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El monstruo de White Roses: Emily Dawson a través del televisor

Decía Fernando Pessoa, poeta, escritor y dramaturgo portugués, que el inventor del espejo envenenó el corazón humano. Casi 90 años después podemos añadir a la frase un responsable más: los medios de comunicación.

Nos encontramos en los aclamados años 90 en Ohio. Un sótano extraño, repleto de cajas de zapatos, desordenado, frío, oscuro. Hay cadenas por el suelo, un colchón desvencijado y todo un ambiente de misterio y extrañeza. El miedo no aparece (todavía).  En el escenario nos recibe de espaldas una chica de ojos llorosos y alma rota. Frente a una cámara nos cuenta su historia: se llama Emily Dawson y, al igual que Alicia, también ha atravesado espejos y pantallas. 

 

“El monstruo de White Roses” es un thriller teatral escrito por Jesús Torres e interpretado por Víctor Palmero y Lucía Díez, rostros conocidos de la televisión y los escenarios.

 

“I ́m here! Help!”, fue el grito de auxilio que despertó al tranquilo barrio de White Roses, en Ohio, una mañana de abril. Aquella voz apesadumbrada y llena de energía era la de Emily, la joven adolescente secuestrada casi un año atrás. ¿Y su verdugo? Harry Coleman, el zapatero del barrio, un hombre esquivo pero tranquilo, quien la había sometido a toda clase de abusos y torturas en el sótano de su casa. Y así es cómo Harry pasó a la Historia de América como el Monstruo de White Roses. Y así es cómo el caso de la desaparición de Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente de manera repetitiva y sensacionalista en los noticieros y periódicos dando pie a la llamada “década de las desapariciones”.

En un mundo actual dominado por los medios de comunicación, las redes sociales – qué curioso que la publicación de este artículo coincida con el veinte aniversario de Facebook –, el mensaje rápido, fugaz, viral y de olvido más rápido todavía, el contenido vacío, el clickbait y la nula crítica del periodismo hacia el periodismo este thriller teatral se hace más necesario que nunca. ¿Y qué mejor forma que criticar el rol de los medios, usuarios, productores y consumidores que mediante una historia truculenta y morbosa? Porque no nos olvidemos que si hay una forma criticable de contar una noticia atroz es porque hay espectadores dispuestos a escucharla y a humedecer los labios. Por eso, resulta tan interesante que en los Teatros Luchana donde se representa la obra, el espectador se vea obligado a entrar a la zona de butacas por el escenario, como si también fuera parte de la cadena, del entramado.

Como en una especie del Mito de la Caverna de Platón, el espectador es puesto frente a un escenario repleto de sombras y cadenas, en el que los actores cuentan una historia que, poco a poco, se va complicando y enroscando en el misterio para dar un sorpasso final.

Cuenta el director y dramaturgo que el proceso de creación ha sido apasionante y que, a raíz de escribir una escena, ensayarla y pulirla nacía la siguiente. Así se forma una obra delicada, con unas interpretaciones fascinantes y más profunda de lo que aparenta. El rol de los medios de comunicación y el sensacionalismo del que se han nutrido la sociedad y los medios, unos para hacer caja y audiencia, otros por querer una víctima sobre la que llorar y volcar sus penas y miserias, como si la desgracia de un desconocido nos sirviera para darnos cuenta de la felicidad (a veces escondida) de la que gozamos. Todo un mecanismo fatal y falto de sensibilidad que entronca lo más negro del ser humano.

Pero también nos habla del juego de los espejos y de las máscaras que ponemos a los demás de una forma prejuiciosa y automática y ahí creo que radica lo más interesante de la obra. Como si no viésemos la escena realmente completa, algo parecido a las sombras que veían los hombres presos de la caverna. ¿Se experimenta una cierta liberación cuando se cierra el telón?

“El monstruo de White Roses” es un retrato de una década en la que las noticias espantosas copaban portadas y espacios con entrevistas mordaces y documentales frívolos. Tiempos oscuros en los que surgía toda una hazaña acompañada de la creatividad más visceral para ver quién se llevaba a la audiencia de calle, quién arrasaba y qué medios conseguían más telespectadores pegados al televisor. De hecho, la propuesta de Jesús Torres es innovadora, ya que se nutre de documentales de este género producidos por Netflix y puesto que combina la dinámica narrativa clásica del teatro con otras formas audiovisuales más actuales.

Todo esto, con el aumento de las tecnologías y el apego – a veces nocivo, todo sea dicho – del móvil y las redes sociales ha mutado a lo que conocemos hoy en día como true crime. ¿Cuántas veces leemos una noticia horrible en alguna red social y nos entristecemos o nos enfadamos con el mundo para, en un segundo después, pasar a otro vídeo, otra foto random?  ¿Existe un limbo con todas las sensaciones que nacen en un segundo casual para morir en otro segundo posterior y casual?

¿Cuántas tragedias en portadas y medios empañaron su verdadera desgracia? ¿Nos acordamos de las víctimas o sólo de la que fue más comentada, más viral? ¿Hay velas para todas ellas? ¿Un caso eclipsa otro caso? ¿Las víctimas logran en algún momento mirar hacia otro lado y seguir con su vida?

