cada día un poco mayor sin percatarse y de la obligación de afrontar situaciones desde la madurez….o no, pues sus personalidades diametralmente opuestas lidian por defenderse cada uno desde su perspectiva vital.

Y todo esto desde el enfoque de una comedia rotunda, balanceándose entre lo ácido e irónico hasta un humor sencillo y profundamente agradable. Se aseguran carcajadas, de estas que se te escapan sin que te des cuenta porque tú no eres de reírte en el teatro. Pero la complicidad tan evidente que se desprende de los actores termina por traspasar las tablas y contagiarse a un público que es suyo desde la primera escena. Porque nosotros también formamos partes de esa tertulia, comensales silenciosos secundarios que observan la evolución de los tres hombres sumergidos en sus intrahistorias. 

Muchos verán sus miedos reflejados en los miedos de los protagonistas. A lo desconocido, a las relaciones y sus compromisos, a los opciones irremediablemente desechadas por elegir otras. Al tiempo. A pesar de la amistad que los une, sus personalidades no podrían ser más diferentes, encarnadas a la perfección por el trío protagonista: Fran Nortes (quien además de su gran interpretación de Adrián, es autor el del texto), Bart Santana y Nacho López, cada uno con su forma de enfocar la crisis de los 40. Nos ofrecen además distintas reinterpretaciones de las masculinidad, de esos estereotipos rígidos que la encasillan y ordenan como debe ser su inmadurez/madurez. ¿Cómo enfrentarlo todo desde la inexperiencia del que aún no lo ha vivido?

Los recuerdos gaditanos de juventud vertebran la vida y avances de los protagonistas, y delatan con absoluta certeza que no se puede volver a esa playa ni a esa época. Pero sí a los viejos amigos, para recordar el sol del sur donde ocurrieron los veranos que no se olvidan.

Aunque la actual situación de pandemia haya obligado a modificar la escenografía inicialmente planteada para la obra (mucho más inmersiva en pleno patio de butacas), el cambio no le resta un ápice de intimidad al resultado final. Un decorado minimalista resulta más que suficiente para crear distintos ambientes, donde la iluminación y la música son suficientes para hacer el resto.

La nueva cotidianeidad se ha instaurado definitivamente en el teatro. Mascarilllas como un objeto más, saludos con el codo también dentro de la obra, escenografía adaptada… pero durante casi 2 horas, Cádiz nos permite evadirnos, disfrutar, constatar con el reflejo de la obra que nuestras propias crisis son las mismas para todos.

Podremos disfrutar de la obra hasta octubre de 2020, con el debido respeto a las distancias de seguridad tanto en entradas y salidas como butacas por delante, con las mascarillas correctamente colocadas, esa gotita de gel al entrar y todas las ganas de disfrutar del buen teatro madrileño como antes.

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Ríete a carcajadas con los mejores espectáculos de humor de los próximos meses

A veces todo lo que necesitamos para arreglarnos el día es sólo un poco de humor. Y no hay mejor manera de disfrutarlo que en directo: cómicos, humoristas y actores nos deleitan con increíbles actuaciones en un ambiente divertido y dinámico. Estos reflejan las locuras y los vicios de la sociedad actual a partir de monólogos e improvisaciones que pretenden sacar una sonrisa a todos los asistentes. 

Con este objetivo, los humoristas más relevantes de nuestro país vuelven a los escenarios durante sus próximas actuaciones. ¿Quieres saber quiénes serán los primeros cómicos en subirse a los escenarios? A continuación, te contamos todo lo que necesitas saber sobre los espectáculos de humor en España con risas 100% aseguradas: 

CORTA EL CABLE ROJO

Carlos Ramos, Salomón y José Andrés vuelven con su archiconocido Corta el Cable Rojo. Un espectáculo de improvisación repleto de risas y humor arriesgado, original y moderno. Podrás ver esta hilarante obra teatral este verano en el Teatro Real Carlos III de Aranjuez del 3 de julio al 1 de agosto y en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid del 4 al 28 de agosto. ¡Una tronchante función en la que la participación del público es indispensable! 

GOYO JIMÉNEZ

Si pensamos en un artista increíblemente polifacético es imposible no nombrar al gran Goyo Jiménez. Un abogado, publicista, cómico y humorista melillense rebosante de experiencias y “especialista” en temas americanos. El artista ha participado en algunos de los programas cómicos más relevantes de España como El Club de la Comedia y La hora de José Mota. Ahora, viene cargado de energía para deleitarnos con un explosivo y nuevo espectáculo en el el Cine Callao de Madrid a partir del próximo 3 de octubre de 2020.

LA GOLFA DEL JAMMING

Una de las compañías de improvisación más importantes de nuestro país viene con su teatro más divertido. La golfa de Jamming aterriza en el Teatro Maravillas el próximo 26 de junio. Una fantástica función escrita ante el público y representada con las herramientas de la interpretación convencional. Los actores de esta función ya han conseguido hacer reír a carcajadas a más de un millón de personas, ¿quieres ser uno de ellos?

 

PANTOMIMA FULL

Rober Bodegas y Alberto Casado, más conocidos como Pantomima Full, llegan a Madrid con su tercer espectáculo teatral. Un show de sketches en directo inspirado en sus famosos vídeos de menos de dos minutos que han provocado auténtico furor en las redes sociales. El de la guitarrita, el canallita, el que siempre se enamora, el runner, el que se apunta a la bebida de moda… conoce a todos estos personajes en esta graciosa función. El dúo humorístico salta de nuestras pantallas al teatro del 16 de octubre al 26 de diciembre en el Teatro Cofidis Alcázar de Madrid

 

OTROS ESPECTÁCULOS IMPRESCINDIBLES:

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El espectáculo “El Sueño de Toledo” de Puy Du Fou vuelve con más fuerza que nunca

El Sueño de Toledo | Puy Du Fou

Puy du Fou España, el hermano del parque francés, regresa este año a España cargado de sorpresas y novedades. Este parque temático medieval se asienta en una de las ciudades más emblemáticas de nuestro país. ¿Dónde mejor que en la ciudad histórica de Toledo? Conocida como la ciudad de las tres culturas, esta antigua localidad española se prepara para la apertura de un nuevo parque temático de ensueño. 

El periodo de inactividad no ha sido en vano para uno de los espectáculos más grandes de España. Durante este tiempo, la organización de Puy Du Fou ha estado trabajando para reinventar el show de “El sueño de Toledo” que vuelve con más fuerza que nunca con una segunda edición de lo más inaudita y abre las puertas de su nuevo parque. 

Debido a la crisis sanitaria causada por el Covid19, este parque temático se ha visto obligado a posponer su apertura, que estaba prevista inicialmente para el 8 de abril. Sin embargo, desde la organización aseguran que ya está todo listo finalmente para que su apertura tenga lugar el próximo 18 de julio.  

Siendo la salud de los visitantes una prioridad para Puy du Fou España, este año el parque estará totalmente preparado para cumplir todas las condiciones higiénicas y de seguridad necesarias para que el espectador se sienta totalmente seguro.

Historia del espectáculo “El Sueño de Toledo” 

Puy Do Fou ofrece uno de los espectáculos más especiales de la ciudad toledana,  gracias a su espectacular escenografía con cinco hectáreas de escenario y dos mil personajes. Tras el éxito de su primera edición, “El Sueño de Toledo” vuelve a los escenarios para deleitar a su público con un fantástico espectáculo nocturno al aire libre

Cuatro mil espectadores acudieron durante el año pasado a la presentación de esta increíble función, convirtiéndose en uno de los eventos teatrales más aclamados por la crítica en 2019. Por esta razón, la organización ha dedicado todo su tiempo para seguir estando a la altura y deleitar a su público con nuevas incorporaciones en el espectáculo.  

Este magnífica exhibición comienza a orillas del río Tajo con una joven lavandera y un viejo azacán de Toledo, quien la guiará por un viaje a través del tiempo en el que revivirá los grandes episodios de la Historia a través de protagonistas como los reyes Godos, el rey taifa Al-Mamun, Alfonso X, la Reina Isabel la Católica o el emperador Carlos V.

Mejor plan familiar al aire libre para este verano

A menos de una hora de Madrid, este show es el evento perfecto para revivir en primera persona los principales capítulos de la historia de España. Con el río como protagonista, esta representación ofrece un repaso por la historia de Toledo y España, acompañado con luces, música, proyecciones y fuegos artificiales. Rodeado de naturaleza, bajo un manto de estrellas y sobre un grandioso escenario de cinco hectáreas, es el plan perfecto para que toda la familia pueda volver a disfrutar del ocio y de la cultura.

Novedades “El Sueño de Toledo” 

Esta nueva temporada cuenta con deslumbrantes efectos especiales y numerosas sorpresas en un idílico entorno natural. Para esta segunda edición, Puy du Fou España presenta importantes novedades:

  • El palacio de cristal del rey Al-Mamún, que emergerá de las aguas del Tajo, como uno de los momentos más espectaculares de la representación.
  • Al espectáculo se incorporarán 15 caballos de raza española a los 35 con los que ya contaba la compañía. 
  • El equipo de vestuario ha estado trabajando en 500 nuevos trajes y se han preparado fantásticas coreografías que se incorporarán a las nuevas escenas de esta temporada.

¿Cómo llegar a Puy Du Fou?  El recinto se encuentra a 8 minutos en coche desde el casco histórico de Toledo y a 55 minutos de Madrid. La dirección exacta es la siguiente: Puy du Fou España – CM 40, Salida 13 – 45004 Toledo. 

¡No te pierdas uno de los espectáculos más grandes de España! Adéntrate en un mundo fantástico y medieval gracias a su increíble escenografía. Más de una hora de un gran espectáculo jamás visto antes. El Sueño de Toledo, es sin duda, un espectáculo único en el mundo. 

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Especiales Espectáculos y teatro

Enrique Salaberría, presidente de Smedia: «Solo podemos trabajar con el 100% del aforo»

Teatros cerrados, cientos de funciones canceladas, economías inciertas. La crisis sanitaria provocada por la COVID-19 ha puesto en jaque al teatro en nuestro país, un sector ya de por sí quebradizo, de difícil supervivencia. ¿Cuál es la verdadera situación actual, las causas de estas dificultades, cuáles las posibles consecuencias? ¿Cómo debería reconstruirse el teatro? Hablamos con Enrique Salaberría, presidente del Grupo Smedia, en busca de posibles respuestas.

Smedia es sinónimo de teatro en la capital. En plena Gran Vía, en la calle Alcalá o en Aranjuez. Pero también en otros puntos de España donde, cada vez más, la empresa apuesta por una programación variada y de calidad. Y no sólo programan, también producen, realizan y distribuyen teatro. Desde musicales a comedia, desde obras infantiles a zarzuela. Es fácil inferir que la crisis sanitaria provocada por la COVID-19 les ha infligido un duro golpe a diversos niveles: “A las empresas nos ha afectado con una pérdida económica importantísima, que ha sido de alguna forma amortizada por los ERTEs.” Pero reconoce que las autoridades han estado a la altura: “Desde un carácter económico y de estructura de empresa, creo que las instituciones han tomado unas medidas muy solidarias con el sector. La comunidad de Madrid, el ayuntamiento, han estado donde corresponde”.

Resolutivo y perseverante por naturaleza, Enrique Salaberría habla con pasión por el teatro, una devoción cultural que se filtra lentamente a través de los aspectos más técnicos de la conversación: gestión, programación, problemáticas del sector. Dibuja un futuro en el que la necesidad de comunicación humana supera cualquier traba e impedimento. Un futuro que, eso sí, necesita de la capacidad adaptativa del teatro y de la industria. “Necesitaremos avanzar con prudencia, pero no una prudencia cobarde. La distancia más corta entre dos puntos no es siempre la línea recta”, afirma el presidente del Grupo Smedia.

