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El monstruo de White Roses: Emily Dawson a través del televisor

Decía Fernando Pessoa, poeta, escritor y dramaturgo portugués, que el inventor del espejo envenenó el corazón humano. Casi 90 años después podemos añadir a la frase un responsable más: los medios de comunicación.

Nos encontramos en los aclamados años 90 en Ohio. Un sótano extraño, repleto de cajas de zapatos, desordenado, frío, oscuro. Hay cadenas por el suelo, un colchón desvencijado y todo un ambiente de misterio y extrañeza. El miedo no aparece (todavía).  En el escenario nos recibe de espaldas una chica de ojos llorosos y alma rota. Frente a una cámara nos cuenta su historia: se llama Emily Dawson y, al igual que Alicia, también ha atravesado espejos y pantallas. 

 

“El monstruo de White Roses” es un thriller teatral escrito por Jesús Torres e interpretado por Víctor Palmero y Lucía Díez, rostros conocidos de la televisión y los escenarios.

 

“I ́m here! Help!”, fue el grito de auxilio que despertó al tranquilo barrio de White Roses, en Ohio, una mañana de abril. Aquella voz apesadumbrada y llena de energía era la de Emily, la joven adolescente secuestrada casi un año atrás. ¿Y su verdugo? Harry Coleman, el zapatero del barrio, un hombre esquivo pero tranquilo, quien la había sometido a toda clase de abusos y torturas en el sótano de su casa. Y así es cómo Harry pasó a la Historia de América como el Monstruo de White Roses. Y así es cómo el caso de la desaparición de Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente de manera repetitiva y sensacionalista en los noticieros y periódicos dando pie a la llamada “década de las desapariciones”.

En un mundo actual dominado por los medios de comunicación, las redes sociales – qué curioso que la publicación de este artículo coincida con el veinte aniversario de Facebook –, el mensaje rápido, fugaz, viral y de olvido más rápido todavía, el contenido vacío, el clickbait y la nula crítica del periodismo hacia el periodismo este thriller teatral se hace más necesario que nunca. ¿Y qué mejor forma que criticar el rol de los medios, usuarios, productores y consumidores que mediante una historia truculenta y morbosa? Porque no nos olvidemos que si hay una forma criticable de contar una noticia atroz es porque hay espectadores dispuestos a escucharla y a humedecer los labios. Por eso, resulta tan interesante que en los Teatros Luchana donde se representa la obra, el espectador se vea obligado a entrar a la zona de butacas por el escenario, como si también fuera parte de la cadena, del entramado.

Como en una especie del Mito de la Caverna de Platón, el espectador es puesto frente a un escenario repleto de sombras y cadenas, en el que los actores cuentan una historia que, poco a poco, se va complicando y enroscando en el misterio para dar un sorpasso final.

Cuenta el director y dramaturgo que el proceso de creación ha sido apasionante y que, a raíz de escribir una escena, ensayarla y pulirla nacía la siguiente. Así se forma una obra delicada, con unas interpretaciones fascinantes y más profunda de lo que aparenta. El rol de los medios de comunicación y el sensacionalismo del que se han nutrido la sociedad y los medios, unos para hacer caja y audiencia, otros por querer una víctima sobre la que llorar y volcar sus penas y miserias, como si la desgracia de un desconocido nos sirviera para darnos cuenta de la felicidad (a veces escondida) de la que gozamos. Todo un mecanismo fatal y falto de sensibilidad que entronca lo más negro del ser humano.

Pero también nos habla del juego de los espejos y de las máscaras que ponemos a los demás de una forma prejuiciosa y automática y ahí creo que radica lo más interesante de la obra. Como si no viésemos la escena realmente completa, algo parecido a las sombras que veían los hombres presos de la caverna. ¿Se experimenta una cierta liberación cuando se cierra el telón?

“El monstruo de White Roses” es un retrato de una década en la que las noticias espantosas copaban portadas y espacios con entrevistas mordaces y documentales frívolos. Tiempos oscuros en los que surgía toda una hazaña acompañada de la creatividad más visceral para ver quién se llevaba a la audiencia de calle, quién arrasaba y qué medios conseguían más telespectadores pegados al televisor. De hecho, la propuesta de Jesús Torres es innovadora, ya que se nutre de documentales de este género producidos por Netflix y puesto que combina la dinámica narrativa clásica del teatro con otras formas audiovisuales más actuales.

Todo esto, con el aumento de las tecnologías y el apego – a veces nocivo, todo sea dicho – del móvil y las redes sociales ha mutado a lo que conocemos hoy en día como true crime. ¿Cuántas veces leemos una noticia horrible en alguna red social y nos entristecemos o nos enfadamos con el mundo para, en un segundo después, pasar a otro vídeo, otra foto random?  ¿Existe un limbo con todas las sensaciones que nacen en un segundo casual para morir en otro segundo posterior y casual?

¿Cuántas tragedias en portadas y medios empañaron su verdadera desgracia? ¿Nos acordamos de las víctimas o sólo de la que fue más comentada, más viral? ¿Hay velas para todas ellas? ¿Un caso eclipsa otro caso? ¿Las víctimas logran en algún momento mirar hacia otro lado y seguir con su vida?

Harry Coleman y Emily Dawson se van desnudando, psicológicamente, en el escenario, conversando y ejecutando un retrato perfecto de su cotidianeidad, dando pie a que el espectador vaya elaborando una ficha policial de los hechos y de la psique de cada personaje, para confirmar lo que reconocía Hitchcock: que a cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima. Aunque, a veces, convertirnos en víctimas pueda ser la perfecta solución. Han pasado más de 30 años desde el incidente y hay quien asegura que ha visto a Emily Dawson por alguna calle de Ohio. Hoy, tantos años después, se sigue buscando carnaza: ¿cómo es Emily hoy?, ¿ha olvidado lo que le sucedió?, ¿cómo consiguió salir adelante?, ¿cómo lucha contra las secuelas? Al igual que José María Íñigo, la gente quiere saber…. ¿Estará de nuevo Emily Dawson pronto en sus mejores pantallas?

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La función que sale mal. La paradoja de triunfar fallando estrepitosamente

Pocas veces he estado encima de un escenario, pero siempre ha habido unos nervios difíciles de controlar – ahora se da cuenta uno de lo bien que sienta ser espectador. Hay tantas cosas que pueden salir mal: olvidarse del texto, no saber cuál es tu pie, los fallos técnicos, que el público no congenie con la obra, bajas de última hora o la constante molestia de los móviles que no llegan a apagarse del todo…

“La función que sale mal” no podía tener un título más clarificador. Nos situamos en una noche de estreno que presume ser mágica y espectacular. Los espectadores van ocupando su sitio, leyendo el programa de mano, hablando entre ellos… Mientras tanto, un equipo técnico ataviado de uniforme con actitud a ratos pasota, a ratos histérica, parece sumergido en su propia burbuja y, en el aire, la pregunta de los espectadores más puntuales: ¿ha comenzado ya el show?

Tras el saludo inicial del director de la obra – un joven que apunta maneras con (no) éxitos tan notorios como “Cat”, “Siete novias para cuatro hermanos” o “La fea y la bestia” –, comienza una función que va de mal en peor. Estamos en el salón de una mansión inglesa que bien podría aparecer en una novela de Agatha Christie y sobre la chaise longue descansa un cadáver. Alrededor del incidente se reúnen todos los personajes que deberán iniciar una investigación para averiguar quién es el culpable, pero la obra no va a ir todo lo bien que la compañía universitaria desea: un director desquiciado, un auxiliar pasivo y torpe, actores que se salen del papel, técnicos molestando y un largo etcétera de todo aquello que no debería pasar.