Harry Coleman y Emily Dawson se van desnudando, psicológicamente, en el escenario, conversando y ejecutando un retrato perfecto de su cotidianeidad, dando pie a que el espectador vaya elaborando una ficha policial de los hechos y de la psique de cada personaje, para confirmar lo que reconocía Hitchcock: que a cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima. Aunque, a veces, convertirnos en víctimas pueda ser la perfecta solución. Han pasado más de 30 años desde el incidente y hay quien asegura que ha visto a Emily Dawson por alguna calle de Ohio. Hoy, tantos años después, se sigue buscando carnaza: ¿cómo es Emily hoy?, ¿ha olvidado lo que le sucedió?, ¿cómo consiguió salir adelante?, ¿cómo lucha contra las secuelas? Al igual que José María Íñigo, la gente quiere saber…. ¿Estará de nuevo Emily Dawson pronto en sus mejores pantallas?

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‘Cabezas de cartel’ o cómo reflexionar sobre la industria teatral con tanto arte

Celia Nadal y Javier Manzanera, la pareja de cómicos en la Sala Lola Membrives del Teatro Lara

¿Cuál es el fin último del teatro? Históricamente, el teatro siempre ha sido ese espejo en el que se reflejaba y, por consecuencia, se cuestionaba la vida humana. Establece, casi de forma determinante el bien y el mal en lo que al ser humano y a su vida se refiere. Sin embargo, ¿quién cuestiona al propio teatro? ¿Se cuestionan los del gremio a sí mismos? ¿Son coherentes? Y, ¿consecuentes?

Cabezas de cartel es más contenido que continente. El caos en su sentido más amplio como hilo conductor de todo un recorrido por el proceso creativo que supone producir una representación teatral desde cero. La que promete ser toda una crítica a la propia industria nos adentra en el ensayo de ‘Cimarrón, una obra que trata de romper con lo establecido y estampar su propio sello en una reflexión que pone sobre la mesa aspectos que puede que todos piensen, pero que solo unos pocos valientes son capaces de verbalizar y subir a un escenario.

¿Hacia dónde se encamina el teatro de hoy? Levantarse contra lo que nos es impuesto y asumir que, ser conocido o famoso no es ser artista. El artista es el que interpreta, pero sobre todo el que transmite. ¿Y el arte? El arte es la capacidad de crear, y estos dos en escena han creado. Y mucho.

Celia Nadal y Javier Manzanera quieren elegir de qué arrepentirse, y deciden no hacerlo nunca de no haber perseguido su verdadera pasión. Ella es un ataque de expresividad y energía constante, la parte más racional de la historia con unas aspiraciones que bailan entre la pasión, el beneficio e incluso la supervivencia. Él, por el contrario, se muestra como revolucionario y cómodo a la hora de nadar a contracorriente. Fiel, ante todo, a unos ideales que abogan por no venderse nunca a “esa industria” qué tantas páginas ocupa en su obra, y tantos quebraderos de cabeza le ha producido. Ambos, cercanos, queridos, pasionarios y enfrentados en una dicotomía que, muy a nuestro pesar, se presenta en numerosos aspectos y situaciones de la vida, y que no es otra que: ¿razón o corazón?

 

Deciden poner las circunstancias a su favor y, ¿qué mejor manera de hablar de teatro que en el propio teatro? Puede que muchos piensen que esto no va a interesar a nadie, pero las butacas se llenan y su público aplaude, se ríe y rinde ante la maestría de este dúo sobre el escenario.

Cabezas de cartel es la historia de unos valientes que deciden romper con lo establecido y apostar por cuestionarlo todo. Incluso a sí mismos. Unos personajes que bailan con lo que es y no es el teatro, que disfrutan entre contradicciones, misterios, certezas y asumen lo bonito y difícil que es ponerle límites al arte. Apuestan por lo suyo y se emocionan al defenderlo. Se ven así mismos en el espejo y, por supuesto, se gustan. 

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En Tierra Extraña, el musical que resucita la copla en un suspiro

El musical ‘En Tierra Extraña’ reúne a Concha Piquer, García Lorca y Rafael de León sobre los escenarios teatrales

“Lo correcto es el enemigo del arte”, dicen. No sé exactamente qué es y no es lo correcto, ni lo que sería lo correcto para Lorca, la Piquer o Rafael de León, pero lo que presenciamos ayer día 3 de marzo de 2022 en el Teatro Marquina, fue, indudablemente, el más fiel de los amigos del arte.

Los grandes se merecen un homenaje, sería lo que pensó Juan Carlos Rubio, el director que se movía en tierra conocida, pero hizo de ella la más extraña posible. Él, eligió sin duda a los más grandes: ¿Qué pasaría si Concha Piquer, Federico García Lorca y Rafael de León tuviesen un encuentro? Pues esto es lo que se figuró Juan Carlos Rubio, y le llevó a hacer una reconstrucción histórica basada en hechos posibles pero que no sucedieron realmente. Algo así como un final histórico alternativo. 

Los mismos que entraban decididos a ocupar aquellas butacas rojas del teatro, segundos después, aplaudían la voz y el verso que en Tierra Extraña se contenía. Dispuestos a adentrarse en aquel encuentro ficticio de la España del 36, en esa tierra querida que la guerra a tantos arrebató, a lo extraño que tienen a veces los conflictos que se escapan de toda razón o entendimiento. A la historia y al arte de una tierra. Nuestra tierra.