Sin embargo, hoy día el teatro es un sector frágil por definición. Con los años ha derivado en un sector precarizado. “Una parte del sector, los últimos 20 años sólo sobrevive. Y sobrevive con una estructura pública de subsidio y ayudas[…] pero al final es gente o que tiene una relación muy personal con el administrador del momento o se come colines”.

¿Ha servido toda esta situación para evidenciar algún punto débil estructural del teatro a nivel nacional? “Rotundamente sí”, contesta  Salaberría convencido. Algunos culpan a un fomento insuficiente de la cultura, Enrique insta a la industrialización del teatro como requisito indispensable para poder enfrentarse con más solvencia a las crisis y al día a día. “En el mundo del teatro no hemos construido hasta ahora la idea de que somos una industria, y esas carencias nos están haciendo ir a la cola con respecto al cine, por ejemplo”. El presidente de Smedia prosigue, “Hablando en volumen cualitativo, no cuantitativo, podríamos decir que pocas empresas reunimos mucha actividad y hay muchas empresas que reúnen poca actividad. Lo que ha evidenciado esta crisis y las medidas que se han tomado es que muchas empresas no quieren creerse que esto es una industria. Guste o no, lo es”.

Pero donde hay crisis, nacen oportunidades. Y es ahí donde Salaberría despliega todo lo aprendido durante sus largos años de experiencia empresarial.  “El teatro se ha adaptado a lo largo de la historia. Han surgido el cine, las telenovelas, los parques temáticos…que son una imitación de lo que ocurre en un escenario, de contar historias. Pero el teatro sigue ahí. Llevamos unos 5000 años haciendo cosas encima del escenario.”

 La movilidad limitada y la incertidumbre de cara a los próximos meses no parecen ser un problema. El turismo está en el aire, pero surge así “la gran oportunidad de redescubrir nuestras propias ciudades, nuestros teatros, nuestras costumbres”. La falta de movimiento turístico conlleva también una potencial reconexión con el público de Madrid: “El teatro tiene una gran oportunidad de ofrecerse a los madrileños y de reconectar con ellos. De la misma forma que no hay movimiento interprovincial, la gente de Madrid se quedará en Madrid. Nosotros ya nos comunicaremos con ellos para que nos elijan dentro de su ocio. Queremos que estos madrileños que se quedan en Madrid, que son muchos millones, compartan con nosotros la experiencia de las artes escénicas: vivir experiencias que hasta ahora no vivían”.

¿El corto plazo? Incierto. Con aforos limitados, plazos provisionales y legislación cambiante, el conjunto de teatros españoles comparten dudas e incertidumbre: “Solamente podemos trabajar con el 100% del aforo.” Nos confirma Salaberría. “Porque el teatro es una catarsis, y si desperdigas al público en el patio de butacas, si no puede vivir esa energía comunitaria… va a preferir quedarse en casa.” La mayoría de teatros comparten la misma filosofía. “Eso obliga a entender que el teatro se hace con aforo completo. Nosotros esperaremos y confiaremos en la responsabilidad del público”.

No sabemos con exactitud cuándo el teatro abrirá de nuevo sus puertas, pero en Smedia están listos para continuar. “Tenemos todo preparado, nosotros trabajamos programando a dos años vista. En cuanto veamos que tenemos que arrancar, iremos reincorporando al personal necesario para recuperar toda la empresa. Yo creo que a partir de julio, el germen de la vuelta va a ser imparable. Pero que sea imparable no significa que vaya a ocurrir de inmediato: durante un año va a haber una especie de estado de serrucho con lentas aperturas y esperas.”

El teatro siempre será teatro. Siempre buscará la manera de llegar al público, de canalizar esa necesidad de comunicación humana, de contar nuestra historia. Encontrará el canal aunque las circunstancias cambien. Lo expresa mejor Salaberría: “Ahora se dice mucho lo de “todo esto va a cambiar”, pero hay cosas que yo creo que no van a cambiar. El que se enamore, se enamorará, el que se separe, se separará, el que llore llorará, y el que ríe, pues reirá. No puede cambiar el por qué ríes, el por qué te enamoras, el por qué lloras o el por qué te separas. Y esas historias, las vamos a seguir contando”.

Volveremos al teatro.

 

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“El peor escenario imaginable para el teatro”. Hablamos con el Infanta Isabel sobre la situación del sector cultural

El teatro es parte de nuestra vida. Una industria necesaria, pero frágil. El olvido progresivo que ha ido sufriendo el sector cultural durante los últimos años se ha hecho más evidente todavía durante esta pandemia, que ha planteado el peor escenario posible para los recintos teatrales. Un escenario inesperado, casi irreal y que no permite apenas margen de maniobra. Y menos para un sector que nunca se ha considerado esencial.

El Teatro Infanta Isabel, la sala madrileña con más de 100 años de historia, no es ajeno a esta situación. “Este es el peor escenario imaginable para el teatro y las artes escénicas en vivo, desde todos los puntos de vista. Junto con la Educación, fuimos los primeros en cerrar y seremos los últimos en abrir”, declaran desde la organización de la sala centenaria. Palabras crudas, pero cargadas de realismo, que resumen las oscuras consecuencias que traerá a la actividad teatral este período de inactividad. El teatro ya vivía en un estado precario antes del Coronavirus, debido a la escasez de políticas culturales que protegieran o fomentaran la creación cultural, y esta situación no ha hecho más que alimentar esa incertidumbre que rodea al sector desde hace años.

Con respecto a cuándo se podrá volver a la normalidad en el sector, desde Teatro Infanta Isabel tiene una postura clara: “Antes de volver a la ya precaria situación que tenía el teatro privado antes de la pandemia, tendrá que aparecer un remedio efectivo o una vacuna, libre e universal, que garantice una situación sanitaria libre de miedo y pánico”. Si no es así, el público podría mostrar reticencias a la hora de volver al teatro. La organización del Infanta Isabel expone que quizás el público no quiera pagar una entrada para “arriesgarse a coger una enfermedad de la que se sabe poco” y que es necesario que “el público se sienta seguro para que pueda prestar la necesaria atención a lo que ocurre en el escenario”.

“El teatro no puede ser muchas más cosas. El teatro es el teatro. Por ejemplo, el teatro a través de una pantalla, no es teatro, es una película mala. Para eso está el cine”

Por ahora, es inviable plantearse la exhibición teatral, al menos en un teatro como el Infanta Isabel, ya que su idea es “seguir exhibiendo teatro de calidad, tal y como tiene que ser, y no otra cosa”. “El teatro no puede ser muchas más cosas. El teatro es el teatro. Por ejemplo, el teatro a través de una pantalla, no es teatro, es una película mala. Para eso está el cine”, asevera la organización. De tal manera que, volver a vivir la experiencia cultural tras el confinamiento como la conocíamos antes, será una ardua tarea. Y está repleta de incertidumbre.

Las condiciones de la Fase 2 de la desescalada fijan la reapertura de los teatros con el 30% de su aforo. Una limitación que afectaría muy negativamente a su economía y que no garantiza su supervivencia, sobre todo la de los teatros privados como el Infanta Isabel.  Definitivamente, los teatros ven “incompatibles e inviables” en cuanto a su reapertura las condiciones de desescalada que ha establecido el Gobierno. Todavía no se sabe a ciencia cierta cuándo podrá volver a disfrutarse plenamente de este arte, y por el momento, habrá que esperar a que las incertidumbres sobre la enfermedad se vayan diluyendo. 

“Así como la enseñanza es el “corazón y pulmón” de la Educación, las representaciones en vivo, podrían ser algo así como el “clímax” de lo que llamamos Cultura. Ambas comparten un cualidad única, irrepetible e insustituible, y es aquella que define precisamente la vida, la cosa viva, y que inopinadamente necesita de seres vivos, agrupados, juntos que interactúan entre sí, se rozan, se huelen, se respiran, se escuchan, se sienten, se hablan, se mimetizan, se suman o se distancian, se ríen o lloran. Los unos al lado de las otras, profesores y alumnado, artistas y público, y viceversa”, explica el Teatro. Sus responsables se niegan a abrir el espacio con aforo reducido, con medidas de distancia física y protecciones. Por un lado porque es inviable desde el punto de vista económico, y por otro porque ven imposible la falta de contacto entre sus trabajadores. El distanciamiento es algo ajeno e irreconciliable con la esencia teatral.

Desde el Infanta Isabel se reclama más apoyo por parte del Estado: “Si nos permiten abrir es con unas condiciones que impiden desarrollar nuestra actividad, de forma que el Gobierno debería garantizar ayudas para poder aguantar hasta que la tempestad amaine. No sólo para los teatros públicos, también para la industria privada.”. Demandas ya históricas, de mucho antes del Covid-19, que han sido repetidamente ignoradas.

“Desazón y hasta urticaria” es lo que siente este Teatro respecto al olvido progresivo que ha ido sufriendo el sector cultural con los años, y es que tal y como explican, en España, Cultura y Educación han sido continuamente denostadas. “Hace no mucho sin embargo, pongamos un siglo y un poquito más este país era referente justamente de todo lo contrario, una educación puntera, a la vanguardia y una creación y manifestaciones culturales con una expansión y difusión tremendas entre amplias capas de la población”, afirma el Infanta Isabel.

No obstante, lo prioritario y esencial para el teatro de la calle del Barquillo es que “la pandemia sea dominada para garantizar la vida y la seguridad de todo el mundo y no solo de los que se lo puedan permitir. Todo el mundo quiere ganar dinero, pero esta crisis está demostrando que la voracidad, el ansia por obtener ganancias a cualquier precio, tiene que tener un límite. Hay sectores básicos, que ahora llaman “esenciales” que tienen que estar garantizados, y para eso tienen que estar protegidos, no a merced del beneficio”. Esta industria es frágil, pero su relevancia está indudablemente por encima del dinero.

El teatro seguirá siendo el clímax de la cultura, si somos capaces de protegerlo y darle el apoyo necesario.

Texto: María Ródenas Antón

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Los pilares de la tierra llega al Teatro Calderón convertido en musical

El próximo mes de octubre se estrena a nivel mundial el musical de la famosa novela de Ken Follet en Madrid. El espectáculo de uno de los libros más leídos del mundo cuenta con la producción de los creadores de El Médico.

Se trata de una superproducción que utiliza las nuevas tecnologías para convertirse en una experiencia totalmente inmersiva para el espectador. Gracias a su sorprendente puesta en escena con sonidos envolventes y proyecciones 360, se ha convertido en un concepto teatral revolucionario.

Además, este musical viene de la mano de diferentes artistas reconocidos a nivel nacional como el compositor Iván Macías, que pone la banda sonora a este espectáculo. Este trabaja mano a mano con el dramaturgo Félix Amador, encargado de escribir el libreto. El principal cometido de ambos es hacer sentir a la gente la misma pasión que muestra la novela a través de la música.

Este increíble show pretende dar vida al libro del célebre escritor inglés Ken Follet (Cardiff, 1949). Una novela histórica que describe el desarrollo de la arquitectura gótica a través de la construcción de la catedral de Kingsbridge. Ambientada en de la Edad Media del siglo XII, esta trama se convierte en un símbolo de la lucha de poder en Inglaterra. Al mismo tiempo, la obra narra la dura realidad de la vida del maestro constructor Tom Builder y su familia.

Según datos de la Federación del Gremio de Editores, ‘Los Pilares de la Tierra’ es la novela más leída en España desde su publicación en 1989. Actualmente, la ventas mundiales del libro son más de 26 millones.

El autor de la obra, Ken Follett (Cardiff, 1949) es licenciado en Filosofía en la Universidad de Londres, donde se graduó con honores y se convirtió en académico en 1995. El escritor galés de thrillers y novelas históricas ha vendido más de 160 millones de copias de sus obras. Muchos de sus libros han alcanzado un alto ranking en las listas de best sellers. Por ejemplo, muchos alcanzaron la posición número uno en la lista de superventas del New York Times en Estados Unidos.