Con una carrera de fondo de lo más longeva y exitosa y presencia en 30 países, “La función que sale mal” ha hecho reír a carcajadas a más de 8 millones de espectadores desde que se estrenara en el West End londinense en un 2012 que ya apunta lejano. Esta comedia en estado puro cuenta con un reparto talentoso y perfectamente coordinado que no tiene problemas en improvisar cuando haga falta en compenetración con el público. Y aunque no lo parezca, todo lo que sale mal, los fallos, los descuidos, los accidentes y hasta el peligro que sufre el decorado cuentan con un engranaje perfectamente ejecutado, planificado, ensayado y realizado. Desde las butacas se nota la labor de coordinación que hace todo el equipo, lo cohesionado que está el reparto y la pasión y entrega que demuestran.

Con ritmo ágil y mucha gracia, se recuerdan pocas comedias en cartelera en las que el público se ría cada dos segundos y la comicidad aguante de manera ingeniosa y constante durante toda la representación. No extrañan para nada las ovaciones y los aplausos del final, tan merecidos, pues supone un diez en todas las categorías necesarias para que una obra destinada al fracaso sea un éxito rotundo. Y aunque la banda sonora pueda ser José Luis Perales o una canción de suspense y terror, en realidad, el tempo que marca la obra son las carcajadas sin fin del público.

Tras llegar a Madrid en septiembre de 2019, esta compañía aficionada universitaria echa el telón en el Teatro Marquina el día 28 de mayo y Dios sabe si seguirán triunfando y fallando al mismo tiempo, cosechando éxitos, aplausos, risas y premios como hasta ahora. 

Como un engranaje de un reloj suizo, la obra de cierto corte surrealista combina de un modo brillante el ingenio necesario para escribir y representar una obra tan complicada y la coordinación imprescindible de muchos equipos para que todo salga como debe salir: mal, fatal, nefasto, siguiendo la estela de obras condenadas a la ruina o incluso malditas como “Macbeth” o “El enfermo imaginario”, que supuso la propia muerte de Molière sobre el escenario. Todo un ejemplo paradójico de que, a veces, para triunfar hay que fallar estrepitosamente. Ya saben, ¡no se la pierdan!

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Bob Pop, ¿el referente de los referentes?

Su monólogo ‘Los días ajenos’ llega al Teatro La Latina de Madrid cargado de una aplastante sinceridad

Sobre lo extraordinario y lo ordinario. Sobre el talento y la identidad. Sobre aquello que puede parecer lo contrario. La antítesis del otro.  La opción alternativa. ¿Quién soy?, una simple pregunta que puede dar tanto de sí que responder nos lleve toda una vida. Y esto es precisamente lo que trata de hacer Bob Pop. Y, quién sabe, puede que hasta lo haya conseguido.

Para Roberto Enríquez, el talento y la identidad son “la misma cosa” y admite que no es nadie sin los demás: “soy como todo el mundo”. Para quien leer tiene mucho más sentido y veracidad que escribir resulta sencillo tomar a unos cuantos (o muchos) como referentes que contribuyen a convertirle en aquello que es hoy. “Los que han dado la cara lo han hecho porque han triunfado”, afirma, pero puede que haya quienes triunfen porque dan la cara, y no al revés. Y no está mal pensar que en su caso ha podido ser así. 

Llegar al Teatro La Latina de Madrid y ver en lo alto el cartel de tu espectáculo debe ser una de esas sensaciones que no se olvidan en la vida. “Una barbaridad”, como diría Bob. Para alguien que ha puesto su grano en todo tipo de espacios televisivos y radiofónicos y que le han permitido aprender a  “leer al público, a olerlo y a escucharlo“, un teatro debe ser el mayor de los regalos. Y eso es lo que son sus ‘Días ajenos’.

Una vez publicados sus dos volúmenes se pregunta: ¿Por qué no hacer algo distinto? Con la aprobación de su co-director Andrés Lima y la seguridad que esto le aportaba, decidió convertirlos en teatro y lanzarse al vacío con una propuesta que en todo momento entiende quién es, desde dónde y para quien habla. Porque tal y como dice Bob: “las historias al final no son solo propias, nos acogen a muchos y probablemente nos encontremos reflejados, nos den pistas, lugares o caminos de escapada”

Y aunque nadar a contracorriente no es fácil, incluso para quien se define a sí mismo como “un error del sistema”, en esta tónica se mantiene y se ha mantenido toda su vida. En encontrar esa bocanada de aire, esa tierra avistada, ese chaleco salvavidas que aparece cuando y donde lo necesitas. Todos nos perdemos y ‘Los días ajenos’ de Bob Pop nos demuestran que podemos encontrarnos.  De hecho, es de esa pérdida de la que surge este espectáculo: “a lo mejor lo que queremos hacer es algo que a la gente le parece un disparate pero con el tiempo estamos viendo que hay posibilidades de vida, de futuro”, afirma Pop. 

Según van pasando los años, las preguntas que nos forman y nos conforman empiezan a verse difusas en el tiempo y sustituidas por otras que llevan una connotación de arrepentimiento o de orgullo. ¿He hecho todo lo que debería? ¿Lo he hecho bien? ¿El niño que fui estaría orgulloso de lo que soy? Para alguien que lleva la libertad por bandera es quizá más fácil que para el resto sentirse orgulloso de todo lo que ha hecho y dicho: “A veces siento que no lo he dicho de la precisa manera en la que me habría gustado. Pero no me arrepiento de haber dicho nada de lo que he dicho nunca”, concluye. 

Y, aunque el niño que fue se encuentre con el desconcierto propio de quien ve toda su vida pasar como una montaña rusa, diría: ¡Madre mía, todo lo que he logrado! Y tras buscar referentes para sí mismo, puede que hasta pueda verse convertido en uno de ellos.

Colaboración: Alejandro Pérez

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Pepa Rus: “La comedia nace cuando te empiezas a reír de tu propio drama”

Da igual comedia que drama: Pepa Rus lo hace todo y lo hace todo bien. En esta ocasión es el monólogo ‘Viva la Pepa’, el que pone en la palestra a la actriz. Una buena dosis de “risa y humanidad”, un papel hecho a medida y algún que otro golpe de suerte que nos harán complicado discernir entre lo real y la ficción. 

La historia de una madre soltera con dos hijas que se convierte en toda una heroína de la noche a la mañana, una Pepa que se enfrenta a la fama efímera, a unas promesas que nunca se cumplen y a una esperanzadora campaña política. Una función dirigida por Juan Luis Iborra que acaba de prorrogarse y que tendrá lugar en el Teatro Lara de Madrid.

Pregunta. ¿Qué tal va ‘Viva la Pepa’?

Respuesta. Estamos muy contentos, porque la verdad que está viniendo gente. Hemos prorrogado a enero y la verdad que es un personaje que me gusta mucho hacer, es un monólogo precioso y que da mucha vidilla.

P. Como experta en comedia, ¿crees que se puede hacer comedia de todo?

R. Sí. Yo creo que de todo se puede hablar desde la comedia, y no deja de tener importancia el mensaje, a veces pensamos que porque se lanza a través de la comedia deja de tener impacto en el público y, en mi opinión, es todo lo contrario.

