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Espectáculos y teatro

Crónica Faraday: ¿Has leído los términos y condiciones?

Nunca es sólo una foto colgada en internet para unos pocos amigos. Nunca es sólo un recuerdo. Y por supuesto, nada es gratis, aunque no pagues por ello. Estas son algunas de las contundentes verdades que empapan la obra de Faraday, aderezadas con una alta dosis de intriga, enredos inesperados y una ambientación futurista.

Todo comienza cuando un novedoso programa, Faraday, es robado antes de hacerse público. Se trata de un buscador capaz de reconocer rostros y mostrar cualquier foto de internet en la que esa persona aparezca. ¿Quizá les suena? Una potente aplicación que podría ser útil y beneficiosa. Y, como cualquier herramienta, también terriblemente peligrosa.

Pero no se lleven a engaño, porque los buscadores, las fotos y la tecnofobia no son lo único que tiene Faraday para ofrecernos, es sólo el interesantísimo paisaje argumental para una trama llena de violencia e intrigas. La empresa propietaria del invento luchará por recuperar el programa a cualquier precio. Un asesino a sueldo recorrerá el mundo tras el rastro el programa, dispuesto a todo para hacerse con él…Pero no serán los únicos.

Fernando Ramírez Baeza juega con una ciencia ficción que no es tal, ambientada en una realidad un tanto lúgubre con filtro de los 70, como un futurismo anticuado. La crítica a las grandes empresas de internet, si bien es ya un tema recurrente, siempre parece acertada: a modo de una especie de aviso que ellas mismas no van a ofrecernos nunca.

Como un servicio público: recuerda que nada es gratis. Que el producto eres tú.

Pedro Miguel Martínez, José Manuel Seda, Alicia Montesquiu, Javier Collado y Ana Turpin, dirigidos por Paco Macià, protagonizan esta obra de Subprime Teatro y la compañía de Salvador Collado.

Faraday es una obra que sorprende, con un planteamiento efectista y giros argumentales inesperados. Aunque si bien se intuye la lección, al final la tensión y el espionaje empresarial acaban predominando, desdibujando la moraleja de la obra. Es tensa y vibrante, con un halo futurista que nos recuerda demasiado a un presente cada día más distópico. ¿Conocen esa sensación de no ser muy capaces de anticipar cuál será la siguiente invención de la tecnología para facilitar nuestras vidas, y a la vez, quizá hacerlas más complicadas? ¿Esa indefensión ante las grandes empresas?

Nuestra privacidad fue vendida a saldo y somos cómplices del desastre.

Y tú, ¿has leído los términos y condiciones?

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Espectáculos y teatro Eventos

Lo que mamá nos ha dejado, una tierna comedia sobre una familia disfuncional

Humor, un poco de mala leche y un halo de ternura que envuelve toda la obra: hoy, en Taquilla.com, os presentamos ‘Lo que mamá nos ha dejado‘. Una nueva comedia de Ramón Paso a la que le auguramos un futuro prometedor en el Teatro Lara, ya que posee todo lo necesario para pasar a formar parte de su cartelera habitual. Y es que bajo la dirección y guión de este prolífico dramaturgo nos encontramos con una conmovedora comedia sobre las tortuosas relaciones familiares.

Pero ¿Qué es lo que nos ha dejado mamá? Una familia disfuncional con mucho que decir y con muy pocas ganas de entenderse entre ellos.

Cuando Carmela descubre que su marido le es infiel, decide dar carpetazo a su relación y esconderse del mundo en la cabaña que tiene en la sierra de Madrid. Pero lo que a priori parecía un plan perfecto, se verá truncado por la presencia de unos invitados muy poco deseados: su padre y sus hermanas. Una visita que para cualquiera podría ser reconfortante para Carmela no puede ser más que la peor guinda del pastel para un día terrible.

Pero, ¿quienes son los integrantes de este peculiar cuarteto a la perdición? César, el cabeza de familia, si se le puede nombrar así, siempre ha querido a sus hijas y, sí, ha hecho lo que ha podido, pero no siempre hacer lo que se puede es suficiente y así se lo recuerdan cada vez que pueden Carmela y su hermana pequeña, Natalia. Hermanas que tampoco soportan a Mar, la mediana, que está medio zumbada, pero que adora tanto a su padre como a ellas. Una familia más que disfuncional que ha sabido perfectamente cómo mantener una espléndida relación, simplemente eliminando todo contacto posible. Pero esta aparente tranquilidad implosionará cuando todos se vean obligados a convivir, por primera vez en cinco años, durante una fría noche de enero.

¿Preparados para ser testigos de la mayor guerra familiar jamás contada? Con un ritmo muy dinámico, muchos giros argumentales y un agudo e irónico humor que subyace a lo largo de toda la obra, ‘Lo que mamá nos ha dejado’ mantiene alerta al espectador a lo largo de toda la función. En esta obra no hay tregua y así lo demuestran Carlos Seguí, Ana Azorín, Inés Kerzan, Ángela Peirat y en esta ocasión Elisa Pelayo, muy a la altura de un guión bastante exigente.

Entre insultos, malas maneras y cabreos encontramos una sensibilidad inherente, porque, a pesar todo lo que haya podido ocurrir, ellos se quieren, y… ¿esta no es la esencia de una verdadera familia? Y así es como nos lo demuestra Ramón Paso, haciendo un gran retrato familiar huyendo de los convencionalismos a los que estamos acostumbrados en esos prototipos de familia feliz que siempre se nos han presentado como algo ‘normal’.

Lo que en un primer momento parece una típica comedia al uso, se convierte en una historia que consigue mover algo en tu interior y hacerte formar parte de ese grupo de locos que han tratado de salir adelante lo mejor que han podido. Poco a poco, todos y cada uno de los personajes van abriéndose en una viaje entre lo real y lo onírico hacia la superación de un hecho que trastocó sus vidas para siempre. Ramón Paso, dotándose de un amplio abanico de recursos escénicos, nos hace partícipes de este recorrido a través de una comedia fresca, natura y que, por supuesto, hará pasar al espectador un rato divertidísimo mientras descubre qué es lo que nos dejó mamá. 

Dónde: Sala Lola Membrives del Teatro Lara
Cuándo: Todos jueves a las 20:15 horas
Cuánto:  Desde 12 euros

Puedes consultar aquí todas las entradas disponibles

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Espectáculos y teatro

Teatro en Abril: éxitos, novedades y apuestas seguras

CYRANO DE BERGERAC

Jose Luis Gil vuelve a Madrid con todo un clásico del teatro Francés. Bajo la dirección de Alberto Castrillo-Ferrer, esta obra lleva tiempo deslumbrando al público en distintos puntos de España. Sobre las tablas, este veterano actor multiplica su talento y eleva la obra a su mejor expresión. Estará en el teatro Reina Victoria, por ahora, hasta el 28 de junio. Puedes conseguir tus entradas desde unos 20 €.

DESATADAS

¿Quién se atrevería a definir dónde se encuentra la delgada línea que separa la realidad de la locura? En esta divertida comedia de situación, Paz Padilla, acompañada de Rocío Marín y Natalie Pinot, nos presentan en forma de Sketches el mundo contemporáneo y lo que significa para las mujeres. Desatadas estará en Barcelona hasta el 8 de julio y en Madrid del 6 al 22 de abril. También estarán en Roquetas de mar el día 16 de junio, ¡pero seguro que todavía hay mucho por confirmar!

LA COMEDIA DE LAS MENTIRAS

Bienvenidos a la Grecia más divertida y descarada, que conoceréis a través de las manos de grandes actores españoles: Pepón Nieto, Paco Tous, María Barranco, Angy, Raúl Jiménez, José Troncoso y Marta Guerras. La adaptación de una obra clásica que reflexiona sobre los apasionados amores de juventud y la impasibilidad de los mayores. Puedes ver La Comedia de las Mentiras en La Latina hasta el 6 de mayo.

MADAGASCAR, EL MUSICAL

¡Los niños siguen de enhorabuena! Madagascar continúa con su afán de convertir en musical una de las obras de animación que más han dado que hablar durante los últimos años. Puedes verla de miércoles a domingo hasta el 4 de mayo en el Teatro Philips Gran vía de Madrid. ¡Y después llegarán a Barcelona! Estarán en el Teatre Victoria a partir del 18 de Mayo. Compra aquí tus entradas.

DAVID GUAPO

Pongámosle un poco de humor al asunto. David Guapo es uno de los monologuistas más destacados de nuestro país, que ha pasado por programas como Buenafuente, el Club de la comedia, Sé lo que hicisteis…, o El Hormiguero, entre muchos otros. No dejes de ver uno de sus grandes éxitos en directo en ciudades como Barcelona, Zamora, torrejón de Ardoz…

EL REENCUENTRO

Amparo Larrañaga y María Pujalte encarnan a dos hermanas completamente diferentes que han estado enfrentadas durante años. Una es una exitosa intérprete de violín que detesta las relaciones sociales, la otra, una mujer con poca suerte cargada de paciencia y carencias afectivas. Viviremos un reencuentro hilarante y gamberro donde tendrán que enfrentarse a su pasado. Puedes verla en el Teatro Maravillas de Madrid hasta el 17 de junio desde 16 €.

EN OCASIONES VEO A UMBERTO

Dos mujeres, un hombre, un marido muerto, y una quiniela millonaria son los ingredientes necesarios para dar forma a esta comedia de 95 minutos. Álvaro Carrero, Virginia Muñoz, Mara Guil y Marcelo Casas se suben al escenario del Muñoz Seca para hacernos reir durante una hora y media. Puedes verla de miércoles a domingo hasta el 27 de mayo por menos de 10 €.

LA FAMILIA ADDAMS

El musical más terrorífico (pero para toda la familia) sigue triunfando en Madrid. Con un montaje espectacular -que engatusa tanto a mayores como a pequeños-, canciones que nos hacen chascar los dedos y mucho pero que mucho humor, La Familia Addams lleva meses llenando la sala del Teatro Calderón. Carmen Conesa, Xavi Mira y  Lydia Fairen son algunos de los actores que te sorprenderán seguro. Está programada hasta el 8 de abril en Madrid, ¡pero el 2 de mayo llegará a Sevilla para dar vida al nuevo Cartuja Center!

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Espectáculos y teatro Eventos

Crónica de Lavar, Marcar y Enterrar: cómo fuimos secuestrados durante hora y media en el Lara

En las profundidades del Teatro Lara nos encontramos con una pequeña joya de la comedia. Y es que Lavar, Marcar y Enterrar ya se ha convertido en un must de la sala Lola Membrives y tras 6 temporadas en cartel esta delirante historia de balas, calaveras y pelucas no ha perdido ni un ápice de frescura. Escrita y dirigida por JuanMa Pina, LME consigue mantener cautivos durante hora y media no solo a sus protagonistas sino a todo el público que decide visitar esta peluquería ubicada en pleno corazón del popular barrio de Malasaña. Lo que en un principio comienza con un secuestro (y, de paso, un argumento) sencillo y lineal, desemboca en una maraña de enredos que romperá con todas las reglas espacio-temporales.

El argumento, ya de entrada, promete: dos frustrados aspirantes a policía secuestran a la dueña de una peluquería y a su poco convencional ayudante, con un claro objetivo, hacer un butrón en el sótano de su peluquería para poder acceder al local contiguo en el que se oculta 120.000 euros. Un plan sencillo y, aparentemente, sin puntos débiles que llevará a todos los protagonistas a desenterrar oscuros secretos del pasado y algún que otra sorpresa indeseada.

A lo largo de esta larga noche de cautiverio en la peluquería CortaCabeza, estos dos torpes ladrones pronto descubrirán que en el sótano no solo moran trastos viejos y que para poder hacerse con el suculento botín tendrán, más que aliarse y repartirse el dinero, tratar de confiar en sus dos misteriosos rehenes. Una cuestión de confianza en donde nada es lo que parece y que irá minando la relación de todos ellos hasta desenterrar un pasado que permaneció inmóvil durante años.

Sus protagonistas, Olga Hueso, Mario Alberto Díez, Juan Caballero y Rebeca Plaza, saben perfectamente cómo hacerse con una Lola Membrives reconvertida en una verdadera peluquería, y así lo demuestran cada fin de semana sirviéndose de todos los espacios disponibles del off de este teatro centenario. Pero la obra no solo toma para sí de forma magistral toda la sala, sino que también se hace con la esencia del barrio de Malasaña. La privilegiada localización del teatro hace que el espectador, sin saberlo, acuda a ver la función empapado del ambiente que las calles del popular barrio madrileño.

Con una estética al más puro estilo almodoveresco y una narrativa claramente cinematográfica repleta de flashbacksPina relata de forma magistral cómo Malasaña ha pasado de ser el hogar de maleantes y drogadictos a ser uno de los barrios de moda de la ciudad. A través de la mirada de la dueña, el autor, nos muestra cómo, contra todo pronóstico, la peluquería CortaCabeza y su luchadora propietaria consiguieron sobrevivir a la gentrificación forzada que ha asolado las zonas con más carácter de Madrid.

Un proyecto de teatro en serie que ha desembocado en una trilogía capilar sobre el secuestro. Y es que esta historia sobre una peluquera en serie da para rato, tanto que se ha materializado en un proyecto innovador dentro de la cartelera madrileña: una trilogía teatral compuesta por No hay mejor defensa que un tinte, Rulos, el origen y la semilla de todo, Lavar, Marcar y Enterrar. Una trilogía compuesta por diversos relatos que, a priori diferentes, encajan a la perfección, revelando el talento de JuanMa Pina para hilar situaciones disparatadas sin ningún tipo de fisuras.

Dónde: Sala Lola Membrives del Teatro Lara

Cuándo: Todos los viernes a las 22.15 y sábados a las 21:15 horas

Cuánto:  Desde 16 euros

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Cultura Espectáculos y teatro

«Todos»: cuando la verdad y el amor escasean

Hace un tiempo, para finalizar el curso académico de su escuela de interpretación, Queralt Riera se enfrentó al reto de escribir una obra para ocho de sus alumnos. Así nació Todos. Quizá la dramaturga no esperaba que el destino de este trabajo fuese otro bien distinto. «Nuria se enamoró de este texto y siempre dijo que tenía que representarse en el Lara» cuenta Riera. Se refiere a Nuria Tomás, coproductora y actriz de la pieza, con la que hace unos años creó el binomio perfecto: Nuqart, una productora teatral basada en el proceso creativo que apuesta por la verdad sobre el escenario. Así nació la idea de la bombonera de Don Cándido para acoger a Todos y la voluntad fue correspondida: «A Antonio Fuentes le gustó el texto y nos programó.» relata la autora.

De esa decisión al estreno, el pasado 24 de enero, han pasado unos meses de trabajo intensivo en los que la obra ha vivido una constante transformación, pero sin perder la esencia que la hace única. «Una vez llegaron los actores, tratamos de poner el máximo cariño en el proyecto y este ha sido el resultado: una obra sobre la verdad y desde la verdad», recalca Queralt. Un elenco formado por jóvenes actores y actrices muy distintos entre ellos pero que, con esfuerzo, han conseguido captar el alma de Todos y crear una combinación ideal. «Hemos tomado mucho tiempo en conocer en profundidad a los personajes, en preguntarle a Queralt todo sobre ellos. Es una obra muy viva en la que no dejamos de experimentar», confiesa Erika Bleda. Rafa Maza está de acuerdo con esto: «Seguimos construyendo a los personajes día tras día, en cada función. Esto aporta espontaneidad y refuerza el vínculo entre nosotros, dentro y fuera del escenario».

Ambos junto a Nuria Tomás, Carlota Baró, Erika Bleda, Carles Pulido, Yara Puebla, Óscar Morchón y Carla Berrocal dan vida a un grupo de amigos curiosamente heterogéneo, pero con algo en común: la pérdida de Charly. Tras la muerte del joven, su hermana Martina (interpretada por Bleda), decide organizar una fiesta para juntar a todos y leer las cartas que dejó Charly a cada uno antes de morir. «Él es el que nos une y cuánto más trabajamos la unión entre nosotros, mayor es la conexión con Charly. Es esa persona que no está, pero que está en todos», asegura Carles Pulido, quien da vida al primo de Martina y Charly.

Queralt Riera. Todos, el musical. Fotografía Ana Belenguer.
                        Queralt Riera, autora y directora de Todos, sentada en el patio de butacas de la sala Cándido Lara | Fotografía: Ana Belenguer.

Los personajes de Todos son jóvenes de ahora, que viven sus vidas como autómatas. Amor, desamor, autoengaño, ilusión, resignación… El escenario se convierte en un espejo para los que disfrutamos del espectáculo desde nuestra butaca. Verse reflejado tiene su magia, pero también un toque amargo. Por eso Todos hace que, como bien expresa Óscar Morchón, te des cuenta de que necesitas hacer lo que realmente quieres: «Yo soy pianista y una vez me corté el dedo. Lo pasé fatal porque pensé que lo perdía y algo hizo click en mí. Me olvidé de todas las minucias de las que me quejaba y, de repente, ese dedo pasó a ser lo más importante de mi puta vida. Gracias a ese accidente, ahora me dedico a esto. Cuando pierdes a un familiar es igual, las nimiedades de la vida pasan a un segundo plano. Eres consciente de que no tienes todo el tiempo del mundo y solo quieres vivir.»

En el transcurso de la fiesta de Charly, el grupo vive momentos de diversión en contraste con los instantes de reflexión, representados en forma de intensos soliloquios que destapan las verdades de cada personaje. La autora define a la perfección lo que nos llega desde las tablas: «en la fiesta queda plasmada la falta de verdad y amor en sus vidas. Ya no pueden sostener más las mentiras, se rompen y solo pueden empezar desde la verdad». Todos es el ejemplo perfecto de que el teatro cuenta la vida. Hacerlo de forma creíble, sin un ápice de ficción ni adorno, como afirma Erika Bleda «es una gran responsabilidad como actriz».

Las canciones acompañan al texto a lo largo la representación, pero Todos no es un musical al uso. Por dos motivos: las increíbles voces del elenco y el talento que desprende cada acorde de piano. Esto, sumado a que el autor de los temas de la obra es el conocido compositor de cine Alfonso G. Aguilar, hace las delicias de nuestros oídos desde el minuto uno. Yeyo Bayeyo, testigo presente que acompaña con la música en directo a todo lo que ocurre en el escenario, reconoce la gran suerte de que el compositor se prestase a poner la música: «Ha sido un placer. Nos ha dejado libertad para manejar y adaptar los temas. Además, nos va a componer dos canciones más». Queralt Riera afirma que hacen un gran equipo, ya que tanto en la música como en el texto, van a seguir experimentando y «aunque la decisión final se toma desde dirección, la flexibilidad para que todo el mundo hable está siempre ahí».

Parte del elenco de Todos. Teatro Lara. Fotografía: Ana Belenguer
                  De izquierda a derecha: Queralt Riera. Óscar Morchón, Carles Pulido, Rafa Maza, Yeyo Bayeyo y Erika Bleda | Fotografía: Ana Belenguer.

A pesar de que resulta difícil ver los resultados con perspectiva cuando estás embarcado en un proyecto, todo el equipo coincide en que la acogida ha sido cálida. Un feedback que Erika cree «necesario para absorber la energía del público y alimentarse de ella sobre el escenario». No cabe duda de por qué Todos gusta tanto. La autora lo tiene claro: «la obra habla de todo lo que nos pasa a todos. cualquier persona que venga se va a sentir identificada». Todos nos invita a reflexionar sobre el ritmo y curso de nuestras vidas. A no caer en la rutina y la resignación. A no dejar pasar el tren. Todos se te mete dentro y remueve tus emociones más profundas, despertando algo que seguramente estaba dormido: las ganas de vivir de verdad, de gritar, de pasar a la acción. Y eso la convierte en única e imprescindible.

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Espectáculos y teatro

1984: llega a Madrid la distopía hecha teatro

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PARADOJA TEATRO Y 1984

 

Todavía quedan dos meses para su estreno y ya estamos deseando verla. El próximo 15 de marzo llegará a Madrid 1984, el distópico relato de George Orwell versionado por Javier Sánchez-Collado, Carlos Martínez-Abarca y su compañía Paradoja Teatro.

Ésta versión de 1984 promete sumergirnos de lleno en el mundo del ministerio de la verdad, del Gran Hermano y de la neolengua. “Ofrecemos una radical inmersión del público para que el espectador pueda situarse como víctima o cómplice del mundo que contempla.», dice Carlos Martínez.

Paradoja Teatro está formado por profesionales con más de 20 años de experiencia en el mundo de la producción dramática. Apelan por el lenguaje crudo y directo, pero también por la emotividad sensorial para denunciar las estructuras abusivas de poder. Además sienten una especial inclinación por la adaptación de textos ingleses, y en su historial aparecen versiones como La Naranja Mecánica, Top girls, True West, Los últimos días de Judas Iscariote, Historia del zoo, Equus o El Coleccionista.

 

1984 EN TEATRO GALILEO

 

En 1984, interrogantes filosóficos y existenciales se darán la mano con una atrevida estético retro-futurista para dar vida al inmortal relato de Orwell. El debate estará servido en el Teatro Galileo, donde se representará de jueves a domingo durante los meses de marzo y abril.

1984-teatro-galileo

DATOS TÉCNICOS 1984

Espacio escénico e iluminación: Javier Ruiz de Alegría (AAPEE).
Videoescena: David Blanco.
Diseño de sonido: Eduardo Ruiz.
Adjunto a la dirección: David Lázaro.

1984 teatro

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Cultura Espectáculos y teatro

Entrevista a Carlos Be: «¿Existe algo más absurdo y caricaturesco que la vida real?»

Parece que no nos cansamos del desfile de casos de corrupción que azota a España desde hace algunos años. Nos escandalizamos en el momento de la exclusiva, criticamos a unos y a otros, pero el resultado siempre es el mismo: acaban siendo «un caso más» de tantos relegados al olvido. Ahora, ¿imagina una obra en la que los protagonistas de estas tramas se materializan sobre el escenario y te muestran una cara, hasta ahora oculta, de la corrupción? Este es el quid de Malas Hierbas, la nueva apuesta del Teatro Lara que estará en la Sala Lola Membrives hasta el 29 de abril.

Carlos Be es el responsable de la existencia de esta pieza que promete ochenta minutos de intriga y comedia, protagonizada por un elenco de categoría y por el toque personal y ácido que caracteriza al dramaturgo a lo largo de su trayectoria. Nosotros ya hemos disfrutado de esta lustrosa obra y hoy queremos acercaros más a ella a través de la voz de su alma mater.

 

Malas hierbas retrata un tema que parece no dejar de estar de actualidad: la corrupción. ¿Cómo ha sido sumergirse en ese mundo de ambición para sacar la obra adelante?

Está a la orden del día, no he tenido que sumergirme demasiados metros. Lo que sí cuesta es no quedarse sin aire ante tanto desatino. Uno de los éxitos de esta función radica en conseguir que esos personajes planos de las noticias adquieran tres dimensiones, sean cercanos, rían pero también lloren. Solo entonces son capaces de hablarle de tú a tú al espectador y decirle: “¿Estás seguro de que estaba tan alejado de ti? Me gustaría saber qué harías tú en mi lugar…” y no se calla, no, sigue hablando y dice: “Ojo, que corruptos podemos serlo todos”.

El protagonista es un estafador de manual y comparte su vida con dos mujeres, su mujer y su amante. Ellas representan otra cara de la corrupción, miran hacia otro lado mientras viven rodeadas de lujos. ¿Cómo ha sido la construcción de estos caricaturescos personajes?

Había tanto material donde escoger, pero me ceñí a una de las noticias más recientes, la Operación Atino, un caso real del año pasado que concluyó con diecinueve arrestados; todos ellos abogados, notarios, gestores inmobiliarios y funcionarios que, entre otros méritos, se dedicaban a vender propiedades de fallecidos. ¡De repente, se descubrió que los muertos estaban vendiendo sus casas después de morir! ¿Existe algo más absurdo y caricaturesco que la vida real? No hay más que permanecer atento a la realidad. En “Malas hierbas” también homenajeamos a Alberto Ruiz-Gallardón, Ignacio González, Jaime Mayor Oreja y los asesinados Luis Carrero Blanco y Miguel Blesa. Como dice el personaje de Carmen: “En España si tienes la oportunidad, ¡robas! ¡Robar es un mérito en España!”.

Ambas protagonistas vienen de mundos distintos, pero al final demuestran moverse por los mismos intereses. ¿El objetivo de la obra es reflejar que al final a todos los mueven las mismas cosas? 

En esta sociedad nuestra tan misógina, los medios de las mujeres para alcanzar sus fines son distintos a los de los hombres; pero sí, los fines son comunes.

 

No hay duda de que el elenco es brillante y acertado. ¿Por qué ellos? 

Nos lo pasamos tan bien en los ensayos que eso se transmite en escena, ¿verdad? Existe una conexión entre ellos que es una maravilla, creo que se ha creado una conjunción única y singular. Si te digo la verdad, me embarcaría con ellos tres en cualquier proyecto ahora mismo. Si fueran dos serían el tándem perfecto, pero porque son tres tengo que decir que son una carambola genial. Joan Bentallé, Carmen Mayordomo y Lidia Navarro son tres profesionales con muchísimas tablas, además de poseer un talento encomiable y una pasión insólita para los proyectos que emprenden, y eso no tiene precio.

La escenografía, cuidada al detalle, recrea el ambiente íntimo del hogar. ¿Cómo es trabajar en la Sala Lola Membrives? 

¡Otra carambola genial! Asier, Chus y Lupe, cada uno con su sello particular, han sabido aunarlos y sumarlos entre sí. El resultado tiene un empaque que salta a la vista. Asier me entendió a la perfección cuando le pedí una escenografía actual pero atemporal al mismo tiempo… ¡Vamos, que se lo puse fácil! Con Chus llevamos ya unos cuantos montajes juntos y coincidimos mucho a la hora de definir desde las atmósferas más concretas a las más poéticas, que también las hay en “Malas hierbas”. Y Lupe le pone tanto energía a su trabajo que luego se transmite en el escenario, ¡y con qué estilo!

La obra está inspirada en el texto La muralla de Calvo Sotelo. ¿Cómo es el proceso desde que surge la idea hasta que se representa por primera vez en un escenario? 

Intuyo yo que Antonio Fuentes, el director del Lara, tiene un gran olfato para el talento. Ya llevaba tiempo él viendo lo que yo iba presentando desde mi llegada a Madrid por allá el 2011, pero no fue hasta mi primera aproximación a la comedia en un ETC de la Cuarta Pared que se daría la coyuntura. Fue entonces cuando junto a Violeta Ferrer me habló de su interés en “La muralla”, en la posibilidad de adaptarla. Eso sí, omite la publicidad franquista, actualízala 64 años, dale la clave de comedia y reduce a un tercio o más los dramatis personae. Vamos, creo que el resultado no se parece en nada a “La muralla” pero Enric Archivell, un bloguero teatral que me aprecia mucho, dice que me ha quedado, y cito literalmente, “bastante fiel a lo esencial, la denuncia de la hipocresía” y de paso, sigo citándole, “con una chaladuría cercana a la de Jardiel Poncela o Miguel Mihura”, lo cual me honra. ¡Muchas gracias, querido Enric!

 

La muralla es un reflejo y crítica de la sociedad de entonces. Malas hierbas también parece serlo. Pase el tiempo que pase, parece que seguimos rigiéndonos por los mismos mecanismos. ¿La codicia, la corrupción, la ambición, etc., están en todos nosotros? 

Dejémoslo en hipocresía, si te parece. Ahí cabe tanto…

Tiene una intensa trayectoria en el teatro y siempre ha destacado por tratar temas importantes a través de una dramaturgia ácida, invitando al público a la reflexión. ¿Cree en el teatro como herramienta de concienciación social? 

Vamos por la octava pregunta y ahora me entero de que me hablas de usted. ¡Ya te vale! El teatro puede ser muchas cosas, pero para algunos, para los que más nos importa, es una parte del alma. Y las almas no pueden evitar amarse y compartir. Y por amor, qué es lo que no se hace. ¿Concienciación social? Sí, también.

El 5 de diciembre se estrenó en cines Llueven vacas. Cuéntanos cómo fue la experiencia de ver tu obra en la gran pantalla.

Un milagro y una satisfacción, al mismo tiempo. Tanto esfuerzo y talento tenía que mostrarse y al fin logró proyectarse en diciembre. Llueven vacas es una historia con tanto que contar. Y digo milagro porque la producción fue ardua, y qué película no debe serlo, ¿verdad?; y digo satisfacción porque esas almas que decía antes, al amarse y compartir un poquito unas con otras, generan un sentimiento que reúne y aproxima, y eso lo tiene el cine y lo tiene el teatro y lo tiene el arte en general.

Sabemos que Malas hierbas seguirá en el Lara hasta abril, por lo menos. ¿Tienes nuevas ideas en mente? 

Sí. Y la siguiente respuesta es: “No”. ¡Lo siento! ¡Y muchas gracias!

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Espectáculos y teatro

El Musical de La Familia Addams sale de gira

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¡Los chicos de La Familia Addams anuncian que sí se irán de gira! Aunque todavía no están disponibles las entradas, ya se han confirmado las ciudades que visitará el elenco a lo largo de 2018 e incluso 2019.

En este divertidísimo musical, toda la familia está desconcertada. La hija menor, Miércoles, ya ha cumplido los 18 años y además se ha enamorado. Quién iba a decirle a sus parientes cercanos que el chico elegido resultaría ser bueno y dulce. ¿Qué pasará cuándo la joven organice una cena para ambas familias?

La Familia Addams, el musical aúna coreografías, música, canto, escenografía, un vestuario de miedo y por supuesto, mucho humor. ¡Diversión garantizada para toda la familia!

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Tras haberse estrenado en Madrid el pasado 5 de octubre, las aventuras de la familia más oscura están arrasando en la cartelera. El musical de La Familia Addams puede verse en el Teatro Calderón de Madrid de martes a domingo desde menos de 20 €.

Pero si no puedes acercarte a Madrid, saca tu agenda, porque la Familia Addams va a visitar muchas ciudades. El musical ha anunciado que estará de gira por sitios como Barcelona, Valencia, Zaragoza, Sevilla…te hemos traído todas las fechas para que puedas ir reservando la fecha.

GIRA LA FAMILIA ADDAMS

23-05-2018 – La Familia Addams en Gijón – Teatro Jovellanos
30-05-2018 – La Familia Addams en Valladolid-Teatro Calderón
06-06-2018 – La Familia Addams en Logroño – teatro Bretón
19-06-2018 – La Familia Addams en Burgos – Forum Evoluvión
26-06-2018 – La Familia Addams en Pamplona
10-07-2018 – La Familia Addams en Málaga – Teatro Cervantes
15-08-2018 – La Familia Addams en Bilbao
19-09-2018 – La Familia Addams en Alicante
03-10-2018 – La Familia Addams en Barcelona – teatro Coliseum
20-02-2019 – La Familia Addams en Valencia – Teatro Olympia
27-03-2019 – La Familia Addams en Mallorca
01-04-2019 – La Familia Addams en Zaragoza
08-05-2019 – La Familia Addams en Murcia
29-05-2019 – La Familia Addams en Sevilla

LA FAMILIA ADDAMS, ENTRADAS

Puedes comprar aquí tus entradas.