En este espectacular musical podrás disfrutar de la obra maestra de Ken Follett. Podrás adentrarte en un fascinante mundo de reyes, damas, caballeros, pugnas feudales, castillos y ciudades amuralladas. Una historia épica fascinante de ambición, anarquía y poder absoluto en contraste con el extenso lienzo medieval de la Inglaterra del siglo XII.

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Madrid y Barcelona aglutinan el 88% de todas las funciones representadas en España durante el 2019

Madrid y Barcelona acumularon el 88 % de todas las representaciones escénicas realizadas en España durante el período anual de 2019, cifra que asciende al 92 % si le sumamos las funciones de Valencia, según un informe realizado por Taquilla.com sobre 42 709 sesiones pertenecientes a 1837 obras programadas en España desde el 1 de enero hasta el 31 de diciembre de 2019.

Esta rica actividad cultural en las grandes capitales coincide con la distribución de teatros en nuestro país, ya que Madrid y Barcelona son las regiones con más recintos destinados a las artes escénicas de España: un 69,42 % del total se encuentran entre Madrid (con 202 recintos) y Barcelona (184), y cuentan con 8 de los 10 teatros más activos del territorio, convirtiéndose así en un auténtico referente teatral nacional.Este centralismo teatral que aglutina el 92 % de los espectáculos en tres ciudades provocó así un desequilibrio en la oferta escénica nacional del 2019, ya que solo el 8 % de todas las propuestas culturales se repartieron en el resto del territorio nacional. Provincias como Ourense, Ceuta, Salamanca, Burgos, Guadalajara, Lleida o Albacete registraron la actividad teatral con venta de entradas online más baja de toda España.

La densidad cultural rodea las grandes ciudades

Pero esta intensa actividad teatral de Madrid y Barcelona no se limita sólo a la metrópoli y se extiende a toda la provincia, ya que los núcleos urbanos que conforman el área metropolitana de Madrid y Barcelona presentan una altísima densidad teatral por habitante en comparación con cualquier otra ciudad.

En Madrid destaca especialmente La Cabrera, municipio con nada menos que 42,1 representaciones anuales por cada 10 000 habitantes, seguido por Aranjuez (12 representaciones por cada 10 000 habitantes), Alcalá de Henares con más de 50 eventos a lo largo del año), Alcorcón y Torrejón de Ardoz. Barcelona por su parte presenta una situación similar, con núcleos urbanos repletos de opciones escénicas a lo largo de todo el año. Sant Cugat del Vallès ofrece 5,7 representaciones anuales por cada 10 000 habitantes, seguido por Hospitalet de Llobregat (2,33), Santa Coloma de Gramenet (3,87) y Badalona, que presenta una media de 15 estrenos diferentes al año. Todas ellas con una densidad de representaciones mucho mayor que la media del resto de ciudades españolas.

Valencia, foco de cultura

Por su parte, Valencia se erige como la tercera ciudad con más eventos culturales de todo el territorio. Y es que sólo la provincia ya cuenta con el 8,81 % del total de teatros de toda España, que alcanza un 12,94 % si contamos los recintos del resto de la comunidad, convirtiéndose en uno de los epicentros escénicos de nuestro país. Esta situación se produce gracias a la incansable actividad de los teatros valencianos como La Sala Girasol, que con más de 300 representaciones a lo largo de todo el año es uno de los mayores referentes teatrales de la ciudad, seguida en número de sesiones por la Sala Carolina, el Urban Café, el Teatre Talia y Teatre Olympia, siendo este último el que tuvo más variedad de obras de toda la ciudad.

Entre otras capitales de provincia cabría destacar también Valladolid, que cuenta entre sus teatros con uno de los más activos de toda España: el Teatro Carrión se cuela dentro de los 10 teatros con más estrenos a lo largo de la temporada en nuestro país y es el teatro con más oferta cultural fuera de Madrid y Barcelona.

Monólogos: el género teatral que más crece durante 2019
El teatro es el género escénico más extendido en España con un 37,47 % de todas las obras representadas en nuestro país. Sin embargo, el abanico cultural nacional es amplio y nos ofrece una programación muy variada, donde los monólogos y las funciones de humor son actualmente el segundo género más popular. Con un 18,6 % de las representaciones totales, es la variedad escénica que más ha crecido respecto al año anterior con más de tres puntos de diferencia. La duración, el precio asequible y la flexibilidad de sus funciones lo convierten en uno de los productos preferidos del espectador español.

El número de espectáculos infantiles aumenta también respecto al período del año anterior, cuando un 12 % del total de obras representadas estaban dirigidas a los más pequeños frente al 16,50 % de este año. Les siguen la ópera y la música clásica con el 8 %, los espectáculos de magia (5,8 %), musicales (5,23 %) , danza y ballet (3%) y circo (1,9 %).

 

Los musicales arrasan en número de funciones

Aunque los musicales simbolizan sólo el 5 % de las funciones totales del país, son con mucha diferencia las obras más activas de la cartelera. El Rey León, con 507 sesiones a lo largo 2019, es sin duda el espectáculo que más funciones ha representado, seguido en su género por Anastasia, el musical con 375 funciones y Billy Elliot con 361.
Se confirma así la tendencia de los musicales a convertirse en la obra estrella de los grandes teatros, permaneciendo programados de manera ininterrumpida durante todo el año. El Rey León, Anastasia y Billy Elliot son el tridente más sonado del momento, pero hay otros muchos otros musicales con más de 200 funciones al año como El Médico, La Llamada o West Side Story.

En el género teatral también encontramos espectáculos como Burundanga, que ha ofrecido este año nada menos que 356 funciones, convirtiéndose automáticamente en la obra teatral con más funciones de toda España a lo largo del año 2019. Y esto lo hace después de 7 temporadas en cartelera de manera ininterrumpida.

 

 

Entre tanta gran producción cabe destacar la incansable actividad del mago Daniel Collado, que ha ofrecido nada menos que 390 funciones en 365 días. El conocido showman, Premio Mundial de Magia y uno de los artistas con más proyección en magia de cerca y mentalismo de los últimos años, ofrece semanalmente numerosas sesiones de sus shows para grupos reducidos, lo que le ha convertido en el artista más activo del país este 2019.

Los grandes circos, que giran por toda España, también se postulan como uno de los espectáculos más populares del año. Con un altísimo número de representaciones, los circos más activos a lo largo del año han sido el Circo Italiano (con más de 300 funciones en Logroño, Zaragoza, Baracaldo,San Sebastián, Santander, y muchas ciudades más), seguido por el Circo Raluy Legacy, Circo Smile, y Kooza, show del famoso Circo del Sol, cuya actividad ininterrumpida a lo largo de los últimos años les ha convertido en una referencia del circo en nuestro país.

La Chocita del Loro es el teatro más activo de toda España

Si analizamos qué teatros han sido los más activos durante el 2019, vemos perfectamente reflejado el auge de la comedia. La Chocita del Loro, teatro de monólogos situado en plena Gran Vía de Madrid, ha sido el teatro con más sesiones representadas de todo 2019. La marca se convierte así en una referencia en la capital con sus tres locales entre los 26 con más eventos por año de toda España (1º, 18º y 26º). En total han ofrecido más de 2000 representaciones entre sus locales de Senator, Carabanchel y Avenida de Brasil, su local más nuevo inaugurado durante el 2018.
Además, 5 de las 10 salas con más sesiones programadas durante el año incluyen monólogos en su programación habitual: La Chocita, La Escalera de Jacob y Sala Beer Station de Madrid y el Teatreneu y la Sala Ars Teatre de Barcelona.

Pero si hablamos de variedad, los Teatros Luchana son un año más el recinto con más estrenos, con un total de 69 obras distintas en sus 4 salas a lo largo de 2019. Su producción, La magia está en ti de Isaac Marian fue la que más veces estuvo programada, con más de un centenar de funciones. A los Teatros Luchana les sigue muy de cerca el Teatro Lara, que trabaja por ofrecer una programación variada donde el teatro de autor se haga un sitio en la cartelera de Madrid. Su buque insignia, La Llamada, además de ser uno de sus musicales más populares, ha sido la obra con más funciones programadas en el teatro, en concreto 223.

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Escape Room llega a Madrid: cuando escapar no es sólo un juego

Dos parejas, 60 minutos, una sala repleta de pistas y trampas… ¿Qué podría salir mal? Tras arrasar en la cartelera barcelonesa, Escape Room llega al Teatro Fígaro de Madrid con un brillante casting: Antonio Molero, Marina San José, Leo Rivera, Kira Miró y la participación especial de Ferrán Carvajal. Escrita y dirigida por Joel Joan y Héctor Claramunt (conocidos por la comedia El Pare de la Núvia o la serie de televisión El Crac de TV3), esta comedia de intriga no solo pondrá al límite a sus cuatro protagonistas, sino que también hará que no te despegues tu asiento durante 90 minutos.

Tomando como recurso los populares escape rooms que están inundando todos los rincones de nuestro país, Joan y Claramunt nos presentan este juego teatral en el que nos hace partícipes de la acción gracias a un ritmo muy cinematográfico marcado por una incesante cuenta atrás. Escape Room transmite a la perfección todo lo que se siente al realizar un juego de este estilo, la adrenalina, la tensión, intriga, el espíritu de equipo… Aunque estés sentado cómodamente en tu butaca, tú también eres parte de la escapada.

Pero esta comedia es mucho más que un juego de escape. A lo largo de un gran número de pruebas, Escape Room juega con los tópicos de relaciones de pareja y la actualidad política siempre desde el humor y con algún que otro susto. La obra nos transporta al madrileño barrio de Lavapiés, donde Antonio ha quedado con unos amigos de toda la vida para presentarles a su nueva novia. Las dos parejas se citarán en un nuevo escape room, casualmente a escasos metros de donde hace muy poco sucedió un terrible suceso: un cadáver descuartizado fue hallado en un contenedor.

Lo que en un primer momento empezó como un juego de escape al uso en el que poner a prueba la destreza e inteligencia de los participantes, se convierte en su peor pesadilla. Las puertas se cierran y el contador se pone en marcha… los cuatro protagonistas tendrán 60 minutos no sólo para escapar de la habitación, sino para salir con vida del infierno en el que han sido atrapados. En este escape room nada es lo que parece: las pruebas, los mensajes, el propósito del juego; todo tiene un sentido que pondrá al límite sus convicciones, relaciones de pareja y la propia relación de amistad entre todos ellos.

En esta ocasión, Joel Joan y Héctor Claramunt buscan un poco más de trascendencia que una comedia teatral al uso. Como directores y creadores de la obra, ambos han querido ahondar en la divergencia de la política actual, el feminismo, la eterna lucha de partidos, desde la comedia, con ciertas pinceladas de ironía, pero siempre con el claro objetivo de divertir y entretener. Esta es una versión naif del cine gore, apta hasta para los más aprensivos que usa sus recursos escatológicos para hacer reír al público.

Sin ofender a nadie, Escape Room pone sobre la mesa para la reflexión temas de rabiosa actualidad. Para ello, cada personaje tiene su función para representar este crisol de ideales y pensamientos. Un engranaje en el que se yuxtaponen personajes tipo,fácilmente reconocibles, con el objetivo de hacer reír al público. Así, Escape Room, llega a la cartelera madrileña no como una comedia más, sino como una propuesta muy fresca y diferente que desborda humor y misterio a partes iguales.

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Obras de teatro para ver este San Valentín en pleno centro de Madrid

Ghost, el musical

Probablemente, sea la propuesta más romántica que puedas ver este San Valentín en pleno centro de Madrid. Este romance irrepetible de los 80’s se sube a los escenarios para recordarnos que el verdadero amor no encuentra ningún tipo de límite. Ni siquiera en la muerte. Desde que se estrenó el pasado otoño, Ghost se ha convertido en uno de los musicales de moda que no puedes dejar de ver. Los innovadores efectos especiales, sumados a las increíbles interpretaciones vocales de sus protagonistas, te sumergen de lleno en la historia y convierten a Ghost en una obra imprescindible. ¡Vuelve a creer en el amor!