P. Muchas veces la comedia no es otra cosa que reírse de las desgracias de uno.

R. La comedia es reírse del drama, y cuando te empiezas a reír de tu propio drama es cuando nace la comedia.

P. ¿Lo haces? ¿Te ríes de ti misma?

R. Pues es que no nos queda otra. Los problemas van a aparecer y mientras se puedan ir teniendo un tinte de humor mejor, se sale mejor del bache con un tinte de humor, excepto claro, de cosas que sean dramas sin nada más, pero a veces hacemos drama de cosas que, si estamos acostumbrados a vivir con sentido del humor, viviríamos mejor.

P. En el escenario no conoces la vergüenza pero, ¿y en tu vida diaria?

R. No. Es verdad que no soy nada introvertida, soy bastante abierta y cojo confianza rápido pero claro, no haría las cosas que hago a través de los personajes muchas veces.

P. ¿Qué diferencia hay entre la Pepa de los escenarios y la ficción y la Pepa real, la de su casa?

R. Primero que no tendría ningún interés en meterme en política. Segundo, que ella tiene una manera de vivir y de hablar muy natural, muy tierna y muy del presente, y a mi eso me gustaría aprenderlo del personaje y llevarlo a mi vida.

 

P. En una entrevista, afirmabas que: «(…) al final, por mucho que te muevas, hay algo que no te deja progresar por mucho que quieras si no tienes ese golpe de suerte». ¿Crees en la suerte? ¿Cuánto protagonismo crees que tiene la suerte en tu vida?

R. No es que crea, es que yo he tenido suerte. Puedes llamarlo suerte, azar, destino… Lo puedes llamar de muchas maneras. Pero al final yo creo que estar en el momento apropiado con la gente apropiada es importante. Y eso es una cuestión de suerte, porque tú no sabes lo que va a pasar.

P. Alguna vez te has sentido como la Pepa de tu monólogo, es decir, ¿alguna vez has sentido esa desazón, y de repente, un golpe de suerte llega y te cambia la vida?

R. Sí. Al final hay algo que te hace notar que todo se empieza a mover, que empieza a cambiar. Yo creo que esto es importante para seguir avanzando y evolucionando. Pero sí, tiene que haber esa gota de suerte que si no aparece, te hace mucho más difícil avanzar.

P. En más de una ocasión has comentado que esta obra es un traje a medida, ¿por qué?

R. Esto lo dice Juan Luis Iborra, que es el director y el autor junto a Sonia Gómez, y él lo dice porque se lo pedí. Somos amigos, hemos hecho varias funciones y a raíz de ahí nos hemos conocido, encajamos bastante bien y ya nos hicimos amigos. Un día comiendo, yo acababa de ver `Gibraltareña´ de Elisa Matilla, que la había escrito y dirigido él y, inconsciente de mi, le dije que me hiciera uno y me lo hizo. Por eso él dice que es un traje a medida, porque lo escribió pensando en mí.

P. Juan Luis Iborra menciona que esta obra es una crítica a la sociedad actual, en la que nos preocupamos de todo menos de los temas que realmente importan. ¿Es cierto esto? ¿Nos preocupamos de todo menos de lo importante?

R. Más bien creo que habla un poco de la fama efímera. El personaje critica esto a su manera, la idea de que al final nos centramos en algo muy externo a la sociedad, o incluso algo extraño, y realmente los problemas del día a día no se tienen tan en cuenta. Hace dos semanas no parábamos de hablar del récord histórico de la subida de la luz, y ahora nadie habla de que sigue subiendo la luz y hay gente que no puede pagarla, ahora el covid le ha ganado en popularidad, y aunque está muy bien y nos tienen que poner las pilas y tenemos que aprender, no podemos obviar que sigue subiendo la luz. Al final siempre hay una cosa ahí como del momento.

 

P. Y al hilo de lo anterior, ¿qué es para ti lo realmente importante?

R. Los derechos humanos. Al final, como todo el mundo eres superficial, y yo me centro en los problemas míos diarios pero, si te paras a pensar y a reflexionar un poquito y miras más allá de tu casa, hay mucho que solucionar.

P. Esta es la primera vez que te enfrentas sola al público. ¿Cómo está siendo la experiencia?

R. La primera vez que lo hice yo creía que me iba a dar un paro cardíaco, yo pensaba: y si se me olvida algo, ¿qué hago?, ¿a quién miro?, ¿quién me ayuda? Estas sola. Pasa mucho en las funciones, pero miras a tu compañero y aunque no se sepa tu texto sabe más o menos como ayudarte. Aquí no hay nadie y eso me daba pavor, y me lo sigue dando, de hecho repaso el texto como si no me lo supiera. Es el miedo más grande que tengo: equivocarme y no tener en quien apoyarme.

P. Uno de los temas de este monólogo es la fama. ¿Cómo se lleva esa parte cuando es real y la vives en tus propias carnes?

R. Es que eso tú no lo decides, aparece, por lo que sea. Lo curioso es cuando la gente te saluda y tú no sabes quien es, pero claro, tienes que ser amable porque entiendes que sí, que te conocen, aunque no lo hagan personalmente sí saben bastante de ti. Es algo muy raro que tiene su parte buena y su parte mala, como todo.

P. Para ti es proporcional, ¿cuánta más fama mejor te va?
R. Es verdad que hay muchísimos actores que no se conocen a nivel nacional que son muy buenos actores y no paran de trabajar. Pero al final yo creo que si haces algo internacional pues te van a conocer más y tu fama va a ser mayor, y va a ser un proyecto mucho más imponente que algo más pequeñito. No es que te vaya mejor a nivel personal, sino a nivel profesional. Yo creo que sí que va un poco más proporcionado.

P. Por último, ¿por qué nos recomendarías ir a ver `Viva la Pepa´?
R. Porque es una función donde te lo vas a pasar muy bien, donde la gente no para de reírse en una hora. También porque es un texto digno de escuchar, en el que se hablan de muchas cosas yo importantes. Es un suspiro de humanidad y de risa, por eso hay que verla.

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‘Viva la Pepa’: cómo sobrevivir a la fama y a la sociedad, y hacerlo con gracia

La nueva comedia protagonizada por Pepa Rus

En la vida siempre necesitamos alicientes. Ya sea una onza de chocolate, una hora (o varias) tomando algo con los amigos o una película con mantita. Necesitamos algo que nos sirva como meta para que acabemos rápido lo que sea que estemos haciendo, o viviendo. Pues bien: esa es Pepa.

Pepa es ese alguien que te da energía positiva, aun viviendo algo que dista mucho de ser así. Es la simpatía en la que te centras para llegar a la meta. Y es que ella es, simplemente, pura luz.

Pepa Rus es Pepa, la única madre soltera de dos gemelas de Melilla que tiene la positividad y la alegría de quien no tiene nada más. Un día, sin embargo, todo cambia cuando rescata a un águila en peligro de extinción y se convierte en toda una estrella. Periodistas, políticos,  medios de todo el mundo e incluso la realeza quieren tenerla al lado… hasta que acaban olvidándose de ella, y ninguna de las promesas sobre mejorar su vida y la de sus hijos se cumplen. Eso sí, antes de que su popularidad desaparezca por completo, Pepa tiene un plan: convertirse en la alcaldesa de Melilla y ayudar a sus habitantes.