Ansiosos, puede. Expectantes, también. Satisfechos, sí rotundo. Alguna que otra cámara dispuesta a filmar lo que muchas veces se ve en los escenarios, pero pocas se hace de esta manera. Incluso, pasaba por allí un Santiago Segura que, no dudó en asistir, presenciar y recomendar una de las mayores expresiones del arte de nuestro país.

Pero, ¿quién es Concha Piquer? Una mujer de los pies a la cabeza, una artista envidiable, la musa, el duende, la luz y la sombra del espectáculo. La valenciana. La tonadillera por excelencia, la que no acostumbra a recibir un no como respuesta, la expresiva, la emotiva, el arte. Y, ¿Diana Navarro? Diana Navarro, también. 

Junto a ella, encarnado por Alejandro Vera, el hombre de los pies planos y el corazón redondo. El autor de ese tal Romancero Gitano, el poeta cuyo nombre figuraba en las listas negras del país. El de todos y el de nadie, el que ama por encima de todo su tierra y se resiste a huir de ella. Y bajo la piel de Avelino Piedad, el marqués, uno de los grandes del 27, el de las letras de copla, el enamorado, resiliente y vulnerable Rafael de León.

Una obra que rebosa talento, que empapa hasta la médula, que deja la estela de un público en pie que aplaude el arte de antaño. Y el de ahora. Una de esas que te enseñan lo valioso que es pertenecer a un lugar, y lo difícil que es estar en tierra de nadie, porque como decía la Piquer:Entre vivas y entre olés por España se brindó”. 

Imaginémonos ese encuentro en el que Concha Piquer pregunta: “Y, ¿ha merecido la pena conocerme?”, a lo que el poeta Lorca responde: “Más de lo que a mi vanidad le permite admitir”. 

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Una boda y muchos trapos sucios en ‘La madre que me parió’

Una comedia sobre las relaciones entre madres e hijas

Hay quien, al tratar de escribir una buena obra de teatro, busca la sucesión constante de una carcajada tras otra como único objetivo, fin y final. Sin embargo y frente a lo que muchos creen tener como certeza, la verdadera comedia no es aquella que te hace reír mucho o muy fuerte y de manera descontrolada, también es la que te hace sonreír.

Esto es muy fácil. Para cualquiera con un mínimo de ingenio arrancarnos una risa impetuosa y ruidosa es muy sencillo. Una tarea de coser y cantar. Un mal chiste, una caída ridícula o un comentario hábil son muchas veces suficiente pero, ¿qué es de quién consigue mantener a alguien con una sonrisa durante un tiempo? No se trata de provocar una tímida risa con fecha de vencimiento en los dos o tres segundos posteriores, se trata de ser capaz de mantenerla. De principio a fin.

Arthur Miller solía decir que “el teatro es tan infinitamente fascinante, porque es muy accidental, tanto como la vida”. Esta frase del dramaturgo cobra sentido en numerosas historias y en la vida de no solo muchos personajes, también en la de muchas personas. Pero… ¿y en La madre que me parió? ¿No lo hace acaso más que nunca? 

Mujeres divorciadas, mujeres sumisas a cargo de sus maridos, mujeres valientes, madres que necesitan ser reconocidas y queridas pero, sobre todo: mujeres empoderadas. Todas ellas capaces de coexistir formando una simbiosis perfecta.  Mujeres que, al fin y al cabo, nos enseñan que la maternidad es una opción, hasta qué punto puede llevarnos el autoengaño, las consecuencias de una mala decisión o lo dependientes que podemos llegar a ser sin darnos cuenta. Y es ahí donde está el quid de la cuestión, en el mismo quid pro quo al que, indudablemente, se enfrentan madres e hijas generación tras generación. 

Los años pasan y no perdonan y el “te lo dije” de una madre tampoco. Hijas con derecho a equivocarse y madres que tratan de no volver a ver repetidos sus mismos errores. Un camino que de la mano del humor es mucho más divertido. Y menos doloroso.

La veteranía dentro y fuera del escenario precede a las madres: Marisol Ayuso, Aurora Sánchez y a Juana Cordero quienes deslumbran y hacen deslumbrar en el escenario. Unas hijas que, encarnadas por las maravillosas Alicia Garau, Ana Villa, Eva Higueras y Sara Vega no hacen otra cosa que demostrarnos que distintas generaciones son capaces, frente a todo pronóstico, de convivir sin matarse. Así lo han hecho toda la vida. Y así lo harán.

Fue también Arthur Miller quien afirmó que “El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a sí misma.” Y qué cierto es esto. ¿Qué es la comedia sino una manera sana de enfrentarnos a la realidad? ¿Qué es lo que nos asusta? ¿Y lo que nos enfada? O, ¿qué es lo que nos parece injusto? A veces, hacerse cargo de todo este crisol de sentimientos puede resultar muy doloroso.

¿No lloramos lo suficiente ya  por nuestras pérdidas? ¿No sentimos suficiente rabia por nuestras frustraciones? Los años no perdonan igual que no lo hace la vida pero, si nos reímos y sobre todo si sonreímos quizá todo nos parezca un poco mejor.