La Madre Que Me Parió

¡Y triunfó el amor! Si quieres descubrir cómo es realmente una boda (con todo lo que pasa tras las bambalinas), La Madre que Me Parió es tu obra. Justo antes de dar el ‘Sí quiero’, una novia entra en pánico y decide pedir ayuda a sus amigas, que han acudido al evento acompañadas de sus inseparables (y variopintas) madres. Todas deciden acudir al rescate, cada una con sus experiencias, punto de vista y versión de la situación. Dirigida por Gabriel Olivares (Burundanga, El Nombre), es una comedia sobre las relaciones maternofiliales donde cualquiera se sentirá identidicado. ¡No te la pierdas!

La Madre Que Me Parió 2017

De Caperucita a Loba

Escrito por Marta González de Vega, De Caperucita a Loba es un libro que ya se ha convertido en un auténtico manual sobre como superar los vaivenes del amor, con una herramienta básica: ¡mucho sentido del humor! A caballo entre la stand up comedy, el musical y el teatro, este espectáculo es un divertidísimo show donde su protagonista desvela algunos de los secretos que parecían inexpugnables para la mente masculina. Descubre a golpe de risa todo ese patetismo inherente al enamoramiento, al despecho y al amor. ¡Planazo para parejas o grupos de amigos!

Escape Room

¿Qué tal un divertidísimo thriller? En pleno centro de Madrid, dos parejas amigas deciden hacer un plan diferente y deciden ir a probar una nueva sala de Escape Room de la que todo el mundo habla. (¡bien podría ser la noche de San Valentín!). Una vez allí, lo que parecía un plan distendido se convertirá en una auténtica pesadilla para los cuatro, poniendo a prueba su amistad. ¡Entretenidísima!

Corta el Cable Rojo

Pero no todo van a ser romances, bodas, tensiones, rupturas y relaciones. Al final, el verdadero protagonista de cualquier relación es el sentido del humor. Por eso, si sois de los que preferís el humor sin cortapisas, Corta el Cable Rojo es sin duda vuestra elección perfecta. Corta el Cable Rojo es un show de improvisación en el que Carlos Ramos, Salomón y José Andrés retan al público a que les ayude a crear monólogos en el momento. Lo avalamos como uno de los shows más divertidos de la cartelera del momento. ¡No os lo perdáis!

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La Madre que me parió cumple 700 funciones y continúa en plena forma

Mantenerse en cartelera año tras año, y hacerlo además con un éxito evidente, no es un logro tan sencillo de conseguir como de contar. Sin embargo, La Madre que me Parió hace que así lo parezca. Tres años después de su estreno la obra ha cumplido ya más de 700 funciones, y continúa su andadura haciendo reír al público función tras función. ¿Cuál será su secreto?

Se nos ocurren varias opciones y todas son igual de válidas. Algunos dicen que es por su humor genuino y universal, donde la relación de madres e hijas se convierte en protagonista. Otros dicen que el éxito reside en la dirección, experimentada en grandes éxitos del teatro en Madrid como lo fueron en su día El Nombre o la archiconocida Burundanga.

Probablemente, gran parte del éxito sea responsabilidad del talento de su elenco. Encabezado por Marisol Ayuso, el reparto cuenta en sus filas con Juana Cordero, Aurora Sánchez, Sara Vega, Mariola Peña, Mariona Terés, Eva Higuera y Diego París, convirtiéndose en una potencial máquina de risas sin contemplaciones.

Sea como fuere, esta obra de Ana Rivas y Helena Morales, dirigida por Gabriel Olivares, cumple con su objetivo: hacer reir al público. Una hora y media de diluir los problemas en el mundo exterior mientras el público disfruta sin medida, interrumpiendo incluso a las actrices con sus carcajadas.

Frases de madres, frases de hijas, problemas de bodas, inseguridades, hijas que no quieren parecerse a sus madres y madres que saben que son igual que sus hijas. Aunque ya se hayan cumplido las 700 funciones, aún te quedan oportunidades para reírte con La Madre que me parió…¡te esperamos en la cuarta temporada!

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Ven a Madrid: turismo teatral para este otoño

Ya estamos en pleno otoño, casi invierno, y Madrid se vuelve a convertir en uno de los destinos preferidos para las escapadas. ¿La razón? No sólo su gastronomía, fiesta y museos: sus espectáculos van cobrando fuerza con el paso de los años, y la capital española ya es famosa por la cantidad de musicales y grandes espectáculos que se programan en sus teatros.

Te proponemos una cita con musicales y mucho humor para tu próxima visita:

La jaula de las locas: Una de las apuestas más canallas de la temporada. Àngel Llàcer y Manu Guix traen a Madrid la versión de este mítico musical de 1983, que también tiene una versión cinematográfica realizada en el año 96. La Jaula de Las Locas nos cuena la historia de Albin y Georges, los propietarios de un club nocturno que, inesperadamente, tienen que enfrentarse a la boda de su hijo con la hija de una familia ultraconservadora. Para ser aceptados por ellos, tratarán de hacerse pasar por una familia puramente tradicional. Y no les resultará fácil.

Billy elliot: El musical arranca su tercera temporada respaldado por el éxito absoluto de sus dos temporadas anteriores en Madrid. Billy elliot recupera la historia cinematográfica de ese niño que no quería boxear sino bailar, y de todos los obstáculos a los que tiene que enfrentarse en una sociedad sumergida en la durísima huelga de mineros de 1984. Repleta de baile, emociones e ilusión, Billy Elliot es una obra perfecta para pequeños y mayores, uno de los principales musicales de Madrid del momento. No os lo podéis perder.

Adiós Arturo: La Cubana vuelve a Madrid para presentarnos, en esta ocasión, Adiós Arturo, una comedia que más bien es un musical, un canto a la vida con altas dosis de surrealismo y humor marca de la casa. Esta compañía ya se ha hecho un hueco en el panorama nacional con obras como Campanadas de Boda y Gente Bien, ¡no te los pierdas!

La Función que Sale Mal: se trata, sin duda, de la comedia de la temporada. Directamente llegada desde el West End de Londres, lleva siete años triunfando en cada función, y ya ha sido importada a más de 30 países. A través del humor absurdo, textual y mímico, La Función que Sale Mal nos cuenta la historia de una pequeña compañía que está presentando su primera obra de misterio, con catastróficos resultados. A caballo entre Agatha Christie y Monty Python, las risas están garantizadas. ¡No te la pierdas en el Teatro La Latina!

la función que sale mal

Tuppersex: ¿Subimos un poco el tono de la conversación? ¡Con Tuppersex lo conseguirás sin duda, y sin poder parar de reír! Esta obra de humor nos cuenta la historia de My Secret Flower, una empresa en proceso de expansión que busca nuevas asesoras de Tuppersex. Sin embargo, la sexóloga habitual que imparte estas sesiones debe ser reemplazada por una chica sin ningún pelo en la lengua, convirtiendo la cita en un divertidísimo caos. ¿Alcanzarán los asistentes los conocimientos necesarios?

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Parque Lezama, el soñado debut teatral de Campanella llega a España

Para muchos dar el salto de la gran pantalla al teatro es una misión casi imposible. Muchos lo intentan y la mayoría fracasa. Por eso cuando te topas con una obra tan redonda como es Parque Lezama, lo único que puedes hacer es exclamar un un gigantesco «¡así, sí!». Y más tratándose de un debut teatral. Aunque, claro, firmado por el oscarizado director José Campanella y de la mano de dos monstruos de la interpretación como son Eduardo Blanco y Luis Brandoni, las expectativas estaban muy altas.

Así es como llega Parque Lezama a nuestro país, despertando un gran interés y bajo el aval tanto del público como de la crítica argentina. Y es que pocas obras pueden presumir de haberse mantenido tres años en cartel y haber ofrecido 850 funciones a más de 300.000 espectadores en Argentina. ¿El secreto de su gran acogida entre el público? El ganador de un premio Óscar por El Secreto de tus ojos nos presenta una propuesta muy humana sobre temas que, independientemente de la edad que tengas o de tu procedencia, nos llegan a todos muy de cerca.

En esta adaptación teatral de la película I’m Not Rappaport (1996) de Herb Gardner, Campanella nos invita a sumergirnos en su universo al traer un pedacito de Buenos Aires a Madrid. Concretamente uno de los lugares más emblemáticos de toda capital, el Parque Lezama. Todo ello gracias a una sólida historia y a una cuidadisima escenografía que recrea a la perfección este lugar de encuentro para centenares de argentinos. Así, Campanella, se sirve de ello para enmarcar magistralmente esta obra eminentemente textual.

A través de los diálogos frescos y con mucho ritmo, Parque Lezama pone sobre la mesa debates universales como son los miedos a los que todos nos tenemos que enfrentar, las relaciones con nuestros seres queridos o la invisibilidad de la tercera edad. En definitiva, temas de la vida en sí, planteadas entre discusiones, enfrentamientos, tiernas charlas, con unas grandes dosis de humor.

Una aventura en la que merecen mención especial sus dos grandes protagonistas, el popular actor Eduardo Blanco, ya habitual de la obra de José Campanella, acompañado por un brillante Luis Brandoni, que a sus 79 años, sigue demostrando que su medio vital es la interpretación.

Los dos populares actores argentinos se meten en el papel de Antonio Cardoso y León Schwartz, respectivamente. Dos personajes antagónicos que consiguen saldar sus diferencias para forjar una más que inesperada amistad. Mientras que Cardoso, es un hombre pragmático donde los haya que ha construido su vida huyendo de los problemas, León Schwartz (si ese su verdadero nombre), ya entrado en la tercera edad sigue sin resignarse a la rutina. Con un férreo ideario político, Schwartz no se deja amedrentar ante ninguna situación y pasa los días haciendose pasar por otros personajes.

Hecho que trastoca tanto su vida como la de Cardoso y que dejará constancia de que, a pesar de todas sus diferencias, ambos personajes tienen más cosas en común de las que les gustaría admitir. Dos personas que con 85 años siguen luchando, dos héroes anónimos que luchan una batalla que ya se prevé perdida.

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Corta el Cable Rojo estrena su 8º temporada en el Pequeño Teatro Gran Vía

Ocho temporadas en la Gran Vía… ¡se dice pronto! Pocos espectáculos pueden alardear de haber permanecido ininterrumpidamente desde 2012 en el epicentro de la artes escénicas en Madrid. Y muchos menos, en realidad ninguno, pueden presumir de haber ofrecido más de medio millar de estrenos absolutos. Corta el Cable Rojo, la comedia más explosiva de la cartelera, lo ha conseguido, y si todavía te preguntas cuál es el secreto de su éxito es porque aún no has visto en acción a estos tres genio de la impro.

Bajo esta premisa, Carlos Ramos, José Andrés y Salomón inician una nueva temporada en la que prácticamente están colgando el cartel de sold out a diario en el Pequeño Teatro Gran Vía de Madrid. Y no es para menos, ya son más de 180.000 espectadores los que atestiguan el éxito de este arriesgado espectáculo de improvisación.

En Taquilla.com ya tuvimos la oportunidad de poder descubrir de primera mano por qué Corta el Cable Rojo es el espectáculo de impro de referencia en Madrid y, de paso, declararnos fans incondicionales, tanto del formato, como de sus tres protagonistas. En este artículo te contamos cómo lo vivimos y ya sea de paso, lo bien que nos lo hicieron pasar.

Una nueva temporada en la que Carlos Ramos, José Andrés y Salomón se vuelven a enfrentar a uno de los mayores retos de toda la cartelera de Madrid: subirse a un escenario sin saber por qué derroteros les llevarán las propuestas de los asistentes. Cada noche, el ingenio, desparpajo y sentido del humor de estos tres expertos improvisadores no solo hace de Corta el Cable Rojo un espectáculo irrepetible, sino que además hará que no puedas dejar de reirte a carcajadas durante las casi dos horas que dura la función.