“¡Viva la Pepa!”, dijo Pepa Rus nada más pisar el escenario con un chándal gris y un carrito de bebé de dos plazas. Nos encontrábamos en el Teatro Lara, en una calle paralela a la Gran Vía, resguardada de los flashes de turistas dirigidos al edificio de Schweppes. Y dentro del teatro, de esa fachada que te pide entrar y disfrutar de su entrada con cristales y columnas de época, está la sala Lola Membrives. Se trata de una pequeña estancia a la que entras bajando por unas escaleras, como quien descubre un tesoro en el sótano de su casa. Está formada por un escenario en el centro y filas de sillas rodeándolo, y a los tres elementos en los que nos centraremos los siguientes 65 minutos: un carrito de bebé, un versátil bloque gris y la indiscutible Pepa (la Chimpa). Fue aquí donde varias personas respondieron a Pepa Rus con un “¡Viva!”.

“Me va a gustar”, pensé justo después de esta primera intervención. Y no me equivocaba.

Creada por Juan Luis Iborra y Sonia Gómez, esta historia nos presenta la realidad en su más absoluta crudeza. Nos habla de pobreza, del proceso de ascenso y descenso de la fama, y de una sociedad actual en la que las prioridades están difusas. Y sin embargo, no hay un solo momento en el que no lo pases bien. Ya sea por el desparpajo de Pepa o por su ingenua naturalidad, lo cierto es que te roba el corazón (y la risa) desde el principio, y te dura hasta el final. Dirigida por Juan Luis Iborra, la obra nos habla de la realidad, sí, pero no se recrea en esas verdades amargas, sino en cómo solucionarlas. O, al menos, en aceptarlas con gracia.

Pepa hace ayuno intermitente involuntario y vive bajo la pobreza en recursos de todo tipo y condición. “Aunque riqueza en el alma”, como nos cuenta que le dijo un día Vicenta, heladera y su mejor amiga. “Pero el alma no alimenta”, le respondía nuestra protagonista a su vez. Y es que es una historia de realidad. De estar arriba, abajo y de levantarse para intentar llegar a un estado vital intermedio. Y aun así, a pesar de contarnos algo tan crudo, si te lo dice Pepa, nuestra protagonista de Melilla, todo cobra un significado y una filosofía distintos.

Con una rapidez de pensamiento increíble, el espectador presencia la vida de la protagonista de una manera tan ágil que ni siquiera te hace consciente de que está pasando el tiempo. Un tiempo marcado por una iluminación distinta ideada por Juanjo Llorens que, junto a la escenografía de Eduardo Moreno, ayuda al público a dividir el tiempo inconscientemente.

Y gracias a Pepa Rus, porque Pepa no sería Pepa si no fuera por ella. El monólogo dura más de una hora, y el público no se cansa de verla en ningún momento. Y ella parece que tampoco. Se mueve por el escenario y se queda quieta; nos hace reír y nos deja pensando sobre algún comentario supuestamente ligero pero lleno de significado al que le das vueltas al salir de la obra. Haga lo que haga, se mete al público en el bolsillo desde el principio. Y nosotros lo aceptamos de buen gusto, porque sería antinatural no dejarla hacerlo.

No tengo nociones de interpretación, tengo que admitirlo, así que no sé cuánta validez puede tener mi opinión, pero memorizar más de una hora de monólogo tiene que ser complicado, y mucho. Y hacerlo con gracia, aún más. Pero ahí está Pepa Rus, con la voz clara con cada línea y haciéndonos sentir cada palabra. Nos convierte en sus confidentes y nos deja con las ganas de tener su número de teléfono, burofax o e-mail para seguir hablando con ella de la vida.

Nos habla como amigos, como quien queda con su grupo de la infancia a actualizarse la vida desde hace tiempo. Interactúa con las filas de sillas, haciéndonos partícipes sin ser protagonistas. Nos hace parte de su historia y, por tanto, de su vida.

Una vida que pudo haberse convertido en un juguete roto, pero que no llega a serlo gracias a la candidatura a unas elecciones a la alcaldía de Melilla. ¿La razón? Ayudar a los demás y evitar que sus vecinos se quemen por el sol y tengan los dientes mal alineados.

Viva la Pepa, sí, y vivan todas las Pepas que salvan águilas todos los días y de las que nadie se da cuenta.

 

Por: Marina Carrasco

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Matilda, el Musical llega directo del West End a Madrid

Si os nombramos a una niña de cinco años muy viva e inteligente a la que le chiflan los libros, ¿os imagináis de quién hablamos? Y si además añadimos que tiene poderes telequinéticos, es decir, es capaz de cambiar los objetos de lugar y controlar las cosas con su mente… ahora sí, ¿verdad?

Efectivamente, estamos hablando de la archiconocida Matilda, la protagonista de aquella historia de Roald Dahl de 1988, que consiguió enamorar a generaciones y generaciones enteras. ¿Quién no ha fantaseado de niño con tener superpoderes como ella? Su brillantez e ingenio, su descaro y osadía, nos han hecho quererla y admirarla. Una niña valiente que se impuso a su ignorante familia y peleó por el futuro y la vida que se merecía.

¿Y qué ocurre con ella? Pues resulta que próximamente tendremos la oportunidad de vivir su historia como nunca antes lo hemos hecho. Al fin llega a Madrid, directo desde el West End de Londres, Matilda, el Musical, de la mano de SOM Produce. La empresa, que ha producido otros grandes espectáculos en la capital como el exitoso Billy Elliot,  ya ha convocado audiciones para su futura producción. ¡La próxima temporada teatral promete volver con toda la fuerza del mundo!

 

 

SOM Produce está buscando niños y niñas de entre siete y diez años, con alturas máximas de 1,35 centímetros. Si conoces a alguien con superpoderes o que al menos encaje en estos parámetros, ¡debéis rellenar el formulario de inscripción! Por ahora, todavía no se saben las fechas de estreno, ni el teatro en que tendrá lugar la premiere de Matilda, el Musical, pero estaremos atentos para no perdernos detalle de las futuras revelaciones que se hagan sobre el show. 

Un espectáculo que ha dado la vuelta al mundo, ha conquistado al público y a la crítica, y se ha mantenido en cartelera durante años y años. Después de haber estado en las mecas del teatro de los dos lado del globo, Broadway y el West End, tendremos la suerte y el honor de acoger Matilda, el Musical en España. 

La novela infantil de Roald Dahl fue adaptada en 2010 por el escritor británico Dennis Kelly, y se le puso la letra y música del compositor y cómico Tim Minchin. El debut de Matilda, the Musical en el West End se produjo el 24 de noviembre de 2011 en el Cambridge Theatre, y el estreno en Broadway tuvo lugar en el Shubert Theatre, el 11 de abril de 2013. Tal fue y tal es la acogida de esta superproducción, que el show ha continuado representándose hasta el día de hoy en el West End de Londres.

Vete preparando porque lo que está a punto de llegar es insólito y se convertirá en parte de la historia teatral de Madrid. Matilda viene para hacernos soñar como nos hizo de niños, para hacernos perseverar y enfrentarnos a las adversidades, y sobre todo, para darnos esperanzas. El cuento clásico de la niña que tenía poderes y amaba la lectura, ahora más real y cercano que nunca. ¡No te pierdas el estreno más importante de la próxima temporada!

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El telón se levanta de nuevo: espectáculos para este otoño en Madrid

Se aproxima el inicio de una nueva estación, y con ella no solo varía el color de las hojas, sino que también cambian las ofertas teatrales. El otoño pisa Madrid con pie firme. Llega dispuesto a revolucionar las carteleras y a inundar todas sus salas con las mejores representaciones y espectáculos. 