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Espectáculos y teatro

Crónica Interrupted: cuando el engranaje perfecto falla

Hay obras que permanecen e la cabeza varios días. E Interrupted es, sin duda, una apuesta segura de que eso pasará. Interrupted es un ejercicio arriesgado. Un mimo simpático interpretando una realidad rasgante, que viste de comedia y chascarrillos un dolor enajenado y ardoroso.

Con la rutina de una joven empresaria de éxito como epicentro de la obra, Interrupted representa el engranaje perfecto y frenético de nuestro estilo de vida: prisas, entregas, relaciones superfluas, ascensos, responsabilidad…La protagonista cree dominar perfectamente un día a día basado en el estrés y los malabares anímicos. Pero, ay…poco a poco, irá perdiendo el control.

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La obra se articula entre el teatro, la danza y la construcción de una realidad fantástica. La actriz principal va moviéndose de casa al trabajo, del trabajo al ocio, del ocio a casa de nuevo y vuelta a empezar. Tras ella, tres compañeras dan vida a una coreografía cuidada y milimétricamente calculada, actrices que son a la vez atrezo, actores secundarios, emociones y el propio subconsciente de la protagonista enviándole señales invisibles. Un subconsciente que traiciona, que juega, que quiere la libertad de emociones expresadas. Así, parece que la obra busca confundir realidad, ficción y mente, desdibujando la línea de la objetividad, convirtiendo el mobiliario en cerebro y a las actrices en la mente de la propia protagonista, gritándole una verdad que se niega (o nos negamos) a ver.

Esta progresiva y turbadora pérdida de control parece inspirada en el estallido de la burbuja del bienestar social que comenzó hace ya una década. La rutina de la protagonista implosiona como el mercado inmobiliario hizo al principio de la crisis, llevándose por delante todo en lo que ella creía. Una alegoría aguda y sutil que en ocasiones se deja entrever con guiños cómicos, y personajes protagonistas que nos recordarán a algún que otro presidente del estado.

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Pero Interrupted no es sólo una coreografía estudiada y un mensaje devastador. Es un desafío interpretativo para sus cuatro componentes, especialmente para la actriz protagonista, que tiene que enfrentarse a una historia en la que actúa y construye virtualmente sola su propia historia. Un viaje anímico marcado por unos ritmos frenéticos que provoca una sensación de incomodidad y vértigo en el espectador.

Un apunte más que no podíamos pasar por alto, es que Interrupted también es una obra sobre el machismo. Una obra de mujeres, interpretada por mujeres, construida por mujeres criticando hombres. Sin incidir en ello de manera central, no dejan de insinuar una figura masculina muy lejana al respeto real por la mujer, generando situaciones que a las espectadoras se les harán más que conocidas.

De todos modos, esta es una crónica superflua e innecesaria, porque, muy probablemente, Interrupted genere un universo de sensaciones personal e intransferible en cada uno de los espectadores, debido a su emocionalidad. Ahonda en el subconsciente, en el estrés, rescatando las experiencias de cada uno para que lo vivamos como una flamante comedia o una dolorosa realidad social. Aunque es comedia, reconozco que no me reí todo lo supuesto, sintiendo que en ocasiones la obra pecaba de caricatura y tópicos para el trasfondo doloroso que trata de transmitir.

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Interrupted es una reflexión sobre la soledad, el ritmo de vida actual, el machismo, el aislamiento, la necesidad de éxito generalizado, la depresión, la ansiedad. Una obra sobre el ego, sobre el aislamiento, sobre cómo los que están cerca realmente no lo están. Una comedia triste, valiente y reveladora, construida por mujeres.

Ojalá más propuestas así. Invito a que cada uno vaya a descubrir lo que se esconde en Interrupted. Podéis comprar aquí las entradas.

Reparto: Andrea Jiménez, Noemí Rodríguez, Ariana Carden, Esther Ramos
Creación Original: Fiona Clift, Andrea Jiménez, Noemí Rodríguez y Blanca solé
Producción: Teatro En Vilo

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Espectáculos y teatro

Los Morancos vuelven con una nueva temporada de Antónimos

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Jorge y César Caraval vuelven, una temporada más, al teatro, dispuestos a triunfar sobre el escenario. Y es que las canciones de los sevillanos, su particular sátira política y su sentido del humor nunca parecen ser suficientes, y tras el descanso de verano volverán en noviembre con su espectáculo Antónimos al Teatro Nuevo Apolo de Madrid.

Se augura, así, una nueva temporada teatral llena de éxitos para los hermanos humoristas más queridos de nuestro país. Disfruta de nuevo de sus éxitos más sonados de Youtube, siempre actuales, y revive a sus personajes más clásicos que han marcado una generación: Omaita y Antonia, Jose Antonio “El del taco” y muchísimos otros.

Su anterior obra en directo, En Positivo, consiguió que más de 40 mil personas pasaran por las butacas del teatro. ¿Quieres descubrir Antónimos de Los Morancos? Puedes comprar tus entradas en Taquilla.com desde 29 € y hasta los 40 €. Estarán en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid desde el 3 de noviembre.

Duración del espectáculo: 1 hora 45 minutos
Descanso: no tiene descanso
Edad recomendada: a partir de 12 años
Edad permitida: apta para todos los públicos

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Espectáculos y teatro

El Guardaespaldas: podrás disfrutarlo en Madrid esta temporada

El musical de El Guardaespaldas llega esta primavera al Espacio Ibercaja Delicias

El Guardaespaldas es, sin duda, uno de los musicales que más furor causa cada temporada. Tras triunfar en el West End de Londres, llegó al Teatro Coliseum de Madrid en 2017, con un espectáculo vibrante, repleto de color y canciones míticas que ya ha conseguido emocionar a miles y miles de espectadores.

Temas inolvidables de una de las mejores cantantes de la historia del pop, como Queen of the night, I’m every woman o la mítica canción I’ll always love you harán que vuelvas a revivir esa historia de amor atemporal protagonizada por los grandes Kevin Costner y Whitney Houston en 1992.

Revive esta temporada la historia de Rachel Marron y Frank Farmer de mano de un reparto de primera línea, encabezado por el actor Octavi Pujades,  acompañado de un elenco de baile y cantantes dignos de la música de Whitney Houston más memorable, papel interpretado por la gran protagonista de este original montaje, Mireia Mambo. El ex agente secreto de la CIA, Frank Farmer, un guardaespaldas acostumbrado a trabajar con la élite política, tendrá que hacerse cargo de la seguridad de un nuevo cliente: la estrella del pop, Rachel Marron.

Ya puedes comprar tus entradas para ver El Guardaespaldas, el musical, que se representará en el Espacio Ibercaja Delicias de Madrid desde el 29 de abril hasta el 29 de mayo de 2022, en el Auditorio Ciudad de León del 1 al 5 de junio, y en el Teatro Gayarre de Pamplona del 9 hasta el 12 de junio.

Los precios varían desde los 22 €, en los anfiteatros, hasta los 100 € de las entradas VIP. Compra tus entradas en Taquilla.com.

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Espectáculos y teatro

Madagascar, el Musical: cuando el zoo se sube al escenario

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Leones, zebras, jirafas, lemures, pingüinos…¡el zoo ha llegado al teatro! ¿Te suenan todos estos personajes? Efectivamente, ¡se trata de Madagascar! La película de Dreamworks más animal se convierte en musical para subrise a los escenarios de España. El largometraje de animación, que ya triunfó en el año 2005, cosechó tal éxito que fue imitado por varias secuelas, y aterrizará en nuestro país en 2018 para convertirse en teatro y música para toda la familia.

Todavía no se saben demasiados detalles, sólo que el casting ya está abierto y todo el proceso en marcha. Madagascar, el Musical, ya ha sido un éxito de taquilla en otros países, y llega más que dispuesto a repetir sensaciones en España. Podrás verse, por ahora, en Madrid, en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía, a partir del 8 de febrero. Las entradas ya están a la venta, además, ¡con un 20% de descuento en promoción por venta anticipada!

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Espectáculos y teatro

Los Morancos: 10 momentos inolvidables

Los Morancos no necesitan presentación. Son uno de los dúos cómicos más destacados de España, parte de la historia del humor en castellano y leyendas de la tele. Todos les conocemos: porque seas o no asiduo a sus programas, seguro que puedes citar por lo menos un par de momentazos con los que te han hecho reir a través de sus canciones, desparpajo y crítica política. Y es que llevamos tanto tiempo con ellos que ya son como de la familia.

Ahora, Jorge y César Cadaval han saltado de la televisión al escenario para que puedas reírte en directo. Vuelven con su número Antónimos en el Teatro Apolo a partir del 3 de noviembre. Te recordamos 10 momentazos que harán que quieras ir a verlos.

Lo más nuevo: La Bicicleta

De unos años a esta parte, Los Morancos se han convertido en sinónimo de música. Su especialidad son las versiones, donde la más rabiosa actualidad no está reñida con los ritmos actuales. En esta ocasión, los hermanos Cadaval se atreven con Carlos Vives y Shakira para denunciar la falta de compromiso por parte de nuestros mandatarios. Ahora, que más que nunca parece que se avecinan unas nuevas elecciones, estas risas resultan muy necesarias.

Canciones míticas: Pluma Gay

Este dúo sevillano siempre ha sido especialista en canciones pegadizas. Tanto, que en ocasiones sus versiones terminan siendo tan cantadas como las originales, y los estribillos se confunden. Y si no, que levante la mano el que nunca haya tarareado este mítico tema por la libertad sexual, que se convirtió en todo un himno en varios países de latinoamérica.

Un poquito de flamenco

Jorge y César se atreven con cualquier cosa. No todo van a ser versiones, y en el año 2012 se arrancaron por el flamenco al colaborar con un admirador y cantaor de primer orden: Canelita. El joven artista, cuya voz es todo un tesoro de Algeciras, les dedicó una canción en cuerpo y alma para que ellos también cantaran. Tanto trabajar la voz a lo largo de su carrera hicieron de la producción un tema admirable y de gran calidad. El resultado no tiene desperdicio:

Mangando

Uno de los bombazos del año 2014 fue la canción de Enrique Iglesias ‘Bailando’. Tanta fue su repercusión que, hoy en día, el tema original cuenta con la friolera de más 1.627.000.000 reproducciones en Youtube. Aunque la versión de Los Morancos aún no ha sido hit mundial, no desmerece en triunfos. ‘Mangando’, dedicado también a nuestra clase política, al escándalo de la infanta y a todos aquellos que roban, ha sido vista por 3 millones y medio de personas .

Clásicos de la tele: Antonia y Omaita

Pero no nos olvidemos de los clásicos. Los Morancos no siempre se han dedicado a la música, y su largo historial televisivo comenzó con divertidísimos sketches. Parece que a los hermanos Cadaval siempre han sentido predilección por vestirse de señora, y en esta ocasión consiguieron su propio programa en prime time en TVE. ¿Quién se acuerda de Antonia y Omaíta?

Grandes Debates

Los Morancos también son grandes conversadores, y sus debates llegaron a adquirir peso nacional en lo que a humor se refiere. Vemos que la política es uno de los temas más recurrentes en sus creaciones: no desprecian ninguna oportunidad para criticar las injusticias sociales a través del humor. Aquí os dejamos uno de sus famosísimos números. Ojalá todos los debates televisados nos hicieran reír tanto.

El verano

El verano, la playa y las señoras siempre han sido un leitmotiv en el humor de este dúo. Largas conversaciones costumbristas se convierten en el reflejo de nuestra sociedad, dando lugar a situaciones que a todos nos resultan más que familiares. Ahora que está volviendo el frío, recordemos el verano con este divertidísimo vídeo.

Los Morancos y La Guardia Civil

Otra de las secuencias inolvidables de César y Jorge es ésta en la que un control de la Guardia Civil deriva en una inverosímil e increíblemente divertida situación.

Los Morancos en el Hormiguero

¡¡Si es que Los Morancos nos gustan en todas las plataformas!! En sketches, en música, en canciones y en directo. Últimamente se dejan caer bastante por el famoso programa de Antena 3 El Hormiguero para hacernos reir un ratito por la noche. Y nos dejan estos momentos:

Nuevas Elecciones

Sin embargo, teníamos que terminar este artículo con música. Por su arte, por hacernos olvidar un poco de la triste realidad y por criticar de forma directa lo que no todos se atreven. ‘Nuevas Elecciones’ fue grabado cuando se anunció que habría segundas elecciones en 2015, con todo el gasto que eso conlleva para las arcas públicas.

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Cultura Espectáculos y teatro

Billy Elliot, El Musical: cuando la lucha por un sueño sube a escena

A estas alturas de la película, y nunca mejor dicho, quedarán pocas personas que no hayan visto Billy Elliot. La entrañable historia del chico que quería ser bailarín es uno de los clásicos que no pueden faltar en tu lista de películas pendientes. Estrenada en la gran pantalla en 2000, no fue hasta cinco años más tarde cuando dio el salto a los escenarios. Concretamente, el Victoria Palace Theatre acogió al pequeño Billy y su mundo en el West End londinense. Más de una década después, esta producción ha llegado a Madrid. El Teatro Nuevo Alcalá es el lugar elegido para albergar el musical que promete ser el bombazo de la cartelera teatral de la capital.

Billy puede parecer un simple adolescente con ilusiones, como todos. La diferencia es que su sueño rompe con lo establecido y, por ende, tiene que enfrentarse al juicio de su familia y la sociedad en la que vive. La historia se sitúa en una época convulsa para la sociedad de Reino Unido. Los recortes del gobierno de Margaret Thatcher azotan el país y, sobre todo, al sector minero. El padre y el hermano de Billy son trabajadores en la mina, por lo que la situación golpeará de lleno a la familia. Dentro de este contexto, los más pequeños siguen con sus vidas aparentemente ajenos a las circunstancias. Billy es uno de ellos. Obligado por su padre a practicar boxeo, un día el destino parece darle un giro a su vida y acaba en la clase de ballet con las niñas de su vecindario.

 

Desde ese momento, ante la insistencia de la señora Wilkinson y a espaldas de su familia, comenzará a asistir a las clases de baile asiduamente. El talento de Billy sale a la luz desde el principio, provocado la envidia de sus compañeras. Ante eso, la señora Wilkinson decide formar al joven bailarín para que llegue lejos. La energía e ilusión de Billy contrastan con la situación cada vez más difícil que viven su padre y el resto de mineros. Su historia nos inspira y nos alienta a perseguir nuestros sueños, superando todos los obstáculos del camino. Nos enseña que si creemos en nosotros y hacemos las cosas que nos apasionan podemos llegar muy lejos.

Nada tiene que envidiar a Broadway el gran espectáculo que el equipo de Billy Elliot, El Musical nos ha hecho disfrutar desde el primer segundo. El conjunto de niños y mayores hizo vibrar cada rincón del Teatro Nuevo Alcalá, arrancando los gritos, los aplausos y las risas del público en cada escena. Y, por qué no decirlo, alguna lágrima también. El musical mantiene la esencia original de la película: el ambiente lúgubre de la ciudad minera, la lucha de la clase obrera o los prejuicios hacia lo diferente. Sin embargo, los creadores de esta pieza han querido darle un valor añadido a la historia: el humor. Han conseguido integrarlo de tal manera que en algunos momentos no sabes si estás llorando de risa o de pena.

Los miembros del elenco clavan su papel en cada coreografía, con unos montajes vibrantes y precisos. Nuestro Billy fue Miguel Millán, pura ternura y talento llenaron el escenario durante toda la función. Voz, energía y técnica podrían definir de forma precisa su actuación. En el papel de Michael tuvimos la suerte de disfrutar de la interpretación del pequeño Diego Poch que, con su sorprendente desparpajo, se metió a los presentes en el bolsillo en cuanto pisó el escenario. La espectacular escenografía está cuidada hasta el más mínimo detalle, los decorados dignos de cualquier gran producción de Broadway y la música en directo aportan valor añadido a la obra. La labor de los músicos y el director de la orquesta fue enormemente aplaudida por todos los que nos encontrábamos en el teatro.

Estas son algunas de las razones por las que creemos (y sabemos) que Billy Elliot va a ser el estreno musical del año. No dejes que te lo cuenten y compra ya tu entrada aquí.

Dónde: Teatro Nuevo Alcalá (Calle de Jorge Juan, 62).

Cuándo: De martes a domingo desde el 5 de octubre de 2017.

Cuánto: desde 24 euros.

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Espectáculos y teatro Flamenco

27 flamenco: el auténtico sonido de la Generación del 27

A veces el teatro abandona el musical de gran formato y los montajes grandilocuentes para dejar paso a un acento mucho más profundo y más nuestro. A veces la sinceridad se arranca por bulerías, y se viste de gala sin necesitar el lujo para conmocionar a todo un patio de butacas. Es así como 27 Flamenco llega al Teatro de la Luz Philips Gran Vía: directo, desagarrador y repleto de talento.

Juan Carmona ha decidido recordar que el flamenco se debe a la literatura, a nuestro pasado, a la innovación de aquellos que se atrevieron a cambiar lo acostumbrado. Así, tras cuatro años de preparación, el artista presenta ahora un atrevido montaje que fusiona el género con poesía, cine y danza contemporánea para acercar al gran público la Generación del 27 a través del flamenco.

27 Flamenco sale del alma para dar una nueva voz a grandes de nuestra cultura. Así, en pleno siglo XXI, Juan Ramón Jimenez, Miguel Hernández, Gerardo Diego, Josefina de la Torre, Rafael Alberti o Federico G. Lorca se suben de nuevo al escenario. Sin olvidar a Dalí, Picasso, Maruja Mallo o Buñuel, que se convierten en el trasfondo estético de la función, siempre presentes en música, proyecciones audiovisuales o incluso coreografías. Y, por supuesto, Carmona revive a las Sinsombrero. Ellas, siempre a la sombra, se convierten en grandes protagonistas de 27 Flamenco, convirtiéndolo en una especie de cruzada feminista en honor de las artistas nunca reconocidas.

27 Flamenco es arriesgado. Surrealista. Y no podría ser menos temerario, por respeto a los principios de los artistas a quienes hace homenaje. El riesgo llega sobre todo en forma de baile, dando movimiento al ambiente revolucionario de una generación valiente. Anna López Infante, elegante bailarina de indudables tablas, se adapta a cualquiera que sea el campo de batalla. Certera, femenina y masculina, elegante, se convierte en un todo indudable cuando comienza a bailar. Chey Jurado, con clara formación en breakdance, consigue convertir su estilo en una convulsión flamenca indudable con cada uno de sus movimientos.

El elenco de voces, capitaneadas por el talento excepcional de David de Jacoba, mira al público de frente. Junto a él Almaría, Las Bautista, Saúl Quirós y Rafita de Madrid componen una línea de batalla arrebatadora y conmocionante. Voces flamencas, profundas, sinceras y sentidas que hacen de este espectáculo una auténtica obra maestra y un lujo castizo en plena Gran Vía. El espíritu de los tablaos y de las cuevas vestido de smoking para una ocasión especial.

Toda esta compleja edificación, sin embargo, no tendría sentido sin el meticuloso trasfondo musical cuidadosamente entretejido para sostenerla. Juan Carmona da vida a una serie de composiciones donde un flamenco sin miedo se atreve a jugar con el jazz, las melodías latinas e incluso disonancias contemporáneas que rozan la atonalidad. Cada uno de los miembros de la banda dota de personalidad a la voz de su instrumento, convirtiendo la banda sonora en un ente con vida cambiante y protagonista de la obra.

27 flamenco no es sólo un sentido panegírico a la Generación del 27. Es un homenaje al talento, un homenaje a la historia. Arte hablando de arte, bailándolo, poniéndole melodías y pasión como ningún otro género podría haberlo conseguido. No dejen de verlo: expertos en flamenco y primerizos, tradicionales o innovadores, amantes de la literatura o el cine, o sólo del sentimiento. 27 Flamenco les removerá las tripas como sólo una guitarra española puede hacerlo, con la voz de los mejores y el riesgo de los valientes.

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Cultura Espectáculos y teatro

A protestar a la Gran Vía: el teatro que gusta a la gente

La gente. Ay, la gente. No existe concepto más ambiguo y sobreutilizado que el de «la gente». ¿Cuántas veces decimos esta palabra al día? Quizá nunca te has parado a pensarlo, pero solo basta con estar un poco atento… o con ir a ver A protestar a la Gran Vía de Los Absurdos en la Sala Lola Membrives del Teatro Lara. ¿Por qué? Porque Patricia Estremera y Alfonso Mendiguchía se van a encargar de ponernos delante de las narices nuestra falta de congruencia y la facilidad que tenemos para hacer oídos sordos a lo que nos rodea. El modus operandi es la simulación de un estudio que trata de dar respuesta a una pregunta: «¿Quién es la gente?» El texto, obra de Mendiguchía, está protagonizado por dos congresistas que, mediante la representación de situaciones cotidianas, tratan de desgranar este concepto.

La pieza plasma a la perfección cómo nos escudamos en «la gente» para echar balones fuera y no reconocer nuestros propios actos. Los Absurdos consiguen que te reconozcas en las situaciones que simulan durante toda la obra para hacerte reaccionar y te des cuenta de la hipocresía que se esconde en la queja y crítica continua hacia nuestro entorno. Por eso no es de extrañar que al final de la obra consigan que el público levante el culo de su asiento y se ponga en pie, movidos por la fuerza y vitalidad de ambos actores. La ironía y el sarcasmo marcan el ritmo de la obra, aportando el punto ácido necesario para la reflexión.

Lo que más sorprende es que utilizan ciertos recursos cómicos muy habituales, como la imitación de los distintos acentos en España, sin caer en la broma fácil y el topicazo. La capacidad de ambos para cambiar de un personaje a otro sin titubear demuestra el talento y la variedad en registros que manejan. Además, la afinidad y complicidad entre los dos es innegable, ya que crean un binomio interpretativo ideal. Patricia y Alfonso se comen el escenario, provocando risas casi ininterrumpidas entre el público.

Ver a Los Absurdos sobre el escenario siempre es un soplo de aire fresco. O eso dice la gente. Así que, si quieres comprobarlo tú mismo, no te pierdas A protestar a la Gran Vía los jueves a las 20.15h en la Sala Lola Membrives del Teatro Lara, hasta el 5 de octubre.

Si quieres consultar más información sobre la obra, los pases y los precios pincha aquí.

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Cultura Espectáculos y teatro

La Pilarcita, una historia de sueños y fe

Hace unas semanas, Anna Castillo nos contaba en una entrevista los detalles sobre su nueva obra: La Pilarcita. Desde el 3 de junio lleva en cartel en la sala Lola Membrives del Teatro Lara, que se convierte en el escenario perfecto para esta obra de aires costumbristas que evoca los cálidos días de verano en el pueblo. La cercanía con el público hará que te sumergas en la historia como si formases parte de ella. Como la misma actriz nos contó: «tener al público tan cerca añade vértigo, responsabilidad y nervios. Es más bonito, porque exige más compromiso». Lo cierto es que, en las actuaciones que nos regala el elenco, se puede palpar ese empeño.

La historia transcurre en un pequeño pueblo de Extremadura, donde el calor azota durante todo el día en la época estival. Lucía y Luisa viven allí una vida tranquila, regentando una hospedería para recibir a los forasteros que van a la celebración de La Pilarcita. Flores y muñecas son las ofrendas que los peregrinos llevan a esta entrañable santa para pedir sus milagros. La llegada a la casa de Selva y su misterioso acompañante revoluciona a las dos jóvenes, sobre todo a Lucía, que emprende una entrañable amistad con la mujer. La unión de esta pareja es el perfecto reflejo de cómo algunas personas entran en tu vida casi sin darte cuenta y la cambian por completo.

El personaje de Selva está encarnado por la brillante Mona Martínez, que interpreta su papel con gran crudeza y melancolía. Anna Castillo y Fabia Castro son los dos vértices restantes de este triángulo perfectamente equilibrado. El personaje de Castro representa la responsabilidad y el sosiego frente a la energía y vitalidad arrolladora de Castillo. También vemos, ocasionalmente, en el escenario a Álex de Lucas quien aporta un toque de gracia a la obra con su papel de narrador trovadoresco. Un reparto pequeño que llena el escenario de talento.

Lo bonito de La Pilarcita es que consigue transmitirte los sentimientos más sencillos del ser humano de una forma extraordinaria. Las aspiraciones personales, los sueños, la esperanza, la fe, la amistad, el amor. En definitiva, es una historia de personas que no han visto el mundo más allá de los límites de su pueblo, pero que sueñan con hacerlo algún día. Es más, sueñan intensamente con vivirlo. Y eso es lo que te llevas al salir de la función: las ganas de seguir persiguiendo tus sueños, sean grandes o pequeños.

Dónde: Teatro Lara (Corredera Baja de San Pablo, 15, 28004, Madrid)
Cuándo: Hasta el 30 de junio, los sábados a las 19.15h y los domingos a las 20.15h.
Cuánto: Desde 18 euros.
Para más información y entradas pincha aquí.

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Espectáculos y teatro

Panegírico de la ambición: Pedro Víllora reinventa el Tartufo de Moliére

Narcisismo. Manipulación. Recta moral cristiana pervertida con ambición y poder. Vuelve Tartufo, el Impostor, a nuestros teatros. Una adaptación donde Pedro Víllora reinventa, reconstruye un clásico para adaptarlo a una moral quebradiza. Todo ello sin perder un ápice de su fuerza, entre el brillo y la austeridad, entre lo actual y unos versos alejandrinos que se remontan cinco siglos atrás en el tiempo.

Venezia Teatro nos ofrece así una versión personal, que juguetea entre el verso y la prosa, entre la fidelidad y la arrogancia, entre la dramaturgia y una cuarta pared más que rota buscando la complicidad con el público.

Alejandro Albarracín, más que interpretar, se transforma en el Tartufo más impostor de la historia. Su presencia es pura perversidad calculada, pura prepotencia y ego. Un espejo de la sociedad actual que nos hace aborrecerlo como nunca. Tartufo se convierte en el centro de la obra mucho antes de aparecer en escena, a las órdenes de un ritmo perfectamente medido. Y es que la expectación va creciendo con acertadísima tensión: murmullos, insultos, trabas familiares y alabanzas desmedidas durante los primeros actos van construyendo una mitología de Tartufo básica para la obra, cultivada desde el (nada casual) cartel promocional hasta la final aparición del personaje. Unas expectativas increíblemente altas que construyen un Tartufo demasiado cruel e inteligente que se nos desmorona sin embargo un poco rápido (¿será premeditado?), pero sin nunca perder sus cualidades retorcidas, manipuladoras ni, por supuesto, galantes.

Cuidado, porque la obra atacará sin duda al espectador minucioso. ¿Adoramos falsos dioses? ¿Nos dejamos encandilar por lo políticamente correcto, por palabras místicas? ¿Ha quedado sometida la moral a la ambición, al poder, a la astucia más despiadada? ¿Cuántas veces nos hemos llamado Tartufo? Y es que esta comedia de 1664 no es sino una representación hermosa del afán capitalista por devorarlo todo ,con tal de conseguir sus propios fines. Más dinero. Más poder: la tumba de los principios.

Pero no hay que olvidar que Tartufo también es comedia. Esther Isla cumple aquí el cometido de la criada a la perfección, dotando al drama de una visión cómica que casi eclipsa no sólo al resto de protagonistas, sino a la misma naturaleza reflexiva y semioscura de la obra. Vicente León acompaña a Esther en la versión más divertida de la pieza, con un dominio de la voz, la gesticulación y el verso que defienden más que cualquier compañero la idiosincrasia clásica de El Impostor. Tartufo cuenta así con todo un elenco poderoso que dota de fuerza y sentido a una obra que quizá no podría explicarse así sin ellos. Lola Baldrich, Nüll García e Ignacio Jiménez completan un reparto coral para un escenario repleto pero pensado: nunca lleno, nunca vacío.

Todo ello, medido y expresado a través de una coreografía cuidada, casi mística, que convierte algunas escenas en bailes o en un cuadro pintado por el más cuidadoso autor barroco. Derroche de colores vibrantes, sólidos e hieráticos para los momentos más tensos. Para los más relajados, entradas, salidas y guiños fuera de escena.

Venezia Teatro nos trae así al Tartufo que siempre ha sido: una reflexión sobre la condición humana y el camino recto. Una reflexión sobre la moralina vacua. Sobre la ambición y el poder. Sin embargo, se atreve y arriesga, como un historiador negligente, a recomponer lo ocurrido. A convertirlo en un presente. En esta ocasión, la ambición gana.

TARTUFO EL IMPOSTOR, VENEZIA TEATRO

Elenco: Alejandro Albarracín, Lola Baldrich, Vicente león, Nüll García, Ignacio Jiménez, Esther Isla
Versión: Pedro Víllora
Director: José Gómez-Friha
Dónde: en el Teatro Infanta Isabel
Cuándo: Hasta el próximo 1 de octubre
Cuánto: A partir de 11 €
Entradas ya disponibles aquí

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Cultura Espectáculos y teatro

El príncipe y la corista: crónica de una primera cita

Redacción: Laura Pardo

Muchas veces, parece que en el teatro sólo tiene cabida un tipo de papel para la mujer, enfocado a su búsqueda del amor y obviando la necesidad de sentirse realizada e independiente. Por suerte, El príncipe y la corista, es todo lo contrario. La corista está enamorada del amor, pero tiene los pies en el suelo y unos objetivos claros para los que no necesita a ningún príncipe. A lo largo de la muestra nos sorprenderá con grandes reflexiones y consejos, que aplica a su vida y que pueden extrapolarse a la política.

La obra comienza con la celebración de una cena en la casa de la realeza de Carpatia, a la que la corista Mary es invitada. Ella espera un gran despliegue y que todo el consulado se llene de invitados. Nada más lejos de la realidad. La cena será entre ella y el regente que, además, tiene una gran fama de donjuán. A pesar de su reticencia inicial, decide comer con él. Lo que pasará entonces sólo nos lo desvelará la alocada trama de esta historia. Mientras tanto, el mandatario no podrá ignorar la situación que lo enfrenta a su hijo, el futuro rey de Carpatia, con el que discute qué modelo político es el ideal para su país. Mary tratará de suavizar la relación entre padre e hijo, pero quizás ya sea demasiado tarde para lograrlo.

Esta obra escrita por Terence Rattigan se hizo famosa gracias a la película dirigida e interpretada por Laurance Olivier, al que acompaña Marilyn Monroe. En esta nueva representación de la obra estrenada en el Teatro Cofidis Alcázar, nuestra Monroe particular se llama Lluvia Rojo. Conocida, entre otros trabajos, por su papel de Pili en Cuéntame, realiza una magnífica interpretación de la corista, sabiendo medir la línea entre la dulzura y el carácter. El coprotagonista masculino es el también conocido actor Javivi, que nos mostrará sus artes de seducción y mando. Estos dos actores harán que el público no pueda dejar de reír.