A lo largo de 10 escenas totalmente diferentes, los protagonistas de Corta el Cable Rojo irán construyendo sobre la marcha un guion totalmente improvisado basado en las propuestas que les ofrece el público. Carlos Ramos, José Andrés y Salomón no solo crean de la nada historias y personajes hilarantes, sino que además se atreven a ir componiendo canciones sobre la marcha. ¡Lo que pasa en Corta el Cable Rojo se queda en Corta el Cable Rojo! Cada show es único y ten por seguro que jamás se volverá a repetir.

Podrás disfrutar de la nueva temporada de Corta el Cable Rojo todos los lunes a las 20:30 horas, viernes a las 22:30 horas, sábados a las 17:00 horas y domingos a las 21:00 en el Pequeño Teatro Gran Vía de Madrid. Entradas ya a la venta a partir de 18€. 

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Invencible: una radiografía humana sobre la lucha de clases

Hay muchos motivos para mudarse de barrio, aunque no siempre son los que nosotros mismos creemos. Ni mucho menos los que contaríamos a nuestros vecinos nada más conocerles. ¿Cuánto escondemos tras nuestra propia fachada? Llega a Madrid Invencible, una tragicomedia que evidencia una lucha de clases velada en nuestra sociedad, dolorosa en su concepción y realismo.

Invencible Teatro

Con una introducción sobresaliente, Invencible nos presenta la historia de una pareja culta y adinerada (Maribel Verdú y Jorge Bosch) que se ve obligada a mudarse a un municipio más asequible debido a la crisis económica. Allí conocerán a Laura y Pablo (Pilar Castro y Jorge Calvo), sus vecinos, con quienes tratarán de establecer una relación estrecha en un intento de rodearse de gente “real” y más humilde.

Invencible es una obra totalmente conversacional, donde cualquier acción, intención y alusión se filtra a través del diálogo. Los matices son casi infinitos, en una destilación constante de alusiones al snobismo, a la condescendencia y al idealismo teórico, pero también a la honradez, la alegría sencilla y la ausencia de pretensiones. Porque la lucha de clases no siempre es lucha pero sí son diferencias ineludibles, y a pesar de los puntos que podamos tener en común, la capacidad de afrontar los problemas nunca ha sido la misma. Al ir viendo la obra, uno no puede evitar sacar una cuestión en claro: ante cualquier eventualidad, ¿tenemos las mismas posibilidades?

Invencible Teatro

Dinámica, Invencible presenta referencias y contextos en los que muchas veces no ahonda, abandonando al espectador a sus propios juicios y pensamientos. Política, injusticias sociales, duelos, envidias, reproches, resiliencia… son algunos de los nada frívolos temas que van surgiendo, más para hacer una radiografía auténticamente humana de los personajes y las clases que para plantear una postura filosófica al respecto.

Esto, siempre aderezado con divertidos y ocurrentes giros que harán reír al espectador.

Una obra de personalidades, de texto por capas, donde cada realidad va dejando paso a la siguiente en un delicado equilibrio de emociones. Profunda y visceral, es una oportunidad perfecta para desgranar la altísima calidad interpretativa del reparto, con emociones intensas, vulnerables y cambiantes ante cualquier estímulo.

Invencible Teatro

Aún así, nunca pierde el toque ácido, irónico y divertido. La vertiente más cómica de la obra viene capitaneada por Jorge Calvo y resta la sobrecarga emocional al texto.

Los actores aprueban con creces las exigencias del texto, dotando al argumento de Torben Betts de una versatilidad y credibilidad sobresalientes. En un marco anímico tan cambiante, no cualquiera podría hacerse cargo de las texturas de cada una de las secuencias y salir absolutamente airoso.

Te gustará si:

  • Te gusta el teatro de enredos, giros inesperados y humor.
  • Te gusta el teatro de texto, ya que es un guión muy trabajado, inteligente y fluido.
  • Te interesa la temática social.

Invencible Teatro

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La Función que Sale Mal: llega el humor con mayúsculas a La Latina

Bienvenidos a la representación más catastrófica de la historia del teatro. Y, de paso, también a la más divertida. El Teatro La Latina presenta esta temporada La Función que Sale Mal, una apuesta por el humor inglés en estado puro que recomendamos fervientemente.

la función que sale mal

La Función que Sale Mal (en inglés, The Play that Goes Wrong) lleva años siendo un auténtico éxito. Desde que se estrenó en el West End de Londres en el año 2012, ha conquistado a la crítica (ganando los mejores premios de su categoría) y por supuesto al público, habiendo acumulado hasta 8 millones de espectadores. ¿La receta? Grandes dosis de humor mímico, mezclando la sutileza del gesto con la hipérbole de conversaciones absurdas llevadas hasta el extremo.

En la obra, una compañía amateur está decidida a lograr el éxito por fin con una función de misterio: un asesinato inesperado en una gran mansión pondrá a todos los personajes en jaque. Sin embargo, la compañía no es muy diestra en lo suyo. Y ahí es donde nace la magia. Desde el minuto uno.

Una coreografía del desastre cuidada hasta el más mínimo detalle que convierte la obra más en una milimétrica danza de errores que en una pieza de humor o misterio. Así, llueven constantemente los gags, a veces comedidos a veces aparatosos hasta el límite. Pero podemos decir sin dudar que La Función que sale mal es un triunfo absoluto en los silencios y la mímica. Dos horas de un público completamente entregado a las risas.

la función que sale mal

Sin embargo, esta obra, donde la risa y la despreocupación desbordan en cada escena, no sería posible sin un serio y profundo trabajo detrás. El talento de cada uno de los actores del elenco sustenta altas dosis de humor sin que podamos percibir todo lo que hay detrás. Locuciones profesionales, tiempos meticulosamente medidos, cuidadas exageraciones. Brillante el trabajo de Héctor Carballo y Carlos de Austria, además del camaleónico Alejandro Vera en escena. Apunte especial para Avelino Piedad haciendo el cover de Peter, que ofreció un contrapunto humorístico de sobresaliente para toda la sala.

La Función que Sale Mal es puro humor sin pretensiones que huye de los clichés habituales del monólogo contemporáneo. Humor genuino, gestual, mímico y absurdo apto para todos los públicos y preferencias. Sin duda, la mejor en lo suyo en este momento con un trabajo de sobresaliente de un repertorio joven y motivado. Una auténtica obra de misterio con sabor a Monty Python.

Más Monty Pyton que Agatha Christie.

Avisamos.

Te gustará sí:

  • Quieres desconectar de todo lo demás durante un par de horas
  • Te gusta el teatro de humor mímico o absurdo
  • No eres aficionado al teatro de humor pero quieres probar con algo con lo que te reirás seguro

la función que sale mal

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Piaf, Voz y Delirio: revive a Edith Piaf en el Cofidís Alcázar

Edith Piaf fue la vida tumultuosa más bella jamás cantada. Y es que su historia fue un remolino de canciones, tristezas, éxito, y el sufrimiento de quién vio todo torcerse cada vez que surgía la esperanza. Hoy, sus canciones forman parte del imaginario colectivo, y el vibrato de su voz jamás podrá ser olvidado. Derrotado y luchador, representa el punto álgido de la canción francesa del siglo XX.

Piaf voz delirio

Todos conocemos la tragedia inherente a la vida de Edith Piaf. La que inspiró las canciones más terriblemente emocionantes y tristes de la canción francesa. Pero, ¿qué hay detrás? ¿Cómo fue el pequeño gorrión antes de todo aquello? ¿Consiguió ser feliz alguna vez? Piaf, Voz y Delirio, es un espectáculo que llama la atención por indagar también en los años más felices de la artista, en sus sueños, sus ganas por triunfar, sus alegrías. Porque también fue una estrella risueña antes que el pequeño gorrión triste.

Este musical biográfico lleva ya varias temporadas triunfando en la capital, desde que se estrenase en 2015 para conmemorar los 100 años del nacimiento de Edith Piaf. Y lo hace por varias razones. No sólo por ser un fiel reflejo de la vida de Edith Piaf, si no por lo efectivo de una adaptación dinámica y arrolladora. Mariaca Semprún hace de actriz, cantante y arrolladora protagonista, encarnando una emoción pura e inocente en cada escena. Una actuación que revive a la Piaf más humana. Resuelta y sensible, artística, soñadora y resiliente, festiva, desamparada, pero siempre, siempre fuerte.

Piaf voz y delirio

«La vie en Rose», «L’accordeoniste», «Non, je ne regrette rien» , y muchísimas otras canciones volverán a cobrar vida en un escenario vestido para la ocasión. Pero no es sólo un concierto dramatizado, es mucho más. Las canciones vuelven con más fuerza que nunca al revivir el contexto, las fiestas, las decisiones, el dolor de una artista de la que todavía no conocemos su vida. Al justificarlo todo.

Acércate al Teatro Cofidís Alcázar y emociónate como nunca con Piaf, Voz y delirio.

Te gustará si:

  • Eres amante de la canción francesa como género musical.
  • Quieres ver un musical diferente que ahonde en la psicología y emociones de los personajes.
  • Te gusta emocionarte cada vez que vas al teatro.
  • Eres amante de la música en directo.

Piaf voz y delirio

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La versión más purista de Jesus Christ Superstar llega a nuestro país

Tras arrasar en el West End londinense y en Broadway, Jesus Christ Superstar visita nuestro país. Y lo hace y de la mano de Ted Neeley, cantante y actor que lleva protagonizando este conocido musical rock más de 30 años, incluida la película original de Norman Jewison en 1973.

Han sido muchas las producciones que han desfilado por los principales teatros españoles a lo largo de los años, pero esta no es una versión al uso, sino la producción original de Broadway en V.O., con subtítulos en español y con un elenco de altura. Massimo Romeo Píparo se pone a la dirección de esta versión que marcó un antes y un después en la historia del teatro musical. Esta obra lleva triunfando más de 45 años y, aunque la polémica que provocó en el año de su estreno ya se haya disipado e, incluso, su aparente tono descarado haya quedado obsoleto, sin duda sigue siendo un verdadero must entre los aficionados al teatro musical.

Algo está claro: la potente composición musical en clave de rock que Andrew Lloyd Webber creó para Jesucristo Superstar siempre ha sido la baza fundamental del éxito de la obra. Y en esta producción acogida por el Teatro EDP Gran Vía tuvimos la oportunidad de disfrutarla al máximo gracias a las sobrehumanas voces de Giorgio Adamo, en el papel de Judas, Simona Di Stefano, como María Magdalena o Ted Neeley, que a sus 74 años es la vívida representación de que “los viejos rockeros nunca mueren».

Escrita por el popular autor estadounidense Tim Rice (célebre por su trabajo en el musical Evita y en las películas de Disney Aladdin o El Rey León), esta producción nos acerca a ese Jesus Christ Superstar que revolucionó tanto a la crítica como al público neoyorquino allá por el año 1971.

No solo por el hecho de que haya llegado a nuestro país con el libreto original en inglés, sino porque tanto su puesta en escena con aires retro, como los recursos que usan para representar los conceptos claves de esta propuesta, que en la época fueron tan polémicos y que quizás en la actualidad hayan quedado un poco desactualizados, son clave para sumergir al público en una de las versiones más puristas de Jesus Christ Superstar.

Este elenco estelar nos hace retroceder a la Edad Antigua para conocer el lado más humano, y por ende, menos divino de Jesucristo, además de transportarnos a esos irreverentes años ‘70 en donde la revolución, los movimientos contraculturales y pacifistas estaban a la orden del día, siempre con un mismo hilo conductor: una potentísima banda sonora regada por sinfonías marcadas por el rock y el blues.