 

Por: Nara Juárez

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Espectáculos y teatro Monólogos y Humor

Ríete a carcajadas con los mejores espectáculos de humor de los próximos meses

A veces todo lo que necesitamos para arreglarnos el día es sólo un poco de humor. Y no hay mejor manera de disfrutarlo que en directo: cómicos, humoristas y actores nos deleitan con increíbles actuaciones en un ambiente divertido y dinámico. Estos reflejan las locuras y los vicios de la sociedad actual a partir de monólogos e improvisaciones que pretenden sacar una sonrisa a todos los asistentes. 

Con este objetivo, los humoristas más relevantes de nuestro país vuelven a los escenarios durante sus próximas actuaciones. ¿Quieres saber quiénes serán los primeros cómicos en subirse a los escenarios? A continuación, te contamos todo lo que necesitas saber sobre los espectáculos de humor en España con risas 100% aseguradas: 

CORTA EL CABLE ROJO

Carlos Ramos, Salomón y José Andrés vuelven con su archiconocido Corta el Cable Rojo. Un espectáculo de improvisación repleto de risas y humor arriesgado, original y moderno. Podrás ver esta hilarante obra teatral este verano en el Teatro Real Carlos III de Aranjuez del 3 de julio al 1 de agosto y en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid del 4 al 28 de agosto. ¡Una tronchante función en la que la participación del público es indispensable! 

GOYO JIMÉNEZ

Si pensamos en un artista increíblemente polifacético es imposible no nombrar al gran Goyo Jiménez. Un abogado, publicista, cómico y humorista melillense rebosante de experiencias y “especialista” en temas americanos. El artista ha participado en algunos de los programas cómicos más relevantes de España como El Club de la Comedia y La hora de José Mota. Ahora, viene cargado de energía para deleitarnos con un explosivo y nuevo espectáculo en el el Cine Callao de Madrid a partir del próximo 3 de octubre de 2020.

LA GOLFA DEL JAMMING

Una de las compañías de improvisación más importantes de nuestro país viene con su teatro más divertido. La golfa de Jamming aterriza en el Teatro Maravillas el próximo 26 de junio. Una fantástica función escrita ante el público y representada con las herramientas de la interpretación convencional. Los actores de esta función ya han conseguido hacer reír a carcajadas a más de un millón de personas, ¿quieres ser uno de ellos?

 

PANTOMIMA FULL

Rober Bodegas y Alberto Casado, más conocidos como Pantomima Full, llegan a Madrid con su tercer espectáculo teatral. Un show de sketches en directo inspirado en sus famosos vídeos de menos de dos minutos que han provocado auténtico furor en las redes sociales. El de la guitarrita, el canallita, el que siempre se enamora, el runner, el que se apunta a la bebida de moda… conoce a todos estos personajes en esta graciosa función. El dúo humorístico salta de nuestras pantallas al teatro del 16 de octubre al 26 de diciembre en el Teatro Cofidis Alcázar de Madrid

 

OTROS ESPECTÁCULOS IMPRESCINDIBLES:

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Crónica de Lavar, Marcar y Enterrar: cómo fuimos secuestrados durante hora y media en el Lara

En las profundidades del Teatro Lara nos encontramos con una pequeña joya de la comedia. Y es que Lavar, Marcar y Enterrar ya se ha convertido en un must de la sala Lola Membrives y tras 6 temporadas en cartel esta delirante historia de balas, calaveras y pelucas no ha perdido ni un ápice de frescura. Escrita y dirigida por JuanMa Pina, LME consigue mantener cautivos durante hora y media no solo a sus protagonistas sino a todo el público que decide visitar esta peluquería ubicada en pleno corazón del popular barrio de Malasaña. Lo que en un principio comienza con un secuestro (y, de paso, un argumento) sencillo y lineal, desemboca en una maraña de enredos que romperá con todas las reglas espacio-temporales.

El argumento, ya de entrada, promete: dos frustrados aspirantes a policía secuestran a la dueña de una peluquería y a su poco convencional ayudante, con un claro objetivo, hacer un butrón en el sótano de su peluquería para poder acceder al local contiguo en el que se oculta 120.000 euros. Un plan sencillo y, aparentemente, sin puntos débiles que llevará a todos los protagonistas a desenterrar oscuros secretos del pasado y algún que otra sorpresa indeseada.

A lo largo de esta larga noche de cautiverio en la peluquería CortaCabeza, estos dos torpes ladrones pronto descubrirán que en el sótano no solo moran trastos viejos y que para poder hacerse con el suculento botín tendrán, más que aliarse y repartirse el dinero, tratar de confiar en sus dos misteriosos rehenes. Una cuestión de confianza en donde nada es lo que parece y que irá minando la relación de todos ellos hasta desenterrar un pasado que permaneció inmóvil durante años.

Sus protagonistas, Olga Hueso, Mario Alberto Díez, Juan Caballero y Rebeca Plaza, saben perfectamente cómo hacerse con una Lola Membrives reconvertida en una verdadera peluquería, y así lo demuestran cada fin de semana sirviéndose de todos los espacios disponibles del off de este teatro centenario. Pero la obra no solo toma para sí de forma magistral toda la sala, sino que también se hace con la esencia del barrio de Malasaña. La privilegiada localización del teatro hace que el espectador, sin saberlo, acuda a ver la función empapado del ambiente que las calles del popular barrio madrileño.