Qué mejor forma de celebrar este cambio estacional en el que los días se vuelven progresivamente más fríos que en el interior de un buen teatro, disfrutando de una obra desde la calidez de una cómoda butaca. Una época del año llena de encanto, que nos cautivará, más si cabe, con las oportunidades de entretenimiento que trae consigo. Aunque esta temporada viene con algunas restricciones y medidas especiales debido a la Covid-19 (restricción de aforo, obligatoriedad de mascarilla, distancia social), éstas convierten a los teatros en entornos seguros y preparados en los que podremos seguir invirtiendo nuestro tiempo de ocio.

De forma que, a continuación, os presentamos la guía teatral de la temporada. Si eres un cultureta adicto a las buenas funciones, ¡coge papel y lápiz porque no querrás perderte ni una sola de estas maravillosas obras!

 

El Brujo

Ya que hablábamos de encanto y hechizo, la primera sugerencia no podía ser otra que El lazarillo de Tormes de El Brujo, un espectáculo de poco más de hora y media que tiene lugar en el Teatro Cofidis Alcázar. En él, nuestro querido Rafael Álvarez realizará un monólogo en tono intimista, cuyo objetivo es hacer reflexionar al público sobre cuestiones existenciales como la infancia o la marginación.

Las entradas para El Brujo tienen un precio de tan solo 20 euros, ¡no lo pienses más y consigue ya la tuya!

 

Corta el cable rojo

El Pequeño Teatro Gran Vía acoge la novena temporada de  Corta el cable rojo, posiblemente una de las comedias más hilarantes de toda la cartelera teatral del momento. Un espectáculo lleno de humor, improvisación y originalidad, en el que sus tres protagonistas irán construyendo sus monólogos con las aportaciones que hacen los espectadores. 

Carlos Ramos, Salomón y Jose Andrés consiguen hacer un show ameno, divertido e interactivo, en el que las carcajadas están aseguradas. Además, encontrarás localidades desde apenas 14 euros, ¡un precio inmejorable!

 

El Peliculero

El cómico Víctor Parrado nos trae una temporada más de El Peliculero en el Pequeño Teatro Gran Vía. Un monólogo de hora y media lleno de música, baile y humor, en el que Parrado nos hará revivir alguna de las escenas más icónicas de la historia del cine a través de sus vivencias personales.

Consigue tu entrada por el increíble precio de 18 euros, y asiste a una Gala de los Oscars de lo más original, en la que se premiarán los mejores y peores momentos de la vida del humorista. ¡No te pierdas el evento del año!

 

Escape Room

La trepidante comedia de Joel Joan y Héctor Claramunt, Escape Room, pisa fuerte el escenario del Teatro Fígaro de Madrid. La historia de cuatro amigos que deciden hacer un escape room parece, de primeras, una idea inocua. El problema es que quizás nada en el juego que están a punto de comenzar es tan inocente como creían. Lo que parecía un plan divertido se convertirá en todo un infierno. Una obra que mezcla suspense y humor, y trata temas como la amistad, las relaciones de pareja y los problemas cotidianos. Se podría decir que con Escape Room morirás de la risa, ¿te atreves a entrar?

Las entradas para disfrutar de esta joya cómica tienen un precio que oscila entre los 18 y los 20 euros, ¡hazte ya con unas!

 

El método Grönholm

La cruel comedia de Jordi Galcerán, El método Grönholm, inaugura su nueva temporada en el Teatro Cofidis Alcázar. Una sátira que reflexiona sobre la ambición, los límites y los principios, y en la que veremos a los personajes someterse a una dura entrevista de trabajo por un cargo de director en una importante empresa. 

Luis Merlo, Jorge Bosch, Marta Belenguer y Vicente Romero encarnan a los cuatro protagonistas de esta despiadada comedia de hora y media. Las entradas tienen ahora un precio de 16 euros, ¡aprovecha esta oferta inmejorable!

El metodo gronholm teatro

 

Hasta aquí hemos llegado

El humorista y monologuista español Leo Harlem nos trae junto a Sinacio y Serio Olalla, otros dos grandes comediantes del panorama nacional, el espectáculo Hasta aquí hemos llegado. Un show de aproximadamente 100 minutos en el que no podrás contener las risas, y que ha cerrado cada una de sus temporadas siendo un éxito rotundo.

Nuestros tres humoristas repasarán sobre el escenario del Teatro EDP de Gran Vía alguna de las situaciones más habituales a las que se enfrentan los cómicos antes de sus funciones. Las localidades para disfrutar de esta desternillante actuación tienen un precio de 25 euros. ¿A qué esperas para conseguirlas?

 

I Want You Back

El Teatro EDP de Gran Vía acoge el impresionante show I Want You Back, un espectacular homenaje a la estrella del pop por excelencia, Michael Jackson. El musical, de aproximadamente dos horas de duración, contará con la voz de Dabeat, una banda en directo que interpretará el repertorio del artista y un grupo de baile liderado por SacMJJ. 

Únete a la fiesta y déjate llevar por ritmo, consiguiendo tus entradas por el precio de tan solo 15 euros. 

 

Esperamos que estas opciones os hayan servido de ayuda para planear vuestro regreso a los teatros tras las vacaciones de verano, y que disfrutéis mucho con todas ellas. ¡Feliz otoño teatral en Madrid!

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Espectáculos y teatro

La Madre que me parió cumple 700 funciones y continúa en plena forma

Mantenerse en cartelera año tras año, y hacerlo además con un éxito evidente, no es un logro tan sencillo de conseguir como de contar. Sin embargo, La Madre que me Parió hace que así lo parezca. Tres años después de su estreno la obra ha cumplido ya más de 700 funciones, y continúa su andadura haciendo reír al público función tras función. ¿Cuál será su secreto?

Se nos ocurren varias opciones y todas son igual de válidas. Algunos dicen que es por su humor genuino y universal, donde la relación de madres e hijas se convierte en protagonista. Otros dicen que el éxito reside en la dirección, experimentada en grandes éxitos del teatro en Madrid como lo fueron en su día El Nombre o la archiconocida Burundanga.

Probablemente, gran parte del éxito sea responsabilidad del talento de su elenco. Encabezado por Marisol Ayuso, el reparto cuenta en sus filas con Juana Cordero, Aurora Sánchez, Sara Vega, Mariola Peña, Mariona Terés, Eva Higuera y Diego París, convirtiéndose en una potencial máquina de risas sin contemplaciones.

Sea como fuere, esta obra de Ana Rivas y Helena Morales, dirigida por Gabriel Olivares, cumple con su objetivo: hacer reir al público. Una hora y media de diluir los problemas en el mundo exterior mientras el público disfruta sin medida, interrumpiendo incluso a las actrices con sus carcajadas.

Frases de madres, frases de hijas, problemas de bodas, inseguridades, hijas que no quieren parecerse a sus madres y madres que saben que son igual que sus hijas. Aunque ya se hayan cumplido las 700 funciones, aún te quedan oportunidades para reírte con La Madre que me parió…¡te esperamos en la cuarta temporada!

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Espectáculos y teatro

Invencible: una radiografía humana sobre la lucha de clases

Hay muchos motivos para mudarse de barrio, aunque no siempre son los que nosotros mismos creemos. Ni mucho menos los que contaríamos a nuestros vecinos nada más conocerles. ¿Cuánto escondemos tras nuestra propia fachada? Llega a Madrid Invencible, una tragicomedia que evidencia una lucha de clases velada en nuestra sociedad, dolorosa en su concepción y realismo.

Invencible Teatro

Con una introducción sobresaliente, Invencible nos presenta la historia de una pareja culta y adinerada (Maribel Verdú y Jorge Bosch) que se ve obligada a mudarse a un municipio más asequible debido a la crisis económica. Allí conocerán a Laura y Pablo (Pilar Castro y Jorge Calvo), sus vecinos, con quienes tratarán de establecer una relación estrecha en un intento de rodearse de gente “real” y más humilde.