EQUIPO ARTÍSTICO

Andrew Lloyd Webber -Música
Tim Rice – Textos
Massimo Romeo Piparo – Adaptación y dirección
Giancarlo Muselli – Escenografía
Teresa Caruso – Elaboración de la escenografía
Roberto Croce – Coreografía
Daniele Ceprani – Luces
Cecilia Betona – Vestuario
Stefano Gorini – Sonido
Emanuele Friello – Dirección Musical

REPARTO

Ted Neeley, Jesús
Giorgio Adamo, Judas
Simona Di stefano, María Magdalena
Andrea Di Persio, Pilatos
Mattia Braghero, Simón
Francesco Mastroianni, Caifás
Massimo Bonanno, Anás
Salvador Axel Torrisi, Herodes
Sandro Bilotta, Pedro

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Fin de temporada: última oportunidad para ver muchas obras de teatro

¿Tienes alguna obra de teatro apuntada como pendiente en tu agenda? Pues aprovecha porque, con el verano, llega el final de temporada, ¡y muchos éxitos de la cartelera madrileña se despiden definitivamente de sus escenarios!

Te contamos qué obras te ofrecen la última oportunidad para verlas en directo.

El test

El Test, de Jordi Vallejo, lleva tres temporadas triunfando en las carteleras de Madrid. Estrenada en Barcelona en el 2016, pronto alcanzó una fama digna de las obras más veteranas provocando llenos diarios. Y no es de extrañar, porque su argumento es tremendamente divertido: lo que comienza como una inofensiva cena de parejas acaba conviertiéndose en las preguntas más complicadas que te han planteado en años: si te dieran a elegir, ¿te quedarías con 100.000 euros en el momento o preferirías recibir un millón esperando diez años?

Si eres de los pocos que todavía no ha disfrutado de esta comedia, ¡aprovecha! Se enfrenta a sus últimas funciones en el Teatro Cofidís Alcázar de Madrid. Sólo hasta el 16 de junio.

el test jordi vallejo

Pantomima Full

Son la sensación del momento en internet. Con vídeos de menos de un minuto han sabido ganarse a una ingente cantidad de seguidores que cada viernes esperan un nuevo vídeo. Pantomima Full saltó de los vídeos virales a los escenarios el año pasado, y ahora el show da por terminado su recorrido, después de una larga temporada de viajes, idas y venidas, y por supuesto mucho humor.

Rober Bodegas y Alberto casado se enfrentan a las últimas funciones de su espectáculo el 13 de junio en Toreelodones y el 14 de junio en Madrid.

pantomima full show

Monólogos

Hola Borreguetes es la obra con la que Agustín Durán lleva un par de años haciendo reír a toda España. Ahora, el monólogo, de auténtico humor manchego, está dando sus últimos coletazos. Este verano se ofrecerán las últimas funciones de manera improrrogable. ¡No te quedes fuera!

También llegan las últimas funciones para Juan Amodeo y su máquina del tiempo, un monólogo sobre internet y la actualidad. Y Santi Rodríguez también descansará en verano, así que si quieres ver Infarto, donde el actor refleciona sobre las segundas oportunidades que puede darnos la vida, también tendrás que darte prisa.

infarto

De caperucita a loba en sólo seis tíos

Nos encanta caperucita. Y su nueva versión de la historia. En De Caperucita a Loba en sólo seis tíos, Marta González de Vega nos regala un divertido manual sobre cómo superar ese patetismo inherente al amor que todos hemos sufrido en algún momento, o que sin ningún lugar a dudas acabaremos por sufrir.

¿Quién no ha pensado en convertirte en un auténtico lobo o loba tras esa dolorosa ruptura? Atrévete a reírte de ti mismo en el Teatro Fígaro de Madrid, ¡tienes hasta el 30 de junio!

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Bibiana Fernández y Manuel Bandera vuelven al Teatro Fígaro

  • En mayo vuelve a Madrid ‘El Amor está en el aire’, un musical irónico y descarado sobre las relaciones de pareja
  • Bibiana Fernández y Manuel Bandera dan carisma y buen hacer a un espectáculo con mucha personalidad
  • L a obra sólo está programada hasta el 30 de junio. ¡No te la pierdas!

El amor está en el aire

Llegan las risas al ritmo de las baladas románticas más nuestras de nuestra historia: El Amor está en el Aire ha vuelto a subirse a las tablas. El Teatro Fígaro estrena en mayo este musical desenfadado y sentimental sobre el tema más humano de todos los tiempos: el amor y las relaciones personales.

El amor está en el aire

¿Qué conforma el amor? ¿Cuáles son los pequeños detalles que estructuran ese torbellino emocional e incontrolable que todos experimentamos en algún momento? ¿Qué distancia el enamoramiento de la desilusión más absoluta? Con Bibiana Fernández y Manuel Bandera como únicos protagonistas, esta obra en forma de musical va indagando, canciones míticas mediante, en el universo de las relaciones de pareja.

Porque el amor es mucho más que amor, es todos los aledaños que le rodean: la pareja, el sexo, la ilusión, el enamoramiento, el desengaño, la traición, la dependencia, el matrimonio, el olvido. Un juego eterno común a casi todos los mortales, manejado con muchísima ironía y todavía más humor.

Bibiana y Manuel son todas las mujeres de todas las relaciones, todos los hombres, y ninguno a la vez. Los personajes, escritos por Félix Sabroso, van cambiando conforme evoluciona la obra y pasan los sketches, de modo que todos nos vemos reflejados en alguna discusión, en alguna situación de hastío, o en muchos recuerdos.

Al piano, les acompaña Guillermo González, brillante pianista y tercera persona en discordia, la excusa perfecta que dará pie a unos y otros sketches durante el show, entrando y saliendo de la 4ª pared constantemente. Canciones de Raphael, Los Ronaldos, Alejandro Sanz, Rocío Jurado, Almodóvar, Rocío Durcal o María Jiménez, entre muchísimas otras, irán sonando a través de la voz de sus protagonistas. Una comedia en la que cualquier persona que haya vivido el amor se sentirá identificada.

Por el momento, la obra ha sido programada en el Teatro Fígaro hasta el domingo 30 de junio. Puedes verla de miércoles a domingo desde 16 €.

El amor está en el aire

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Corta el Cable Rojo, una carrera hacia el éxito a golpe de carcajada

Cuando te hablan de una obra que lleva arrasando ininterrumpidamente en la Gran Vía madrileña más 8 años, lo primero que se te viene a la cabeza es El Rey León. Pero en la entrañas del Teatro EDP, más concretamente en el Pequeño Teatro Gran Vía nos encontramos uno de los shows más longevos de la cartelera madrileña, Corta el Cable Rojo. Muy pocos espectáculos consiguen sobrevivir tanto tiempo en cartel, por lo que en Taquilla.com nos dispusimos a descubrir el secreto del éxito de Carlos Ramos, José Andrés y Salomón. Y la verdad es que nos demostraron, con creces, que son unos verdaderos genios de la improvisación.

Puede que estemos ante el único espectáculo en toda España que puede presumir de haber ofrecido al público más de 500 estrenos absolutos sin perder un ápice de frescura y naturalidad. Cada función de Corta el Cable Rojo es única e irrepetible y es algo que nos encanta. No solo por poder asistir con la única pretensión de pasárnoslo bien, sino por tener la oportunidad de repetir, cosa que esperamos hacer en un futuro no muy lejano. Antes de comenzar el show solo teníamos claro que algo estarían haciendo bien para llevar desde 2012 en la Gran Vía madrileña, aunque nunca nos hubiéramos llegado a imaginar lo que nos tenían preparado estos tres monstruos de la comedia.

Pero, empecemos por el principio. La mecánica del show, a priori, parece muy sencilla. A partir de las propuestas del público, Carlos Ramos, José Andrés y Salomón construyen historias y situaciones totalmente improvisadas en ese mismo instante ante los ojos del público bajo una estructura común. ¿Parece fácil? Y ellos así lo demuestran, pero en Corta el Cable Rojo nada es tan sencillo cuando todo es improvisación. Cuando decimos todo, es todo… música de la genial Angie Lofer, efectos lumínico y sonoros, proyecciones y, por supuesto, las historias descabelladas y los jardines en lo que estos cómicos acaban metiéndose. Un cóctel perfecto para una función irrepetible, cada noche nace un espectáculo único y totalmente customizado para el público de esa función.

Y hablando del público, no pienses que este es el típico espectáculo en el que te sientas, te ríes, aplaudes y te vas. En Corta el Cable Rojo los espectadores tienen un papel fundamental. De hecho no es que Carlos Ramos, Salomón y José Andrés solo hayan conseguido romper con la cuarta pared, sino que la han devorado. Los espectadores son los directores, guionistas y responsables de poner al límite las capacidades interpretativas de los tres protagonistas y de algún que otro afortunado, o no tanto, al que le tocará subirse al escenario.

Diez fueron las pruebas a los que estos brillantes improvisadores se tuvieron que enfrentar. Y gracias a su creatividad, imaginación, espontaneidad y desparpajo las superaron con toda su artillería. Dales un título y te harán una canción, una profesión y te producirán una película y solo con el nombre de un país te dejarán sin palabras. Carlos Ramos, Salomón y José Andrés son expertos en ofrecernos giros de guión impensables, darle sentido al humor absurdo y hacer que te rías con chistes malos que en otro contexto no te haría ninguna gracia. Pero lo que está más que claro es la pasión con la que cada día se suben al escenario y es algo que se evidencia en cada función. Sin duda una obra 100% recomendable para acabar tu día con un subidón de felicidad y buen rollo.

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Otelo a Juicio: reflexionar las pasiones y cuestionárselo todo

Otra mujer asesinada en su cama. Otro marido celoso en busca de una defensa. Otro relato inmortal. Y aunque estamos en el 2019 el crimen se remonta al siglo XVII .

¿Conocen la historia de Otelo? Ese moro veneciano, general de sus ejércitos, que en el siglo XVI conquista el corazón de la dulce (y casi adolescente) Desdémona, hija de un importante Senador de la ciudad. Firmado por Shakespeare, Otelo es otro drama romántico, donde las pasión y la traición fueron los auténticos protagonistas.

Otelo, engañado por el malvado Yago, acabará asesinando a su mujer por celos injustificados. Y por primera vez desde entonces, alguien se pregunta en público cómo juzgar este crimen.

Otelo a juicio

El planteamiento es sencillo: Ramón Paso trae al Otelo de Shakespeare a pleno siglo XXI para ser juzgado por sus actos. Pero no está solo. Una voraz y ambiciosa abogada sin escrúpulos construirá una defensa tan creíble como cruel, para un Otelo que en realidad no busca ningún perdón. El desenlace será el mismo, pero, ¿lo será nuestro dictamen?

Otelo a Juicio es una brillante conjunción entre la historia original y una trama de abogados, entre la reflexión y la dramaturgia clásica. En la obra, nos asomamos a Shakespeare a través de inteligentes flashbacks de época que llegan a fusionar el presente y el pasado, a confundirlo, mimetizarlo.

Una reflexión feminista necesaria, un imperativo prácticamente categórico: la necesidad de juzgar (o por lo menos plantearnos) los crímenes de la literatura histórica. Todas esas muertes que han justificado una trama, que se han ido amontonando en el imaginario general cadáver tras cadáver. Sin que nos planteásemos siquiera la aberrante realidad de una violencia que se remonta a los albores del ser humano y del arte.

La abogada de Otelo, interpretada por una consistente Ana Azorín, removerá todos nuestros prejuicios y privilegios, estructurando la obra en torno a su propio trabajo. Emulando la defensa racial de O.J. Simpson, se convertirá también en el propio juez del público.

Otelo a juicio

Hay dos puntos esenciales en esta obra: el uso magistral de la música, que ayuda a estructurar y agilizar la trama (que en ocasiones llega a tornarse pesada, por la necesidad de narrar la aventura original), y, por supuesto, las actuaciones de todos sus protagonistas.