La obra trata de humanizar a la realeza ya que, detrás de los conflictos políticos y la pomposidad, hay discusiones de padres e hijos, un hombre que no sabe qué es amar y una Reina Madre interpretada por Marta Fernández Muro que sufre los problemas de envejecer. Detrás de los personajes aparecen debates profundos basados en la discusión entre el deber y el querer, la lucha entre sueños y obligaciones. Pero, sobre todo, reflexiones que giran en torno a si existe el amor o no. Por una parte tenemos a la enamoradiza Mary y por otra al regente, que nunca se ha enamorado y cuya vida se basa en encuentros esporádicos con mujeres. Desde luego, la vida de estos dos personajes no volverá a ser la misma después de conocerse.

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Espectáculos y teatro

Lo mejor de la comedia de Jardiel a ritmo de rock

Crónica de Cuatro corazones con freno y marcha atrás

Cuatro corazones con freno y marcha atrás es una comedia desternillante, rápida, de un ritmo loco y atrevido. No se limita a hacernos reír sin parar, sino que nos hace reflexionar sobre el sentido de la vida (o sobre si la vida tiene algún sentido). Uno de los mayores éxitos de esta muestra ha sido realizar una representación fiel del texto de Jardiel Poncela de 1936, pero adaptándolo a los años 70 y dándole numerosos toques personales. Y es que la elección de esta difícil obra se retoma a la infancia de Gabriel Olivares, director de la comedia, por ser la primera función a la que asistió y de la que guarda grandes recuerdos.


Pero la adaptación de Jardiel no fue la única dificultad: la obra se representa en el patio exterior del Teatro Galileo, en un escenario pequeño y rodeado por público por los cuatro costados, que beben y comen mientras se desarrolla la obra. Dada esta situación, la intención de Olivares era conseguir que los espectadores se implicasen y que sintiesen que estaban dentro de una gran fiesta. Y lo consigue a través de la original puesta en escena y de los disparatados números musicales, que crean un ambiente festivo y muy divertido.

Ricardo acaba de perder a su tío millonario, quedando como único heredero, pero solo podrá cobrar la herencia pasados 60 años. Esta jugarreta del tío deprime al pobre Ricardo, hasta que el doctor Bremón le da una maravillosa noticia, acaba de descubrir la pócima para la eterna juventud. El doctor y Ricardo, junto a sus parejas beben la pócima, que tendrán que compartir con un indiscreto cartero que se entera de todo lo sucedido y que amenaza con contar al planeta este descubrimiento. Todos son felices, brindan con champán, se besan, las parejas se dicen “siempre te amaré”. Pero la eternidad no resultará tan fácil como parecía…

Gabriel Olivares, que ya se ha convertido en uno de los dramaturgos cómicos por excelencia tras dirigir Burundanga, supera el reto. Le da muchos toques personales como esos números musicales que sorprenden y hacen reír a carcajadas al público. La obra es un absurdo, igual que la vida. Al principio coges manía a los personajes, ¿cómo pueden ser infelices si tienen dinero, amor y salud eterna? Pero al final los compadeces, abandonados del mundo, con corazones frenados.

La compañía TeatroLab sorprende una vez más con la originalidad que impregnan a cada obra, y es que desde su primer montaje en 2006 ya han estado nominados a los premios Max, por Our Town. Lo que la ha convertido en una de las compañías más prometedoras del panorama nacional. Aunque en taquilla.com no pudimos ver la interpretación de César Camino, sus compañeros Álex Cuevas, David García Palencia, Chusa Barbero, Silvia Acosta… nos envolvieron en esta frenética historia. Tras ver la muestra, quizás al público no le den ganar de frenar y dar marcha atrás a sus corazones, pero seguro que si les apetece pulsar el pedal de acelerar para poner el motor a mil revoluciones, ya que el hecho de que la vida tenga un final, es lo que hace que la vivamos intensamente.

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Espectáculos y teatro

Teatro: novedades imprescindibles para este otoño

Si tú también eres un amante del teatro, sabrás que septiembre no es un mes más del calendario. Significa mucho más que volver de vacaciones, más que el otoño, el trabajo y la monotonía: porque es el mes de todos los estrenos. Cada septiembre se inaugura la nueva temporada teatral, con las novedades que las mejores compañías llevan meses preparando. ¡Amantes de las tablas, este es vuestro artículo! ¿Queréis saber qué os depara este año?

TEATRO TEMPORADA 2017/2018

 

BILLY ELLIOT, EL MUSICAL

Llevamos meses sabiéndolo. Y aún así, la emoción no parece haber disminuido lo más mínimo. Billy Elliot, la historia del niño bailarín que luchó por sus sueños, llega por fin a España en su adaptación teatral que ya ha triunfado en el West End de Londres y en Broadway. Los castings han sido intensos, los ensayos, más; pero todo parece estar preparado para este musical sobre la pasión y autenticidad de cada uno. Con música original de Elthon John, coreografías elaboradas y una ambientación excepcional, va a ser muy difícil resistirse.

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Dónde: Nuevo Teatro Alcalá
Cuándo: a partir del 6 de octubre
Cuánto: Desde 23 €
Entradas para Billy Elliot, el musical aquí

TÓTEM

La espera está a punto de acabar: Tótem se estrenará en nuestro país en noviembre. Traerá consigo la historia de la humanidad con altas dosis de danza, magia y música, como siempre. El Circo del Sol volverá a desplegar sus mejores armas en -por ahora- Madrid, Barcelona y Sevilla. Podremos disfrutar de decorados impresionantes, trucos imposibles, vestuarios arriesgados y una obra para rendir homenaje a la evolución de toda una especie. Y es que el Cirque du Soleil es inimitable. Y nos encanta: desde que llegase a nuestro país, Varekai no ha parado de girar por toda la península. Pero siempre queremos más.

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Dónde: Madrid, Sevilla y Barcelona
Cuándo: 10 nov-17 dic (madrid), 26 ene-11 feb (Sevilla), 24 mar-15 abr( barcelona)
Cuánto: desde 28 €
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NADA ES IMPOSIBLE – EL MAGO POP


Antonio Díaz
es uno de los magos más populares de nuestro país. Más conocido como el Mago Pop, es un ilusionista que ya ha sido galardonado con el Premio Nacional de Magia por sus excelente puesta en escena. Y es que ni el gran público, ni la crítica, ni las estrellas internacionales que han ido a verle consiguen explicarse sus trucos. Pero sí su éxito: La Gran Ilusión, su última creación, triunfó en todo el mundo durante años. Ahora vuelve a la cercanía del teatro con Nada es Imposible, que parece venir a reafirmar quién es el rey de la magia sobre el escenario. Stephen Hawking, Victoria Beckham o Antonio Banderas ya se han quedado impresionados. ¿Te apuntas?

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Dónde: Teatro Rialto de Madrid
Cuándo: a partir del 29 de septiembre
Cuánto:desde 17€
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LA FAMILIA ADDAMS

Sólo hacen falta cuatro notas para que sepamos de qué serie estamos hablando. Esa inconfundible introducción, que anunciaba la llegada de una familia oscura, irónica e inalterable, se ha vestido de gala para invadir los teatros de España en forma de musical. Y es que hace ya más de 40 años que la Familia Addams saltó a la televisión, convirtiéndose en un icono gótico y divertido de la cultura popular. Disfruta de esta comedia que te sumergirá de lleno en el loco mundo de los Addams, donde Gómez y Morticia tendrán que enfrentarse al hecho inevitable de que Miércoles, con ya 18 años, se haya enamorado. ¿Podrán aceptar este cambio?

Dónde: Teatro Calderón
Cuándo: Del 5 de octubre al 10 de diciembre
Cuánto: Desde 11,94 €
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LOS HOMBRES SON DE MARTE Y LAS MUJERES DE VENUS

Este otoño, Mauro Muñiz de Urquiza vuelve a los teatros a protagonizar lo que ya es todo un clásico de los libros: Los hombres son de Marte y las mujeres de Venus. Este best seller, escrito por John Gray, ironiza sobre la diferente manera en que cada sexo suele enfrentar una misma situación, enfocándolo siempre desde la complicidad y no el conflicto. Hombres y mujeres compartimos código genético, espacio geográfico y mismo idioma. Entonces, ¿por qué parece que venimos de planetas diferentes?

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Dónde: Nuevo Teatro Alcalá
Cuándo: del 21 de septiembre al 29 de octubre
Cuánto: desde 19 €
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EL GUARDAESPALDAS

El 29 de septiembre, una de las películas que más nos emocionaron en los 80 vuela al escenario del Teatro Coliseum en Madrid. Se trata de El Guardaespaldas, un musical rebosante de pasión, elegancia y por supuesto de la mejor música de Whitney Houston. Reviviremos en directo la historia del ex agente de la CIA Frank Farmer, que tendrá que enfrentarse a su mayor reto profesional hasta la fecha: gestionar la seguridad personal de una temperamental estrella del pop. Sus caracteres opuestos dificultarán esta tarea, ¿o en realidad están escondiendo una inevitable atracción?

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Dónde: Teatro Coliseum
Cuándo: del 29 de septiembre al 30 de noviembre
Cuánto: Desde 22 €
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AMOR SOMOS 3

Este otoño prepárate para el amor, la tensión, y sobre todo, el humor. Llega a nuestros teatros Amor Somos 3, la adaptación de Ma soeur est un boulet que lleva nada menos que 5 años triunfando en la vecina Francia. ¿Los ingredientes para tan buena acogida? Una pareja compartiendo piso, una hermana que se muda para desequilibrar la situación y una reflexión sobre la lealtad, el amor y la familia. Una comedia llena de sorpresas que podremos ver a partir del 26 de agosto.

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Cuándo: Del 26 de agosto al 28 de octubre
Dónde: Teatros Luchana
Cuánto: Desde 14 €
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WE LOVE QUEEN

Prepárate para emocionarte. Porque el símbolo más importante del rock del siglo XX va a subirse al escenario. Después de una única semana en Valencia y una pequeña gira veraniega, el último espectáculo de Yllana llega a ciudades como Cartagena y Madrid. La compañía de humor, que ya ha dirigido The Hole, Mayumaná y Rumba, da un giro completo para subir a Queen al escenario. We Love Queen es un homenaje que teatralizará y escenificará algunos de los temas más icónicos de la banda. Eso sí, sin modificar un ápice su auténtica esencia, ya que son como monumentos del imaginario colectivo que sería un sacrilegio tocar. Un espectáculo pensado para emocionarte de principio a fin.

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Cuándo: 14 de Oct (cartagena) y 18 de nov (Alcorcón)
Dónde: Auditorio El Batel, Teatro Buero Vallejo
Cuánto: desde 10 €
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Pero si lo que quieres es disfrutar de los auténticos éxitos de nuestra cartelera ya consagrados, estás de enhorabuena, este mes de septiembre vuelven con más fuerza que nunca taquillazos de la talla de Dirty Dancing, The Hole, Mayumaná, Los Morancos, El Rey León, El Test.

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Espectáculos y teatro Eventos

El teatro alternativo toma la ciudad de Barcelona

Íntimas, cercanas e innovadoras, así son las nuevas salas off que han llegado para romper con todo lo establecido por los teatros convencionales. Y si bien es cierto que muchos han tenido que cerrar sus puertas por la crisis, la escena independiente está viviendo una época dorada gracias a su espíritu rompedor, que ha conseguido atrapar tanto al público como a la crítica. Y es que ante la falta de espacios para contar con otro tipo de obras, muchos autores han seguido el lema de si algo no existe, ¡créalo! Estos pequeños luchadores también quieren contar sus vivencias, transmitir emociones, acercarse al espectador y hacer una reverencia ante un público que les ovaciona.

No es de extrañar que, así, Barcelona se haya convertido en uno de los lugares favoritos para acoger salas off. Y es que la Ciudad Condal arrastra una poderosa tradición de teatro independiente gracias a compañías como El Joglars, La Fura del Baus o Els Comediants. Hoy, desde Taquilla.com queremos acercaros a este tipo de teatro presentándoos las mejores salas off de Barcelona, donde podréis disfrutar de un teatro comprometido, con una temática totalmente diferente a la de las grandes salas y con unas propuestas tan atrevidas que no dejarán indiferente a nadie.

Sala FlyHard

Uno de los espacios escénicos favoritos para los barceloneses es la Sala Flyhard, que fue ganadora del premio de la Crítica de Barcelona como Mejor Sala de Teatro en 2015. Sus inicios dentro del círculo teatral alternativo se remontan a la sala de ensayo de la escuela de teatro de la compañía, en la que los actores podían interpretar sus propias obras. Una iniciativa que dio un paso más allá y, con el objetivo de dar más visibilidad a la obra de escritores catalanes, la Sala Flyhard decidió abrir sus puertas a todos estos creadores alternativos.

Desde la sala consideran que: “Más allá del quién y el cómo, nos interesa el qué. El nuestro es un teatro de historias, relatos, nos interesa que el espectador se vea inmerso en una historia durante una hora y media, se sienta partícipe, que se olvide que está en el teatro y se emocione, reflexione , se divierta y se interese con la historia que le estamos explicando”.

Porta 4

Igual que la Sala FlyHard, Porta 4 pasó de ser una escuela de teatro a convertirse en una de las principales salas de pequeño formato de Barcelona en la que se presentan algunas de las obras más innovadoras. Su compañía residente no solo suele presentar sus propios proyectos en Porta 4, sino que están abiertos a que cualquiera les envíen sus propuestas.

Porta 4 es uno de los motores culturales de la ciudad condal, al contribuir a crear y a mantener nuevas formas de expresión escénica. Algo que se refleja en el espíritu de este equipo que trata de dar un hogar a las compañías emergentes que no aún han encontrado un sitio para sus ideas.

Sala Conservas

Conservas es la elección perfecta para ver un teatro más comprometido, movilizador y para la reflexión. Ellos quieren ser una sala donde la creación sea la protagonista, y donde tenga lugar el aprendizaje mutuo a través de las experiencias compartidas en un clima de confianza.

Un espíritu transformador que se refleja perfectamente en obras tan dispares como Hazte banquero: Tarjetas Black, todo lo que quisieron ocultarte; Realidades Avanzadas o Femena ex Machina. Y es la compañía Conservas lleva desde 1993 ofreciendo una programación comprometida, variada y siempre con una premisa en común, denunciar las injusticias sociales y los excesos de poder. Desde la sala ya avisan: no son un placebo cultural.

Teatre Tantarantana

No todo el teatro alternativo es para mayores de edad, el Teatre Tantarantana nació con la vocación de ser un lugar al que todas las familias pudieran acudir para disfrutar de los mejores espectáculos de títeres realizados por artistas locales. Actualmente, la sala se ha abierto a otros formatos y temáticas adultas, pero nunca olvidan su origen infantil.

Aparte de sus obras teatrales, esta compañía realiza diversas actividades para jóvenes, como ayudar a artistas que tratan de comenzar su carrera o talleres para conseguir que las personas de entre 14 a 18 años se acerquen al teatro.

Mercat de les flors

Aunque esta no es una sala off al uso, ya que es un teatro municipal, el Mercat de les flors es ampliamente conocida por albergar unas obras de teatro alternativo de una enorme calidad. Este espacio no solo destaca por sus propuestas, sino por la maravillosa cúpula de 12 metros que corona el mercado, creada por el famoso Miquel Barceló.

Por sus tablas han pasado artistas internacionales como Peter Brook, pero también del ámbito local. Ellos mismos consideran que son un espacio motor para las artes y  un hogar para las compañías de teatro y danza que buscan su consolidación.

Sala Fènix

La Sala Fènix también piensa en todo tipo de públicos, ya que hay obras para todas las edades. El objetivo de esta sala ha sido la investigación en técnicas teatrales no convencionales. Entre las que destacan la recuperación de algunas artes como el teatro de máscaras, títeres y teatro gestual y visual. Es una de las salas más originales que le da voz a esas formas teatrales que injustamente cayeron en el olvido.

Microteatre Barcelona

Si eres de los que piensan que las mejores esencias se guardan en frascos pequeños, el microteatro es tu opción perfecta. Son obras de 15 minutos, para un máximo de 15 personas, en menos de 15 m2. Esta experiencia está cada vez está más de moda, sobre todo en Madrid, pero gracias a Microteatre, Barcelona está pisando los talones a la capital y quizás algún día le arrebate el título.

En la variedad está el gusto, por ello hay una amplia gama de obras entre las que se puede elegir, pero eso sí, todas giran en torno a un tema común que va cambiando cada mes, de esta forma se aprecian las diferentes perspectivas que hay sobre una misma propuesta. Por ejemplo, bajo el tema Por diversión, hay obras tan diferentes como Infectados y Sueños a la carta. La primera trata de un virus que convierte la vida en un musical y la segunda es una reflexión sobre los sueños.

Festival Mutis

Aunque no sea una sala como tal, no podíamos hablar de teatro alternativo en Barcelona sin citar al Festival Mutis. Una muestra cooperativa de teatro independiente dedicado a acercar a la juventud a este arte. Es una gran forma para dar voz a las compañías emergentes y de tratar de atraer un nuevo público para inculcarles esta forma de entender el arte.

Desde Mutis tienen claro cuales son los valores que quieren que imperen en el certamen. Buscan ser incisivos, creando un teatro que hace pensar y que no sea una mera distracción, que produzca algo dentro del espectador.

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Cultura Espectáculos y teatro

Atalaya reinventa a la Puta Vieja en «Celestina, La Tragicomedia»

La Celestina es uno de los clásicos más representados de la historia de nuestro teatro. Son numerosas las adaptaciones que han recorrido, escenario a escenario, toda España y que, incluso, han traspasado sus fronteras. Hoy en El Blog de Taquilla.com os queremos hablar de una versión muy especial: la de la compañía sevillana Atalaya. El alma mater de Celestina, La Tragicomedia es Ricardo Iniesta que, tras varios meses de incesante trabajo, consiguió reducir el texto de la obra original de sesenta y cinco mil palabras a once mil. De esa labor surgió la pieza que hoy podemos disfrutar sobre las tablas, que responde a una visión muy particular de la historia íntegra.

En palabras del propio director, «es una versión que no tiene demasiado que ver con la que suele verse a menudo en los escenarios españoles». Solo los peculiares atuendos que visten los personajes en esta obra indican que no se trata de una adaptación cualquiera. «Creo que adaptar un clásico significa traerlo a nuestro tiempo, privilegiando temas que son de plena actualidad» comenta el dramaturgo. Se refiere a la lucha de clases, el culto al dinero, la avaricia, el individualismo o la corrupción, temas latentes a lo largo del texto en los tiempos que corren. Ese camino iniciado por Ricardo Iniesta se vio completado con los ciento treinta ensayos que llevó a cabo todo el elenco de actores. Carmen Gallardo, Raúl Vera, Silvia Garzón, Manuel Asensio, Jerónimo Arenal, María Sanz y Lidia Mauduit encarnan a los personajes de esta pieza.

Con una escenografía sencilla y moderna, Atalaya traslada la obra de Fernando de Rojas a nuestro tiempo de una forma grotesca. Los actores permanecen en el escenario durante toda la representación actuando, creando ambiente sonoro o montando el espacio escénico. Este método multidisciplinar es parte de la filosofía del grupo. «Más que una compañía, somos un equipo de investigación con más de diez años de trabajo juntos. Desde los ensayos vamos configurando la pieza: las coreografías, los cánticos, los textos, los personajes… En el caso de Celestina son muchos matices.» manifiesta el director. Ese trabajo conjunto se ve claramente reflejado sobre el escenario, donde prima el criterio colectivo.

Los juegos lumínicos y sonoros acompañan a la exquisita interpretación de los actores que hilan la historia, escena tras escena, sin necesidad de excesos ornamentales. El talento y la experiencia de los intérpretes llenan el escenario, donde la angustia y una pizca cómica se combinan en un equilibrio perfecto. Los personajes parecen hechos para cada uno de sus intérpretes. Sin embargo, Iniesta asegura que no trabajan directamente con los personajes, si no que «van apareciendo en el proceso de creación que lleva a cabo el grupo. En este caso los resultados aparecieron prácticamente sin buscarlos.

El éxito de Celestina. La Tragicomedia, ha llevado al grupo Atalaya fuera de las fronteras españolas. Ricardo Iniesta recuerda con sorpresa el «calurosos recibimiento que tuvo la obra en Moscú», donde pronto se ganaron el favor del público y la crítica. Aunque el grupo está acostumbrado a viajar, ya que sus obras han sido representadas en otros países como Francia, China, Chile, Argentina o Paraguay. Con la Celestina estarán hasta este domingo en el Teatro Infanta Isabel de Madrid, pero no han aparcado los demás proyectos que tienen entre manos. Aparte de encontrarse dando los primeros pasos en el montaje de su próximo montaje, la obra shakesperiana Rey Lear, la compañía pretende «volver a Valle y otros textos clásicos menos conocidos». El director de la formación también nos adelanta que Atalaya está embarcada «en un proyecto cultural de la Unión Europea llamado Río sin fronteras que se realizará en el Guadalquivir junto con numerosos colectivos ciudadanos», demostrando una vez más que apuesta por el teatro comunitario y social.

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Cultura Espectáculos y teatro

Entrevista a Anna Castillo: «Transformar a las personas a través del teatro es un sueño hecho realidad»

Pasión y energía son dos adjetivos que definen perfectamente a Anna Castillo. Por la vida y por el teatro. Desde las actuaciones en el colegio cuando era una niña hasta su gran noche recibiendo el Goya a Mejor Actriz Revelación, la joven actriz ha vivido una carrera intensa tanto sobre las tablas como en la pequeña y gran pantalla. La dulce Dorita en Amar es para siempre, la cañera Susana Romero en La Llamada, la entrañable Alma en El Olivo y la enérgica Lucía en La Pilarcita son algunos de los personajes que han acompañado a la intérprete a la cima. Hoy en El Blog de Taquilla.com hablamos con Anna Castillo sobre sus proyectos, sus ilusiones y las claves de su éxito.

Tras triunfar con La Llamada, vuelves al Teatro Lara. Este lugar tan emblemático debe ser ya como tu segunda casa.

«Sí. Con La Llamada fueron tres años, así que para mí este lugar es muy especial. Me da un punto de seguridad volver a actuar aquí. Si fuera otro teatro quizá me daría un poco más de vértigo. Pero aquí siento que estoy en casa. Me hace mucha ilusión. No puedo compararlo con otros, porque no he trabajado en muchos más. Sin embargo, es verdad que al Teatro Lara le tengo un cariño especial desde el principio. Es una bombonera por la que ha pasado tanta gente… De hecho, el fantasma de Lola Membrives está por aquí y es una maravilla. Desde siempre me ha parecido un teatro muy romántico y bonito.»

Ahora vuelves con La Pilarcita. ¿Qué nos puedes contar sobre esta obra?

«La Pilarcita es una historia de tres mujeres que se encuentran en un pueblo de Extremadura durante el fin de semana en el que se celebra La Pilarcita. Es una santa a la que la gente lleva flores y muñecas y pide milagros. Hay dos chicas, Luisa y Lucía, que son del pueblo y regentan una casita para que la gente de la ciudad se hospede. De repente aparece Selva, que llega desde Madrid para hospedarse allí. Es la historia de estas tres mujeres, que están un poco perdidas y luchan por conseguir sus milagros con fe en que las cosa pueden cambiar e ir a mejor. Para mí es una historia sobre todo de fe y esperanza.»

 

La Pilarcita se estrenó en Buenos Aires de la mano de María Marull y ha triunfado. ¿Cómo ha sido el proceso de importación y adaptación?

«Ha habido cambios principalmente en el texto, ya que estaba escrito en argentino. Chema Tena, el director, cambió el textó al español. Aunque de vez en cuando encontramos algo que sigue sonando raro y lo cambiamos. La historia es la misma, está intacta. La Pilarcita es una celebración que no existe en España. Es una santa pagana de un pueblo de Corrientes, en el interior de Argentina. La hemos trasladado tal cual, como si estuviese aquí.»

Interpretas el papel de Lucía, una joven del pueblo. ¿Cómo te has preparado para meterte en la piel de este personaje?¿Qué tiene Lucía de Anna y con qué se queda Anna de Lucía?

«El proceso ha sido curioso, porque esta historia está bien contada cuando encuentras el equilibrio entre las tres actrices. Para ello, hemos pasado por varios puntos. Lucía es una chica con mucha vitalidad, energía y unas inmensas ganas de vivir. A la vez es inocente y carismática. Su ilusión por la vida es desbordante y quiere tener experiencias nuevas sin renunciar a su pureza y bondad. Lo que compartimos es que ambas somos chicas muy enérgicas y con muchas ganas de vivir. Ella es más inocente, más buena y más pura que yo, por sus circunstancias. Lucía me parece un personaje totalmente admirable.»

Debutaste con La Llamada en la sala principal. Ahora con La Pilarcita estáis en la sala Lola Membrives. ¿Cómo vives este cambio? ¿Qué tiene de especial?

«A mí me encanta, me parece que es precioso. El otro día ensayamos La Pilarcita en en la sala grande y pensé que era mejor esta. Es verdad que el hecho de tener al público tan cerca da vértigo y añade responsabilidad y nervios. Aquí no hay trucos. Ellos están ahí contigo, como si formasen parte de la historia. Parece que si estás en lo alto del escenario impone menos actuar. Al menos a mí me parece que aunque exige mucha más responsabilidad, el hecho de tener a la gente tan cerca es muy bonito

 

 

A parte del teatro, hemos podido verte en series de televisión y películas. Cada formato tiene su técnica, pero ¿tienes alguno favorito?

«No tengo ninguno favorito. Al fin y al cabo, a mi me gusta currar, me gusta mi trabajo y hacer personajes bonitos. Me es indiferente el formato. Es verdad que cada uno tiene sus cosas. El teatro es lo que más responsabilidad y compromiso exige. Para mí es lo más difícil y sacrificado, ya que tienes que poner el alma en ello. Estás sola en el escenario y debes estar comprometida con ello al cien por cien pero, por otro lado, te mantiene en forma. Te da tablas. Es una forma de entrenarte constantemente. En el cine y la televisión lo guay es que formas parte de un equipo en el que te pones en manos de un director, un montador, un sonidista… y al final, entre todos, creáis una pieza. Es más fácil porque te apoyas en tus compañeros. Todo tiene sus cosas buenas.»

Hablando de cine, ¿cómo le cambia la vida a la ganadora del Premio Goya a la Mejor Actriz Revelación?

«De momento todo sigue igual. Lo único que ha pasado es que ahora tengo un poco más de visibilidad. Estoy un poco más expuesta, pero no ha cambiado nada. Esa noche fue un subidón. Lo recuerdo como si lo hubiese soñado. Fue una noche divertida y llena de ilusión, pero enseguida me bajé de la nube. Sigo currando mucho, como estaba haciendo antes. Solo espero que el Goya sea, en algún momento, el aval de confianza para que pueda seguir trabajando sin parar.»

Has vivido una intensa carrera hasta llegar a ese momento. Comenzaste desde muy pequeña en el mundo de la interpretación, en un momento en el que el ser productivo prima sobre hacer lo que uno ama. ¿Ha sido un camino fácil?

    «Tuve el privilegio de empezar a actuar muy pronto y la suerte de tener unos padres que me apoyaban mucho. Me veían muy feliz haciendo obras del teatro en el colegio o haciendo el idiota. Desde muy pequeña empecé a compaginar pequeños trabajos que me salían con los estudios. Hasta que no me vi dedicándome a esto no dejé de estudiar. Llegué hasta tercero de psicología. Comencé la carrera a distancia para poder compaginarlo con los posibles trabajos de actriz que me saliesen. Llegó un momento en que vine a Madrid a trabajar en una serie diaria y La Llamada a la vez y vi que necesitaba dedicarme enteramente a ello.»

 

 

Te fue bien, entonces…

«Desde ese momento, gracias a Dios, he ido enlazando un trabajo con otro. Obviamente, hay momentos con más y otros con menos, pero no he parado y eso es una suerte muy grande. No sé si seguirá siendo así, ya que soy consciente de que todas las carreras tienen parones. Sé que forma parte del plan, porque la carrera de actriz es así, pero espero llevarlo lo mejor posible.»

Tanto en La Llamada como en La Pilarcita se transmiten mensajes tan importantes como la aceptación de uno mismo o la persecución de los sueños. ¿Cuál crees que es el papel del teatro respecto a esto?

«La experiencia que he tenido con la Llamada ha sido emocionante. Yo, como actriz, intento mandar un mensaje, pero a cada uno le cala de una forma distinta. Si alguien viene a ver una comedia, quiero que se lo pase bien. Si viene a ver un drama, quiero que se emocione. No puedo esperar más allá. Sin embargo, con La Llamada he tenido la experiencia de que a algunas personas les ha cambiado la vida. Les llegó tanto el mensaje que fueron un poco más felices con ellos mismos. Conseguir eso es una pasada, un sueño hecho realidad.»

¿Crees que será igual con La Pilarcita?

«Con la Pilarcita, si le pasa a alguien, nos hará muy felices. Creo que el papel del teatro, más allá de disfrutar el momento, es que cada uno salga transformado de la función. Aunque sea un par de días, que algo cambie en sus vidas. Si pasa esto, ya habrá valido la pena.»

Fuera de los escenarios también eres un referente para muchos jóvenes, sobre todo ahora con las redes sociales. ¿Cómo lo llevas?

«No lo pienso, porque no quiero ser el referente de nadie. No quiero esa responsabilidad. Evidentemente siempre tienes referentes. Yo misma cuando era adolescente los tenía y ahora también. Pero yo no asumo ese papel, porque no me considero referente de nadie ni pretendo serlo. En mis redes sociales intento enseñar cómo soy, ser lo más natural posible, ser consecuente con lo que digo y lo que hago. Si a alguien le gusta y quiere seguirme, genial.»

 

 

De cara al futuro, ¿se te plantean nuevos proyectos o vas a centrarte en todo lo que tienes abierto ahora?

«Ahora mismo estoy rodando una serie de televisión “Estoy vivo”. Es un proyecto de Globomedia para TVE. Un thriller con toques fantásticos muy guay, en el que formamos el reparto Javi Gutiérrez, Cristina Plaza, Roberto Álamo, yo… La verdad es que es un proyecto genial y estaré con él hasta noviembre. También a tope con La Pilarcita y para el próximo año vienen cosas nuevas, pero de momento está todo en el aire.»

¿Cómo es trabajar con actores que antes fueron grandes referentes para tí?

«Lo siguen siendo. Por ejemplo, estoy trabajando con Javi (Gutiérrez), con quien ya estuve en El Olivo y creo que una vez superada la barrera de la admiración lo bueno es relajarte y aprender mucho de ellos. Con él me pasó esto. Me da unos consejos buenísimos y escuchar todo lo que me quiere transmitir es clave para mí. Estoy feliz por aprender de los mejores.»