Invencible es una obra totalmente conversacional, donde cualquier acción, intención y alusión se filtra a través del diálogo. Los matices son casi infinitos, en una destilación constante de alusiones al snobismo, a la condescendencia y al idealismo teórico, pero también a la honradez, la alegría sencilla y la ausencia de pretensiones. Porque la lucha de clases no siempre es lucha pero sí son diferencias ineludibles, y a pesar de los puntos que podamos tener en común, la capacidad de afrontar los problemas nunca ha sido la misma. Al ir viendo la obra, uno no puede evitar sacar una cuestión en claro: ante cualquier eventualidad, ¿tenemos las mismas posibilidades?

Invencible Teatro

Dinámica, Invencible presenta referencias y contextos en los que muchas veces no ahonda, abandonando al espectador a sus propios juicios y pensamientos. Política, injusticias sociales, duelos, envidias, reproches, resiliencia… son algunos de los nada frívolos temas que van surgiendo, más para hacer una radiografía auténticamente humana de los personajes y las clases que para plantear una postura filosófica al respecto.

Esto, siempre aderezado con divertidos y ocurrentes giros que harán reír al espectador.

Una obra de personalidades, de texto por capas, donde cada realidad va dejando paso a la siguiente en un delicado equilibrio de emociones. Profunda y visceral, es una oportunidad perfecta para desgranar la altísima calidad interpretativa del reparto, con emociones intensas, vulnerables y cambiantes ante cualquier estímulo.

Invencible Teatro

Aún así, nunca pierde el toque ácido, irónico y divertido. La vertiente más cómica de la obra viene capitaneada por Jorge Calvo y resta la sobrecarga emocional al texto.

Los actores aprueban con creces las exigencias del texto, dotando al argumento de Torben Betts de una versatilidad y credibilidad sobresalientes. En un marco anímico tan cambiante, no cualquiera podría hacerse cargo de las texturas de cada una de las secuencias y salir absolutamente airoso.

Te gustará si:

  • Te gusta el teatro de enredos, giros inesperados y humor.
  • Te gusta el teatro de texto, ya que es un guión muy trabajado, inteligente y fluido.
  • Te interesa la temática social.

Invencible Teatro

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Danza Eventos

El Lago de los Cisnes vuelve al Teatro EDP de Madrid

Hablar de ballet clásico es sinónimo de nombrar la magistral y atemporal producción de Igor Tchaikovsky. Y algo está más que claro, es inevitable que no se nos venga a la cabeza la obra cumbre del compositor ruso, El Lago de los Cisnes, como una de las piezas más representativas del género. Una obra inmortal que ha pasado a la posteridad gracias a su lirismo, belleza y pasión. Por eso motivo, te recomendamos que no pierdas la oportunidad disfrutar de la programación que tiene preparada el Teatro EDP Gran Vía este verano.

Como lleva haciendo desde 2014, el Ballet Clásico de San Petersburgo vuelve a nuestro país para ofrecernos una versión bastante fiel de El Lago de los Cisnes que se presentó en el Teatro Mariinski en 1895 con la coreografía de Marius Petipa. Una producción galardonada con un premio Teatro de Rojas al Mejor Espectáculo de Danza de 2015 y en el que destacan grandes figuras de la talla de Ekaterina Bortyakova, Nikolay Nazarkhevich, Natalya Kush y Andrey Batalov, como solistas principales.

Andrey Batalov como coreógrafo y director de esta versión, sigue al pie de la letra las tradiciones del ballet clásico, siempre respetando al máximo la coreografía de Petipa que encumbró al éxito El Lago de los Cisnes. Una obra recomendable tanto para los amantes del género, como para todos esos profanos que quieran realizar un primer acercamiento al mundo de la danza clásica.

Sinopsis

La obra, presentada por primera vez en el Teatro Bolshói de Moscú en el año 1877, nos narra la indescriptible historia de hadas sobre el bien y el mal a través de la danza. La joven princesa Odette es víctima de un terrible maleficio que la convierte en cisne y solo le permite volver a la forma humana por las noche. Una maldición que tan solo podrá vencer el amor eterno. Así, el príncipe Sigfrido conoce a Odette y se enamora perdidamente de la princesa cisne, pero será engañado por el malvado brujo Von Rothbart. Ambos tendrán que luchar para romper la maldición y ser felices para siempre.

El Ballet Clásico de San Petersburgo de Andrey Batalov

Fundado por el solista principal del Mariinsky Ballet, Andrey Batalov y por Andrey Scharaev, el Ballet Clásico de San Petersburgo lleva años visitando nuestro país para brindarnos la oportunidad de disfrutar de las piezas más importante de la historia del ballet clásico. Entre su extenso repertorio destacan obras como Don Quijote de Minkus, Giselle de Adolphe Adam o dos de la obras más representativas de la obra de Tchaikovsky, La Bella Durmiente y el Lago de los Cisnes. Pero el Ballet Clásico de San Petersburgo no solo se limita a interpretar obras clásicas, actualmente dentro de su repertorio también incluye piezas de danza contemporánea creadas por Alexey Miroshnichenko o Emil Faski, entre muchos otros.

Una extensa trayectoria que ha sido reconocida en diversas ocasiones a lo largo de los años. En 2015, su versión del Lago de los Cisnes fue galardonada como el mejor espectáculo de danza en los XXIV Premios Teatro de Rojas. Unos años después, en 2018, su propuesta de La Bella Durmiente obtuvo el mismo galardón en la XXVII edición de los prestigiosos Premios Teatro de Rojas.

Este año, tendrás la oportunidad de disfrutar de estas dos laureadas versiones en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid con reparto de altura. Entre elenco que visitará nuestro país destacan las figuras de Ekaterina Bortyakova, Natalya Kush, Andrey Batalov y Nikolai Nazarkevich, grandes estrellas del ballet ruso y solistas principales de ambas versiones.

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Espectáculos y teatro Eventos

Lo que mamá nos ha dejado, una tierna comedia sobre una familia disfuncional

Humor, un poco de mala leche y un halo de ternura que envuelve toda la obra: hoy, en Taquilla.com, os presentamos ‘Lo que mamá nos ha dejado‘. Una nueva comedia de Ramón Paso a la que le auguramos un futuro prometedor en el Teatro Lara, ya que posee todo lo necesario para pasar a formar parte de su cartelera habitual. Y es que bajo la dirección y guión de este prolífico dramaturgo nos encontramos con una conmovedora comedia sobre las tortuosas relaciones familiares.

Pero ¿Qué es lo que nos ha dejado mamá? Una familia disfuncional con mucho que decir y con muy pocas ganas de entenderse entre ellos.

Cuando Carmela descubre que su marido le es infiel, decide dar carpetazo a su relación y esconderse del mundo en la cabaña que tiene en la sierra de Madrid. Pero lo que a priori parecía un plan perfecto, se verá truncado por la presencia de unos invitados muy poco deseados: su padre y sus hermanas. Una visita que para cualquiera podría ser reconfortante para Carmela no puede ser más que la peor guinda del pastel para un día terrible.