Una calidad interpretativa capitaneada por un elenco femenino ágil y contundente. Ana Azorín destaca con una potente presencia, agudeza y una expresividad todoterreno, que hace que eches en falta un incluso más de su segundo personaje. Ángela Peirat, con un papel más secundario, consigue sin embargo sobresalir con una gestión emocional y una voz sobresalientes.

Por su parte, Inés Kerzán se contrapone con la interpretación más clásica, con un personaje menos versátil pero que consigue encarnar la dulzura y el amor de la Desdémona más pura. Una contraposición que se encuentra en el escenario sin mirarse jamás a la cara, enfrentando pasiones atemporales a personajes diametralmente opuestos.

Por su parte, David DeGea juega con la mejor baza: un Yago altamente manipulador, efectivo y sin el menor escrúpulo, con aires de locura, que interpreta como la misma encarnación de un mal ególatra y sin remordimientos. Jordi Millán, Jorge Mayor y un vulnerable Felipe Andrés completan la parte masculina de un elenco que convierte una obra sobresaliente en auténtica matrícula de honor.

Otelo a juicio

Otelo a Juicio es una obra efectiva, primordialmente desnuda sin perder un ápice de la galantería y la delicada exhuberancia del teatro del siglo XVI. Es una obra de capas, donde las reflexiones y los sutiles diálogos se superponen constantemente.

Un ensayo sobre la responsabilidad y las pasiones donde los protagonistas de ahora siguen ardiendo con las pasiones de todo lo que escribía Shakespeare. Ambición, justicia y traición, son reinterpretados a través de personalidades complejas que no dudan en alzar sus voces.

La demostración más tangible de traer a la actualidad los crímenes del pasado. No es reescribir a Shakespeare, sólo es reinterpretarlo. En Otelo a Juicio, sin embargo, el juicio nunca llega a celebrarse. Hay trabajo por delante.

Otelo a juicio

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El Test, éxito incombustible en el Cofidís Alcázar

Héctor y Paula son un matrimonio que está pasando por algunos problemas económicos. Malviven de un bar que intentan sacar adelante sin demasiado éxito. Durante una cena con una pareja de amigos, Toni y Berta, mabos adinerados, surge una propuesta al respecto, en apariencia sencilla e inocente: ¿qué elegirías, 100.000 € al contado ahora mismo o 1 millón dentro de diez años?

Poco a poco, lo que parecía una simple conversación durante una cena con amigos irá destapando secretos y giros inesperados. Se irá desvelando progresivamente la auténtica personalidad de cada uno de los personajes, dando lugar a hilarantes situaciones. Pero la obra no se limita al humor, ya que planteará una disyuntiva mucho más profunda: ¿hasta qué punto nos van definiendo las decisiones que tomamos? Cada pequeña elección, por pequeña que pueda parecer, va determinando nuestro camino en la vida: ¿Tomarás café o té? ¿Fútbol, baloncesto o natación? ¿Salir o quedarse en casa? ¿Gimnasio por la mañana o por la noche?

El test jordi Vallejo

TRES TEMPORADAS DE ÉXITO

El Test, escrita por Jordi Vallejo y dirigida por Alberto Castrillo Ferrer, lleva ya dos temporadas completas de absoluto éxito. Y la tercera sigue sin ningún atisbo de dudas el mismo camino de las anteriores. Lo que era la apuesta de un dramaturgo novel se ha convertido en una de las obras más celebradas de los últimos años. Fue estrenada en Barcelona en el 2016, y tras una temporada de llenazos incesantes se trasladó al Cofidís Alcázar de la capital.

Lleva desde entonces haciendo reír en este teatro de la Calle Alcalá, semana tras semana. Luis Merlo, Antonio Molero, Marta Belenguer y Marina San José capitanean este barco que basa su peso argumental en las conversaciones entre sólo cuatro personas. El análisis sociocultural de nuestra realidad se apoya en la calidad interpretativa de los actores, que hacen gala de su bis cómica para convertir esta pequeña reflexión en una auténtica delicia.

Y tú, ¿no la has visto todavía? Puedas hacerlo de miércoles a domingo desde sólo 16 €.

Horarios: miércoles, jueves y viernes a las 20:30 horas, sábados a las 19:00 y 21:00 horas, domingos a las 19:00 horas
Compra aquí tus entradas.

El test jordi Vallejo

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Paz Padilla llega a Tarragona con ‘Desatadas’ este 27 de abril

  • Desatadas sale de gira por España y visitará Tarragona los días 27 y 28 de abril de 2019.
  • No te pierdas esta comedia de sketches donde Paz Padilla triunfa en su vis más cómica.
  • Puedes conseguir tu entrada desde sólo 18 €.

desatadas paz padilla

¿Qué separa la realidad de la ficción, la verdad de la locura? ¿Cómo diferenciarlo? Y lo más importante, ¿quién establece esa fina línea? El autor de desatadas, Félix Sabroso, reflexiona sobre ello usando el humor como arma, y a tres grandes actrices como mensajeras: Esther Rivas, Natalie Pinot y Paz Padilla.

La popular presentadora de televisión vuelve al teatro con este show trepidante, donde los sketches se van sucediendo uno tras otro y las actrices tienen que hacer gala de sus habilidades más polifacéticas. Internadas en un sanatorio mental, las tres van rememorando su vida y los momentos más increíblemente locos. Paz Padilla concentra así casi todo el peso de la obra sobre su personaje, demostrando una vez más sus bien conocidas habilidades para la comedia.

Desatadas Paz Padilla

Engaños en la pareja, el miedo a terminar solo, episodios de locura, dificultades laborales, competitividad, muerte, familias crueles… temas que todos conocemos enfocados de la manera más hilarante posible. Una divertidísima obra más que necesaria para reflexionar sobre el mundo actual.

Tras pasar mucho tiempo en el Teatro Capitol, ahora la obra visita algunas ciudades. Una de ellas será Tarragona. ¡No te lo pierdas!

DESATADAS EN TARRAGONA

27 de abril de 2019 a las 20.30 h
28 de abril de 2019 a las 18.30 h

Compra aquí tus entradas para Desatadas.

Desatadas Paz Padilla

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‘De Caperucita a loba’ o cómo superar los fracasos amorosos a golpe de risa

Pocos humoristas son capaces de mantener la atención del público durante 90 minutos, y muy escasos los que se atreven a hacerlo con un monólogo unipersonal. Pero para la guionista, escritora y actriz Marta González de Vega, más que un reto, es un paso lógico en su brillante carrera. Y es que en De caperucita a loba en seis tíos, la polifacética actriz tinerfeña se lo guisa y se lo come, y en ningún momento nos hace falta nadie más sobre el escenario para disfrutar de una divertidísima y muy original comedia sobre las relaciones de pareja.

De caperucita a loba en solo 6 tíos nació en 2015 como una novela homónima de corte de autoayuda humorística. Pero avanzó, mutó y, para nuestro bien, se convirtió en una adaptación teatral de gran éxito. Tanto, que esta temporada se ha mudado a un teatro más grande para poder acoger a un público cada vez más numeroso.

¿El secreto de su éxito? La experiencia de Marta, tanto en las relaciones de pareja como sobre las tablas. Esta polifacética mujer no solo es guionista de cine y televisión, también es actriz, dramaturga y ha llegado a escribir 400 monólogos para El Club de la Comedia y en De Caperucita a Loba, podemos descubrir un nuevo registro de Marta al que no estamos acostumbrados.

La obra no busca la guerra de sexos y, aunque el público que acude al espectáculo en su gran mayoría es femenino, la autora anima a los hombres a que se pasen por el Teatro Fígaro para revelarles los grandes e inexpugnables secretos de la mente femenina. Y es que, más que un monólogo, De Caperucita a Loba se presenta en Madrid como un concienzudo manual sobre cómo afrontar los desengaños amorosos independientemente de tu género. Y, ojo, todos sus argumentos están siempre apoyados por la incuestionable base científica del libro El viaje al amor de Eduardo Punset.

La protagonista, combinando todo lo aprendido dentro de la stand up comedy con lo mejor del teatro musical, nos hace partícipes de su viaje hacia la conversión en Loba, en la que por el camino nos va mostrando las conclusiones que ha ido aprendiendo mediante la técnica del ensayo-hostión. A lo largo de 6 experiencias tipo, materializadas en 6 estereotipos de hombre, Marta nos sumerge en esta historia de una forma muy dinámica, fresca, cercana e ingeniosa, además de ofrecernos una valiosa moraleja final: ser una verdadera loba no significa comerte a los tíos, sino conseguir superar el inherente patetismo de las relaciones a golpe de carcajada.

Para Marta González de la Vega solo hay una solución posible para superar los fracasos amorosos: Convertirte al humor y saber reírse de uno mismo, porque, como dice la autora, “El que ríe el último…ha perdido un tiempo precioso”. No te pierdas De Caperucita a loba en solo 6 tíos en el Teatro Fígaro de Madrid, todos los viernes y sábados a las 22:15 horas y los domingos a las 20:15 horas.

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Crónica Dos + Dos: Y tú, ¿qué harías?

Imagina que acabas de ganar un premio. Que lo estás celebrando relajadamente con tu pareja, tu socio y su mujer. Que en tu vida todo va bien y lo tienes todo controlado, o al menos, eso creías. Imagínate que de repente tu mejor amigo te confiesa que se está metiendo en el mundo swinger. ¿Cómo reaccionarías?

Dos + Dos nos presenta una obra relajada y divertidísima, curiosa, una comedia romántica con giros más o menos esperados y con unas interpretaciones que la convierten en material de primera para una tarde de risas en el teatro. ¿Te apuntas?

reseña dos mas dos

Creada por Daniel Cúparo y Juan Vera, Dos + Dos es así una comedia relajada pero punzante, que enfrenta de primeras la difícil temática del amor maduro. Y plantea, sin tapujos, una realidad extendida pero velada: la de las parejas liberales, el intercambio, las fiestas swingers. También aborda directamente y sin censuras la posible problemática sexual de un matrimonio: la pérdida de deseo, la pereza, la comodidad, la búsqueda de alternativas. Realidades con las que todo el mundo puede sentirse identificado en algún momento de su vida.

Y lo descubriremos a través de cuatro personajes muy distintos, que van abordando esta realidad desde su propio punto de vista: reacciones como el anhelo, el placer, el temor, la curiosidad, o el rechazo frontal por una educación tradicional van sucediéndose sin control. Pero nos encontramos con un planteamiento abierto (y de divertido, algo ingenuo) que presenta el intercambio de parejas con todas sus implicaciones.

dos + dos crónica

Probablemente, la amable candidez de la obra sea su punto fuerte, sumergiéndose sin florituras ni prejuicios en temáticas que otrora podrían plantearse de manera espinosa.

Todo ello gana consistencia con mayúsculas gracias a la interpretación de sus cuatro protagonistas. La intrínseca naturalidad de una Natalia Verbeke risueña aporta fluidez a toda la obra, y la heterogeneidad de Kira Miró regala el contrapunto más cómico del elenco femenino. Por su parte, Antonio Hotrelano y Alex Barahona evolucionan junto con la obra, ganando peso argumental y generando cada vez más risas en el respetable según avanza la función.

Una obra directa, adictiva y divertida, que busca la conversación, que pica al espectador buscando respuestas incómodas: ¿y tú, qué harías? ¿Qué piensas? ¿Es justificable? Y sobre todo las risas, muchas risas como contraste a los momentos dramáticos que inevitablemente surgen en cualquier historia de amor. Una adaptación de la exitosa película Argentina que sin duda triunfará muchos meses en la cartelera madrileña.

Te gustará si…buscas una función divertida y distendida, un plan en pareja para el fin de semana o para hacer con amigos antes de tomar unas copas. Si necesitas relajarte, con un texto ameno y unas interpretaciones de primera con los que te reirás sin duda.