Con una estética al más puro estilo almodoveresco y una narrativa claramente cinematográfica repleta de flashbacksPina relata de forma magistral cómo Malasaña ha pasado de ser el hogar de maleantes y drogadictos a ser uno de los barrios de moda de la ciudad. A través de la mirada de la dueña, el autor, nos muestra cómo, contra todo pronóstico, la peluquería CortaCabeza y su luchadora propietaria consiguieron sobrevivir a la gentrificación forzada que ha asolado las zonas con más carácter de Madrid.

Un proyecto de teatro en serie que ha desembocado en una trilogía capilar sobre el secuestro. Y es que esta historia sobre una peluquera en serie da para rato, tanto que se ha materializado en un proyecto innovador dentro de la cartelera madrileña: una trilogía teatral compuesta por No hay mejor defensa que un tinte, Rulos, el origen y la semilla de todo, Lavar, Marcar y Enterrar. Una trilogía compuesta por diversos relatos que, a priori diferentes, encajan a la perfección, revelando el talento de JuanMa Pina para hilar situaciones disparatadas sin ningún tipo de fisuras.

Dónde: Sala Lola Membrives del Teatro Lara

Cuándo: Todos los viernes a las 22.15 y sábados a las 21:15 horas

Cuánto:  Desde 16 euros

Puedes consultar aquí todas las entradas disponibles

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Espectáculos y teatro

Los jóvenes talentos invaden el teatro

Triunfar en el teatro no es fácil. Esta es la realidad a la que se enfrentan muchos de los artistas que comienzan su andadura por esta disciplina tan vocacional. ¿Cuántas ideas ingeniosas se habrán vetado por no pertenecer a un nombre y rostro conocidos? Hemos hablado con algunos de estos jóvenes talentos que están consiguiendo llevar sus propuestas a diversas salas de la capital. ¡Acompáñanos a descubrir las posibilidades de estos jóvenes y su potencial para conseguir lo increíble!

IKER AZKOITIA

Es un joven creador multidisciplinar al que le gusta jugar con sus facetas de actor, músico y cineasta para contar historias. Ha protagonizado diversos microteatros, montajes teatrales y cortometrajes, además de diversos trabajos como productor, guionista y director con los que ha obtenido numerosos premios. A finales del 2014 surge la idea de Una corona para Claudia, mientras actuaba para Microteatro Por Dinero. Al observar la representación teatral que realizaban unos compañeros, uno de los personajes femeninos logra entusiasmarle de tal forma que Claudia comienza a cobrar vida en su cabeza. Desde el primer momento tuvo muy claro las circunstancias personales y la actitud ante la vida de su personaje principal.

La obra se estrena en el Certamen de Arte4 – Estudio de Actores, donde consigue alzarse con los premios a mejor montaje, mejor libreto y mejor actriz. El jurado destacó lo redonda que era la obra y la eficacia de las canciones, además de la cercanía y verdad con las que el equipo trabajaba en escena. Desde entonces, todo han sido éxitos; pasaron de representar en la Sala Nada la primera temporada a retomar la segunda en el Teatro Alfil y el 4 de marzo regresan con la tercera temporada en el Teatro Lara de Madrid. Iker nos cuenta que se planteó la creación de un «antimusical» debido a la escasez de recursos. Desde los inicios de esta idea, el objetivo ha sido lograr una experiencia significativa para el espectador más allá del entretenimiento.

Actualmente compagina el regreso de su obra con otros proyectos como la obra teatral Píntame de David Ramiro Rueda, en la que participa como actor. También está inmerso en una nueva creación junto a Lluís Mosquera, un musical protagonizado por una actriz sorda, Ángela Ibáñez. Ambos han llevado a cabo una búsqueda de perfiles multidisciplinares y muy dispares con los que están a punto de empezar un laboratorio creativo; sin duda promete.

DAVID RAMIRO RUEDA

Con devoción por la escritura y la lectura, ya de niño logra ganar algún certamen de cuentos en su ciudad natal, también ha intervenido como director y guionista en diversos cortometrajes. En 2011 presenta su primera novela de intriga, Sombras en la Luna, la cual en poco más de un año alcanza su 3ª edición. Con sección propia en FirstMagazine y participante activo en la sección de teatro de la revista VIM Magazine, en 2014 decide introducirse en la dirección de teatro con sus obras Píntame y La Cicatriz.

Píntame fue su primera creación para teatro, con la que se embarcó en el mundo de la dirección. Lo que David pretendía con esta obra era plasmar tres filosofías de vida muy distintas en las que ninguna es mejor que la anterior y lo sano que puede resultar la mezcla entre ellas. Por otro lado, con La Cicatriz, la idea era mostrar el drama desde un lugar muy íntimo y abordar la soledad en su estado más extremo e incómodo. Por mucha conexión que tengamos a través de Internet con cientos de personas, la sensación de soledad sigue estando ahí, comenta David.

Las críticas positivas resultaron abrumadoras en ambos proyectos, ninguno de los dos equipos se imaginaba que lograrían remover tanto al espectador. Este ingenioso escritor sin demasiadas pretensiones, admite que su objetivo principal es disfrutar de todo lo que hace, apasionarse con las historias que se cuentan en el escenario, que los actores sientan suyas esas historias, y que los que forman el proyecto cuenten con ganas los días que quedan para la próxima función. A partir del 16 de marzo podréis ver la sexta temporada de su obra Píntame en el Teatro Lara de Madrid.