Pero, ¿quienes son los integrantes de este peculiar cuarteto a la perdición? César, el cabeza de familia, si se le puede nombrar así, siempre ha querido a sus hijas y, sí, ha hecho lo que ha podido, pero no siempre hacer lo que se puede es suficiente y así se lo recuerdan cada vez que pueden Carmela y su hermana pequeña, Natalia. Hermanas que tampoco soportan a Mar, la mediana, que está medio zumbada, pero que adora tanto a su padre como a ellas. Una familia más que disfuncional que ha sabido perfectamente cómo mantener una espléndida relación, simplemente eliminando todo contacto posible. Pero esta aparente tranquilidad implosionará cuando todos se vean obligados a convivir, por primera vez en cinco años, durante una fría noche de enero.

¿Preparados para ser testigos de la mayor guerra familiar jamás contada? Con un ritmo muy dinámico, muchos giros argumentales y un agudo e irónico humor que subyace a lo largo de toda la obra, ‘Lo que mamá nos ha dejado’ mantiene alerta al espectador a lo largo de toda la función. En esta obra no hay tregua y así lo demuestran Carlos Seguí, Ana Azorín, Inés Kerzan, Ángela Peirat y en esta ocasión Elisa Pelayo, muy a la altura de un guión bastante exigente.

Entre insultos, malas maneras y cabreos encontramos una sensibilidad inherente, porque, a pesar todo lo que haya podido ocurrir, ellos se quieren, y… ¿esta no es la esencia de una verdadera familia? Y así es como nos lo demuestra Ramón Paso, haciendo un gran retrato familiar huyendo de los convencionalismos a los que estamos acostumbrados en esos prototipos de familia feliz que siempre se nos han presentado como algo ‘normal’.

Lo que en un primer momento parece una típica comedia al uso, se convierte en una historia que consigue mover algo en tu interior y hacerte formar parte de ese grupo de locos que han tratado de salir adelante lo mejor que han podido. Poco a poco, todos y cada uno de los personajes van abriéndose en una viaje entre lo real y lo onírico hacia la superación de un hecho que trastocó sus vidas para siempre. Ramón Paso, dotándose de un amplio abanico de recursos escénicos, nos hace partícipes de este recorrido a través de una comedia fresca, natura y que, por supuesto, hará pasar al espectador un rato divertidísimo mientras descubre qué es lo que nos dejó mamá. 

Dónde: Sala Lola Membrives del Teatro Lara
Cuándo: Todos jueves a las 20:15 horas
Cuánto:  Desde 12 euros

Puedes consultar aquí todas las entradas disponibles

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Especiales

Ocho salas para que tu bebé aprenda a disfrutar del teatro

¿Crees que tu bebé es demasiado pequeño para disfrutar de la magia del teatro? Rotundamente no: los más pequeños se encuentran en la edad perfecta para descubrir todo el potencial del teatro a través de colores, cuentos y simpáticos amigos. Actualmente, ser padres no debería representar un impedimento a la hora de vivir la cultura, el teatro o la música. Por eso, hoy en Taquilla.com hemos recopilado aquellos centros de Madrid que también piensan en los más pequeños y como parte de su programación ofrecen espectáculos para bebés. Porque estimularlos es lo más importante, ¡además de divertirse en familia!

La Escalera de Jacob

Situado en pleno corazón de Lavapiés, La Escalera de Jacob es todo un clásico de la magia, el teatro independiente y las obras infantiles. Todos los sábados por la mañana se representa Te amo Teatro, donde los más pequeños aprenderán a ir apreciando la escenografía, el color, la voz, la música y al artista…un juego de luces, sonidos, y sentido del humor (con guiños para los padres), que tendrá a tu bebé con los ojos abiertos durante toda la obra.

Por su parte, I Love You es una opción mucho más sensorial para reforzar los lazos entre padres e hijos, donde Linda, la protagonista, narra lo bonito de los besos, las caricias y el amor, a través de la danza, la música con imágenes y las palabras (todos los domingos). Los sábados son el día de la magia. Si tus hijos son un poquito más mayores (a partir de 2 años), también pueden disfrutar de lo lindo con trucos de ilusionismo, ya que La Escalera de Jacob nos ofrece varias opciones que deslumbrarán a pequeños y mayores. Los sábados por la tarde es el turno para Anakadabra, una talentosa maga que te transportará con su espectáculo al momento en el que te ilusionaste por primera vez.

Con Supermagia, los sábados por la mañana y por la tarde llega el Mago Mor para haceros participar a toda la familia. ¿Realidad o ficción? ¿Lógica o magia? Sumérgete en este espectáculo repleto de trucos clásicos. Pero, si lo que queréis es una ración doble de humor, vuestra elección es sin duda Flipomagia, donde Flipo, el ayudante del gran mago Fetuchini, se quedará sólo al cargo de una función de magia…¡y tendrá que apañárselas como pueda!

Artespacio Plot Point

Nos encanta Artespacio Plot Point. Esta compañía teatral, con sede en el barrio de Arganzuela, siempre está investigando las fronteras del teatro. Ofrecen creaciones de calidad en línea off alejadas de lo convencional, pero siempre con una amplia oferta adaptada a muchos públicos. En la actualidad, es uno de los mejores ejemplos de programación infantil para bebés, con varias obras en cartelera que sin duda te sorprenderán.

El bebé extraterrestre narra la historia de Eva, una joven que cuando está a punto de dormirse encuentra en su propia habitación un bebé extraterrestre. Lejos de asustarse, Eva le enseñará a comunicarse a través de los gestos y la música. Divertidas lecciones para el protagonista y para todos los niños de la sala en un espectáculo muy colorido. Programada los sábados por la tarde.

El Hada Diana, por otro lado, es un espectáculo bilingüe en formato de musical, donde los niños tendrán que ayudar al Hada Diana a conservar el mundo. Teatro, música, magia, títeres, mimo…un montón de recursos pensados específicamente para bebés, con unas proyecciones que harán las delicias de los más pequeños. Si por otro lado buscas una opción más sensorial, Castillos en las nubes indaga en nuestra parte más emocional para que recuperemos la libertad infantil. Los domingos, Tulumba Teatro utiliza la música para que dos actrices vayan representando desde el descubrimiento de uno mismo a la construcción de universos repletos de color.

Una opción un poco distinta es Baby Rock, que huye de los estereotipos. Este espectáculo quiere llegar a los niños a través de la música, pero de guitarras eléctricas, estimulando sus sentidos más allá de las típicas canciones infantiles. Con esta banda sonora veremos la historia de unas amigas muy diferentes que aprenden lo que es la tolerancia para llevarse bien. Podemos verlo tanto sábados como domingos. ¿Y los próximos estrenos? En octubre de 2017 se estrenará Girasoles, especialmente creado para bebés, una entrañable obra donde las flores despiertan y bailan bajo la luz del sol, como los niños, expectantes ante todas las maravillas del mundo. Girasoles busca estimular a los más peques, y animar a los mayores a volver a sorprenderse.

Teatros Luchana

En plena calle de Luchana podemos encontrar una extensa oferta en lo que a teatro infantil se refiere, en los nuevos Teatros Luchana, que tienen una variada y original propuesta para todos. Allí podrás conocer a Tararí y Tantán, que están buscando la luna. Acompáñalos a su mundo de fantasía, alegría, emociones y ternura los sábados y domingos por la tarde. La cercanía del escenario hará que los niños disfruten de esta obra de payasos con apariencia de juguete gigante. ¿Su punto fuerte? La música interpretada en directo, que hipnotiza a los más pequeños y enternece a sus familias.

Para los bebés más mayores, de 3 años, podemos ver ¿Cómo te lo cuento?, donde dos duendecillos ayudantes de los Hermanos Grimm nos contarán varias de las historias míticas de estos escritores. ¡Los domingos por la mañana los Teatros Luchana se llenan de risas, colores y cuentos!