También queda muy poco para el estreno de la película de la Llamada. ¿Cómo ha sido el proceso de lleva al Campamento La Brújula delante de las cámaras?

«Para nosotros que llevamos tanto tiempo dentro de esta historia es un regalazo poder dar este paso. Después de tres años dedicando nuestras vidas a esta historia fascinante, mis compañeras, los Javis (Ambrossi y Calvo) y todo el equipo estamos muy felices por esta oportunidad. Yo llevaba tres años intepretando a Susana Romero sobre el escenario, pero solo podía enseñar de ella lo que estaba escrito en el guión. De repente, lo pasamos al cine y puedo mostrar cosas que había pensado, pero que nadie había visto. Lo mejor de la película es que puedes ver a todos los personajes en profundidad. En el teatro les conoces, pero la película te da una nueva dimensión. Creo que se vive de forma mucho más íntima, más emocionante. Entonces, para mí y para mi personaje es un auténtico regalo. Estoy muy orgullosa de que hayamos conseguido esto, porque es una muestra de que con fe y trabajo puedes llegar muy lejos.»

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Espectáculos y teatro Eventos

Madrid WorldPride 2017: Ames a quien ames, el teatro te quiere

Lo que comenzó como una manifestación para reivindicar los derechos del colectivo LGTB en Chueca hace 30 años, se ha convertido en la mayor fiesta de la tolerancia, la igualdad y la libertad de expresión a nivel mundial. Este mes de junio Madrid se volverá a teñir de los colores del arcoiris para acoger, por segundo año consecutivo, el WorldPride. Un gran festival de Orgullo que, una vez más, tendrá como epicentro el histórico barrio de Chueca. Una localización con mucho significado para el colectivo a la que se sumarán prácticamente todos los distritos de la ciudad con un amplio abanico de conciertos, exposiciones, ciclos de cine y, por supuesto, teatro con un objetivo compartido: celebrar la diversidad en esta fecha tan señalada. Por ello, hoy en Taquilla.com, te queremos ofrecer toda la programación para que no te pierdas nada del WorldPride 2017 en Madrid.

Y es que ames a quien ames, Madrid te quiere. Y los teatros han sabido hacerse eco de ese espíritu integrador. Desde las pequeñas salas hasta los teatros más multitudinarios han querido aportar su granito de arena e integrar en su agenda una programación especialmente dedicada a mostrar la diversidad, romper con los tabúes autoimpuestos y luchar por la visibilidad del colectivo en la sociedad . Por ello, del 23 de junio al 2 de julio el Orgullo LGTB invadirá las mejores salas de la ciudad con una amplia oferta de musicales, cabaret, monólogos y microobras de teatro.

Briefs en el Teatro Calderón

El Teatro Calderón será el encargado de dar el pistoletazo de salida al evento mundial mas importante de la comunidad LGTB con su Opening Ceremony el 23 de junio. Y para ello el teatro, que celebra este año su centenario, contará con la visita de Briefs, el cabaret de boylesque más irreverente del panorama internacional. Un espectáculo que, tras recorrer todo el mundo, promete revolucionar la cartelera madrileña con su combinación de circo, comedia, dragshows y teatro. Es la primera vez en la historia que estos 7 descarados chicos australianos visitan nuestro país, y no podía ser sino en esta fecha tan señalada como es el WorldPride 2017.

Dónde: Teatro Calderón (Calle de Atocha, 18)
Cuando: Del 21 de junio al 9 de julio
Entradas ya disponibles aquí

Ciclo Iguales – Nave 73

La sala multidisciplinar del madrileño barrio de Embajadores, Nave 73, también se ha querido sumar a este evento internacional organizando del 2 de junio al 2 de julio el Ciclo Iguales. Una apuesta muy potente por la visibilidad e integración que ha derivado en uno de los mayores ciclos de temática LGTB de la capital. Durante un mes, el escenario de la Nave 73 se verá invadido por un gran número de obras escénicas sobre los problemas y realidades a los que lesbianas, gays, trans y bisexuales se tienen que enfrentar a diario.

Una lucha por los derechos y libertades en nuestro país que se remonta a mediados del siglo XX y a la que la Nave 73 ha querido rendir homenaje con una de las propuestas de este ciclo, Trinidad. Escrita por Ana Fernández Valbuena e interpretada por Anaïs Bleda, Natalia Llorente y Mery Gregorio, la obra nos transporta a ese periodo en el que uno no podía mostrar abiertamente a quién amaba, esa España franquista de los años 60′. Mucho hemos recorrido ya, aunque todavía queda un largo camino por delante hasta que todos los tabúes caigan por su propio peso. Una labor pedagógica presente en la obra De otro color, una obra especialmente dedicada a fomentar el espíritu crítico de los más pequeños de la casa sobre las convenciones de género impuestas por la sociedad.

Dónde: Nave 74 (Calle Palos de la Frontera, 5)
Cuándo: del 2 de junio al 2 de julio

Consulta toda la programación del Ciclo Iguales aquí

Microteatro por dinero

Muy cerca de Chueca, en la Calle Chicote y Loreto nos encontramos con uno de los espacios escénicos más comprometidos de la capital, Microteatro por Dinero. Integrado dentro de Festival de Cultura Muestra-T, Microteatro por dinero se fundamenta en tres sencillas premisas: obras de 15 minutos, para 15 espectadores en salas de menos de 15 metros cuadrados. Una exitosa fórmula que mensualmente toma un temática diferente y que, como no podía ser de otra manera, ha apostado por la gran fiesta del Orgullo. Durante todo este mes podrás disfrutar de un gran número de microobras sobre la diversidad, la tolerancia y libertad de amar a quien uno elige. Como es el caso de la historia de autoaceptación Crisálidas, la comedia con un toque fantástico Transpíritu o la obra sobre el amor gayer Steiner.

Dónde: Microteatro por dinero (Calle Loreto y Chicote, 9)
Cuándo: Durante todo el mes de junio

Mulafest x el Orgullo

El festival de tendencias urbanas más cosmopolita del panorama nacional también se une a la celebración del WorldPride Madrid. Coincidiendo con esta fecha tan señalada, el Mulafest ofrecerá a sus visitantes una de las mayores exposiciones de arte del mundo dedicado en exclusiva a las sexualidades, erotismo y diversidad. Una muestra de 200 obras de la Colección Visible de arte LGTBQ a la que se le sumarán un gran número de obras de teatro, performances y documentales sobre las distintas formas de entender la sexualidad humana. Y es que durante todas las tardes del 1 y 2 de julio subirán al escenario de La Caja Oscura de IFEMA las microobras Una escena de sexo, Los que comparten tu habitación y Primera vez, además del ciclo documental Sesiones #VICELGTBQ sobre las barreras que tienen que superar el colectivo en los diferentes rincones del planeta.

Dónde: Mulafest (IFEMA, Avenida Partenón 5)
Cuándo: Del 30 de junio al 2 de julio

Consulta toda la agenda del Mulafest aquí

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Espectáculos y teatro

Crónica Burundanga: drogas, armas y risas inagotables

Drogas, pistolas, secretos. Uno va a ver Burundanga y se encuentra, sin apenas darse cuenta, plenamente sumergido en una sobreexcitada historia de intrigas rocambolescas. Hay conspiraciones, cervezas, bandas armadas. Y el amor como protagonista. Nada podría fallar en esta comedia de enredos.

Es sincera, fresca y divertida: pasaporte asegurado para pasar un buen rato. Uno va a ver Burundanga y comprende al momento por qué esta comedia de enredos lleva la friolera de 6 años en cartel.

¿Cómo lo habrá conseguido? ¿Cómo sigue sorprendiendo? La expectativa es muy alta y nunca es buena compañera. ¿Habrán caducado sus chistes? La respuesta ha sido no, y bastantes carcajadas.

Corría el año 2011 cuando se estrenó Burundanga en Madrid. Y fue una apuesta arriesgada: una droga delictiva se entremezcla con la herida abierta de un pasado agitado. Hoy, el argumento no es ningún secreto, pero Jordi Galcerán supo manejar en su momento la situación con sumo tacto: convirtiendo tanto la Burundanga como a ETA en una excusa para un argumento de enredos. Los juicios morales o conclusiones didácticas quedan completamente al margen de esta historia de parejas. Burundanga es una sonrisa amable: una comedia de enredos, de amores y de sorpresas, herencia de ese teatro español que otrora llenara corrales de comedia y que sirve como trago para pasar los problemas.

Berta y Manel llevan un año saliendo. sin haberlo planeado, ambos esperan un hijo, pero la primera no piensa decírselo al joven hasta haber averiguado antes si está realmente enamorado. Es aquí donde entra en juego la dicharachera Silvia, compañera de piso y farmacéutica que le proporciona a Berta un poquito de Burundanga, siempre con un inofensivo propósito: interrogar al futuro padre para saber si realmente la quiere. Sin embargo, la verdad es peligrosa, y Berta descubrirá actividades de su novio que nunca cabría esperar.

Burundanga destila frescura. Es amable, traviesa y cercana. Corre con la ligereza de una treta infantil: que juega con temas peligrosos, pero sus intenciones son cristalinas e inocentes. Capitaneada en todo momento por unas interpretaciones vibrantes, la obra tiene ese toque macarra y desenfadado que hace olvidar la gravedad de los elementos. O mejor aún, de olvidar esa fina línea que los separa de la realidad.

Sin embargo, también nos encontramos ante un dilema: ¿puede que Burundanga haya perdido la originalidad de la que podía gozar en el año 2011? Los chistes sobre regiones, nacionalismos y costumbres ya no impresionan. Se han extendido del teatro a la televisión, de la televisión al cine y del cine de nuevo hasta la parrilla televisiva casi hasta la extenuación. Burundanga pertenece a esa generación que creó una escuela que ha crecido demasiado para seguir manteniéndola. De hecho, el público observador sabrá detectar destellos de esta obra en nuestra televisión actual: chistes, giros argumentales y personajes se nos hacen familiares.

Pero Burundanga sobrevive, y es sin duda alguna por el componente humano que hay detrás. Por la profesionalidad de unos actores que saben defender un argumento cada día y llenar el mítico Teatro Lara. Sobrevive por la pasión, por un teatro bien hecho, por el humor y el amor, por el amor al teatro. Si tienes una tarde libre, Burundanga son risas aseguradas de las que nunca se agotan.

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La última noche de Ernesto Guevara a escena

¿Qué le preguntarías a Ernesto Guevara si tuvieses la oportunidad de pasar con él la última noche antes de su muerte? Marina Skell se pone en el papel de la profesora Navarro en esta sublime reflexión atemporal sobre los ideales, la lucha y las consecuencias históricas de la revolución abanderada por el emblemático Che. Cuestiones con Ernesto Che Guevara pone en evidencia el conformismo latente de la sociedad actual, invitando al espectador a tomar conciencia de sus propios actos ante las injusticias.

Juan Martín encarna al personaje del comandante, transmitiendo una pasión e intensidad que hacen su actuación verosímil y exquisita. Completa el elenco Rodrigo Villagrán, quien interpreta a algunos personajes clave en la vida del Che, como a Fidel Castro, en algunas analepsis que incluye la obra.

 

La profesora Navarro trata, constantemente, de poner al Che entre la espada y la pared, contribuyendo a su humanización y desmitificación sobre el escenario. Sin embargo, en contadas ocasiones vemos al comandante titubear y ceder ante las provocaciones de este personaje anacrónico que representa a todo aquel que considera la Historia un eco de lo que realmente sucedió. Más allá de indagar en las razones que llevaron al comandante Guevara a dar los pasos que dió, la historiadora trata de hacerle entender el alcance de las consecuencias que su revolución.

El espectador no puede evitar sentirse identificado con los paralelismos que encarna el discurso del comandante con el presente. Él, lejos de extrañarse por la aparición de la profesora en el transcurso de sus últimas horas de vida, se centra en rebatir sus argumentos y sacarle toda la información posible sobre los frutos de su revolución. La decepción invade al mismo tiempo al comandante y al público. Al primero por saberse icono de múltiples luchas que no obtienen los resultados esperados y que se consideran simples utopías. A los segundos por verse calificados como «la gente», un colectivo resignado ante las injusticias de su tiempo.

 

La sencillez de la puesta en escena pasa totalmente desapercibida, ya que la intensidad del diálogo captura toda la atención del patio de butacas. Algunos documentos acompañan al guión para dotarlo de fuerza y verosimilitud, como fragmentos de algunas cartas de Guevara o la proyección de fotografías del día se su muerte. Un guión que enciende la llama de la lucha en quienes lo escuchan. Esto es, en definitiva, lo que atrapa de Cuestiones con Ernesto Che Guevara: se trata de una potente obra sobre los ideales que consigue remover la conciencia de todos los que son testigos de ella.

Consulta fechas, horario y precios aquí.

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Los jóvenes talentos invaden el teatro

Triunfar en el teatro no es fácil. Esta es la realidad a la que se enfrentan muchos de los artistas que comienzan su andadura por esta disciplina tan vocacional. ¿Cuántas ideas ingeniosas se habrán vetado por no pertenecer a un nombre y rostro conocidos? Hemos hablado con algunos de estos jóvenes talentos que están consiguiendo llevar sus propuestas a diversas salas de la capital. ¡Acompáñanos a descubrir las posibilidades de estos jóvenes y su potencial para conseguir lo increíble!

IKER AZKOITIA

Es un joven creador multidisciplinar al que le gusta jugar con sus facetas de actor, músico y cineasta para contar historias. Ha protagonizado diversos microteatros, montajes teatrales y cortometrajes, además de diversos trabajos como productor, guionista y director con los que ha obtenido numerosos premios. A finales del 2014 surge la idea de Una corona para Claudia, mientras actuaba para Microteatro Por Dinero. Al observar la representación teatral que realizaban unos compañeros, uno de los personajes femeninos logra entusiasmarle de tal forma que Claudia comienza a cobrar vida en su cabeza. Desde el primer momento tuvo muy claro las circunstancias personales y la actitud ante la vida de su personaje principal.

La obra se estrena en el Certamen de Arte4 – Estudio de Actores, donde consigue alzarse con los premios a mejor montaje, mejor libreto y mejor actriz. El jurado destacó lo redonda que era la obra y la eficacia de las canciones, además de la cercanía y verdad con las que el equipo trabajaba en escena. Desde entonces, todo han sido éxitos; pasaron de representar en la Sala Nada la primera temporada a retomar la segunda en el Teatro Alfil y el 4 de marzo regresan con la tercera temporada en el Teatro Lara de Madrid. Iker nos cuenta que se planteó la creación de un «antimusical» debido a la escasez de recursos. Desde los inicios de esta idea, el objetivo ha sido lograr una experiencia significativa para el espectador más allá del entretenimiento.

Actualmente compagina el regreso de su obra con otros proyectos como la obra teatral Píntame de David Ramiro Rueda, en la que participa como actor. También está inmerso en una nueva creación junto a Lluís Mosquera, un musical protagonizado por una actriz sorda, Ángela Ibáñez. Ambos han llevado a cabo una búsqueda de perfiles multidisciplinares y muy dispares con los que están a punto de empezar un laboratorio creativo; sin duda promete.

DAVID RAMIRO RUEDA

Con devoción por la escritura y la lectura, ya de niño logra ganar algún certamen de cuentos en su ciudad natal, también ha intervenido como director y guionista en diversos cortometrajes. En 2011 presenta su primera novela de intriga, Sombras en la Luna, la cual en poco más de un año alcanza su 3ª edición. Con sección propia en FirstMagazine y participante activo en la sección de teatro de la revista VIM Magazine, en 2014 decide introducirse en la dirección de teatro con sus obras Píntame y La Cicatriz.

Píntame fue su primera creación para teatro, con la que se embarcó en el mundo de la dirección. Lo que David pretendía con esta obra era plasmar tres filosofías de vida muy distintas en las que ninguna es mejor que la anterior y lo sano que puede resultar la mezcla entre ellas. Por otro lado, con La Cicatriz, la idea era mostrar el drama desde un lugar muy íntimo y abordar la soledad en su estado más extremo e incómodo. Por mucha conexión que tengamos a través de Internet con cientos de personas, la sensación de soledad sigue estando ahí, comenta David.

Las críticas positivas resultaron abrumadoras en ambos proyectos, ninguno de los dos equipos se imaginaba que lograrían remover tanto al espectador. Este ingenioso escritor sin demasiadas pretensiones, admite que su objetivo principal es disfrutar de todo lo que hace, apasionarse con las historias que se cuentan en el escenario, que los actores sientan suyas esas historias, y que los que forman el proyecto cuenten con ganas los días que quedan para la próxima función. A partir del 16 de marzo podréis ver la sexta temporada de su obra Píntame en el Teatro Lara de Madrid.

PROYECTO AD LIBITUM

Alejandro Matrán funda en 2011 este proyecto, dónde ha producido eventos musicales, teatro y ópera. Además de su faceta en el ámbito de la dirección teatral, cuenta con diversos proyectos como actor, entre los que destacan destacan RED o Conciencia de Trapo.

Junto a Carlos Álvarez, actual estudiante de guión y compañero de Alejandro en el proyecto, se propusieron componer un musical propio en el que Carlos se encargaría del texto y Alejandro de la música, llegando a la conclusión de que querían contar de alguna manera todo lo que les había ocurrido en ese tiempo; asi surgió su ópera prima.

Morrígan está inspirado en personas que han pasado por el Proyecto Ad Libitum desde los inicios. Se trata de un musical folk en el que no solamente se tienen en cuenta las opiniones de los creadores: cada uno de los miembros del equipo está presente en la obra. Tal y como nos cuenta Alejandro, se hicieron ejercicios de diferentes técnicas actorales para encontrar los matices de cada personaje que más tarde se incluirían en el texto. El primer ensayo general abierto al público, en julio de 2016, recibió críticas bastante positivas a pesar de que faltaban algunos detalles por pulir que se han ido trabajando y mejorando hasta conseguir lo que buscaban. En enero de 2017 se estrenaron en la Sala Nueve Norte y desde entonces no han parado de cosechar éxitos hasta el punto de prorrogar la obra todo el mes de marzo en la Sala Nueve Norte en Madrid.

Actualmente, el Proyecto Ad Libitum se encuentra inmerso en el musical, pero no descartan futuros proyectos ya que tanto Alejandro como Carlos se plantean como próximo objetivo la creación de una obra que quede latente en el público con un mensaje que nos haga reflexionar. Estos jóvenes llegan con gran fuerza dispuestos a sorprender al espectador.

LA JOVEN COMPAÑÍA

En líneas más generales y con un proyecto conjunto en el que se ven involucrados un gran número de jóvenes artistas, se encuentra La Joven Compañía, en la que no se plantea la simple representación sino que engloba un teatro hecho exclusivamente por y para jóvenes. Esta compañía, creada por David R. Peralto y José Luis Arellano, surge en el verano del 2012 con el objetivo de contribuir a la creación de futuros profesionales en el mundo del arte, fomentando la investigación dramática. Actualmente, el grupo lo forman más de una treintena de jóvenes con edades comprendidas entre los 18 y los 26 años, dirigidos por grandes profesionales del teatro.

Representan más de cien funciones cada año en Madrid, además de realizar diversas giras nacionales a lo largo de todo el territorio español. Reconocidos con el premio El Ojo Crítico de Teatro en 2014, han destacado con gran éxito con producciones como Invasión de Guillem Clua (2012), El señor de las moscas de William Golding (2013 o Punk Rock de Simon Stevens (2014), entre otras.

Cabe destacar su proyecto educativo a través de la asociación Jóvenes al Teatro, una plataforma de ámbito nacional que consigue unir a apasionados del teatro, docentes y profesionales. Su principal objetivo es lograr que los más jóvenes se interesen por la cultura, a través de historias que les interesen y emocionen. Además, promocionan y apoyan las carreras de jóvenes artistas, que cuentan con el apoyo de grandes profesionales del medio como Gerardo Vera, Ariadna Gil, Josep Maria Mestres, Terele Pávez y Teresa Lozano. Sin duda un proyecto que apuesta por el teatro del futuro.

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Carmina Burana de la Fura dels Baus: la magnificencia de un clásico llevado a la ostentación

Trepidante, violenta, ostentosa, primitiva, así es Carmina Burana de La Fura del Baus. Una experiencia intersensorial donde se mimetizan a la perfección la voluptuosidad de la composición de Carl Off con la espectacularidad a la que nos tiene ya acostumbrado La Fura dels Baus. Tras recorrer tres continentes, la compañía, de la mano del coro de la Universidad Autónoma de Madrid, vuelve a nuestro país. Podrás verla en el Teatro Nuevo Alcalá de Madrid hasta 19 de febrero del 2017  y en el Teatre Tívoli de Barcelona desde el 16 al 26 de marzo.

Solo La Fura podría recrear la magnificencia de la cantata de Carl Orff en un espectáculo en el que se mezclan es el más puro estilo neoclasicista de la obra con la innovación tecnológica del siglo XXI. Un espectáculo con un único objetivo: hacer que el espectador se sumerja por completo en el universo onírico de esta alegoría al gozo terrenal a través del sentido del olfato, la vista, el oído e incluso el tacto.

Y es que la compañía es especialista en poner a prueba la imaginación del espectador. Su provocativa y arriesgada puesta en escena gira en torno a un gigantesco cilindro de diez metros de diámetro que sirve de refugio para los placeres terrenales, la pasión sexual más primitiva  y el goce de la naturaleza.

Un espectáculo inmersivo que comienza con la invocación a Fortuna Imperatrix Mundi, una todopoderosa diosa que que somete al ser humano bajo su yugo y cuyos caprichos cambian con las fases de la Luna. Aunque los hombres, con un espíritu rebelde, tratan de desafiarla  y marcar su propio camino, su suerte ya está echada y la impasible rueda del destino ya ha anunciado su Fortuna.

Con más de 60 artistas sobre el escenario, el director artístico y miembro fundador de La Fura, Carlus Padrissa, combina a la perfección los instrumentos de percusión con las proyecciones y los dispositivos tecnológicos para lograr un perfecto ritmo sobre el escenario. Una propuesta muy arriesgada que se convierte en un verdadero reto para los cantantes líricos los cuales, a lo largo de toda la performance, tendrán que enfrentarse al agua, al fuego e, incluso, a la ingravidez.

Parece que a La Fura no le asusta darle un giro de 180º a la ópera más representada y popular del siglo XX, un nuevo reto en el que la poderosa composición de Carl Orff va invadiendo el teatro por completo. Carmina Burana, puede que sea su obra más memorable y por la que todos recordamos al magnífico compositor alemán, pero estos textos, sobre el gozo por la vida, se remontan a los siglos XII y XIII. Una época oscura, en la que este tipo de poemas distaban mucho de las composiciones meramente religiosas del periodo, es más, Carmina Burana es considerado como la colección de poemas medievales laicos más antigua de la historia.

Carmina Burana – La Fura del Baus
Nuevo Teatro Alcalá, Madrid – Del 09 de febrero al 19 de febrero
Teatre Tívoli, Barcelona – Del 18 de marzo al 26 de marzo
Entradas ya disponibles en Taquilla.com 

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La Bombonera de Don Cándido: todo lo que es el teatro

Bienvenidos al teatro, bienvenidos a la historia. Prepárense para descrubrir y agárrense los sombreros, porque van a conocer por dentro la famosa ‘Bombonera’, y de una manera especial. Nada de entrar a una butaca y disfrutar en silencio. Adéntrense en el espacio, el tiempo y la imaginación. Prepárense para algo nuevo, porque esta no es una experiencia al uso.

«Y son ya ciento treinta y siete años de aplausos corriendo calle abajo por la corredera de San Pablo; ciento treinta y cinco años latiendo en los actores, directores, sastres, regidores y aquel señor bajito que siempre andaba apuntando; ciento treinta y cinco años de encuentros trasnochados, de comedias hilarantes, de mil dramas sufridos por actores bien amados; butacas, candilejas, tramoyas, decorados…»

Y qué mejor manera de conocer el teatro que con una representación. Patricia y Alfonso Mendiguchía, de la compañía Los Absurdos, capitanean esta expedición por el Teatro Lara que deja, sin ninguna duda, desfasadas todas aquellas visitas guiadas a las que estamos acostumbrados. Olvídese de los paseos comentados, de las largas cantinelas memorizadas de carrerilla cual dictado de colegio. Porque con ‘La Bombonera de Don Cándido’ el teatro va a ser vivido: Los Absurdos desbordan imaginación, ganas, y una energía contagiosa que hace de este domingo una fiesta.

Una vez más, la compañía destila un estilo propio que, si bien nos puede sonar la cantinela de sus otras creaciones, aquí deja galopar libre a su imaginación haciendo gala de una teatralidad clásica y exquisita. Declamaciones en verso, sonrisas, melodiosas frases para convertir el interior del teatro en lo que siempre ha sido: un gran escenario con las entrañas abiertas. Esta experiencia es como abrir un libro de poesía muy simpático y actual, repleto de artefactos, sorpresas, y ese guiño de cercanía que el visitante necesita. Para convertir el Lara casi en tu propia casa y amar de nuevo el teatro.

Puede que, a día de hoy, el teatro se haya quedado en la trastienda del imaginario popular de ocio. Mientras las salas de conciertos, discotecas y tiendas de libros se presentan como un recurso instantáneo de alternativa para el tiempo libre, gran parte del público sigue viendo la dramaturgia como un ente abstracto de aire clasista, aburrido y chapado a la antigua, de dudoso precio siempre por encima de las posibilidades. Por eso, puede que este tipo de representaciones inspiradoras hagan ahora más falta que nunca.

Prepárenese para la historia y las historias, para los palcos, el pasado y el futuro, los pasillos, la emoción, los escenarios, la magia y la tramoya, los telones, los fantasmas… Porque por apenas 12 € se puede vivir el teatro. Porque, sin el público, el arte desaparece.

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10 espectáculos por menos de 10 euros

Ya no tienes excusa para seguir diciendo que salir de casa supone un gran sacrificio para tu bolsillo. En Taquilla hemos preparado una lista de planes de lo más variada que puedes hacer por menos de 10 euros. Encontrarás actividades tanto para realizar en familia como para ir en pareja o disfrutar con amigos. Prepárate para descubrir nuestras propuestas cargadas de humor, magia, música, deporte y baile ¿te apuntas a alguna de ellas?

La Chocita del Loro Carabanchel

Si aún no has visitado este café-teatro, referente en el humor de nuestro país y en el que se ofrecen multitud de monólogos, es tu oportunidad. En este pequeño local debutaron grandes monologuistas que triunfan en el panorama actual como Juan Dávila o Nene. La sala cuenta con una variada y amplia programación en la que podrás disfrutar de una tarde de humor en el mejor ambiente. La cercanía que se crea con los humoristas no te dejará indiferente.

Precio: desde 7€
Cuándo: consulta aquí fechas y horarios
Dónde: La Chocita del Loro Carabanchel

 

La Llamada, el Musical

Esta obra creada por Javier Calvo y Javier Ambrossi es una comedia que trata sobre la búsqueda de la identidad, el amor y la amistad. La Llamada comenzó siendo un pequeño musical pero tanto las críticas positivas como la buena acogida del público lo hicieron cabeza de cartel en el Teatro Lara. Sus canciones originales, el montaje, el gran elenco y la banda de rock en directo, hacen de este espectáculo una auténtica maravilla que ahora puedes disfrutar al mejor precio.

Precio: desde 7€
Cuándo: consulta aquí fechas y horarios
Dónde: Teatro Lara de Madrid

 

3 en Impro

Tras La Escalera de Jacob, la compañía Impro Impar ha creado un proyecto de lo más curioso. En este espectáculo tú eres la clave: decides lo que te gusta, lo que no, subes al escenario a actuar… Una propuesta alternativa, fresca y divertida que te sorprenderá. Si pensabas que lo habías visto todo en el mundo de la improvisación, no estabas en lo cierto; este show llega cargado de sorpresas 3 en Impro ha montado una fiesta de lo más canalla, ¡ven a divertirte con ellos!

Precio: desde 9,75€
Cuándo: sábados a las 22:30h
Dónde: Teatro Bellas Artes de Madrid

 

Divertimagia

Este espectáculo está diseñado para asegurar a los más pequeños de la casa un rato lleno de risas desternillantes y mucha magia. Ernesto Misterio es el encargado de conducir a los niños a un mundo de fantasía en el que la interacción con el mago y la participación de los más pequeños en el espectáculo harán que resulte todo un entretenimiento. Perfecto para disfrutar en familia, este divertido show de ilusionsmo hará que vuestros hijos sean protagonistas por un día.

Precio: desde 9€
Cuándo: sábados y domingos,
pincha aquí para consultar horarios
Dónde: Teatros Luchana, Madrid

 

Brodas Bros

Brodas Bros son una formación internacional de danza urbana creada en Barcelona y pionera en llevar el hip-hop a los grandes escenarios. En su nuevo espectáculo, llegan cargados de energía, humor e imaginación, ofreciéndonos un show de lo más completo en el que los graffitis en directo, DJ´s y raps improvisados, entre otras sorpresas, no faltarán. Todo está listo para admirar la técnica de estos bailarines y disfrutar de un ritmo frenético sin igual. ¿Te apuntas?

Precio: desde 9,60€.
Cuándo: consulta aquí toda la información.
Dónde: varias ciudades y recintos.

 

De cañas con Enrique San Francisco

Es el nuevo espectáculo de Enrique San Francisco que, una vez más, viene dispuesto a mostrarnos su intensa personalidad; no duda en utilizar el humor canalla y la ironía en cada una de sus piezas. Se trata de una charla de lo más cercana en la que San Francisco repasa sus mejores monólogos, acercándose a situaciones cotidianas en las que todos nos vemos reflejados. Un show cercano y de lo más natural que disfrutarás de principio a fin.

Precio: desde 9,60€
Cuándo: consulta aquí fechas y horarios disponibles
Dónde: Gran Teatro Bankia Príncipe Pío, Madrid

 

Circo Gottani

El grupo circense llega a Madrid con un espectáculo fascinante que gustará tanto a pequeños como a los más mayores. El show cuenta con un gran elenco de artistas internacionales que incluyen trapecistas, malabaristas, mucha magia y algún que otro payaso que pondrá el toque de humor a una velada de lo más divertida. El espectáculo dispone de artes visuales, un cubo aéreo, tigres, caballos, elefantes, esferas metálicas, contorsionismo… ¿ te lo vas a perder?

Precio: desde 7€
Cuándo: consulta aquí toda la información
Dónde: Carpa de Circo. C/ Silvano, 108, Madrid

 

Amor, Sexo… ¡Y lo que surja!

Héctor Urién, especializado cuentacuentos para adultos, nos trae un espectáculo de narración de lo más peculiar. Amor, Sexo… ¡Y lo que Surja! no es un monólogo usual sino más bien trata un conjunto de historias y situaciones que remueven diferentes emociones en el oyente. Con su voz cálida y una presencia cercana, este artista logra crear una intimidad con el espectador con el cual compartirá varias historias que desnudan el amor. ¡No dejes que te lo cuenten!