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Eduardo Aldán vuelve a los escenarios con ‘El Jefe’

Doce años son mucho tiempo. Y más si hablamos de mantener una obra en la cartelera de Madrid. Pero a Eduardo Aldán se la hecho fácil, batiendo todos los récords de audiencias posibles año tras año con Espinete no Existe. Ahora, comienza nuevo capítulo y vuelve a subirse al escenario del Teatro Arlequín Gran Vía con una obra escrita, dirigida y protagonizada por él mismo: El Jefe.

 

Un verdadero hombre orquesta que, en esta ocasión, viene acompañado por un desternillante Israel Criado, en una comedia repleta de humor y ternura. Y es que, como ya nos tiene acostumbrados Aldán: no solo de la comedia vive el hombre y, entre sketch y sketch, subyace una reflexión mucho más profunda sobre nosotros mismos y nuestras prioridades en la vida.

Si tuvieras la oportunidad de hacerlo, ¿le dirías a tu jefe todo lo que piensas sobre él? Con esta difícil premisa comienza uno de los encierros más divertidos hasta la fecha. Eduardo Aldán se pone en el papel de El Jefe, un hombre que vive por y para su trabajo como líder de una empresa de chocolate y que quizás haya olvidado las cosas que verdaderamente importan para ser feliz. Un adicto al trabajo que se verá obligado a pasar la noche de Fin de Año encerrado en su despacho con la última persona que hubiera deseado estar en esta fecha tan especial: un empleado al que no conocía pero que aún así acaba de despedir.

Una larga velada de encierro en la que ambos se tendrán que enfrentar a situaciones totalmente inesperadas en las que se denota el buen sentido del humor del autor y director del espectáculo. Sin olvidarnos del aire nostálgico y retro que caracteriza la obra de Aldán, en la que siempre hace viajar a nuestra mente a un periodo anterior, en el que, por qué no, la vida era mucho más fácil y divertida.

El humorista vizcaíno ha vuelto a apostar por Israel Criado como partenaire de este nuevo proyecto personal. Criado ya es conocido por haber trabajado en las principales producciones de la la compañía de Aldán, como Goodbye Dolly, La escuela de magia, Sopa de Ganso y el popular Espinete no Existe. Una complicidad palpable que hace de la pareja un combo humorístico perfecto.

Sin duda, esta nueva apuesta por la comedia en la cartelera madrileña te dejará con un muy buen sabor de boca final y, es que algo está más que claro, el público no paró de reírse durante todo el espectáculo. Un tremendo éxito entre los fans de Eduardo Aldán que esperamos que tenga un futuro tan prometedor como el que tuvo con Espinete no Existe. Podrás disfrutar de El Jefe en el Teatro Arlequín desde el 1 de febrero de 2019 todos los jueves a las 20:45 horas, viernes y sábados a las 20:00 horas y 22:00 horas y los domingos a las 18:00 horas.

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¿Qué espectáculos infantiles giran más por toda España?

Circos y canciones infantiles. Esos son, sin lugar a dudas, los géneros que más gustan a los pequeños, y los que más posibilidades tienen de disfrutar independientemente de su ciudad de nacimiento.

Por un lado, se puede destacar tres circos en particular: Circo Raluy Legacy, el Circo Italiano y el Circo Inimitable que, con la friolera de casi unas 300 funciones a sus espaldas durante el año pasado, se han convertido en las entidades más prolíficas y que más han girado por toda España.

Por otro lado nos encontramos a los famosos Pica-Pica. Esta compañía ha visitado, durante la temporada 2017/2018, casi una veintena de ciudades diferentes. Han sido la compañía infantil que más ciudades ha visto, pero les siguen muy de cerca espectáculos como Canta Juegos – Grupo Golosina, CantaJuego – Grupo EnCanto y La Pandilla de Drilo.

Puedes leer todos estos datos en el informe de Taquilla.com sobre espectáculos infantiles durante la temporada 2017/2018.

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El Off de la Latina acoge las obras infantiles con más representaciones de España

El teatro infantil crece sin parar. Y el 16,2% de todos los espectáculos celebrados en España durante la temporada 2017/18 fueron obras de este género que, además, tiene un precio bastante por debajo que el espectáculo medio en nuestro país.

En la ardua labor de sembrar el amor por el teatro entre los más pequeños de casa hay que destacar a una sala en particular: el Off de la Latina en Madrid. Y es que esta sala independiente ha albergado dos de las obras infantiles con más sesiones programadas en toda España: 1, 2, 3… ¡Magia!, con 197 funciones en un año y AbracaDania con 144.

En cuanto a los espectáculos infantiles con más eventos programados no solo destacan la fuerte presencia de los shows de magia familiar, sino también las versiones de cuentos de toda la vida, como Los Tres Cerditos en el Teatro Karpas de Madrid, Peter Pan de la Compañía Complejo de Esquilo o La Isla del Tesoro del Estudio2 Manuel Galiana.

obras infantiles

Toda esta información proviene de un análisis de Taquilla.com sobre el teatro infantil durante la temporada 2017/2018. Puedes leerlo al completo aquí y consultar todos los datos.

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El teatro infantil es un 64% más barato que los demás espectáculos

Ir al teatro en familia no es tan caro como cabría imaginar. Y es que, durante la temporada 2017/18,  el precio de los espectáculos infantiles fue de media de 7,87 euros, muy por debajo de que cabría imaginar.

El precio medio de un espectáculo general en España, por su parte, es de 
21,89 euros, o lo que es lo mismo, el teatro infantil cuesta un un 64% menos por entrada que el resto.

Una diferencia que se hace más notable en ciudades como A Coruña, Segovia, Melilla y las Islas Baleares que, con un precio medio de 5 euros por entrada, se han convertido en las provincias donde es más barato asistir a un espectáculo infantil. Mientras que las obras infantiles que se celebraron en Almería, Álava y Jaén, con un precio por entrada que rondó los 13 euros, fueron las que tuvieron un precio más elevado.

Toda esta información proviene de un análisis de Taquilla.com sobre el teatro infantil durante la temporada 2017/2018. Puedes consultarlo al completo aquí

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La cultura también rodea a las grandes ciudades

Un estudio realizado por Taquilla.com revela que la cultura no es sólo patrimonio de las grandes ciudades, sino que las ciudades satélite y dormitorio de las principales capitales de nuestro país presentan también algunas de las mayores tasas de densidad teatral por habitante.

Así podemos comprobarlo, por ejemplo, en el área metropolitana de Madrid. Torrejón de Ardoz es uno de los núcleos urbanos con más obras teatrales por habitante, con 5,08 por cada 10.000 habitantes. También destacan Fuenlabrada (3,3), Alcalá de Henares 2,6 y Parla 2,94. Haciendo especial hincapié en Boadilla del Monte, con una población de menos de 50.000 personas y un total de 29 estrenos al año.

Lo mismo sucede con los municipios del área metropolitana de Barcelona, como Sant Cugat del Vallès con 4,8 obras programadas por cada 10.000 habitantes, Gavà con 3,22 o El Prat de Llobregat, que ha acumulado 3,44 estrenos programados.

Puedes leer toda la información en el estudio realizado por Taquilla.com sobre la actividad teatral de España de la temporada 2017/2018.

Torrejón

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Madrid y Barcelona acumulan el 85% de los espectáculos de toda España

Los espectáculos prefieren las grandes ciudades. Madrid y Barcelona aglutinan en sus ciudades el 85% de todos los espectáculos escénicos celebrados en nuestro país, según un estudio realizado por Taquilla.com sobre las representaciones de la temporada 2017/2018. La capital, Madrid, presenta en solitario más de la mitad de las obras representadas en toda España, con un 56,3 % del total.

Es un dato llamativo, ya que el porcentaje de Madrid y Barcelona se encuentra muy por encima de la tercera ciudad con más eventos, Valencia, con un 3% del total de las obras, y Sevilla con un 2 %. Sólo el 10% de los eventos restantes se reparten por el resto de municipios.

Este mapa de actividad cultural coincide con la distribución de los recintos teatrales de nuestro país, ya que los núcleos con más teatros son Madrid (246), Barcelona (162) seguidos de Valencia (53 teatros) y Sevilla, con 38 teatros.

Este informe ha sido realizado por Taquilla.com sobre 101.194 funciones pertenecientes a 6622 obras, que se han representado en nuestro país entre el 1 de octubre de 2017 y el 30 de septiembre de 2018. Puedes leerlo al completo aquí.

Ciudades con más eventos

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La Chocita del Loro y La Escalera de Jacob, los teatros con mayor actividad de toda España

Un estudio realizado por Taquilla.com sobre la actividad teatral en España durante la temporada 2017/2018 revelaba hace unos días que Madrid, con una cartelera de 1629 obras diferentes, se ha erigido como la ciudad con una mayor y más diversa oferta teatral de todo el país. Este es un hecho al que no sólo han contribuido los grandes espacios escénicos de Gran Vía, sino también la amplia red de teatros distribuidos por toda la capital, tanto de teatro clásico como alternativo o de humor.

De este modo, encontramos en la capital el teatro con más actividad de España. Se trata de La Chocita del Loro Senator, chogar por antonomasia de los monólogos de Gran Vía, con más de 2000 representaciones programadas a lo largo de la temporada pasada. Cada día, el recinto abre sus puertas para ofrecer varias sesiones diferentes y simultáneas, convirtiéndose sin ningún problema en el escenario con más sesiones anuales del país.

Muy de cerca, le sigue un teatro más alterantivo, y centrado además en todos los públicos: La Escalera de Jacob. Este pequeño recinto de Lavapiés cobija tanto teatro infantil como adulto, con números de mentalismo, magia, improvisación, microteatro, humor, y cuentacuentos. Durante la temporada pasada, un total de 1950 funciones fueron programadas en sus salas.

Fuera de la capital, destaca en Barcelona la sala multidisciplinar del Teatreneu, que con más de 30 sesiones semanales se sitúa como el teatro con más eventos de la capital catalana. En Valencia destacan la Sala Girasol y la Sala Carolina, espacio también heterogéneo con números de humor, infantiles, magia…

Puedes leer todos los detalles del informe aquí.

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El Rey León y Billy Elliot, las obras con más funciones anuales de toda España

Gran Vía es el hogar de las grandes producciones musicales en nuestro país. Cada día, sus teatros engalanan la calle de la capital con letreros luminosos y grandes promesas de música, baile, escenografía y clásicos de la cultura popular. Son algunas de las obras más longevas de la cartelera y, sin duda, las que más dinero mueven.

Ahora, tras el estudio de Taquilla.com sobre la actividad escénica en España durante la temporada 2017/2018, también hemos comprobado que los musicales son las obras con más sesiones programadas de todo el país.

Durante la pasada temporada, Madrid se convirtió en sede de los espectáculos con más funciones de nuestro país. El Rey León se presenta como líder indiscutible, con la friolera de 600 funciones programadas durante la temporada 2017/2018, en las que, habitualmente, se cuelga el cartel de lleno.

De cerca lo sigue Billy Elliot, la promesa musical estrenada la temporada pasada y que ha resultado ser todo un éxito. Programó un total de 446 sesiones a lo largo de todo el año, seguido en tercer lugar por El Guardaespaldas, con 390 funciones.

Por detrás de los musicales también encontramos otras grandes producciones, como la itinerante Tótem, del Circo del Sol, con 513 sesiones sólo en nuestro país. Pero también hay espacio para las producciones más pequeñas. Se abre así un hueco para Burundanga, una de las obas más exitosas del Teatro Lara. Con 370 sesiones, se convierte en la obra de teatro más activa de toda España.

Estos datos han sido extraídos del último estudio de Taquilla.com sobre las representaciones escénicas en España durante la temporada teatral 2017/2018, donde se han analizado 101.194 funciones pertenecientes a 6.622 obras programas en el territorio nacional desde el 1 de octubre de 2017 al 30 de septiembre de 2018. Puedes leerlo aquí.