PROYECTO AD LIBITUM

Alejandro Matrán funda en 2011 este proyecto, dónde ha producido eventos musicales, teatro y ópera. Además de su faceta en el ámbito de la dirección teatral, cuenta con diversos proyectos como actor, entre los que destacan destacan RED o Conciencia de Trapo.

Junto a Carlos Álvarez, actual estudiante de guión y compañero de Alejandro en el proyecto, se propusieron componer un musical propio en el que Carlos se encargaría del texto y Alejandro de la música, llegando a la conclusión de que querían contar de alguna manera todo lo que les había ocurrido en ese tiempo; asi surgió su ópera prima.

Morrígan está inspirado en personas que han pasado por el Proyecto Ad Libitum desde los inicios. Se trata de un musical folk en el que no solamente se tienen en cuenta las opiniones de los creadores: cada uno de los miembros del equipo está presente en la obra. Tal y como nos cuenta Alejandro, se hicieron ejercicios de diferentes técnicas actorales para encontrar los matices de cada personaje que más tarde se incluirían en el texto. El primer ensayo general abierto al público, en julio de 2016, recibió críticas bastante positivas a pesar de que faltaban algunos detalles por pulir que se han ido trabajando y mejorando hasta conseguir lo que buscaban. En enero de 2017 se estrenaron en la Sala Nueve Norte y desde entonces no han parado de cosechar éxitos hasta el punto de prorrogar la obra todo el mes de marzo en la Sala Nueve Norte en Madrid.

Actualmente, el Proyecto Ad Libitum se encuentra inmerso en el musical, pero no descartan futuros proyectos ya que tanto Alejandro como Carlos se plantean como próximo objetivo la creación de una obra que quede latente en el público con un mensaje que nos haga reflexionar. Estos jóvenes llegan con gran fuerza dispuestos a sorprender al espectador.

LA JOVEN COMPAÑÍA

En líneas más generales y con un proyecto conjunto en el que se ven involucrados un gran número de jóvenes artistas, se encuentra La Joven Compañía, en la que no se plantea la simple representación sino que engloba un teatro hecho exclusivamente por y para jóvenes. Esta compañía, creada por David R. Peralto y José Luis Arellano, surge en el verano del 2012 con el objetivo de contribuir a la creación de futuros profesionales en el mundo del arte, fomentando la investigación dramática. Actualmente, el grupo lo forman más de una treintena de jóvenes con edades comprendidas entre los 18 y los 26 años, dirigidos por grandes profesionales del teatro.

Representan más de cien funciones cada año en Madrid, además de realizar diversas giras nacionales a lo largo de todo el territorio español. Reconocidos con el premio El Ojo Crítico de Teatro en 2014, han destacado con gran éxito con producciones como Invasión de Guillem Clua (2012), El señor de las moscas de William Golding (2013 o Punk Rock de Simon Stevens (2014), entre otras.

Cabe destacar su proyecto educativo a través de la asociación Jóvenes al Teatro, una plataforma de ámbito nacional que consigue unir a apasionados del teatro, docentes y profesionales. Su principal objetivo es lograr que los más jóvenes se interesen por la cultura, a través de historias que les interesen y emocionen. Además, promocionan y apoyan las carreras de jóvenes artistas, que cuentan con el apoyo de grandes profesionales del medio como Gerardo Vera, Ariadna Gil, Josep Maria Mestres, Terele Pávez y Teresa Lozano. Sin duda un proyecto que apuesta por el teatro del futuro.

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Las 5 mejores adaptaciones teatrales de películas

Del teatro al cine. Año tras año, producción tras producción, la industria cultural nos acostumbra a ver como pequeñas obras de teatro evolucionan, y acaban materializándose en las películas más taquilleras de la cartelera. Un hecho más que constatado en forma de grandes musicales de Broadway: Mamma Mía!, ChicagoLos Miserables. Pero, ¿es esta tendencia unidireccional? ¿Qué pasa con las películas que, después de triunfar en el cine, vuelven reconvertidas en grandes producciones escénicas? Hoy, en Taquilla.com, te queremos ofrecer las 5 mejores adaptaciones teatrales de películas.

SI LA COSA FUNCIONA

Cascarrabias, malhumorado, misántropo y mal educado. Así es Boris Yellnikof, el protagonista de la película de Woody Allen Si la cosa funciona. Un personaje que muchos han relacionado con el propio director, y sobre el que este dijo en su día: “Yo lo he creado. No soy yo exactamente, quizás sea una extrema exageración de mis sentimientos. Las similitudes son obvias”. A pesar de estas similitudes y de la predilección de Woody Allen por protagonizar sus películas, en esta ocasión, la responsabilidad recayó sobre el legendario actor Larry David que, según Allen, es uno de los pocos humoristas que le hacen reír.

Para el protagonista de Curb Your Enthusiasm interpretar Boris fue un gran reto. Poco después de enterarse de la noticia declaró: “Me preguntaba quién le había podido meter esa idea loca en la cabeza, […] no sentí que estaba a la altura para interpretar al protagonista de Si la cosa funciona”. Al igual que a Larry David, para José Luis Gil, el Boris español, también ha sido un gran desafío. Pero de la misma forma que su coetáneo estadounidense, el esfuerzo ha merecido la pena y tanto el público como la crítica han alabado ambas actuaciones.