Precio: desde 8€
Cuándo: consulta aquí fechas y horarios
Dónde: OFF de La Latina, Madrid

 

Msias y Sons of Aguirre

Sons of Aguirre es un grupo de hip hop que transforma los pensamientos de derecha en parodia. La composición de canciones irónicas y divertidas tratando de ridiculizar esta ideología, junto con su talento, son una combinación explosiva con la que han conseguido un éxito arrollador. Junto a ellos llega Msias, cuyas rimas generan música y polémica a partes iguales. Estos dos grupos se unen para ofrecer lo mejor del rap reivindicativo.

Precio: desde 8€
Cuándo: consulta aquí toda la información
Dónde: varias ciudades

 

Museo Atlético de Madrid y visita al estadio

¿Eres rojiblanco y aún no has visitado el Vicente Calderón? Aprovecha y disfruta ahora de un tour guiado por el estadio descubriendo la historia del club y de este deporte. Un campo dónde la mayoría de estrellas del fútbol mundial han jugado grandes partidos. Cientos de historias y anécdotas del club que ahora podrás descubrir a lo largo de este recorrido por el estadio colchonero. ¡Vive todas las emociones como si fueras un miembro más del equipo y disfruta de la experiencia!

Precio: desde 8€
Cuándo: encuentra aquí toda la información
Dónde: Estadio Vicente Calderón, Madrid

 

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«Rumba» de Mayumana: la guerra entre familias a ritmo de Estopa

Las historias de amor con enfrentamientos familiares de por medio son todo un clásico. Las rencillas entre los Montesco y Capuleto, de la emblemática obra shakesperiana Romeo y Julieta, han servido de inspiración a otros autores para crear sus propias historias. El último fenómeno es el espectáculo Rumba de Mayumana, que se estrenó la noche del jueves en el Teatro Rialto de la Gran Vía madrileña, ante un público muy entregado que no dudó en participar cuando le era requerido, alzarse con atronadoras ovaciones en la despedida e incluso bailar a ritmo de batucada.

En Rumba, el elenco construye la frenética trama sin apenas mediar palabra y utilizando algunos de los temas más famosos de los cornellanenses Estopa, como Run Run, La raja de tu falda o Tu calorro. La inclusión de un amargo e inédito tema del dúo, titulado Miriam e interpretado exquisitanente por la protagonista, es una grata sorpresa que aporta valor y demuestra la implicación del grupo en la producción.

Esta vez, Mayumana ofrece un espectáculo sin precedentes. Es la primera vez que utilizan un hilo argumental definido, y han sabido estar a la altura. Con un inicio al más puro estilo West Side Story, el conflicto de los hermanos Jiménez y los hermanos Muñoz se va sucediendo entre las intervenciones de un narrador. Este papel lo ejecuta el artista Marcos Martínez mediante el rap y, su especialidad, el beatboxing.

Los miembros del elenco cantan, bailan, percusionan e interactúan entre ellos tejiendo cada escena. Peleas, fiestas, besos, huídas que, acompañadas de los acordes y el ritmo de distintos instrumentos aportan gran intensidad a la obra. Los artistas se sirven de los elementos más inesperados para crear la base rítmica de las canciones de Estopa. Quizá esta sea la clave del éxito de Rumba (y de Mayumana en general): artistas multidisciplinares capaces de crear los ritmos más explosivos y enérgicos.

Sin duda, a la compañía le ha salido bien el experimento. Si con sus anteriores espectáculos ya consiguieron cosechar gran cantidad de éxitos ahora, con la inclusión de una historia interesante y entretenida y el prominente talento de sus artista, se augura que Rumba se convertirá en uno de los espectáculos culmen de Mayumana en nuestro país.

Más información, fechas, horarios y precios aquí.

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Demasiado al este es el oeste: sátiras conceptuales y política mordaz

Si lo pensamos detenidamente, demasiado al este es el oeste, y esta obra parece bautizada con una lógica aplastante. Pero, en cuanto empieza el espectáculo nos invitan a pensar: ¿cuánto es demasiado? ¿Es muy muy? ¿O muy mucho? ¿O simple y llanamente, nada? La compañía Los Absurdos nos trae así un nuevo juego de niños hecho conversación de mayores. Tres personajes que durante una hora y media indagan, urden e ironizan entre los recovecos de un lenguaje escurridizo. Un cuadro divertido, ágil y nada sencillo. ¿Se atreven?

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Imagínense la intro: Música de Parov Stelar. Versos, ironías, y sarcásticas verdades mezcladas con surrealismo que irrumpen en escena sin pedir permiso. Así empieza todo: con un juego de palabras cuidadosamente coordinado que te zambulle de lleno en la mente de este equipo. Como un pequeño reloj suizo, como una concisa suite de Bach, los protagonistas construyen una pequeña obra de arte para abrirte las puertas a su universo y de paso reírse de unas cuantas obviedades. Son divertidos, perspicaces, y obviamente hacen honor a su nombre, así que absténgase amantes del humor clásico y embotellado al vacío.

De este modo, Alfonso Mendiguchía, Patricia Estremera y Jorge Gonzalo nos ofecen, en Demasiado al este es el oeste, una inusual reflexión sobre vacíos de pensamiento, embrollos olvidados del idioma, sátiras conceptuales y costumbrismo a borbotones. Un tejemaneje de preguntas y respuestas que termina derivando en política, y en una inevitable (y conocida) conclusión: la necesidad de establecer su propio partido político. Así, asistimos al nacimiento de una empresa sincera donde abusos, cohechos, sobornos, coacciones y descaros son sus mayores principios.

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Los Absurdos Teatro es una de las compañías más estables de la cartelera madrileña, y residentes del Teatro Lara desde hace una larga temporada. Nacían el pasado 2010 con una línea de trabajo tan clara como impactante, esencia que han mantenido hasta el día de hoy. Alfonso Mendiguchía, autor de todos los textos, la definía así:

«Nuestra idea es desenfocar la realidad a través del absurdo para llegar a los cimientos de este mundo en el que nos ha tocado vivir. Abordar los problemas que vemos desde un punto crítico, muy coherente, pero siempre desde el ángulo del humor. Atacar la locura cotidiana, en la que todos nos vemos envueltos, para desenmascararla desde dentro y siempre huyendo de moralinas aberrantes. Todo esto a través de un sello muy propio que se sustenta en textos propios y una puesta en escena limpia y precisa».

Demasiado al este es el oeste es una constante conversación. Ácida, fuerte, sin energías ni ganas de respetar lo correcto. Una coreografía dialéctica de ritmo trepidante, constantemente in crescendo pero nunca agotadora. Ojalá los políticos no vayan mucho al teatro, porque si Los Absurdos fueran presidentes…tendrían mucho que decirles.

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Por el momento, podéis ver esta obra en la Sala Off del Teatro Lara, todos los jueves a las 20:15 h. Pero además tienen preparada una pequeña gira por toda España:

GIRA LOS ABSURDOS TEATRO 2017

7 y 8 de enero. Sevilla. MANTÉNGASE A LA ESPERA.
3 de febrero. Valdemoro:  DEMASIADO AL ESTE ES EL OESTE.
4 de febrero. Salamanca. DEMASIADO AL ESTE ES EL OESTE.
25 de febrero. C. C. Paco Rabal. Madrid:  DEMASIADO AL ESTE ES EL OESTE.
6 de mayo. Hoyo de Manzanares:  DEMASIADO AL ESTE ES EL OESTE.
28 y 29 de abril. Santander: A PROTESTAR A LA GRAN VÍA. 

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Top espectáculos: los 11 shows más buscados en 2016

En Taquilla tenemos más de 200.000 entradas. Desde conciertos multitudinarios que llenan estadios a pequeñas representaciones, partidos de fútbol, musicales para niños…pero hay unos cuantos espectáculos que cada temporada se alzan como los auténticos protagonistas. ¿Queréis conocer a los ganadores absolutos de 2016? Quizá los destacados de este año sean la mejor guía para inspirar tus planes de 2017… No te pierdas nuestro ranking.

LOS MORANCOS
Este año hemos demostrado que siempre hay un hueco en nuestra agenda para el humor descarado, sobre todo si viene firmado por los hermanos Cadaval. Jorge y César llevan décadas haciéndonos reír, ya sea con sketches, debates o canciones, y ahora lo hacen sobre un escenario. Su último espectáculo se llama ‘Antónimos‘, y durante 2016 ha convertido a Los Morancos en uno de los objetivos más buscados. Os dejamos con 10 momentazos inolvidables que demuestran por qué nos gustan tanto.

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DISNEY ON ICE
Los pequeños también tienen sus propios protagonistas, a menudo relacionados con el mágico mundo de Disney. Y si a las historias de siempre les añadimos música y coreografías sobre hielo, el resultado es revelador: un éxito absoluto. Aquí, los personajes de las películas de siempre se mezclan con los nuevos, para recordarnos el espíritu de la amistad, el amor y la ilusión. Sin duda, Disney on Ice es uno de los espectáculos más buscados en nuestro comparador, junto a otras joyas infantiles como Cantajuego o El Petit Princep.

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LAS NOCHES DE EL CLUB DE LA COMEDIA
Nos encanta reír. Es innegable. Por eso El Club de la Comedia es otro de los espectáculos estrella de este año. Cada semana, tres o cuatro monologuistas sorpresa visitan Barcelona o Madrid en una noche de risas, complicidad y diversión. Goyo Jiménez, Dani Rovira, Berto Romero, David Guapo o Ernesto Sevilla ya han pasado por allí, dando lugar al probablemente mejor espectáculo de humor patrio del momento.

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THE HOLE
Actitud. Sensualidad. La saga más sexy de la cartelera sigue manteniendo intacto su atractivo después de tanto tiempo, y este año no ha sido para menos. Durante 2016, sus primeros shows, The Hole y The Hole 2, han continuado girando por toda la península, calentando el ambiente para el grandísimo estreno de The Hole Zero. Este nuevo espectáculo es la historia del comienzo, donde vemos cómo se gestó todo un universo burlesque. Intuimos un gran pronóstico para este 2017.

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LA GRAN ILUSIÓN – ANTONIO DÍAZ
Desde que se estrenó en el año 2013, La Gran Ilusión se ha consolidado como el espectáculo de magia más simbólico y exitoso de nuestro país. Capitaneado por el televisivo Antonio Díaz, ha sabido cautivar a pequeños y mayores a través de una historia de sueños, esfuerzos y, por supuesto, muchos trucos. Narra la vida de un niño sumergido en un “show de Truman” mágico, donde todo el mundo le hace creer que es el mejor ilusionista del mundo. Cuando descubre que es mentira, se dejará cuerpo y alma para demostrar que puede serlo por sus propios medios.

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LA MENTIRA
Esta obra del reputado dramaturgo Florian Zeller ya triunfó el año pasado en París en la temporada de su estreno. Y como no podía ser de otra forma, también ha revolucionado las taquillas de Madrid. ¿La razón? Plantea un problema tan intrincado como conocido: la infidelidad. ¿Qué harías si descubres que el esposo de tu mejor amiga le engaña con otra mujer? ¿Se lo contarías en la cena de esa noche? ¿Por qué tu marido cree que es mejor que calles? Esta comedia de parejas está repleta de actitud, giros dramáticos y brillantes diálogos. Lleva desde el 22 de septiembre triunfando en el Teatro Maravillas.

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FINAL TOP 14 RUGBY
El primer encuentro deportivo no futbolístico celebrado en el Camp Nou tenía que marcar historia. No sólo por su poder simbólico, sino porque finalmente batió el récord mundial de asistencia a un partido de rugby. Y es que en España somos mucho más que fútbol, y este deporte en particular gana adeptos temporada tras temporada. Todo este alboroto también dejó huella en Taquilla.com, que recibió todo un aluvión de visitas en busca de las preciadas entradas.

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FAEMINO Y CANSADO
¿Os suenan los artistas Tato y Kiko? ¿Y los Hermanos Benítez? Quizá no, pero seguro que os son más familiares los nombres que finalmente adoptó este dúo cómico: Faemino y Cansado. Maestros del humor absurdo, dominan con brillantez los entresijos del surrealismo. Su esencia sigue siendo la misma que hace décadas y las risas están aseguradas. Lo demuestran con creces en ‘Quien tuvo retuvo’, su último espectáculo y uno de los más populares en nuestro buscador.

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GOYO JIMÉNEZ
Descarado, divertido, y mucho más americano que los demás finalistas: Goyo Jiménez es la estrella indiscutible del humor en castellano. Pero detrás de su cara más cómica esconde una faceta de artista multidisciplinar, con premios de fotografía, literatura e interpretación a sus espaldas. Ha sido el humorista más tecleado en nuestro buscador, con espectáculos como ‘En verdad os digo’, ‘by the way’, o ‘Más difícil todavía’ en activo.

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DIRTY DANCING
Lo mejor de los ’80 ha aterrizado en Madrid en diciembre, y ha venido para quedarse. Tras varios años de éxito absoluto en giras internacionales, Baby y John repiten su historia de amor en España: en forma de musical de gran formato. Apenas llevan unas semanas en cartel y ya se han convertido en todo un fenómeno dentro de nuestro buscador, y prometen seguir así durante 2017.

EL REY LEÓN
Familia, emoción, magia, y la banda sonora más inolvidable de todos los tiempos. El ganador indiscutible de 2016 no podía ser otro. Después de 5 años, El Rey León continúa siendo la joya de la Gran Vía y de nuestros corazones. Es el espectáculo más visto y más buscado, a una gran distancia de todos los demás. Si ya lo has visto, seguro que sabes por qué.

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Espectáculos y teatro

La escena off conquista la cartelera madrileña

El teatro Off es una variedad mucho más común de lo que parece. Valorada por el ambiente cercano e íntimo que se crea en la sala, solo en Madrid cada semana puedes disfrutar de más de un centenar de obras de esta modalidad. El pequeño formato es la característica principal del off, ya sea por su presupuesto, número de actores o escenografía.

En la capital han ido floreciendo pequeñas salas que día a día acogen nuevas propuestas teatrales, llegando a convertir ciertas zonas en auténticas mecas de este formato. A continuación encontrarás los barrios madrileños donde el boom del teatro Off no cesa. Si lo que buscas es creatividad y pasión por el teatro, aquí tienes varias visitas obligatorias.

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Embajadores y Lavapiés

Con la llegada del fin de semana, la oferta de ocio se amplía notablemente. ¿Buscas un plan para toda la familia? Evita un quebradero de cabeza, coge el metro hasta Lavapiés y da un paseo por sus pequeñas y encantadoras salas. La Escalera de Jacob y Artespacio Plot Point cuentan con una amplia cartelera, que incluye teatro infantil y para bebés.

Otros espacios off de esta zona son la Sala Mirador, Teatro del Barrio o El Umbral de la Primavera. Todas ellas se convierten en lugares perfectos para disfrutar de una obra y, después, tomar algo o cenar en los múltiples establecimientos que llenan las calles de Lavapiés y Embajadores. Prepara el plan perfecto echando un vistazo a la programación de estos teatros. Te aseguramos que merecerá la pena.

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La Latina

La Latina es uno de esos barrios en el que a todas horas podemos encontrar una amplia oferta de planes. Desde unas cervezas en cualquier terrazas hasta un largo paseo dominical por el emblemático Rastro, pasando por disfrutar de numerosas actividades socioculturales.

Al pensar en La Latina seguro que nos viene a la cabeza el famoso Teatro La Latina, al que podemos considerar la punta del iceberg de los espacios dedicadas a las artes escénicas en esta zona. Empezando por este mismo teatro, que cuenta con la Off de La Latina, pasando por Teseo Teatro, una sala con compañía propia y terminando con la Sala Nada, un espacio donde el teatro joven y rompedor siempre tiene cabida.

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Madrid Río

Arte&Desmayo, Teatro SanPol, Bululú2120 o El Montacargas son algunas de las salas que podemos encontrar a escasos metros del Manzanares. Madrid Río es la arteria verde de la ciudad, donde son constantes las actividades lúdicas, culturales y deportivas. El incesante transito de paisanos y turistas convierte a esta zona en el enclave perfecto para dar visibilidad al pequeño teatro.

En Madrid Río encontramos una perfecta combinación entre salas veteranas, que formaron parte del boom del off, y nuevas propuestas. A todos estos espacios hay que reconocer y agradecer la dinamización y pontenciación cultural en la zona sur de Madrid.

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Malasaña

Por último, pero no menos importante, no podemos dejar de lado al barrio cultural por antonomasia: Malasaña. No es raro encontrar un teatro en cada una de sus calles. Este barrio no entiende de aburrimiento. A cualquier hora del día y la noche podemos encontrar interesantes planes, como echar un ojo a las tiendas vintage más estrambóticas, observar los grafitti de sus fachadas o disfrutar de un teatro empapado de la ilusión de quien está empezando su carrera o un nuevo proyecto.

Destaca el Espacio Labruc, donde día a día se organizar actividades culturales para toda la familia, la Sala Lola Membrives del Teatro Lara, cuna de obras que luego triunfan en la cartelera, o Microteatro por dinero, donde el pequeño formato triunfa cada tarde.

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‘El grito del Contrabajo’, un soliloquio para la reflexión

¿Qué hace a un hombre sentirse cautivo de un objeto inerte que mora en el centro de su habitación? Un instrumento que es la razón de su felicidad, de su trasiego, que le trastorna profundamente, que odia y ama a la vez. Hoy, en Taquilla.com nos adentramos en uno de los soliloquios más amargo de la cartelera madrileña: El Grito del Contrabajo en el Artespacio Plot Point de Madrid. Una obra, dirigida por David Lorente, sobre el texto de Patrick Süskind (autor de la obra «El Perfume») que pone de manifiesto el elitismo palpitante en las grandes orquestas sinfónicas.

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Una voz en lo más profundo del contrabajista emerge de su interior y se materializa en un personaje que lucha por buscar desahogo en su amarga vida dominada por su único compañero de vida, su contrabajo. Los hermanos Roberto y Ernesto Dragó son cómplices sobre las tablas en este desolador monólogo. Una complicidad que hace que el público consiga adentrarse en la psique de un hombre atrapado en la vida de un pusilánime, un ser insignificante, un perfecto Don Nadie, que pasa los días en su habitación insonoriza, mientras reflexiona sobre su propia existencia.

Enclavado en su microcosmos insonorizado y con su contrabajo como único compañero, nos encontramos a un hombre preparándose para ir a la ópera donde representará, esa misma noche, El Oro del Rin de Richard Wargner con la Orquesta Nacional. Toda su vida gira entorno a ese descomunal instrumento, una relación de amor-odio que le absorbe, le suprime y le domina en todos los aspectos de su vida. Al igual que Ravel en su bolero, la obra es un in crescendo de emociones, donde, sin que el público se dé cuenta, el amor, el éxito y los anhelos de grandeza se convierten en odio, frustración y olvido.

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Con un frío y lúgubre sentido del humor, Roberto Dragó nos narra el recorrido de un contrabajista que se siente único y patético por igual,“En una orquesta se puede prescindir hasta del director, pero nunca del contrabajo”. En un ambiente escénico muy intimo, los hermanos Dragó fluyen de una forma tan natural que logran conjugarse un mismo ser marcado por una angustiosa soledad que se respira en el ambiente.

Una perfecta síntesis que remonta a hace muchos años, cuando Ernesto, bajista de profesión, le recomendó a su hermano la lectura de la novela de Süskind cuando eran adolescentes, como afirmó Roberto Dragón en una entrevista para “La pensión de las Pulgas”. Éste se encargó de adaptación del texto, hecho que se evidencia en la naturalidad del actor sobre las tablas, además de la gran complicidad con su hermano, factor que potencia esa dualidad palpable durante toda la obra y que muestra la verdadera personalidad del contrabajista.

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Una obra para la reflexión sobre los tumbos que da la vida y cómo las decisiones que tomamos en cierto momento nos persiguen para siempre e, incluso, marcan nuestro carácter. El grito del contrabajo nos habla de cómo una obsesión puede convertirse tanto en la razón de nuestro felicidad y el sentido de nuestra vida, como en nuestra peor pesadilla, algo que te domina por completo y que nunca te permitirá tener una vida completa.

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#DíaInternacionalParaLaTolerancia: el teatro educa

Desde 1995, el 16 de noviembre se celebra el Día Internacional para la Tolerancia. Esta conmemoración es una iniciativa de las Naciones Unidas para promover y fortalecer la tolerancia, la comprensión y el respeto entre las diferentes culturas y pueblos. La educación y el arte juegan un papel clave para conseguir este objetivo. En este caso es el teatro el que nos acerca a realidades que, quizá, no conocíamos. Lo hace de forma cercana y entendible para despertar nuestra empatía, una capacidad necesaria para vivir en el respeto y la tolerancia. Estas cuatro obras hablan de ello y, por eso, no puedes perdértelas.

El pequeño poni

Hoy en día, la palabra bullying no es ajena a nadie. El acoso escolar está a la orden del día y, pese a los esfuerzos por concienciar sobre ello y evitarlo, los casos no paran de multiplicarse, convirtiéndose en una lacra de la sociedad actual. Paco Bezerra y Luis Luque han querido llevar al escenario un caso de bullying para dar voz a todos los que ocurren a diario. El pequeño poni narra la historia de Luismi, un niño de nueve años que lleva al colegio una mochila de su serie favorita: Mi pequeño pony.

El impacto de esta obra es todavía mayor al estar basada en hechos reales. Dos casos con nombres y apellidos: Grayson Bruce y Michael Morones. Estos dos niños estadounidenses fueron víctimas de acoso escolar por gustarles una serie «de chicas». El pequeño poni pone en evidencia que los estigmas sociales son la causa de la discriminación y el maltrato que sufren miles de niños en las escuelas de todo el mundo.

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El curiós incident del gos a mitjanit

Basada en la novela del escritor británico Mark Haddon, El curiós incident del gos a mitja nit se lleva representando en escenarios barceloninos desde hace unos meses. Julio Manrique es el el alma mater de esta adaptación al catalán de la historia de un joven extraordinario con síndrome de Asperger. Su nombre es Christopher Boone, lo que más le gusta son las matemáticas y sueña con recorrer el cielo en una nave espacial. Un día su vida dará un giro inesperado al encontrar el cadáver del perro de su vecina. Comenzará para él una gran aventura en la que intentará resolver el asesinato de Wellington, mientras descubre su mundo interior.

Pol López es el actor que da vida a Christopher. Con una brillante interpretación, el protagonista ha sabido construir el personaje a la perfección para hacer ver al espectador cómo es la vida de un adolescente con este síndrome. Tras el éxito de sus dos primeras temporadas en el Teatro Lliure llegando a cada función con todas las localidades agotadas, ahora podrás disfrutar de El curiós incident del gos a mitja nit en el Teatre Poliorama.

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La llamada

Cualquiera que haya echado un vistazo a la cartelera de teatro madrileña habrá oído hablar de La Llamada. No es de extrañar, puesto que lleva casi cuatro años triunfando en el Teatro Lara. Se trata de una propuesta de los jóvenes actores Javier Ambrossi y Javier Calvo. La trama se desarrolla en el campamento de monjas La Brújula, donde Susana y María pasan todos los veranos. Una noche de juerga terminará con las dos chicas castigadas. Ese tiempo de reflexión junto a las hermanas Bernarda y Milagros, les cambiará la vida. Sobre todo cuando a María se le aparezca Dios cada noche para cantarle canciones de Whitney Houston.

La llamada nos habla sobre la adolescencia, el paso a la madurez, la vocación, la sexualidad… una oda a la tolerancia y el respeto hacia todas las personas sea cual sea su forma de ser, ideología, creencias, religión u orientación sexual. Si tienes pensado ir a ver este musical, borra todos los prejuicios de tu cabeza y disfrútalo al máximo.

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Ragazzo

El 20 de julio de 2001 el nombre de Carlo Giuliani se hizo mundialmente conocido tras morir tiroteado durante las cargas policiales a los protestantes contra el G8 en Génova. La dramaturga y directora de teatro Lali Álvarez quiso plasmar sobre el escenario los últimos días de este joven activista mediante un monólogo sobre la represión, la violencia y la impunidad. Oriol Pla se pone en la piel de Carlo Giliani, con un discurso desgarrador que pone en jaque a los hechos e instituciones de aquella época oscura para la ciudad Génova.

Ragazzo es un himno de libertad y de rechazo a los abusos de poder. Una llamada de atención a los que se quedan en casa esperando que los problemas se solucionen solos. Una demostración de que existen personas, como tú, que todavía mueren por sus ideales. Por ser como son.

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Danza 2020: Tchaikovsky en tres ballets

Esta nueva temporada de ballet se ha convertido en el año del genial compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky. Las principales compañías de danza y ballet internacionales están recorriendo nuestro país con el tríptico insignia del compositor ruso: El Lago de los Cisnes, El Cascanueces y La Bella Durmiente. Uno de los repertorios más famosos del ballet internacional que recorrerá de punta a punta nuestro país de la mano de compañías tan prestigiosas como el Ballet de Moscú, Russian Classical Ballet o el State Ballet of Georgia.
Todos conocemos el argumento de este trío de ases de la danza clásica pero, hoy, en Taquilla.com, queremos ir más allá y presentarte todo lo que se esconde detrás de uno de los compositores más importantes de la historia y su prolífica producción artística.

El Lago de los Cisnes

Corría el año 1877 cuando un joven Tchaikovsky presentaba ante el público del Teatro Bolshói de Moscú su primer ballet. A diferencia de lo que se piensa actualmente, a finales del siglo XIX, El Lago de los Cisnes no tuvo un estreno muy prometedor. Muchos achacaron el fracaso a la pobre producción, mientras que otros a afirmaron que el problema era que Tchaikovsky había compuesto una estructura sinfónica demasiado enrevesada e imposible de dramatizar. Lo cierto es que la obra era demasiado moderna para lo que estaba habituado tanto el público como la crítica.

No fue hasta después las muerte del compositor, cuando El lago de los cisnes alcanzaría el éxito merecido gracias al coreógrafo Lev Ivanov, quien no solo logró comprender la música de Tchaikovsky, sino que marcó un antes y un después en el modo de concebir el ballet. Desde entonces, El Lago de los Cisnes se ha convertido en una de las mayores exportaciones artísticas de Rusia y en uno de los clásico más díficiles de interpretar por su famoso treinta y dos fouettés.

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La bella durmiente

La mordaces críticas de la época sobre el primer ballet de Tchaikovsky no frenaron su interés por seguir creando. De hecho en 1888 el director de los Teatros Imperiales Rusos acudió al compositor con la pretensión de que realizara otra adaptación musical de un cuento clásico. En esta ocasión sería la versión de Charles Perrault de La Bella Durmiente de los Bosques, una obra centrada en las dos principales fuerzas en conflicto: el bien (el Hada de las lilas) y del mal (Carabosse).

Al contrario que El Lago de los Cisnes, La Bella Durmiente gustó mucho entre el pueblo ruso, pero desafortunadamente Tchaikovsky nunca tuvo la oportunidad de presencial cómo su trabajo se convertiría en un éxito instantáneo en los teatros internacionales, ni cómo su reinterpretación pasaría a la posteridad. De hecho, fue el propio compositor quien bautizó a la protagonista como Aurora. La principales compañías de ballet ruso convirtieron la obra en el paradigma de técnica y calidad, como el caso de El Adagio de la Rosa, una de las secuencias más difíciles de la historia del ballet, como se puede ver en el siguiente vídeo, interpretado por la magnífica Svetlana Zakharova.

El Cascanueces

La misma suerte corrió su tercer ballet, y es que la fama no le llegaría al El Cascanueces hasta que Walt Disney utilizó su música en la película Fantasía de 1940. A pesar de que en la actualidad es uno de los ballets más memorables (y tradición navideña por antonomasia), Tchaikovsky no tenía el mayor interés en componer esta obra: fue un segundo encargo del director de los Teatro Imperiales tras el rotundo éxito del ballet La Bella Durmiente.

Basándose en la adaptación de Alejandro Dumas padre de El Cascanueces y el rey de los ratones, Tchaikovsky pasó a posteridad en gran medida gracias a esta obra, aunque su estreno en San Petersburgo fue un fracaso absoluto y no fue hasta 1927 cuando se reestrenaría en Hungría y posteriormente en Inglaterra, donde la obra alcanzaría la fama y se convertiría en un clásico atemporal.

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Espectáculos y teatro

Don Juan, un gran clásico cantado

Con la llegada del Día de Difuntos son numerosas las compañías de teatro que llevarán una vez más a Don Juan Tenorio a los escenarios. Sin embargo, este año destaca una producción por encima de todas. Nos referimos a Don Juan, un musical a sangre y fuego. Desde el 6 de octubre se representa cada día, excepto los lunes, en el Teatro Luz Philips de Madrid. Antonio Calvo es el alma máter de este proyecto, que empezó a gestarse hace más de veinticinco años y que según las palabras de él mismo: «no ha sido fácil», pero reconoce que el camino recorrido ha merecido la pena por ver la sala del teatro llena y los aplausos finales con todo el público en pie.

La pieza se divide en dos partes. La primera de ellas muy marchosa y colorida, con canciones y coreografías muy movidas. Destaca la escenografía, formada por más de cien piezas que componen el telón de fondo de cada escena. La segunda parte es mucho más sobria y lúgubre, ya que se desarrolla a partir de la famosa escena del cementerio. El humo llena el escenario, convirtiéndolo en un espacio cargado de onirismo.

En esta versión del Tenorio, se respeta casi al completo la prosa del clásico y se interpreta íntegramente cantado. Las actuaciones y voces protagonistas son excelentes. Destacan la capacidad interpretativa de Toni Bernetti (Don Juan), cuyo papel exige una gran responsabilidad e intensidad sobre el escenario, y la increíble voz de Estíbaliz Martyn (Doña Inés). Sin obviar la divertida interpretación de Patricia Clark en el papel de Brígida, que llena el escenario de picaresca con su deslumbrante vesturio.

El punto fuerte de este espectacular musical es la perfecta aleación entre la fidelidad al texto original y la transgresión de incluir elementos modernos y anacrónicos. Vestuario de cuero y con cadenas, rap, recursos audiovisuales, entre otros. Esto, sumado a un gran elenco colmado de artistas polifacéticos que independientemente de su papel, cantan, bailan e interpretan, tiene como resultado un musical de gran formato digno merecedor de representarse en la emblemática Gran Vía madrileña.

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Amor, lujuria, pasión, lucha, traición, venganza. Todo ello se combina sobre las tablas de la sala principal del Luz Philips para ofrecerte un clásico reinventado. Una historia de la que todos hemos oído hablar, pero que jamás había sido contada de esta forma. Quizá la mejor forma de acercar la obra más célebre de Zorrilla con un original musical apto para todas las edades y gustos. Si quieres saber más sobre Don Juan, un musical a sangre fuego, consultar los horarios y comprar las entradas pulsa aquí.

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Cultura Espectáculos y teatro

Orquesta Benidorm: el tipismo español llevado a escena

«La vida es una cebolla». Esta es la frase más repetida en la sala Lola Membrives del Teatro Lara durante la representación de Orquesta Benidorm. Una frase sin sentido, da sentido a toda la obra. Los acontecimientos se suceden entre el escenario y el backstage, donde se muestran las dos caras de la vida de la familia Mesa. Sobre las tablas, los focos y la música enmascaran las luchas personales y fraternales de los cuatro hermanos. Los cuatro hijos de Paulino Mesa, ganador del Festival de la Canción de Benidorm del 75. Cuando Paulino desaparece, las rencillas familiares comenzarán a salir a flote. Los hermanos Mesa, cada uno de una madre, representan el tipismo español en una sola actuación de la orquesta.

Como en las mejores familias, las peleas entre hermanos, el legado familiar, los secretos, las expectativas paternales, las apariencias, están latentes en la vida de los Mesa. Todo esto llevado a lo grotesco y lo estrambótico se concentra escena a escena en Orquesta Benidorm.

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Julio Vargas y Paco Mora llevan la batuta de este espectáculo y, junto a Marta Escurín e Isabel Arena, interpretan a esta esperpéntica familia en Orquesta Benidorm. Aunque el texto es obra de Julio Vargas, él mismo reconoce que se trata de «un guión conjunto, en el que cada uno ha aportado sus historias personales». Este modus operandi ha supuesto un esfuerzo extra para los actores. «Ha sido una locura, pero después de un año aquí está el resultado», admiten los artistas.

Mea Vulva, Mea Máxima Vulva es la compañía de teatro que crearon Vargas y Mora, la cual fue inaugurada con la obra Siamesas, la historia de dos hermanas del mundo circense. Otra obra emblemática de la compañía, que además tiene muchas similitudes con Orquesta Benidorm, es España, circo de variedades. En definitiva, la esencia de esta gran pequeña compañía son los personajes caricaturizados, que salen a escena y se enfrentan al público con un objetivo: quitarse la máscara y mostrar sus miserias. Para los actores, la conexión con el público es fundamental. Por este motivo, en Orquesta Benidorm se ve una constante provocación al público, ya que «sin el espectador, la representación no sería posible».

Si tienes ganas de disfrutar de un teatro cercano, divertido y transgresor, Orquesta Benidorm no te defraudará. Te prometemos que no podrás evitar participar de la fiesta que estos cuatro actores vienen a ofrecerte pero, para entenderlo, deberás descubrirlo tú mismo. ¿Cómo? Tienes una cita todos los miércoles hasta el 9 de noviembre en el Teatro Lara.

Más información y entradas aquí.

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‘Masked’ en los Teatros Luchana: cuando la guerra desangra la familia

¿Cuánto vale la familia? ¿Y los ideales? ¿Quién se atrevería a poner sobre la mesa la balanza y sopesarlo todo cuando hay pistolas de por medio?

Masked no trata de darnos una respuesta, sólo de plasmar la sangrante realidad que esconden los grandes conflictos. En este caso, el de la Primera Intifada, aquel levantamiento que llevó a los habitantes de la franja de Gaza y Cisjordania a revelarse conjuntamente contra los israelíes y su ocupación abusiva durante los años 80. Una situación límite donde la desigualdad de fuerzas y la opresión contra el pueblo palestino intensificaron la tensión y las dificultades.

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Esta pieza teatral, escrita en 1990 por Ilan Hatsor, es un fiel retrato de la multiplicidad de posiciones que se van construyendo alrededor de una guerra y su situación más extrema: el enfrentamiento entre hermanos. Naim, líder de la resistencia, y Khalid, el más joven, sospechan de que su hermano mayor Daoud pueda ser un colaborador israelí. Este el tenso (y algo confuso) comienzo de la obra a partir del cual todas las razones se irán construyendo,  donde cada paso es un acercamiento a la verdad y al dolor de dudar de tu familia.

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Masked es drama, es thriller, es historia. Pero sobre todo, es mucho dolor. Sus protagonistas demuestran que no se trata de dos bandos, se trata de familias rotas donde cada uno intenta encontrar su lugar en una situación para la que nadie ha sido preparado. Es la pieza teatral perfecta para quienes buscan profundizar en el conflicto palestino más allá de lo que nos han contado. Una historia brutal sobre la guerra, la presión, y la ambigua moral de las decisiones dependiendo del cariz por el que se miren.

Una historia de sangre. Una historia sobre la fraternidad en su sentido más estricto y más laxo, un relato de pasiones y de un pueblo asediado por mucho más de un bando.

Iria Marquez capitanea y dirige un relato trepidante donde se puede palpar el riesgo en tus propias carnes, donde cada segundo puede ser la salvación o una bala. Ha construido una producción brillante en la que destacan los superpuestas capas de tensión, la iluminación y el uso de una banda sonora tensa y efímera. Sobre las tablas: Pedro Santos, Carlos Jiménez Alfaro y un destacable Antonio Lafuente, que parecen haer sido creados para estos papeles. O eso es lo que consiguen transmitir, guiándote por un intrincado itinerario del que no te dejarán salir hasta el final, gracias a una interpretación intensa y visceral.

No te pierdas este relato violento, trepidante e incómodo sobre la Primera Intifada. Porque las guerras no son como nos han contado. Son miles de facciones: los que luchan, los que aprenden, los que viven y los que quieren sobrevivir. Los de las familias y las traiciones, y los que tan sólo quieren seguir adelante.

Porque al final todas las guerras son la misma.
Pero algunas parecen eternas.

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Navidad en familia: teatro para niños por menos de 10€

Ya está aquí la Navidad, una época llena de magia en la que toda la familia puede divertirse con los mejores planes de ocio. Por eso hemos decidido recopilar las obras de teatro infantil que podrás disfrutar con los más pequeños de la casa por menos de 10 euros. Sigue leyendo y descúbrelas.

El principito

La maravillosa historia creada por Antoine de Saint-Exupéry se sube a los escenarios de los Teatros Luchana en forma de musical. La compañía Telón Tolón ha mantenido la fidelidad al texto del escritor francés para que disfruten tanto los mayores trasportándoles directamente a su infancia, como los niños, que niños vivirán de cerca la magia de El Principito gracias a la puesta en escena y al coro infantil que acompaña a la obra. Música y color se fusionan en el escenario para crear un ambiente como si de un sueño se tratase. Sin duda, un plan para toda la familia que no podéis perderos.

Dónde: Teatros Luchana (Madrid)
Cuándo: Del 11 de septiembre al 30 de octubre de 2016
Cuánto: Desde 8€
Información y entradas aquí

Teatro para niños y bebés en La Escalera de Jacob

Esta sala situada en pleno centro de Madrid te sorprenderá por su gran variedad de espectáculos: teatro infantil, para adultos, magia y mucho más. Son múltiples las compañías que trabajan en La Escalera de Jacob. Todas ellas ofrecen múltiples espectáculos, como El alucinante viaje de Carola, en el que la protagonista junto al Ratón Antón tendrá que resolver los problemas de la mala Malu u obras de teatro para bebés Te amo teatro o I love you, que se convierten en toda una experiencia sensorial para los más pequeños de la casa.

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Dónde: La Escalera de Jacob (Madrid)
Cuándo:
Cuánto: 5€
Horarios, información y entradas aquí

 

La Compañía Complejo de Esquilo en el Teseo Teatro

No podíamos quedarnos solo con una de estas estupendas obras. Ahora mismo esta compañía especializada en teatro infantil tiene en cartel el musical de El Mago de Oz, La cabeza del dragón y Descubriendo a Fabulín. Tres historias muy diferentes, pero con las que los peques de la casa cantarán, aprenderán y soñarán. Si quieres verles disfrutar, esta compañía es siempre una buena opción y por mucho menos de lo que imaginas.

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Dónde: Teseo Teatro (Madrid)
Cuándo: Del 10 al 25 de septiembre 2016
Cuánto: 6-8€
Información y entradas aquí

 

Los cuentos clásicos cantados de Luna Teatre

No es la primera vez que os hablamos de la compañía Luna Teatre, pero es que hacen maravillosas adaptaciones musicales de los cuentos clásicos. Las historias ya nos las sabemos todos, pero las canciones y la puesta en escena de sus adaptaciones aportan todavía más magia a los cuentos. La Sala Carolina acoge a este grupo de actores para representar Blancanieves y Hansel y Gretel. Descubrirás junto a tus hijos una nueva perspectiva de los cuentos más tiernos de vuestra infancia. ¡No pasan de moda!

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Dónde: Sala Carolina (Valencia)
Cuándo: Blancanieves 17 y 18 de septiembre de 2016
Hansel y Gretel del 24 de septiembre de 2016 al 1 de enero de 2017
Cuánto: 5€
Información y entradas aquí

 

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Vuelta al teatro: 11 estrenos imprescindibles para esta temporada

Por fin terminó la espera. Llevábamos demasiado sin teatro, y los amantes de la primera de las artes ya íbamos necesitando volver a sentir las tablas. Septiembre está a la vuelta de la esquina, un mes simbólico que siempre viene cargado de novedades, estrenos y reposiciones. ¿Quieres volver a emocionarte? ¿Sentir ese escalofrío cuando un dramaturgo consigue expresar algo nuevo? ¿Reírte como nunca antes? Saca entonces un bolígrafo y apunta, porque te traemos los estrenos que no puedes perderte este otoño:

La Mentira

¿Qué harías si descubres que el marido de tu mejor amiga le es infiel con otra mujer? Nuestra protagonista, Alicia, tiene muchas dudas al respecto. La obra arranca cuando se entera justo antes de una cena, y sus dudas comienzan al instante: ¿Debería de contárselo? ¿Cuál es el mejor momento? Y lo más importante: ¿Por qué su propio esposo le recomienda guardar silencio? La mentira es una reflexión sobre la confianza, el matrimonio y los secretos. Escrita por el puntero Florian Zeller y dirigida por Claudio Tolcachir, llega para estrenarse en España después de haber triunfado en París durante su primera temporada.

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Dónde: Teatro Maravillas
Reparto: Carlos Hipólito, Natalia Millán, Armando del Río y Mapi Sagaseta

Orquesta Benidorm

Dejemos a un lado los convencionalismos, porque ha llegado la fiesta con la Orquesta Benidorm. Paulino Mesa es un reconocido cantante que, décadas después de su éxito, funda la compañía Benidorm junto a sus cuatro hijos. En 2016, el protagonista de esta historia desaparece inesperadamente, y los jóvenes se ven obligados a seguir con la gira de la orquesta contra viento, marea, y rencillas familiares.

«El proceso de creación de la obra ha sido largo y gustoso, a fuego lento y con socarrat, como una buena paella Valenciana.»Nos han contado desde la compañía. «Son muchos ingredientes: hay música, verbena, pachangueo, comedia, situaciones absurdas… pero también reflexión, rabia, drama, ansiedad… Hablamos de LA FAMILIA, con mayúsculas. Y en las familias hay todo esto y más.» Su lema es: «Si no es divertido, no merece la pena». ¿Te lo vas a perder?

Dónde: Sala Off del Teatro Lara
Compañía: Mea Vulva, Mea Máxima Vulva.
Reparto: Julio Vargas, Paco Mora, Marta Escurín e Isabel Arenal

Don Juan, el musical

El musical de Don Juan se erige, a día de hoy, como el estreno más prometedor de la temporada. Y es que Antonio Calvo y Alex García , productores de la obra, llevan nada menos que 25 años trabajando para convertir el clásico de José Zorrilla en una auténtica producción de capa y espada. Esta versión de la historia pondrá en entredicho la imagen superficial y osadamente seductora del tradicional Don Juan, que se va a ver sorprendido por una mujer al intentar jugar con ella por una apuesta.

El próximo 23 de septiembre, Don Juan vuelve a pleno siglo XXI para revivir sus artimañas a golpe de música, baile y canción.

Dónde: Teatro de la Luz de Gran Vía
Reparto:
Toni Bernetti, Estíbaliz Martyn, Gonzalo Montes, Patricia Clark, Ddavid Velardo, Judith Tobella, Nacho Bergareche, Gonzalo Larrazabal

La partida

Tres hombres, una partida mensual de cartas y muchas anécdotas que contar sobre el día a día. Parece una historia más sobre los amigos de la infancia, pero esta pequeña joya escrita y dirigida Óscar Sanz Cabrera va un paso más allá. La Partida es el reflejo de una amistad inconsistente a tres bandas, una relación que se ha perpetuado en el tiempo por pura inercia empujada por la sociedad actual y la necesidad de sentirnos escuchados. Aunque ya se estrenó durante el mes de junio, llega al otoño con las fuerzas renovadas para triunfar durante esta temporada de teatro. Podrás verla desde sólo 12 €.

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Dónde:Teatro Lara
Reparto: Juan López Tagle, Alfonso Mendiguchía y Jorge Cabrera
Director: Óscar Sanz Cabrera

Dirty Dancing

Hace apenas dos años que la mítica película de los ochenta fue adaptada como musical en el West End de Londres, y su éxito ha sido tal que ya están tratando de reproducirlo en muchos otros países. Durante dos temporadas, ha vendido las entradas más codiciadas de la capital inglesa, y dentro de poco llegará a nuestro país para probar suerte. Aunque nos muramos de ganas, habrá que esperar hasta el 1 de diciembre para poder ver la adaptación española de Dirty Dancing. Baby y Johnny volverán a bailar en el Nuevo Teatro Alcalá y en el Teatro Tívole a partir del 9 de febrero. ¿Te lo vas a perder?

Dónde: Nuevo Teatro Alcalá y Teatro Tívole
Director: Federico Bellone
Coreografía: Gillian Bruce
Reparto: por confirmar

 

Evita

Desde el 15 de septiembre y hasta el 23 de octubre llega a Madrid el mítico musical Evita. Impulsado por el Cabildo de Tenerife, Jaime Azpilicueta vuelve a ponerse a los mandos de esta producción, con la que ya triunfó ampliamente en 1982. La historia de Eva Perón nos muestra la vida de una mujer poderosa, ambiciosa y política que además fue esposa del presidente de Argentina Juan Domingo Perón. Luchó durante toda su vida por los derechos sociales, la igualdad de género y la dignidad del movimiento obrero. Evita nos presenta a una mujer adelantada a su tiempo, aunque la producción original fue duramente criticada por reflejar un personaje que no se identificaba con la Eva Perón real.

Dónde: Teatro Alcalá
Reparto: Imma Mira, Jadel e Ignasi Vida

Otello

Bienvenidos a la historia de celos, temor y drama por excelencia. Shakespeare fue un genio representando los más turbios sentimientos humanos, y Verdi hizo lo propio convirtiéndolos en música. El resultado fue esta obra inmortal. Perteneciente a la última época compositiva del italiano, Otello refleja un estilo maduro que incluye el bel canto rossiniano y la aparición del canto hablado. Es una pieza sincera, directa y emocionalmente arrolladora: una de las piezas líricas más queridas y representadas del mundo. Dirigida por Renato Palumbo y David Alden, el Teatro Real nos trae esta nueva producción junto a la English National Opera y la Kugliga Operan de Estocolmo el próximo 15 de septiembre.

Dónde: Teatro Real
Dirección musical: Renato Palumbo
Dirección de escena: David Alden
Reparto: Gregory Kunde, Alfred Kim, George Petean, Ángel Ódena, Alexey Dolgov, Xavier Moreno,  Vicenç Esteve, Fernando Radó

Héroes

Bienvenidos a la comedia más conmovedora de la cartelera de este año, Héroes. La protagonizan Henri, Gustave y Philippe: tres veteranos de guerra que comparten sus días de retiro y recuerdos de batalla en un hospital militar. Allí reviven antiguas campañas ya olvidadas, reflexionan sobre la vida y critican a la Hermana Madeleine, pero todo ese orden se volverá tenso cuando uno de ellos proponga un plan de escapada. Tamzin Townsend dirige esta comedia de Gérald Sibleyras, un dramaturgo francés en auge especialista en ahondar en las relaciones más humanas. Puedes verla hasta el 6 de noviembre por menos de 20 €.

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Dónde: Teatro Reina Victoria
Reparto: Juan Gea, Luis Varela e Iñaki Miramón.
Director: Tamzin Townsend

El Secuestro

«Ante situaciones desesperadas, medidas desesperadas», bien podría ser el título de esta comedia. Y cuando se supone que los que tienen que velar por tu bienestar son los que te “ningunean”, las locuras por salvarse a uno mismo están más jsutificadas que nunca. El Secuestro es una divertida obra que nos presenta una visión optimista del ser humano en el peor de los entornos. Porque aunque sea una comedia, todo comienza como una tragedia muy real: Paco, de cincuenta años y con una hija, está a punto de perder el trabajo. ¿Su idea? Secuestrar al hijo del ministro responsable. Dificultades que nos enseñarán a reirnos de nosotros mismos, y a descubrir sobre todo cómo somos capaces de afrontar la adversidad.

Dónde: Teatro Reina Victoria
Texto: Fran Nortes
Dirección: Gabriel Olivares
Reparto: Leo Rivera, Jorge Roelas, Diana Lázaro, Fran Nortes y Carlos Heredia

Yllana 25

¿Todavía no conoces Yllana? Creada en 1991, esta particular compañía nacía como un pequeño proyecto donde primaba el humor gestual por encima de todo. Desde entonces, y con muchos éxitos por el camino, su campo de acción dramático se ha diversificado y sus acciones creativas multiplicado. Han producido 24 espectáculos teatrales, incontables sketches y han participado en la producción escénica de numerosas plataformas teatrales y televisivas. Ahora, la mítica compañía Yllana cumple 25 años y lo celebra de la mejor manera posible: subiendo sus 25 mejores sketches a escena. Yllana es creatividad, es humor y calidad. La obra se estrenará en el Pavelló Poliesportiu Cobert el 16 de septiembre.

Dónde: Pavelló Poliesportiu Cobert, Teatro Bulevar de Torrelodones
Reparto:Fidel Fernández, Juan Ramos Toro, Luis Cao, Juanfran Dorado, Jony Elías.
Dirección: Yllana

Scaramouche

La novela Scaramouche fue publicada en 1921, cuando Rafael Sabatini nos narró por primera vez las aventuras revolucionarias de su protagonista enmascarado. Muchas versiones han sido las que nos han contado la vida de André-Louis Morea desde entonces, pero ninguna como la que esta temporada nos va a presentar Dagoll Dagom, una de las compañías teatrales más potentes de cataluña. Scaramouche llega en formato de musical, con una “dimensión muy aventurera”, como ha afirmado la propia compañía. Tras triunfar con Antaviana, Els Pirates o la aclamada Mar i Cel, Dagoll Dagom vuelve con una nueva dosis de teatro familiar. Podrás disfrutarla en directo a partir del 30 de septiembre.

Dónde: Teatro Victoria
Reparto:Toni Viñals, Ivan Labanda, Ana San Martin , Mireia Mambo, Jordi Coromina, Clara Moraleda, Albert Mora, Frank Capdet, José María Hernández
Dirección: Joan Lluís Bozzo
Dirección musical: Joan Vives

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Espectáculos y teatro

Las novedades de la semana: del 22 al 28 de Agosto

En Taquilla.com recibimos diariamente miles de nuevos tickets para que puedas disfrutar de todo el ocio al mejor precio. Musicales, deporte, teatro, parques de atracciones…¿Qué te parece una recopilación rápida de lo más llamativo de esta semana?

Los pijos también lloran

El 23 de septiembre llegará a Madrid esta desternillante obra sobre el mundo más chic. Los pijos también lloran nos cuenta la historia de Fernando (Fernando Candeleda), un programador de eventos exclusivos que acostumbra a codearse con la flor y nata de la ciudad. Acompañado de la presentadora de moda del momento (Luján Argüelles), nos guiará por el mundo pijo hasta destripar la superficialidad y falsedad que esconden las cámaras. Una colección de surrealistas secuencias que te harán morir de risa.

Consigue aquí tus entradas.

Siam Park Day & Night

El mundo de los parques de atracciones nos trae una última oportunidad para disfrutar del Siam Park como es debido. ¿Has experimentado ya sus vertiginosos toboganes? ¿Has paseado entre sus parajes de ensueño y disfrutado de sus “Playas” y piscinas? El considerado por los usuarios de Trip Advisor como el mejor parque acuático del mundo nos abre sus puertas durante unos días más hasta las 24h de la noche. ¡Diviértete bajo las estrellas!

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Berto Romero

En Taquilla.com nos encanta Berto Romero. ¿Quién podría resistirse a su sentido del humor? Esta semana nos hemos enterado de un montón de fechas nuevas: estará en Tarraco Arena el 16 de Septiembre, en la Sala Barts los días 17 y 18 de septiembre y el 3 de enero, en Espai la Rambleta el 21 y 22 de octubre…¡Consulta todas las fechas!

Consigue aquí tus entradas.

Música

¿Y novedades musicales? ¡¡Siempre tenemos de eso!! Esta semana nos hemos enterado de los próximos conciertos de Andy y Lucas, Coque Malla, El Gusto es Nuestro, Nikone, Sweet California,Pimp Flaco, y, por supuesto…¡Malú!

¡Consulta todos los conciertos!

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Espectáculos y teatro

Valencia, una ciudad festivalera en auge

Cada vez son más los promotores que eligen Valencia como sede para sus festivales. No es de extrañar, ya que una ciudad con playa, buen tiempo y en pleno auge cultural se convierte en el escenario perfecto para celebrar este tipo de eventos. Además, en un afán de descentralizar el ocio en la ciudad, cada vez son más los barrios que se suman a la lista de espacios de interés cultural. Russafa, el Cabanyal y Benimaclet, entre otros, son algunos de los distritos con más movimiento cultural en la actualidad. Además, la diversidad no afecta a los espacios solamente, sino que también son múltiples las disciplinas artísticas que se dan cita en la capital del Turia. No te pierdas las geniales propuestas que te ofrecemos hoy.

Shes The Fest

Shes The Fest es un festival sin precedentes en España. Se trata de un ciclo que reúne a las mejores artistas. Sí, en femenino. ¿Por qué? La finalidad de este festival es el empoderamiento de las mujeres en el ámbito artístico. La música es la protagonista en Shes The Fest, pero otras disciplinas se darán cita también en su II edición en Las Naves los próximos 30 de septiembre y 1 de octubre. Desde moda hasta artes plásticas, pasando por la fotografía. Sin embargo, el cine destaca entre todas. Se proyectarán películas de y sobre mujeres, como la ganadora de dos Premios Goya La Novia, de Paula Ortiz.

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En la anterior edición parece que se cumplió el objetivo de potenciar la visibilidad del talento femenino de nuestro país. Por ello, el cartel de este año vuelve a estar compuesto por artistas de contrastada calidad como Zahara, Carmen Boza o Morgan. Sin embargo, también se hace un hueco a las no tan habituales en esta clase de ciclos, como Brigitte Laverne o Carla.

Festival de les Arts

Ya están confirmadas las fechas de la III edición del Festival de les Arts. Será los días 9 y 10 de junio de 2017. Para quien todavía no conozca este evento, se trata de un festival de música indie que ha conseguido posicionarse, en su corta trayectoria, como imprescindible para los amantes del género. Nació con la intención de impulsar la imagen de Valencia y sus comercios, artistas, gastronomía, cultura, etc. Parecen haberlo conseguido, ya que el festival se ha convertido en un auténtico estimulo del ocio y el turismo en la ciudad. Miles de asistentes y la presencia de importantes influencers de todo el país confirman la excelencia del Festival de les Arts, donde podrás encontrar más que música: foodtrucks, todo tipo de manifestaciones artísticas, actividades deportivas, y mucho más.

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Marenostrum Music Festival

Hace solo unas semanas, la Marina Real del Puerto de Valencia rugió al ritmo de la mejor música electrónica en el Marenostrum Music Festival. La masiva asistencia de esta última edición consolida el evento como uno de los más exitosos de la ciudad.

El Marenostrum sigue reuniendo a los mejores artistas de electrónica a nivel local, nacional e internacional. Cabezas de cartel de la talla de Nervo, Afrojack o Svenväth hicieron saltar a los más de cincuenta mil asistentes que logró atraer el festival en su última edición. Además, fueron muchas las novedades: un cambio de espacio, pulseras-monedero, vasos reciclables… No cabe duda de que nos queda Marenostrum para largo. Así que si te lo perdiste, ¡atento!, porque 2017 está muy cerca.

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MUV! Circuito Música Urbana Valencia

La Asociación Cultural de Música Urbana de Valencia organiza por segundo año consecutivo el MUV! Tras el éxito de la I edición en una de las zonas más artísticas, Russafa, este año el espacio elegido es emblemático barrio marítimo El Cabanyal. En noviembre, sus calles se llenarán de conciertos, exposiciones de artes plásticas y fotografía y múltiples actividades para toda la familia.

El objetivo de este festival es impulsar el uso de los espacios urbanos para fomentar la creatividad y la actividad artística, haciendo a los barrios partícipes activos de ello. Los protagonistas de MUV! serán los conciertos, ya que desde la organización creen que la conexión músicos-público es fundamental para el triunfo de la convivencia y diversidad cultural. Este circuito se convierte así en una de las apuestas más ambiciosas que, sin duda, reunirá a miles de personas a orillas del mar, en uno de los barrios más bonitos de Valencia.

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Valencia Negra

Este festival literario nació en 2012 y este año se ha celebrado con éxito la IV edición. Su originalidad reside en que todas las disciplinas artísticas que se dan cita en este evento pertenecen al género negro: literatura, música, fotografía, cine, y mucho más. Son muchas las asociaciones, espacios y artista que participan, como los encumbrados escritores Pierre Lemaitre o Ernesto Mallo, claros protagonistas de la IV edición.

Valencia Negra se convierte en un evento abierto y participativo lleno de actividades, en el que podrás acercarte a este género que tantos adeptos va sumando con el tiempo. ¡Te aseguramos que te convertirás en uno de ellos!

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Espectáculos y teatro

10 compañías de teatro infantil que no puedes perderte

Casi sin darnos cuenta, entre descanso y vacaciones, hemos llegado ya al ecuador del verano. Y con tanto tiempo libre empieza a costar cada vez más encontrar planes nuevos para los más pequeños de la casa. ¿Has pensado en el teatro? Nosotros sí, y por eso desde Taquilla.com te queremos presentar algunas de las mejores compañías de teatro infantil de nuestro país, siempre pendientes de crear un entretenimiento educativo y responsable para los niños. Ah, y al final del post encontrarás un calendario con toda la programación. ¡Sigue leyendo y descubre nuevos planes para ti y para tus hijos!

El Dragón Estragón

Los actores que forman esta compañía se caracterizan por su competencia, compromiso y experiencia con el teatro. Su escenario habitual se sitúa en una sala homónima en la ciudad de Madrid. El Dragón Estragón es un espacio de cultura donde se desarrollan todo tipo de espectáculos y actividades. Se organizan talleres y funciones para la promoción de la cultura.

La compañía está formada por auténticos profesionales que se esforzarán al máximo por hacerte pasar un rato inolvidables. Representan obras infantiles y familiares, espectáculos participativos y originales en los que disfrutarán todos los miembros de la familia. Algunas de sus últimas obras son Aladino y la lámpara de led, El ogro zampabollos, Zacarías y el lobo o Los tres cerditos ya tienen casa. No te pierdas su programación, tanto de talleres como de funciones, y disfruta de momentos mágicos con tus hijos.

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La Bicicleta

La Bicicleta es una compañía de teatro infantil y juvenil que dedica todo su trabajo a este público. Se trata de un elenco estable en el teatro madrileño Sanpol. Por la calidad de sus obras, son más de cien mil los niños y jóvenes que pasan cada año por sus butacas.

El repetorio de La Bicicleta destaca por las adaptaciones musicales de cuentos infantiles, como El jorobado de Notre Dame, Aladino y la lámpara o Los tres cerditos. También adaptan obras clásicas y contemporáneas para acercarlas al público más joven, como por ejemplo, Las meninas o El ratoncito Pérez. En definitiva, esta compañía les ofrecerá un teatro con el que disfrutarán, aprenderán, reflexionarán y se emocionarán.

Martelache

Esta compañía nunca deja de buscar nuevos horizontes y sorprender con sus espectáculos. Su objetivo siempre ha sido y es explorar las posibilidades escénicas de distintos géneros. En el teatro de adultos predomina la comedia. Sin embargo, Martelache destaca por sus espectáculos para niños. Se trata de obras con un claro fondo educativo. Temas como la alimentación, el acoso escolar, la lectura, son tratados desde una perspectiva única. Haciendo partícipes a los niños y dejándoles desarrollar parte de la historia, Martelache pretende que los mensajes calen más en ellos. Esta compañía es el ejemplo perfecto de que la diversión y el aprendizaje van de la mano.

También es interesante su oferta de espectáculos para bebés. No son simples obras, sino que se convierten en una experiencia completa para los más pequeños de la casa. A través de sus funciones transmitirán valores como el amor por los animales, mediante experiencias para estimular todos sus sentidos.

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Baychimo Teatro

Arturo Ledesma y Paloma Real son los responsables de esta compañía. Baychimo Teatro no se encasilla en un sector de público concreto, pero cabe destacar su labor con el teatro infantil. Los actores tratan a los niños como espectadores de verdad, no simple observadores a los que hay que entretener. Aquí reside la magia de esta compañía. Cuentan con un repertorio de obras dirigidas desde a niños de 6 meses hasta adultos.

Entre sus espectáculos cabe destacar Pinxit, una experiencia visual y sonora que acerca a los más pequeños a las artes plásticas. El objetivo de esta práctica es desarrollar la sensibilidad artística desde la infancia. También despunta Todos sus Patitos. Se trata de una propuesta muy original, en la que los niños deberán relacionar situaciones de la trama y sacar sus propias conclusiones. Un gran estímulo para su imaginación.

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Luna Teatre

Luna Teatre nació en 2005 en Valencia como grupo amateur y, poco a poco, ha ido convirtiéndose en una compañía de actores profesionales. Forma parte del grupo Animaciones Luna y se centra totalmente en las artes escénicas. Representan obras tanto para adultos como para niños, incluso en colegios y otras instituciones.

A día de hoy la compañía sigue llevando como bandera el objetivo de fomentar y difundir el amor por el teatro. Con el bajo precio de sus entradas pretenden defender la idea de que el teatro debe ser accesible a todos. Sus espectáculos son obras modernas y musicales, adaptaciones de cuentos infantiles con un toque moderno. Entre ellos podemos encontrar Peter Pan, La Bella y la Bestia, La Sirenita, y muchos otros. Disfruta de los cuentos que ya todos nos sabemos pero al más puro estilo Luna Teatre.