Dónde: Teatro Maravillas de Madrid
Cuándo: Hasta el 5 de agosto
Reparto: José Luis Gil, Ana Ruiz, Rocía Calvo, Ricardo Joven y Beatriz Santana
Director: Alberto Castrillo-Ferrer
Sinopsis y más información aquí

DIRTY DANCING, EL MUSICAL 

Por primera vez llega a nuestro país Dirty Dancing, el Musical. Después de haber triunfado en el West End de Londres y tras dos temporadas con llenos absolutos, esta adaptación llegará el 1 de diciembre al Nuevo Teatro Alcalá. En Taquilla.com ya nos hallamos contando los días para poder volver a vivir The time of our lives y estamos más que seguros de que este musical será una de las obras más exitosas de la cartelera escénica madrileña.

¿Te acuerdas de esta apasionada historia llena de música, grandes coreografías y mucho romanticismo? Dirty Dancing, el Musical hará que saltes de tu butaca y no pares de bailar y cantar al ritmo de grandes canciones como Hey! Baby, Do you love me? De momento solo podemos conformarnos con el teaser de esta adaptación teatral,  aunque poco a poco vamos conociendo más datos sobre la producción de este clásico ochentero.

Dónde: Nuevo Teatro Alcalá
Cuándo: A partir del 1 de diciembre
Sinopsis y más información aquí

SCARAMOUCHE

De la novela al cine y de la gran pantalla al teatro, así ha sido la vida del justiciero enmascarado Scaramouche. Le conocimos por primera vez en 1921, fecha en la que Rafael Sabatini nos relató por primera vez sus vivencias en la exitosa novela homónima, pero no fue hasta 1952 cuando pudimos ponerle rostro a André-Louis Moreau gracias a la película Scaramouche dirigida por George Sidney. Muchas han sido las versiones sobre esta épica historia ubicada en la Francia revolucionaria del siglo XVIII, pero hasta ahora nadie se había atrevido a realizar un musical sobre Scaramouche, uno de los personajes más memorables de la literatura universal.

Íntegramente en catalán, este musical, que se estrenará el próximo mes de septiembre, es una de las apuestas más potentes de la compañía Dagoll Dagom. Un espectáculo de gran formato que, según sus productores, aunará sobre el escenario la opulencia del genero musical, con  la comedia y el drama, a partes iguales. No te pierdas este otoño este musical de espadas y florines en el Teatre Victoria de Barcelona.

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Dónde: Teatre Victoria de Barcelona
Cuándo: Desde el 30 de septiembre
Compañía: Dagoll Dagom
Director: Joan Vives
Sinopsis y más información aquí

EL OTRO LADO DE LA CAMA

Corría el año 2002 cuando unos jovencísimos Ernesto Alterio, Guillermo Toledo, Paz Vega y Natalia Verbeke hicieron historia con la película El otro lado de la cama. Un musical que marcó un antes y un después en el panorama fílmico de nuestro país, además de convertirse en uno de los largometrajes más taquillero de todos los tiempos. ¿El secreto del éxito de esta película? Canciones que aún permanecen en la menta de muchos de nosotros de grupos tan míticos como Tequila, Los Rodríguez o Kiko Veneno, utilizadas como hilo conductor de una trama llena de historias de amores y desamores en las que todos podíamos vernos retratados. Una combinación perfecta que explica perfectamente la gran acogida de su adaptación teatral. La producción El otro lado de la cama, del autor David Serrano, lleva más de 10 años formando parte de la cartelera de los mejores teatros de nuestro país.

Los actores cambian, el guión se modifica, pero la esencia sigue siendo la misma: buena música, alguna cara conocida y unos diálogos desternillantes. Loreto Valverde, Silvia Gambino, Alex Casademunt, Jose Manuel Pardo, Andres Arenas, Malu Carranza, Triana Ramos y Mayte Mira, en esta ocasión, son los encargados de relatarte qué está pasando al otro lado de la cama en el Teatro Arlequín de Gran Vía hasta el 25 de junio.

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Dónde: Teatro Arlequín de Gran Vía
Cuándo: Hasta el 25 de junio
Reparto: Loreto Valverde, Silvia Gambino, Alex Casademunt, Jose Manuel Pardo, Andres Arenas, Malu Carranza, Triana Ramos y Mayte Mira
Autor: David Serrano
Sinopsis y más información aquí

EL MAGO DE OZ

¿Quién no recuerda la maravillosa película en la que Dorothy, dulce huérfana de Kansas, se adentra en el mundo de Oz ? Allí vimos por primera vez brujas malas y brujas buenas, leones cobardes, monos voladore y hombres de hojalata. Una película de culto para muchos, basa en la novela infantil de L. Frank Baum, El maravilloso mago de Oz. Hasta la fecha han sido muchas las versiones teatrales, tanto para niños como adultos, del Mago de Oz que nos han hecho viajar a través del tiempo y el espacio hacia un lugar lleno de color y fantasía.

Una de las adaptaciones más recientes en la cartelera de nuestro país es la producción de la compañía Complejo de Esquilo. Un plan perfecto para todas aquellas familias que quieran que sus hijos conozcan esta mítica historia llena de magia y esperanza. ¿Quieres acompañar a Dorita en esta maravillosa aventura para todos los públicos?