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Complejo de Esquilo

Los actores de la compañía Complejo de Esquilo se juntaron en un proyecto común en 2004, tras estudiar en distintas escuelas de interpretación. En 2010 acabó de tomar forma la compañía y decidieron llamarla por este nombre. Su labor abarca distintos géneros de teatro, tanto infantil como adulto. Su voluntad de hacer reír y soñar a los niños les dio la energía para abrir su propia sala, Teseo Teatro. Desde entonces han evolucionado y crecido, contando con cada vez más actores dispuestos a hacer disfrutar a toda la familia con espectáculos únicos.

Según ellos mismos, “cualquier esfuerzo merece la pena si se consigue hacer felices a los niños. Su sonrisa, el brillo de sus ojos es la mejor recompensa”. Su pasión por los niños es lo que les mueve. Con cada espectáculo intentan hacer partícipes a los más pequeños y transmitirles los valores de igualdad, de confianza en uno mismo, la esperanza, y mucho más.

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Escena Miriñaque

Esta compañía dio sus primeros pasos en 2000, cuando un grupo de actores de distintas escuelas de interpretación decidieron juntarse en un proyecto común. Sin embargo, pronto se dieron cuenta de que el teatro era un aprendizaje constante y quisieron explorar nuevos horizontes. Tras una estancia en distintos países, aprendiendo nuevas técnicas y modalidades, fue en 2006 cuando nació Escena Miriñaque.

La compañía tiene espacio escénico, una sala homónima en la ciudad Santander. También cuentan con una escuela de teatro para niños, jóvenes y adultos. Entre las obras infantiles que han estrenado durante los últimos años se encuentran Los viajes de Petit, Dulce de leche, Iglú, Cucú Haiku y Cartas de las Golondrinas. Las dos últimas recibieron, en 2013, los premios Feten y Max Revelación, respectivamente. Sin duda, se trata de una companía dedicada en cuerpo y alma a la promoción de la cultura y el teatro.

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Grupo Golosina

El Grupo Golosina se subió por primera vez a los escenarios en 1989. Desde entonces han cosechado una serie de éxitos que les ha llevado a ser una de las mejores compañías de espectáculos para niños de España. Se trata de un proyecto que combina música, baile y juegos con el objetivo de estimular la psicomotricidad y la imaginación de los más pequeños. Una mezcla entre diversión y aprendizaje, con resultados garantizados.

Con más de 25 años de experiencia, el Grupo Golosina sabe que lo más importante es trasmitir los valores a los niños como cuando nuestros padres lo hacían con nosotros. Por ello, los temas que se suceden en sus espectáculos son canciones populares que todos conocemos, como El auto de papá, Soy una taza o Yo tengo un tallarín. Canta Juegos es todo un espectáculo en el que disfrutarán tanto pequeños como mayores, los primeros aprendiendo y los segundos rememorando sus mejores momentos de la infancia.

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La maquineta

La Maquineta es una compañía de teatro que estreno su primera obra Noche de San Juan, de Dagoll Dagom, en 1994. Desde entonces han ido cosechando una gran cantidad de éxitos sobre los escenarios madrileños. Su especialidad es el teatro musical, basado en los cuentos clásicos. Una perspectiva original, mágica y con mucho ritmo de las historias que todos conocemos. Sin embargo, La Maquineta te sorprenderá con su estilo y su forma de trabajar.

Con más de veinte años de experiencia, esta compañía cuenta con actores profesionales, que harán las delcilis de los pequeños y no tan pequeños. Entre sus obras más exitosas encontramos Alicia en el país de las maravillas, el musical, El gato con botas, el miaaauuu-sical o La bella durmiente, un nuevo musical.

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Animagic espectáculos

Animagic es una empresa de animación dedicada al mundo del espectáculo y la diversión. Su punto fuerte es la organización de todo tipo de fiestas y eventos infantiles. Con un gran equipo de profesionales con experiencia, Animagic cuenta con una amplia variedad de opciones: animadores, hinchables, fiesta de la espuma, fiestas a domicilio, etc.

También cuenta con un grupo de animadores que realizan espectáculos por toda España. Por ejemplo, Aventura Canina, su último trabajo. Esta obra musical está basada en la serie de dibujos La patrulla canina. Animagic empezó representando a personajes de dibujos animados infantiles y tras una etapa decidieron emprender el rumbo hacia el teatro musical. En la actualidad, se dedican también a fusionar estos dos elementos, creando espectáculos con los que tus hijos disfrutarán, cantarán, bailarán y reirán sin parar.

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Espectáculos y teatro

Una corona para Claudia: de la Nada al Alfil

El pasado 17 de julio se estrenó en el Teatro Alfil la obra de Iker Azkoitia y Ricky Fan Una corona para Claudia. Se trata de un musical con diecisiete canciones originales a piano y guitarra. La historia comienza en un coche compartido, donde Claudia se cruza con tres amigos que se van de acampada, pero que viven tan metidos en sus redes sociales que son incapaces de disfrutar de su propia compañía. La protagonista les propone apuntarse a la acampada, una decisión que cambiará la vida de todos ellos para siempre.

El personaje de Claudia surgió el día en el que Iker Azkoitia y Ricky Fan, tras representar Por última vez en Microteatro Por Dinero, vieron a Ana Dachs actuar sobre el escenario de una sala en Malasaña. Esa misma noche nació Claudia en la mente de Iker. Desde ese momento, se embarcaron en un proyecto prometedor, con un gran trabajo detrás y cuya gasolina ha sido, desde el principio, la ilusión. Después se unieron al equipo los demás actores: Jaime Riba, Eva Ramos, Laura Ledesma y Juan Jesús Di Manuel.

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Una vez terminado el proceso de creación, el primer paso fue presentar la obra al I Certamen de Teatro Arte 4, escuela en la que estudiaron Iker y Eva. Se alzaron con el Premio a la mejor interpretación femenina para Ana Dachs, el Premio al mejor libreto para Ricky Fan e Iker Azkoitia y el Premio al mejor montaje. No obstante, para Iker el mayor premio que obtuvo ese día fue la reacción y las felicitaciones que recibió de sus maestros. “Fue una mezcla de pequeño orgullo y felicidad absoluta de verles tan contentos y satisfechos con algo que había hecho yo”, confiesa emocionado.

Provenientes de distintas escuelas de interpretación, como Arte4, Corazza, ESAD o RESAD, estos jóvenes actores han sabido fusionarse a la perfección. Como ellos mismos expresan, sus escuelas “son totalmente distintas entre sí e interpretativamente, incluso los que tenemos la misma formación, tenemos una técnica diferente. Es lo más importante y lo que más valoramos del equipo que formamos, donde más aprendemos”. Para ellos, la riqueza y la belleza de su oficio reside en el proceso de acoplarse a la técnica del otro y la escucha al compartir escenario con personas que utilizan otro tipo de recursos. Además, Iker cree que es fundamental “todo lo que los demás tienen que aportar como artistas a la obra, que estén implicados y no sean simples actores» que él como director debe manejar.

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Cuando piensan en el grupo que han formado entorno a la obra, su impresión es la misma: “hemos tenido muy buena suerte”. Jaime Riba y Eva Ramos, que interpretan a Adri y a Claudia respectivamente, cuentan entre risas que lo más interesante de Una corona para Claudia es que han cogido “lo mejor de cada uno” y han ido “impregnándose de su técnica y estilo”. Además, al haber alternantes, cada elenco es diferente y, aunque la historia es la misma, la dualidad actor-personaje es única en cada función. Sin duda, una exquisita simbiosis que el público puede sentir desde sus asientos.

La música y la obra surgieron en paralelo. Iker ideó los personajes, las escenas, los conflictos y la historia y, en una perfecta combinación con el piano de Ricky, sacaron a flote las canciones que podemos disfrutar a lo largo de la obra. La presencia de Ricky al piano sobre el escenario enriquece el espectáculo y es inevitable no reír a carcajadas con su interpretación de . Naufragos y Autos de choque son algunos de los temas que no podrás dejar de cantar tras ver la obra.

Llevan embarcados en este proyecto casi un año y al echar la vista atrás, Ana Dachs afirma que “Claudia es un personaje que ha fluido, tras un gran trabajo de sala, estudio e investigación”. Se trata de un personaje lleno de luz y vida. El hecho de que Claudia aparezca en la vida de estas personas es totalmente causal, un punto de inflexión de sus caminos. “Yo creo que las cosas pasan siempre por algo y las personas que te encuentras siempre tienen que aportarte alguna enseñanza” reflexiona Ana. Eva también tiene que decir algo sobre esto, ya que piensa que “la luz que tiene Claudia la tenemos todos. A veces, las personas pasan fugazmente por nuestra vida y no nos damos cuenta, pero nos dejan huella. Otras veces, somos nosotros los que marcamos a alguien”.

Claudia cambia las vidas de los demás personajes porque vive el ahora. De todos ellos es la única que es consciente de que el tiempo es limitado y, por ello, decide tomar las riendas de su vida y cambiar aquello que le ata. Aunque hay que decir que este efecto es bidireccional, ya que las historias de todos ellos, incluida Claudia, tomarán un nuevo rumbo tras ese encuentro en un Bla Bla Car hacia un mismo destino.

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Para Iker, el objetivo estaba claro desde el principio: contar las luces y las sombras de nuestro tiempo. “Siempre escribes sobre los temas que dominas y para mí era fundamental hablar sobre lo que estamos viviendo, como nos relacionamos, como afrontamos la amistad, el trabajo, los sueños, la muerte” explica el autor y director. Un objetivo más que alcanzado, ya que Una corona para Claudia es una obra de ahora, muy natural y cuya trama es perfectamente extrapolable a la vida de cualquier joven de nuestra generación.

Ahora, el elenco se ha quedado sin su protagonista, Ana Dachs, y Eva Ramos toma el relevo en el papel de Claudia. Ella ya había interpretado a este personaje como alternante, pero en el estreno en Alfil lo ha hecho enteramente suyo. Laura Ledesma, que interpreta a Ifi, comenta sobre sus compañeros que “a pesar de que siempre hay una parte de ti mismo en el personaje, en esta obra se hace muy evidente que cuando unos u otros interpretan un mismo papel, éste toma sentido. Al final es la misma esencia, contada de forma distinta”.

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Sin menospreciar a la Sala Nada, espacio con un encanto muy especial donde han conseguido colgar el localidades agotadas en numerosos pases, el cambio de escenario le ha sentado bien a la obra. El mayor reto para el elenco de Una corona para Claudia era conseguir trasladar el ambiente íntimo que habían creado en la Sala Nada a la Alfil. El desafío ha sido totalmente superado, ya que sigue siendo una obra cercana y con la que te sientes identificado de principio a fin. La escenografía sigue caracterizándose por la sencillez, sin grandes cambios, aunque el elenco no necesita más ornamento que su propio talento. Al terminar la representación el día del estreno, los actores no pudieron contener la emoción ante la ovación de un público entregado, que demostró su disfrute con los efusivos aplausos durante toda la obra y, sobre todo, tras su épico final.

Una corona para Claudia se convierte así en uno de los imprescindibles de este año para todo el que quiera disfrutar de un teatro de calidad, lleno de frikismo, magia e ilusión.

Autor y director: Iker Azkoitia
Música: Ricky Fan e Iker Azkoitia
Elenco: Iker Azkoitia, Ricky Fan, Eva Ramos, Laura Ledesma, Jaime Riba y Juan Jesús Di Manuel
Dónde: Teatro Alfil
Cuándo: domingos de julio a las 20.30h y viernes de agosto 20.30h
Más información y entradas aquí

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Espectáculos y teatro

Los festivales de teatro imprescindibles del verano

En Taquilla.com nos encantan los festivales. Música, danza, cine… ¡De todo! Y cómo no, no podemos dejar de lado las artes escénicas. Por ello, hoy te traemos los festivales de teatro que no te puedes perder este verano. Hay vida después de Almagro y Mérida y para demostrártelo hemos recopilado una serie de ciclos de máxima calidad, quizá no tan conocidos, pero no por ello prescindibles. Son muchas las poblaciones organizan estos eventos para hacer de nuestras noches estivales veladas más bonitas y enriquecedoras. Así que, estés donde estés, de vacaciones o no, seguro que te encuentras cerca de alguno de estos festivales.

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El Institut Valencià de Cultura nos trae Sagunt a Escena, en colaboración con el Ayuntamiento de Sagunto y la Diputación Provincial de Valencia. Se trata de la XXXIII edición de este festival, que se celebra cada año en el Teatro Romano de la localidad. Esta construcción única, datada en el 50 d.C., supone sin duda un escenario inmejorable para acoger a obras como Madre Coraje de la compañía Atalaya-TNT, Reina Juana, protagonizada por la insigne Cocha Velasco o Fedra de la compañía Perros Daneses.

Sagunt a Escena apuesta por espectáculos que abarcan múltiples artes escénicas, siempre de máxima calidad. Todas sus ediciones cuentan con una línea argumental en la que se centra la programación. Este año se dedica al tema «En femenino», consolidando el compromiso de lucha por la igualdad de género en la cultura.

Cuándo: Del 21 de julio al 10 de septiembre
Dónde: Sagunto, Valencia
Consulta toda la agenda aquí

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Festival de San Javier

En agosto vuelve a San Javier este festival, que cuenta con una larga trayectoria a sus espaldas. ¿Sabías que el Festival de Teatro, Música y Danza se lleva celebrando en este municipio desde 1969? Ese año un conjunto de grupos de teatro regionales decidieron unirse sobre un escenario ante un reducido público que fue creciendo con el transcurso de los años. Más tarde, comenzaron a incorporarse grupos de teatro del panorama nacional e internacional, posicionando al Festival de San Javier como una de las citas obligatorias para todos los amantes de las distintas disciplinas que abarca.

En esta edición podremos disfrutar de obras como La estupidez con los actores Fran Perea y Toni Acosta, Los vecinos de arriba con Pilar Castro y Candela Peña, Macbeth de Antonio Saura, Alejandro Magno con Félix Gómez y Amparo Pamplona y de la actuación de la célebre Verónica Forqué en La respiración, entre otras.

Cuándo: Del 3 al 23 de agosto
Dónde: San Javier, Murcia
Consulta toda la agenda aquí

Festival Clásico de Olite

Las noches estivales de este mágico pueblo navarro se ven amenizadas un año más por su Festival de Teatro Clásico. Su XVII edición coincide con el IV centenario de la muerte de Cervantes y Shakespeare. Por ello, la mayoría de las obras de la programación están dedicadas a estos emblemáticos escritores. Entre las obras que se representarán sobre el escenario de Olite encontramos Ricardo III, Mucho ruido y pocas nueces o Macbeth, ya no somos el olvido que seremos, todas ellas inspiradas en la obra del dramaturgo británico. Basadas en la vida y obra de Cervantes podremos disfrutar de Cervantina, Los chismes del Quijote y su amigote y El Quijote en la patera.

Actores de la talla de Concha Velasco, Arturo Quejereta, Nuria González o Javier Collado se dan cita en La Cava para dar lo mejor de sí mismos sobre las tablas y hacerte pasar unas exquisitas veladas.

Cuándo: Del 22 de julio al 6 de agosto
Dónde: Olite, Navarra
Consulta toda la agenda aquí

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Feria de Teatro de Castilla y León

La segunda quincena de agosto vuelve a Ciudad Rodrigo la Feria de Teatro de Castilla y León, un acontecimiento único en el campo de las artes escénicas. Con una programación muy variada y versátil se darán cita importantes compañías de teatro, danza y muchas más disciplinas. La localidad salmantina de Ciudad Rodrigo se convierte así durante cinco días y noches en el escenario de múltiples espectáculos, que harán las delicias de los asistentes.

Magia, color e ilusión se fusionan en esta feria. Obras como El retablo de las maravillas, Clásicas envidiosas o Restos/Fedra se dan cita en la XIX edición de este acontecimiento indispensable para todo tipo de público.

Cuándo: Del 23 al 27 de agosto
Dónde: Ciudad Rodrigo, Salamanca
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Festival del Castillo de Niebla

Entre los muros del histórico Castillo de los Guzmanes de la localidad onubense, se celebra la XXXII del Festival de Teatro y Danza del Castillo de Niebla. Un fondo único para un festival único, que está considerado uno de los eventos teatrales más importantes a nivel nacional.

Cervantina de Yayo Cáceres, Ricardo III de Noviembre Teatro, Miguel Will de 13 entre L y M o El burgués gentilhombre son algunas de las obras que podremos disfrutar dentro de la programación de este festival. El Castillo de Niebla reúne cada año compañías y artistas sobre un mismo escenario, pero este año no se limita a eso, sino que se utilizan nuevos espacios dentro de la urbe para la representación de diversos espectáculos. Toda una fiesta que inunda las calles de Niebla durante más de un mes.

Cuándo: Del 9 de julio al 20 de agosto
Dónde: Niebla, Huelva
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Temudas Fest

No nos olvidamos del Festival de Teatro, Música y Danza de Las Palmas de Gran Canaria. Ya son XX las ediciones que lleva celebradas este acontecimiento mágico celebrado en una de las islas más turísticas de España. Compañías y artistas del panorama nacional e internacional se dan cita en un entorno único, con espectáculos de toda índole.

Podremos disfrutar de representaciones como Fighters o Naufragos, conciertos como el de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria o espectáculos circenses como Mundos de Papel de Vol’e Temps o Fiers à Cheval de la Compaigne des Quidams.

Cuándo: Del 7 de julio al 13 de agosto
Dónde: Las Palmas de Gran Canaria
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Espectáculos y teatro

La Maratón de Nueva York: cuando la vida es una carrera de fondo

¿Eres amante del running? ¿Has compartido con un amigo una larga carrera por el parque alguna vez? Entonces conocerás esa sensación de intentar acompasarte a su ritmo, de sufrir en compañía, conocerás esa camaradería a veces fraternal, a veces competitiva, y las conversaciones filosóficas que surgen más sinceras que nunca. Ahora, todo este mundo se convierte en arte en los Teatros Luchana con La Maratón de Nueva York, que llega para quedarse durante todo el mes de julio.

La maratón de Nueva York - 3

El planteamiento es sencillo. Dos amigos, un entrenamiento, una noche húmeda y una meta compartida: prepararse, con un año de margen, para la maratón de Nueva York. Por delante, 42 kilómetros de desafío y 60 minutos de puro teatro. Una larga carrera en la que Roberto y Mario, amigos de toda la vida, compartirán sus recuerdos con el público. Su larga amistad deriva en lo inevitable: risas, obstáculos, discusiones y mucho, mucho cariño. Veremos dos historias que se encuentran, una charla relajada por el parque. Porque esa la magia del teatro: con dos actores es mucho más que suficiente. Como el arte y como la vida, que cumplen el mismo axioma: sin fursilerías, el mensaje permanece más auténtico.

La Maratón de Nueva York es una pieza de degustación exquisita. Es un reflejo del deporte y de la vida, sin necesidad de grandilocuencia o adornos. Una demostración gráfica de cómo encarar los desafíos, un cuadro de los altibajos de las amistades, de cómo el sentido de la vida y el sudor de esforzrse por un objetivo están íntimamente ligados. Los deportistas se sentirán identificados. Lo que saben de la vida, también. Un poema directo y sencillo sobre la importancia de creer en uno mismo y la necesidad de superarse.

Sobre las tablas: un latente esfuerzo de dos actores que nos sorprenden con un papel poco convencional, una pequeña pista de arena y una carrera continua que Chechu Moltó y Joaquín Mollà alargan durante 60 minutos de obra.

Una pieza imprescindible no sólo por sus reflexiones (si bien no innovadoras, siempre necesarias), si no por lo rompedor de su planteamiento. Esfuerzo, límites, sacrificio, técnica. Un camino siempre duro y siempre plagado de obstáculos: pero que no puedes dejar. La naturalidad con la que evoluciona la la estructura de la pieza convierte a La Maratón en Nueva York en una auténtica experiencia que va más allá del teatro.

Producción: Criadero de morsas
Dirección: Jorge Muñoz
Dramaturgia: Edoardo Erba

La maratón de Nueva York - Cartel

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Espectáculos y teatro

4 musicales por menos de 10€

El tiempo libre está para disfrutarlo y si puede ser a bajo coste muchísimo mejor. La oferta de musicales es bastante variada, los hay para todas las edades y gustos, pero todos tienes algo en común: hacer que la música llegue hasta ti y sientas el ritmo en tus propias venas. ¿Sabías que puedes disfrutar de muchos de ellos por menos de lo que imaginas? Hoy, desde Taquilla.com te traemos algunos musicales por menos de 10€. Porque el ocio no tiene por qué ser caro.

Música y diversión para los más pequeños: los musicales infantiles de Luna Teatre

La compañía Teatre Luna lleva, continuamente, estos clásicos de la literatura infantil a los escenarios. Algunos cuentos cantados que harán que tus pequeños vivan una experiencia llena de magia. Podrán cantar junto a sus personajes favoritos: príncipes, princesas, brujas, animales y todos sus amigos. Las historias ya nos las sabemos y seguro que los peques de la casa han visto las películas más de una vez. Ahora Teatre Luna nos ofrece la oportunidad de ver estas versiones musicales, un espectáculo maravilloso pensado para toda la familia.

Dónde: Sala Carolina – Valencia
Cuánto: Desde 5€
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La llamada: el musical que nunca pasa de moda

A pesar de llevar ya 3 años en cartel, este musical sigue llenando la sala principal del Teatro Lara en cada pase. La Llamada es una oda al respeto hacia todas las personas, sea cual sea su condición ideológica, religiosa o sexual. Un espectáculo sobre la vocación, tratada desde un humor a veces más juvenil, a veces más afilado. Sobre el escenario, las increíbles voces de sus protagonistas y una banda en directo nos deleitarán con temas de artistas como Presuntos Implicados o la cantante Whitney Houston. El reparto de La LLamada va renovándose, pero sus directores Javier Ambrossi y Javier Calvo siempre aciertan. Una obra que empezó en el hall del teatro y que, poco a poco, ha llegado a lo más alto, convirtiéndose en un fenómeno que no puedes perderte.

Dónde: Teatro Lara – Madrid
Cuándo: Todos los viernes, sábados y domingos
Cuánto: desde 7€
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El espectáculo más loco de la noche barcelonesa: el Anti-Karaoke

La Fàbrica Moritz acoge un sábado al mes un evento que no te dejará indiferente. A pesar de sus 10 años de existencia, Anti-Karaoke sigue siendo sinónimo de éxito en Barcelona. La cómica cabaretera Rachel Arieff, original de Estados Unidos, dirige este espectáculo lleno de actuaciones eufóricas y delirantes. Una mezcla de ingredientes que atrae a miles de espectadores de todos los rincones del mundo. ¿Te atreves a formar parte de esta experiencia?

Cuánto: 10€
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Cabaret entre bambalinas en Noc, un auténtico vodevil

David Quintana dirige este espectáculo de variedades cuyo eje central es el humor sensual. Lentejuelas, temas de Britney Spears y cabaret se unen en un show prometedor, que te garantiza reír a carcajadas. Su sencilla puesta en escena demuestra eso de que “menos es más”, ya que el ritmo no decae en ningún momento. Todo lo contrario: te ofrecen actuaciones únicas y desde perspectivas poco comunes. Podrás ver situaciones típicas entre bambalinas, actuaciones musicales, baile, acrobacias, y mucho más. Todo un homenaje a algunos géneros que poco a poco vuelven a hacerse hueco en el panorama español: el vodevil, el burlesque, etc. Sin duda, un espectáculo único que no puedes perderte.

Cuánto: desde 10,63€
Más información aquí

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Espectáculos y teatro Eventos

Las 5 mejores adaptaciones teatrales de películas

Del teatro al cine. Año tras año, producción tras producción, la industria cultural nos acostumbra a ver como pequeñas obras de teatro evolucionan, y acaban materializándose en las películas más taquilleras de la cartelera. Un hecho más que constatado en forma de grandes musicales de Broadway: Mamma Mía!, ChicagoLos Miserables. Pero, ¿es esta tendencia unidireccional? ¿Qué pasa con las películas que, después de triunfar en el cine, vuelven reconvertidas en grandes producciones escénicas? Hoy, en Taquilla.com, te queremos ofrecer las 5 mejores adaptaciones teatrales de películas.

SI LA COSA FUNCIONA

Cascarrabias, malhumorado, misántropo y mal educado. Así es Boris Yellnikof, el protagonista de la película de Woody Allen Si la cosa funciona. Un personaje que muchos han relacionado con el propio director, y sobre el que este dijo en su día: “Yo lo he creado. No soy yo exactamente, quizás sea una extrema exageración de mis sentimientos. Las similitudes son obvias”. A pesar de estas similitudes y de la predilección de Woody Allen por protagonizar sus películas, en esta ocasión, la responsabilidad recayó sobre el legendario actor Larry David que, según Allen, es uno de los pocos humoristas que le hacen reír.

Para el protagonista de Curb Your Enthusiasm interpretar Boris fue un gran reto. Poco después de enterarse de la noticia declaró: “Me preguntaba quién le había podido meter esa idea loca en la cabeza, […] no sentí que estaba a la altura para interpretar al protagonista de Si la cosa funciona”. Al igual que a Larry David, para José Luis Gil, el Boris español, también ha sido un gran desafío. Pero de la misma forma que su coetáneo estadounidense, el esfuerzo ha merecido la pena y tanto el público como la crítica han alabado ambas actuaciones.

Dónde: Teatro Maravillas de Madrid
Cuándo: Hasta el 5 de agosto
Reparto: José Luis Gil, Ana Ruiz, Rocía Calvo, Ricardo Joven y Beatriz Santana
Director: Alberto Castrillo-Ferrer
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DIRTY DANCING, EL MUSICAL 

Por primera vez llega a nuestro país Dirty Dancing, el Musical. Después de haber triunfado en el West End de Londres y tras dos temporadas con llenos absolutos, esta adaptación llegará el 1 de diciembre al Nuevo Teatro Alcalá. En Taquilla.com ya nos hallamos contando los días para poder volver a vivir The time of our lives y estamos más que seguros de que este musical será una de las obras más exitosas de la cartelera escénica madrileña.

¿Te acuerdas de esta apasionada historia llena de música, grandes coreografías y mucho romanticismo? Dirty Dancing, el Musical hará que saltes de tu butaca y no pares de bailar y cantar al ritmo de grandes canciones como Hey! Baby, Do you love me? De momento solo podemos conformarnos con el teaser de esta adaptación teatral,  aunque poco a poco vamos conociendo más datos sobre la producción de este clásico ochentero.

Dónde: Nuevo Teatro Alcalá
Cuándo: A partir del 1 de diciembre
Sinopsis y más información aquí

SCARAMOUCHE

De la novela al cine y de la gran pantalla al teatro, así ha sido la vida del justiciero enmascarado Scaramouche. Le conocimos por primera vez en 1921, fecha en la que Rafael Sabatini nos relató por primera vez sus vivencias en la exitosa novela homónima, pero no fue hasta 1952 cuando pudimos ponerle rostro a André-Louis Moreau gracias a la película Scaramouche dirigida por George Sidney. Muchas han sido las versiones sobre esta épica historia ubicada en la Francia revolucionaria del siglo XVIII, pero hasta ahora nadie se había atrevido a realizar un musical sobre Scaramouche, uno de los personajes más memorables de la literatura universal.

Íntegramente en catalán, este musical, que se estrenará el próximo mes de septiembre, es una de las apuestas más potentes de la compañía Dagoll Dagom. Un espectáculo de gran formato que, según sus productores, aunará sobre el escenario la opulencia del genero musical, con  la comedia y el drama, a partes iguales. No te pierdas este otoño este musical de espadas y florines en el Teatre Victoria de Barcelona.

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Dónde: Teatre Victoria de Barcelona
Cuándo: Desde el 30 de septiembre
Compañía: Dagoll Dagom
Director: Joan Vives
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EL OTRO LADO DE LA CAMA

Corría el año 2002 cuando unos jovencísimos Ernesto Alterio, Guillermo Toledo, Paz Vega y Natalia Verbeke hicieron historia con la película El otro lado de la cama. Un musical que marcó un antes y un después en el panorama fílmico de nuestro país, además de convertirse en uno de los largometrajes más taquillero de todos los tiempos. ¿El secreto del éxito de esta película? Canciones que aún permanecen en la menta de muchos de nosotros de grupos tan míticos como Tequila, Los Rodríguez o Kiko Veneno, utilizadas como hilo conductor de una trama llena de historias de amores y desamores en las que todos podíamos vernos retratados. Una combinación perfecta que explica perfectamente la gran acogida de su adaptación teatral. La producción El otro lado de la cama, del autor David Serrano, lleva más de 10 años formando parte de la cartelera de los mejores teatros de nuestro país.

Los actores cambian, el guión se modifica, pero la esencia sigue siendo la misma: buena música, alguna cara conocida y unos diálogos desternillantes. Loreto Valverde, Silvia Gambino, Alex Casademunt, Jose Manuel Pardo, Andres Arenas, Malu Carranza, Triana Ramos y Mayte Mira, en esta ocasión, son los encargados de relatarte qué está pasando al otro lado de la cama en el Teatro Arlequín de Gran Vía hasta el 25 de junio.

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Dónde: Teatro Arlequín de Gran Vía
Cuándo: Hasta el 25 de junio
Reparto: Loreto Valverde, Silvia Gambino, Alex Casademunt, Jose Manuel Pardo, Andres Arenas, Malu Carranza, Triana Ramos y Mayte Mira
Autor: David Serrano
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EL MAGO DE OZ

¿Quién no recuerda la maravillosa película en la que Dorothy, dulce huérfana de Kansas, se adentra en el mundo de Oz ? Allí vimos por primera vez brujas malas y brujas buenas, leones cobardes, monos voladore y hombres de hojalata. Una película de culto para muchos, basa en la novela infantil de L. Frank Baum, El maravilloso mago de Oz. Hasta la fecha han sido muchas las versiones teatrales, tanto para niños como adultos, del Mago de Oz que nos han hecho viajar a través del tiempo y el espacio hacia un lugar lleno de color y fantasía.

Una de las adaptaciones más recientes en la cartelera de nuestro país es la producción de la compañía Complejo de Esquilo. Un plan perfecto para todas aquellas familias que quieran que sus hijos conozcan esta mítica historia llena de magia y esperanza. ¿Quieres acompañar a Dorita en esta maravillosa aventura para todos los públicos?

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Dónde: Teseo Teatro de Madrid
Cuándo: Hasta el 26 de junio
Compañía: Complejo de Esquilo
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Espectáculos y teatro

iMe, distopía tecnológica: el reto de levantar la mirada

Imagina un mundo donde lo tienes todo controlado. Donde los dispositivos tecnológicos son capaces de abastecerte de cualquier necesidad: agua, comida, entretenimiento. Amistades o sexo. Un mundo donde cada uno es educado desde el principio para aprovechar al máximo sus cualidades, y donde puedes vivir protegiendo al máximo tu nombre y tu intimidad. Donde la vida sucede mirando siempre una pantalla.

Este es el universo que nos presenta “iMe”, una magistral pieza donde se satiriza una realidad cada vez más virtual a golpe de carcajada, donde se aventura lo que podría pasar si todo el sistema fallase. La compañía teatral Dara fue creada en 2014 para dar vida a esta obra, para poner nombre a unas cuestiones que quizá todavía no nos habíamos planteado.