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Dónde: Teseo Teatro de Madrid
Cuándo: Hasta el 26 de junio
Compañía: Complejo de Esquilo
Sinopsis y más información aquí

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Espectáculos y teatro

‘Kathie y el hipopótamo’ gira por España

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Ya tocaba rendir homenaje a la obra dramática del premio Nobel de Literatura, Mario Vargas Llosa. Tras el éxito de ‘La Chunga’, vino ‘Kathie y el hipopótamo’. Dirigida por Magüi Mira, esta obra girará por España los próximos seis meses, hasta abril de 2015.
 

Las fechas son las siguientes:
 
– 7 de noviembre en El Ejido (Almería)
– 8 de noviembre en Murcia
– 9 de noviembre en Getafe (Madrid)
– 14 de noviembre en Vitoria
– 15 y 16 de noviembre en Bilbao
– 21 y 22 de noviembre en Pamplona
– 28 de noviembre en Castelldefels (Barcelona)
– 29 de noviembre en San Sebastián de los Reyes (Madrid)
– 30 de noviembre en Torrejón de Ardoz (Madrid)
– 5 de diciembre en Huelva
– 6 de diciembre en Fuenlabrada (Madrid)
– 13 y 14 de diciembre en Alicante
– 9 y 10 de enero en Córdoba
– 16 a 18 de enero en Valladolid
– 22 y 23 de enero en Málaga
– 24 de enero en Almería
– 30 y 31 de enero en A Coruña
– 7 de febrero en Barakaldo (Vizcaya)
– 14 de febrero en Salamanca
– 28 de febrero en Burgos
– 6 de marzo en Martos (Jaén)
– 12 de marzo en Lorca (Murcia)
– 13 de marzo en Molina de Segura (Murcia)
– 14 de marzo en Yecla (Murcia)
– 15 de marzo en Cieza (Murcia)
– 21 de marzo en Pozuelo de Alarcón (Madrid)
– 28 de marzo en Onda (Castellón)
– 17 de abril en Paterna (Valencia)
 

La cantante y actriz Ana Belén ocupará el papel protagonista, acompañada de Ginés García Millán, Eva Rufo y Jorge Basanta. Las entradas para ‘Kathie y el hipopótamo’ están disponibles en Taquilla.com.
 

Kathie es una mujer de la alta sociedad de Perú que contrata a un profesor universitario llamado Santiago Zabala con el objetivo de que le ayude a escribir un libro sobre sus exóticos viajes. Ambos son muy diferentes, tanto como lo son sus vidas.
 

El azar ha hecho que ambos se conozcan, lo que dará lugar a que compartan vivencias, episodios y suposiciones de su pasado, presente y futuro que no se sabe si rozan lo real o lo irreal, si son verdad o pura invención.
 

‘Kathie y el hipopótamo’ se estrenó en Caracas en 1983, con la dirección de Emilio Alfaro y la interpretación de Norma Aleandro. Esta obra reflexiona sobre el origen de los relatos, sobre imaginación y fantasía, ingredientes con los que creamos historias que en realidad no han ocurrido nunca.
 

Ana Belén aparca temporalmente su faceta musical para dedicarse a la interpretativa. Sustituye a Aitana Sánchez-Gijón, quién interpretó el papel protagonista en la primera edición de este espectáculo.
 

‘Kathie y el hipopótamo’ es una perfectamente hilvanada historia sobre lo que somos, lo que creemos ser, lo que los demás creen que somos, y lo poco que sabemos en realidad de nosotros mismos y los que nos rodean.
 

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Espectáculos y teatro

¡No te pierdas la obra de teatro ‘TupperSex’ en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid!

 

La divertida obra de teatro ‘TupperSex’ ya ha llegado a Nuevo Teatro Alcalá de Madrid, donde permanecerá hasta diciembre, actuando de miércoles a domingo con una o dos sesiones diarias. Con guión y dirección de Edu Pericas, está gran comedia está protagonizada por las grandes actrices Elena Fortuny y Gretel Stuyck.

 

Con el lema de que «¡Hablar de sexo nunca había sido tan divertido!», el argumento de ‘TupperSex’ gira en torno a una peluquera de barrio que tiene que sustituir a una especialista sexóloga para impartir un curso de formación para futuras vendedoras de Tuppersex.

 

La reconocida empresa My Secret Flower, que se encuentra en plena expansión económica, crea este curso para captar empleadas sin esperar que la desastrosa peluquera se fuera a hacer cargo de él. La sesión se convierte en un hilarante caos que desespera a la responsable del curso.

 

Las técnicas de docencia que emplea la nueva e improvisada profesora hacen que la encargada pierda por completo las riendas de la situación… y también los nervios. ¿Alcanzarán las candidatas los requisitos exigidos? ¿Superarán la prueba final? ¿Conseguirán ser contratadas por My Secret Flower?

 

Todas esas preguntas y muchas más serán descubiertas de la manera más divertida a lo largo de la actuación. Las entradas para ver ‘TupperSex’ ya están a la venta en nuestra página web. Además, Taquilla.com cuenta con una oferta válida hasta el próximo 30 de septiembre de hasta el 60% de descuento. ¡No te lo pierdas!