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Imagina un mundo donde no exista la interacción interpersonal directa, porque es violenta. O donde las emociones han quedado relegadas por poco convencionales y prácticas. ¿Te suena familiar este argumento, este mundo 3.0? Es posible. “iMe” tiene cierto regusto a realidad palpable. Se siente como una inevitable (aunque drástica) evolución natural de nuestro día a día, donde pasamos más horas diarias mirando pantallas que rostros, donde confiamos nuestros problemas a gente de la que no sabemos su nombre.

Escrita y dirigida por el también actor Roc Esquius, resulta «iMe» una mezcla perfecta entre aquel clásico “Un mundo feliz” y la modernísima serie “Black Mirror”, convertidos en un arte mucho más personal y cercano como es el teatro. Una distopía minimalista y abstracta donde, premeditadamente o no, nos obligan a hacer un profundo ejercicio de imaginación más allá de la habitación donde sucede la historia. El humor, perfectamente dosificado, se convierte en amable vehículo conductor sin el que esta obra bien podría ser un drama.

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Prepárense para una obra directa, cercana, eficaz. Enfatiza el componente humano, la relación público-actor. Su estructura en pequeño un formato que hace que podamos paladear cada uno de los sutiles matices dramáticos que esconde una obra, por lo demás, tremendamente divertida. La inocencia, el ego o la individualidad se convierten en increíbles armas humorísticas de manos de unos actores de habilidades teatrales muy destacables.

«iMe» es divertida. Es amena. Está perfectamente interpretada por un elenco entregado en cuerpo y alma a la representación y que en ningún momento fuerza la esencia de la historia. Lo que al principio parece ligeramente desconcertante cobra lógica en menos de dos conversaciones. Demasiada lógica. Nunca tres sillones y cuatro actores te habían hecho reflexionar tanto sobre tus dispositivos móviles.

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FICHA TÉCNICA

Compañía: DARA
Dramatúrgia y dirección: Roc Esquius
Reparto: Isidre Montserrat (Ámbar), Mireia Pàmies (Beta), Núria Deulofeu (Cala) y Roc Esquius (David)
Producción y comunicación: Anna Juncadella
Escenografía, estilismo y diseño gráfico: Muntsa Codina

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Espectáculos y teatro

El triunfo de la fantasía: 5 grandes espectáculos infantiles para 2016

El teatro siempre es una buena propuesta cultural para pasar tiempo con los amigos y la familia; pero conseguir que los más pequeños de la casa disfruten del espectáculo no es tan sencillo. Desde Taquilla.com hemos realizado una selección de las mejores representaciones, en las que disfrutarán niños y mayores. Música, juegos, aprendizaje y un especial cuidado por los detalles y la escenografía hacen de estos eventos una experiencia que ninguno os querréis perder.

Marvel Universe Live!

Este espectáculo estará disponible en el Palau Sant Jordi de Barcelona durante tres días consecutivos en noviembre de este mismo año. Héroes y villanos enfrentados en una experiencia impresionante en la que podrás ver trajes ignífugos, vehículos que vuelcan en el aire y múltiples acrobacias. Los Vengadores, Ironman, Capitán Ámerica, Hulk, Spiderman y Lobezno se unirán para derrotar a enemigos de la talla de Loki, el Duende Verde o Hydra.

Marvel Universe LIVE! es una producción de la compañía Feld Entertainment, con amplia experiencia en el sector y proyectos como Disney On Ice o Monster Jam que la avalan. Disfruta de dos horas de acción y los mejores efectos especiales en esta función para todos los públicos. Consulta horarios y entradas aquí.

Disney in Concert: Frozen

También en noviembre pasará por Madrid y Barcelona Disney in Concert, en esta ocasión, interpretando la banda sonora de Frozen. La función contará con una orquesta integrada por 50 músicos, 30 coristas y 4 solistas que actuarán en directo, al tiempo que se proyecta la película en una pantalla gigante.

La compañía Proactiv, encargada de la producción y organización de Disney in Concert, entre otros espectáculos infantiles de éxito, ofrece la oportunidad de vivir esta experiencia única tanto en el Barclaycard Center como en el Palau Sant Jordi. Consulta las fechas y horarios aquí.

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Los Pica-Pica

Unos meses antes actuarán los populares Pica-Pica en Arganda del Rey (Madrid); concretamente el sábado 18 de junio. Nacho Bombín, Emi Bombón y Belén Pelo de Oro pasarán por la Sala Teatro Casablanca para interpretar canciones como El patio de mi casa, Susanita tiene un ratón, El baile de la fruta o Tómbola; música, teatro, diversión y educación unidas en un solo espectáculo.

El grupo de animación infantil ya ha logrado el éxito entre los más pequeños de la casa. Los vecinos de este patio tan particular te invitan a disfrutar de sus historias llenas de aventuras y, por supuesto, a participar en ellas. Podrás acceder a las estradas desde este enlace.

Festival Clan TV

El Festival del Clan también es una representación en directo con los personajes infantiles más populares de la televisión. Los Lunnis, Pocoyó, Caillou, los amigos de Barrio Sésamo o la Abeja Maya, entre otros, te acompañarán en este musical tan especial que celebra ya diez años del Clan TV.

La exitosa obra, a cargo de Pandora Producciones y Lemon Live Entertainment, recorrerá la geografía española para celebrar su cumple con los niños, que participarán activamente durante toda la función. Para consultar los diferentes horarios, precios y entradas, pincha aquí.

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Disney on Ice

Otra producción de Feld Entertainment dedicada al mundo Disney es la que realizan inspirándose en el patinaje sobre hielo. Tus personajes preferidos actuarán en un espectáculo asombroso que cuida cada detalle. En esta ocasión, la función está programada para marzo del año próximo y la película elegida será Frozen.

El equipo, integrado por patinadores profesionales internacionales, pasará por el Barclaycard Center de Madrid y por el Palau Sant Jordi de Barcelona. No te quedes sin entradas y consigue más información sobre el evento aquí.

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Espectáculos y teatro Eventos

Los 7 mejores espectáculo del mes de junio

Llega el mes de junio, con sus días soleados y las vacaciones a la vuelta de la esquina. Cada vez apetece menos quedarse en casa y por eso en Taquilla.com te queremos traer los 7 mejores espectáculos para que este mes de junio disfrutes de los nuevos estrenos y giras que llegan a las grandes salas españolas.

VAREKAI DEL CIRCO DEL SOL

El Circo del Sol sigue de gira por nuestro país y, este verano llegará a Zaragoza con su nuevo espectáculo Varekai, un universo fantástico donde todo es posible. Una trama que evoca a anteriores producciones: en un bosque encantado, aparecerá un joven perdido que se embarcará en la mayor aventura de su vida. Como ya nos tiene acostumbrados, esta exitosa compañía hará volar nuestra imaginación gracias a la fuerza y la pasión de sus acróbatas de élite.

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Dónde: Pabellón de los Deportes Príncipe Felipe (Zaragoza)
Cuándo: Hasta el 3 de julio
Precio: Desde 28€
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MAMMA MÍA!

Otras de las grandes producciones que también va a estar de gira este verano es el mítico musical de Broadway, Mamma Mía! Basado en las canciones originales del grupo sueco ABBA, este musical lleva desde 1999 triunfando en todo el mundo. Más de 60 millones de espectadores ya han disfrutado este divertido musical que llegará a Murcia el 2 de junio.

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Dónde: Auditorio Víctor Villegas
Cuándo: Hasta el 5 de junio
Precio: Desde 34€
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LOS VIVANCOS

¿Qué pasaría si se uniesen el heavy metal y el flamenco? Eso es lo que se preguntaros Los Vivancos a la hora de idear su nuevo espectáculo, Born to Dance. Después de haber triunfado en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía, han llegado a Barcelona para quedarse durante todo este mes de junio.

Un show donde el espectáculo, la danza, la técnica y el humor convergen para crear un fantástico universo, siempre acompañados de una orquesta sinfónica en directo.

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Dónde: Teatre Tívoli (Carrer de Casp, 8, Barcelona)
Cuándo: Hasta el 3 de julio
Precio: Desde 18,40€
Entradas y más información aquí.

ANDRÉ Y DORINE

Después de haber recorrido 16 países durante una gira mundial, este mes de junio André y Dorine vuelven al Teatro Poliorama. Una obra de teatro de máscaras que fusiona drama y comedia y que ya ha triunfado en las mejores salas de Londres, Nueva York, Shangai o Buenos Aires. Una reflexión sobre el alzheimer de la compañía Kulunka Teatro, especialmente dirigida a un público adulto.

André y Dorine son una pareja de ancianos a los que se les ha olvidado el motivo que les unió. Los únicos testimonios de su pasada vida en común cuelgan de las paredes. Toda esta espiral de olvido y desidia acabará cuando un inesperado acontecimiento les obligue a recordar quienes fueron y cómo se amaron en el pasado, para seguir amándose.

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Compañía: Kalunka Teatro
Reparto: Jose Dault, Garbiñe Insausti y Edu Cárcamo
Dónde: Teatro Poliorama (Rambla dels Estudis, 115, Barcelona)
Cuándo: Del 1 al 26 de junio
Precio: Desde 16,15 €
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SI LA COSA FUNCIONA

Todo este mes de junio tienes una cita en el Teatro Maravillas con una de las comedias más desternillantes de la cartelera madrileña, la adaptación teatral de la aclamada película de Woody Allen, Si la cosa funciona. José Luis Gil se meterá en el papel Boris, un misántropo malhumorado que se considera a sí mismo un genio. Woody Allen, ya reconoció sobre este personaje: Yo lo he creado. No soy yo exactamente, quizás sea una extrema exageración de mis sentimientos, las similitudes son obvias.

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Director: Alberto Castrillo-Ferrer
Reparto: José Luis Gil, Ana Ruiz, Rocío Calvo, Ricardo Joven, Beatriz Santana,
Dónde: Teatro Maravillas (Calle de Manuela Malasaña, 6, Madrid)
Cuándo: Hasta el 3 de julio
Precio: Desde 12€
Entradas y más información aquí.

LA CHOCITA DEL LORO

Este mes La Chocita del Loro no se va de vacaciones, y para celebrarlo nos ofrece una gran programación en todas sus salas de Senator, Hermosilla y Carabanchel. Grandes humoristas como José Campoy, con su espectáculo No es país para tiesos o Bermúdez, con Cada oveja con su pareja te esperan en Madrid para combatir el calor a base de carcajada.

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Dónde: Teatro La Chocita del Loro Senator ( Gran Vía 70)
Cuándo: Todo el mes de julio de lunes a domingo
Precio: Desde 10, 2 €
Toda la programación de la Chocita del Loro aquí

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Espectáculos y teatro Eventos

¿Por qué el teatro de calle está cada vez más de moda?

Para muchos actores, el teatro de calle es uno de los mayores retos a los que tendrán que enfrentarse en toda su carrera, pero merece la pena. La apuesta por este tipo de teatro es sinónimo de cercanía con el público. Al saltar de los escenarios a las calles de la ciudad los actores pueden interactuar, ver la respuesta del espectador e, incluso, tocar al público. La esencia de este fenómeno, cada vez más habitual, es tratar de conquistar a un público tan heterogéneo que los actores tienen que utilizar toda su originalidad para poder engancharlos a todos.

El teatro de calle es una invitación para cualquier persona pueda disfrutar de un espectáculo de calidad, normalmente muy poco convencional, y desgraciadamente infravalorado en muchos casos. Los verdaderos amantes del teatro de calle sabe que las posibilidades que te da salir al aire libre son inmensamente mayores que las de un recinto cerrado. La imposibilidad de controlar el sonido, la escena e, incluso, los propios movimientos hace que el teatro de calle evoque a los orígenes de un expresión artística que llenaba de color y de magia las plazas y calles de ciudades y pueblos.

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La máxima manifestación de la apuesta por este tipo de espectáculo es el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, más conocido como TAC. Cada año, la capital de Castilla y León saca a la calle lo mejor de las artes escénicas en nuestro país, haciéndoles saltar de sus espacios habituales a las calles de esta histórica ciudad.

Esta decimoctava edición no podría ser menos y, del 20 al 28 de mayo, Valladolid se convertirá en la Ciudad del teatro con nuevos espacios y muchas más compañías que en años anteriores. La obra Paysages Inériers, de la compañía de Philippe Gentry, será la encargada de inaugurar el festival. No te pierdas la programación completa del TAC de Valladolid.

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Los orígenes de esta alternativa teatral, en auge en nuestros días, se remontan mucho más atrás en el tiempo de lo que te puedas imaginar. Durante un largo periodo de oscuridad cultural en Europa todas las manifestaciones teatrales fueron eliminadas de la vida pública. No fue hasta la Edad Media cuando la iglesia optó por usar el teatro como herramienta para que sus fieles fueran partícipes de las historias sagradas. Estos actos, mayoritariamente desarrollados dentro de las iglesias, hicieron que se volviera a poner en funcionamiento es espíritu teatral. A partir de ese momento las nuevas manifestaciones teatrales, que no se centraban en los pasajes de la Biblia, tomaron las calle y poco a poco obtuvieron la importancia que se merecían.

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La 62º edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida abre un nuevo ciclo más clásico, moderno e intemporal

La 62º edición del Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, uno de los eventos culturales más potentes en nuestro país, ya ha anunciado su programación. El leitmotiv de este año, la apuesta por grandes figuras de la antigüedad, como Aquiles, Alejandro Magno o Marco Aurelio. Paloma San Basilio será la encargada de dar el pistoletazo de salida el 6 de julio a este festival, que cada año convoca a más amante de las artes escénicas,  con su obra La décima musa, una nueva versión de la figura de los clásicos en los musicales.

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¡HABEMUS DIRECTOR DEL FESTIVAL! Por quinto año consecutivo, Jesús Cimarro será el encargado de liderar todo lo que acontece a este encuentro cultural, llegar hasta aquí no ha sido fácil,  ha asegurado el director del festival. Una edición que se define como clásica, moderna e intemporal y que contará con una programación marcada por la apuesta por la variedad de géneros y títulos nunca vistos en Mérida.

Del 6 de julio al 8 de agosto, el Teatro Romano de Mérida acogerá siete estrenos absolutos, un concierto sinfónico, además de una programación OFF en torno a la figura de Augusto. Nuevamente grades figuras de las artes escénicas, de la música y la danza pisarán la arena de este teatro romano para deleitar al público de esta sexagésima segunda edición. Nombres como Paloma San Basilio, Toni Cantó, Verónica Forqué, Estrella Morente, Antonio Canales, Melani Olivares, Fele Martínez, entre muchos otros, encarnarán a estas míticas figuras del teatro clásico. El verano teatral extremeño se iniciará con el espectáculo La décima musa, dirigido por Josep María Mestres y con Paloma San Basilio e Ignasi Vidal, una reinterpretación de los grandes éxitos de los musicales ambientados en el teatro clásico.

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Una edición dedicada a la figura de esos grandes héroes de la antigüedad que marcaron la historia: Alejandro Magno, interpretado por Armando del Río nos deleitará con la historia mítica figura de la antigüedad y sus épicas hazañas aún presentes en nuestros días; o la versión de Roberto Riveras del personaje legendario de la Iliada, Aquiles, el hombre, sobre la compasión de este guerrero semidivino. Y desde la mitología romana, actores de la talla de Verónica Forqué, Melani Olivares, Fele Martínez nos presentan Los hilos de Vulcano, una obra donde la comedia y la música se dan la mano para narrar la historia de las infidelidades de la esposa de Hefestos, Afrodita, desde una perspectiva actual.

La oferta teatral se completará con el concierto sinfónico del violinista armenio Ara Malikian el 8 de agosto, un espectáculo que ya han disfrutado 40.000 espectadores y en el que tendrán un hueco artistas tan dispares como Lola Flores, Paco de Lucía, Led Zeppelin o Verdi.

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El festival también extenderá su concepto clásico, moderno e intemporal a otros enclaves extremeños, con una programación paralela, en los teatros romanos de Medellín y Regina,  se podrá disfrutar de producciones presentadas en el pasado año en Mérida. Podrás volver a disfrutar de obras como La asamblea de las mujeres, Hércules y El cerco de Numancia, además de una programación OFF que llenará la ciudad emeritense de exposiciones, talleres, conferencias y proyecciones de cine en torno a la figura del primer emperador romano, Cayo Augusto.

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El Festival de Teatro Clásico de Mérida se ha ido posicionando como uno de los mayores eventos culturales de nuestro país, y se presenta, junto al manchego Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, cuya 39º edición está dedicada a las figuras de Shakespeare y Cervantes, como las dos grandes apuestas teatrales de este verano.

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Espectáculos y teatro

Fiesta del Cine 2016

Vuelven las mejores películas a 2,90€ con la décima edición de la Fiesta del Cine. Tras el éxito de años anteriores, en los que se llegó a superar los dos millones de asistentes, este 2016 tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de mayo en más de 3.000 salas de toda España.

El funcionamiento del evento será el mismo que en ediciones pasadas; tan solo será necesario rellenar el formulario en la web y llevarlo a la entrada de la sala. Para los espectadores de menos de 14 años y para aquellos que superen los 60, no será necesaria la acreditación; podrán disfrutar de la promoción mostrando el DNI en la taquilla del cine.

La Fiesta del Cine mantiene también la amplia variedad de canales de venta para esta ocasión; las entradas pueden ser adquiridas en las taquilla físicas, en los cajeros de tickets o a través de Internet. En cualquiera de los casos, será necesario presentar la documentación al llegar a las instalaciones. Además, puedes consultar las salas en las que estará disponible la oferta aquí.

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La organización del evento se ha llevado a cabo por la Federación de Asociaciones de Productores Audiovisuales Españoles (FAPAE), dedicada al fomento del crecimiento del sector; la Federación de Distribuidores Cinematográficos (FEDICINE), formada por distribuidoras de la talla de Hispano Foxfilms, Paramount Pictures Spain, Walt Disney Studios Motion Pictures Spain o Warner Bros; la Federación de Cines de España (FECE); y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), vinculado al Ministerio de Cultura.

¿El objetivo de la Fiesta del Cine? Incrementar la asistencia a las salas de cine y establecerla como una práctica habitual en nuestra sociedad para que el público pueda disfrutar de las mejores películas en la pantalla grande. En esta ocasión, la cartelera está plagada de obras protagonizadas por reputados actores como Daniel Radcliffe, Charlize Theron, Robert Downey Jr, Ben Affleck o Maggie Smith.

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Si aún no has decidido qué es lo que quieres ver, la página web del evento te ofrece un listado de las películas que estarán emitiéndose durante estos tres días y una pequeña descripción de ellas. Desde Taquilla.com te facilitamos el enlace a la cartelera. No pierdas la ocasión de conseguir las entradas al mejor precio y disfruta de tus películas preferidas.

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Espectáculos y teatro

AIHUA: un espectáculo circense directo a los sentidos

La magia llega a Madrid gracias a la gira nacional del Cirque des Sense, con su mágico espectáculo Aihua, un circo contemporáneo, plagado de acrobacias inimaginables. Desde el 25 de mayo al 12 de junio en el Teatro Calderón de Madrid, la fuerza de los acróbatas de élite y la pasión interpretativa de sus protagonistas transportarán al espectador al mágico mundo de Aihua. En el mundo mágico de Aihua todo es posible, el Cirque des Sense pondrá a volar la imaginación de niños y mayores sumergiéndose en un universo lleno de fantasía y emoción.

Ya no hacen falta animales para pasar un rato divertido en el circo. Este espectáculo circense, creado por Domingo Sánchez, pone de manifiesto que una magnífica escenografía, junto a una potente historia y unos sorprendentes números acrobáticos hacen este espectáculo circense haya podido cosechar éxito tras éxito desde su estreno, allá por el 2014. Sus estrellas, un gran elenco de gimnastas de élite, profesionales que cuentan con  títulos internacionales y, alguno que otro, es colaborador habitual del Circo del Sol.

Juegos en el aire, saltos y figuras imposibles, combinados con fantasía y la fuerza, equilibrio y habilidad de sus acróbatas hacen de este espectáculo una experiencia única. La obra, dirigida por el malagueño Luis Blanco, también hará volar la imaginación del público de Starlite Marbella, en su única función de este festival de referencia en Europa el 14 de agosto.

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AIHUA: La historia

Dos hermanos, de manera fortuita, se sumergen en un mundo lleno de magia donde vivirán una de las mayores aventuras de su vida, después de abrir una caja que encuentran en un viejo teatro. Rafa, es un joven solitario, absorbido por las nuevas tecnologías y que rara vez despega su mirada de la pantalla de su móvil o videoconsola. Por otro lado, su hermana Irene, una joven llena de pasión e imaginación, siempre está imaginando un sinfín de mundos de fantasía, tal vez llevada por las historias llenas de magia que solía contarle su abuelo.

Un día Irene, mientras espera a su hermano en un viejo teatro, descubre una misteriosa caja con la inscripción Aihua. La joven decide abrirla y es absorbida por este fantástico universo de fantasía. Su hermano Rafa, ante la desesperación de no encontrar a su hermana decide embarcarse en la mayor aventura de su vida a través de un mundo mágico, lleno de acróbatas y contorsionistas que también transportarán al espectador al fantástico cosmos creado por el Cirque des Sens.

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LA PRODUCCIÓN

Aihua ha creado una gran expectación entre el público y no ha dejado a ningún espectador de sus giras anteriores indiferente. Esta producción de Merlín ya ha conquistado los corazones de mayores y pequeños desde su estreno en el Tívoli World de Benalmádena en 2014. ¿La razón de su éxito?, una excepcional puesta en escena, llena de juegos de iluminación, un vestuario colorista y fantasioso, acompañado de una magnífica banda sonora que marca el ritmo de los sus arriesgados números acrobáticos.

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Espectáculos y teatro Eventos

La 39º edición del Festival Internacional de Teatro de Almagro: un homenaje a Cervantes y Shakespeare

La ciudad monumental de Almagro se ha convertido en un referente internacional de la cultura, y en particular de las artes escénicas, todo gracias a su festival internacional de teatro clásico. En el corazón de La Mancha, cada mes de julio desde 1978, Almagro trasporta a sus visitantes al Siglo de Oro de las letras españolas y 39º edición del Festival de Teatro de Almagro, bajo el lema ¡Vivan los clásicos!, se viste de gala para no dejará a ningún amante del teatro  indiferente.

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Con motivo de cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes, la denominada Ciudad del Teatro convertirá a al máximo exponente de la literatura española, en el protagonista casi absoluto de la programación del Festival de Teatro de Almagro en 2016, que se celebrará del 7 al 31 de julio. Este maratón de Cervantes arrancará el 8 de julio con la suit del Ballet Don Quijote, de la Compañía Nacional de Danza. 23 espectáculos, seis exposiciones y dos eventos especiales conmemorarán la figura del dramaturgo.

Entre los espectáculo que giran en torno a la figura de Cervantes podemos destacar la propuesta de Laila Ripoll y Mariano Llorente sobre un Cervantes ejemplar, donde se combinará en escena, de una forma bastante libre,  El licenciado Vidriera y El celoso extremeño. 

El 7 de julio, un día antes del comienzo de este homenaje, el Premio Corral de Comedias dará el pistoletazo de salida al Festival de Teatro Clásico de Almagro. Este año el galardón será concedido a la actriz Concha Velasco, que se presentará por primera vez en la Ciudad del Teatro con su representación del monólogo Reina Juana, escrito por Ernesto Caballero. Pero no solo la vallisoletana recibirá una mención especial, el compositor José Nieto también recibirá un homenaje por su larga carrera como autor de bandas sonoras.

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Durante casi un mes, pasarán por los escenario de Almagro medio centenar de compañías, 42 españolas y 10 internacionales, que ofrecerán 101 pases de 52 espectáculos programados. Uno de ellos, tras cosechar un enorme éxito en el West End de Londres, llega a Almagro de la mano del actor Steven Berkoff, más conocido por interpretar papeles de villanos, ahora como director presenta Shakespeare´s Villains, un recorrido por los personajes más malvados creados por la psique del máximo exponente de la literatura inglesa y del que también se celebra el cuarto centenario de su muerte este año.

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Sin embargo, no todo gira entorno a las figuras de Shakespeare y Cervantes. La Compañía Nacional de Teatro Clásico, tras el éxito alcanzado en Madrid, acercará al público de Almagro su particular composición de la obra maestra del Siglo de Oro, El alcalde de Zalamea, de Calderón de la Barca. En contraposición, un clásico como es La Celestina, en donde el director, José Luis Gómez, se sumerge tanto en esta tragicomedia que da vida a esa vieja alcahueta corrompida por la codicia, la verdadera protagonista de la obra.

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Con un presupuesto de 1.542.000 euros la ciudad de Almagro no solo contará con 52 espectáculos, de teatro, danza y música. Entre el ir y venir de obras de todo tipo, la dirección del certamen ha organizado nueve cursos, entre jornadas, talleres y encuentros; junto a ocho exposiciones sobre Cervantes y el Teatro Clásico. Los precios de entradas a las obras de teatro oscilarán entre los 8 y 28 euros, aunque once espectáculos serán gratuitos.

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Un entorno único que te transporta al Siglo de Oro
En el corazón de la Mancha, Almagro es la capital histórica del Campo de Calatrava y cuenta con un importante conjuntos histórico-artístico que cada año atrae a miles de turistas. Entre su patrimonio histórico destaca su Corral de Comedias, el cual mantiene la estructura original de los teatro del siglo XVII y, de hecho, es el único de esa época en toda España que permanece completo. Este espacio escénico único, declarado Monumento Nacional en 1955, es un enclave mítico del festival que transporta a todo el que lo visita a los orígenes del teatro en nuestro país y que, ahora, aspira a ser declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

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Espectáculos y teatro

Descubriendo Cabaret: ¿Qué hay detrás de un musical?

Cristina Castaño, Edu Soto y Dani Muriel son los flamantes y carismáticos protagonistas de Cabaret, una nueva apuesta por el musical de Broadway ahora en plena Gran Vía. Una década después de su última producción en Madrid, vuelve el Kit Kat Klub para cantarnos el lado más sensual y trágico de la historia. Y tu puedes ver el musical Cabaret en Madrid porque Taquilla.com sortea dos entradas más una noche de hotel.

Ya os hemos contado cómo surgieron y qué se escondía tras los primeros locales de variedades. También qué os podéis encontrar si os asomáis a las tablas del Teatro Rialto. Pero, ¿qué hay detrás de una superproducción del tamaño de Cabaret? ¿Cómo se construye? SOM Producciones nos invita a descubrir las entrañas del teatro y los camerinos de la obra, ese lugar desconocido para el público en el que surge la magia.

Nos encontramos en plena Gran Vía. Tráfico, turistas y trabajadores conforman el centro neurálgico de la ciudad, al que no es tan fácil trasladar una producción de estas características. Recordemos que hay que adaptar estas obras de gran formato a teatros míticos que, aunque han sido restaurados, cuentan con casi 100 años de antigüedad. Éste es, sin duda, uno de los mayores retos a los que se enfrentan los musicales, y también la mayor satisfacción: “Debéis venir a la Gran Vía. Es una fiesta poder acercarse a la Gran Vía para ver un musical, y un título como Cabaret por todos conocido enriquece todavía más la experiencia.” Nos cuenta Enrique R. del Portal, el actor que encarna a Schultz.

Una vez dentro del Teatro Rialto nos encontramos ante una obra titánica adaptada a un espacio en miniatura. La producción de Cabaret relega los bastidores a larguísimos pasillos, intrincadas escaleras y talleres amontonados cuyo mayor logro es conseguir una coordinación milimétrica para que la obra pueda salir a la perfección todos los días a las 20:30 horas. Y es que tras el resultado de la imagen en escena se encuentran 24 técnicos, 9 músicos actuando en directo y 16 actores entrando y saliendo precipitadamente de escena para realizar hasta 15 cambios de vestuario. Parecía más sencillo, ¿verdad? Esa es la intención.

Una obra no es sólo una obra, no es sólo un bonito espectáculo de dos horas y media. La magia tiene un precio y es muy alto: hay que construirla desde la base, y más en una producción en la que todos los diseños han sido autoproducidos. Miles de horas de ensayo y preparación, de construcción de escenografía, preparación técnica de luces y composición musical están detrás de un espectáculo de grandes dimensiones como Cabaret.

Todo se sustenta en una estricta rutina diaria: dos horas antes de levantarse el telón comienza la pasada inicial, un conjunto de movimientos técnicos en los que se comprueba que luces, sonido y maquinaria funcionan a la perfección. Día tras día. ¿Y los bailarines? También llegan con mucho margen para repasar los bailes, calentar voces y corregir posibles errores, amén del tiempo necesario para maquillarse y vestirse hasta que parezcan recién salidos de 1933. Además, una vez a la semana deben ensayar más intensamente para «limpiar las coreografías» y que estén siempre perfectas. Una jornada laboral maratoniana que esconde cientos de horas de ensayo para un resultado milimétrico.

¿Por qué la gente debería ver Cabaret?, preguntamos. Pepa Lucas lo tiene claro: “No tiene nada que ver con producciones anteriores, es como un musical nuevo. La historia de siempre contada desde otro punto de vista. Se dejan atrás las medias rotas: aquí hay luz, hay color, tiene un puntito más de revista. Es muy lujoso, muy bonito, visualmente es una pasada.” Y tiene razón. Las luces, la escenografía, el vestuario, cuentan con una producción impecable para que el resultado estético sea halagador a todos nuestros sentidos.

Todo este imaginario debe adaptarse a los ritmos de la obra. Y a un vestuario etéreo y delicado que sufre desperfectos con asiduidad. ¿Imaginas organizar decenas de cambios de vestuario para 16 personas? ¿Limpiar, organizar y poner a punto hasta 80 pares de zapatos? A todo esto hay que sumarle sastrería, camerinos, utilería, microfonía e instrumentos compartiendo espacio tras las bambalinas. Una auténtica batalla para conquistar un directo perfecto en cada representación.

Víctor Díaz, cuyo personaje es Ernst, destaca: «Lo bueno de esta producción es que nosotros somos los responsables de la obra. Somos los mismos actores los que hacemos la propuesta, siempre con un director que nos ha guiado por el camino, claro, pero con una apuesta de producción propia. Las franquicias son geniales, hay que traer producto de Londres o Nueva York… pero me parece muy importante que convivan con propuestas de aquí”. Cabaret es el espíritu y el talento de actores, técnicos y productores con ganas de hacerlo a lo grande.

Todo cobra vida cuando el telón al fin se alza. El engranaje se pone en movimiento para coordinar a productores, directores, artistas y técnicos. Es como otra representación paralela donde cada uno tiene su papel y todos son protagonistas. Porque sincronizar a un equipo tan grande en un espacio tan pequeño no es tarea sencilla. ¿El resultado? Uno de los musicales del momento que más van a dar que hablar en Madrid.