Teatro Tarambana

Lejos del centro de la ciudad también podemos encontrar teatro para bebés, para aquellos que prefieren no moverse demasiado. La Sala Tarambana se encuentra en el barrio de Vistalegre, y tiene programadas varias obras para un público infantil y juvenil. Para los más pequeños, podemos optar por El Pollo Pepe, un hilarante espectáculo de títeres pensado especialmente para ellos. Entre 1 y 4 años, podrán disfrutar de las aventuras de este divertidísimo pollito que ansía ser mayor. ¡Los bebés no podrán parar de reír!

Teatro La Usina

El Teatro La Usina, situado en Palos de La Frontera en Madrid, ofrece obras para edades muy variadas. A partir de 3 años, por ejemplo, los niños podrán disfrutar de los títeres de Rainbow, el pez arcoiris, una adaptación del clásico de la literatura infantil de Marcus Pfister. Todos los sábados se representa esta obra tierna y colorida donde se reúnen sus más divertidas aventuras para hablar de la importancia de compartir, ayudar y amar.

En cambio, si buscamos algo mágico para los más pequeños, nuestra opción es El Payaso que Soñaba con la Música, una obra que utiliza la magia infantil para trabajar el ritmo en los más pequeños. El estímulo musical se convierte en protagonista de la historia del payaso Rocco, que se queda dormido mientras intenta componer y se sumerge en un sueño musical en el que descubrirá ritmos, colores e instrumentos. ¡Es perfecto para niños de hasta 3 años!

Teseo Teatro

Situado en Ronda de Segovia, muy cerca de Puerta de Toledo y Príncipe Pío, se encuentra Teseo Teatro, que apuesta tanto por obras infantiles como por piezas para el público adulto. Si buscamos un plan para nuestros bebés, es sin duda el lugar indicado, porque tienen varias opciones activas en cartelera. Descubriendo Fabulín es una de ellas, y nos trasladará de lleno a un mundo de fantasía, un universo chiquitín pero repleto de colores, texturas y sensaciones para hacer volar la imaginación de los más pequeños. Está pensado para que los bebés se vayan acostumbrando a la música y a tactos muy distintos, a través de cuentos, amigos y simpáticos animales.

Para los más peques también está pensado Volvoretas, la historia de dos futuras mariposas que van descubriendo el mundo de emoción en emoción,en un bosque de música y estímulos. Para bebés de 0 a 3 años.

Off de la Latina

El Off de la Latina está situado en una de las zonas con más vida de Madrid. Es una sala muy especial y acogedora que sin duda encantará a todos, donde se programan obras alternativas e infantiles a un precio muy asequible. Y qué mejor manera de divertir a los bebés que con payasadas de circo. Tachín, Tachán, Tachón recupera el espíritu de los clown con esta obra, donde el gran mago Pepo y su aprendiz nos tendrán que presentar sus espectáculos. ¡Apto para toda la familia!

Teatro del Arte

También en Lavapiés (en la Calle San Cosme y San Damián) se encuentra este recinto, con una variada programación, además de cursos de formación teatral para adultos. Lamentablemente, ahora mismo el Teatro del Arte no tiene programadas obras para los más pequeños de la casa.

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Cultura Espectáculos y teatro

La Pilarcita, una historia de sueños y fe

Hace unas semanas, Anna Castillo nos contaba en una entrevista los detalles sobre su nueva obra: La Pilarcita. Desde el 3 de junio lleva en cartel en la sala Lola Membrives del Teatro Lara, que se convierte en el escenario perfecto para esta obra de aires costumbristas que evoca los cálidos días de verano en el pueblo. La cercanía con el público hará que te sumergas en la historia como si formases parte de ella. Como la misma actriz nos contó: «tener al público tan cerca añade vértigo, responsabilidad y nervios. Es más bonito, porque exige más compromiso». Lo cierto es que, en las actuaciones que nos regala el elenco, se puede palpar ese empeño.

La historia transcurre en un pequeño pueblo de Extremadura, donde el calor azota durante todo el día en la época estival. Lucía y Luisa viven allí una vida tranquila, regentando una hospedería para recibir a los forasteros que van a la celebración de La Pilarcita. Flores y muñecas son las ofrendas que los peregrinos llevan a esta entrañable santa para pedir sus milagros. La llegada a la casa de Selva y su misterioso acompañante revoluciona a las dos jóvenes, sobre todo a Lucía, que emprende una entrañable amistad con la mujer. La unión de esta pareja es el perfecto reflejo de cómo algunas personas entran en tu vida casi sin darte cuenta y la cambian por completo.

El personaje de Selva está encarnado por la brillante Mona Martínez, que interpreta su papel con gran crudeza y melancolía. Anna Castillo y Fabia Castro son los dos vértices restantes de este triángulo perfectamente equilibrado. El personaje de Castro representa la responsabilidad y el sosiego frente a la energía y vitalidad arrolladora de Castillo. También vemos, ocasionalmente, en el escenario a Álex de Lucas quien aporta un toque de gracia a la obra con su papel de narrador trovadoresco. Un reparto pequeño que llena el escenario de talento.

Lo bonito de La Pilarcita es que consigue transmitirte los sentimientos más sencillos del ser humano de una forma extraordinaria. Las aspiraciones personales, los sueños, la esperanza, la fe, la amistad, el amor. En definitiva, es una historia de personas que no han visto el mundo más allá de los límites de su pueblo, pero que sueñan con hacerlo algún día. Es más, sueñan intensamente con vivirlo. Y eso es lo que te llevas al salir de la función: las ganas de seguir persiguiendo tus sueños, sean grandes o pequeños.

Dónde: Teatro Lara (Corredera Baja de San Pablo, 15, 28004, Madrid)
Cuándo: Hasta el 30 de junio, los sábados a las 19.15h y los domingos a las 20.15h.
Cuánto: Desde 18 euros.
Para más información y entradas pincha aquí.

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Espectáculos y teatro

Panegírico de la ambición: Pedro Víllora reinventa el Tartufo de Moliére

Narcisismo. Manipulación. Recta moral cristiana pervertida con ambición y poder. Vuelve Tartufo, el Impostor, a nuestros teatros. Una adaptación donde Pedro Víllora reinventa, reconstruye un clásico para adaptarlo a una moral quebradiza. Todo ello sin perder un ápice de su fuerza, entre el brillo y la austeridad, entre lo actual y unos versos alejandrinos que se remontan cinco siglos atrás en el tiempo.

Venezia Teatro nos ofrece así una versión personal, que juguetea entre el verso y la prosa, entre la fidelidad y la arrogancia, entre la dramaturgia y una cuarta pared más que rota buscando la complicidad con el público.

Alejandro Albarracín, más que interpretar, se transforma en el Tartufo más impostor de la historia. Su presencia es pura perversidad calculada, pura prepotencia y ego. Un espejo de la sociedad actual que nos hace aborrecerlo como nunca. Tartufo se convierte en el centro de la obra mucho antes de aparecer en escena, a las órdenes de un ritmo perfectamente medido. Y es que la expectación va creciendo con acertadísima tensión: murmullos, insultos, trabas familiares y alabanzas desmedidas durante los primeros actos van construyendo una mitología de Tartufo básica para la obra, cultivada desde el (nada casual) cartel promocional hasta la final aparición del personaje. Unas expectativas increíblemente altas que construyen un Tartufo demasiado cruel e inteligente que se nos desmorona sin embargo un poco rápido (¿será premeditado?), pero sin nunca perder sus cualidades retorcidas, manipuladoras ni, por supuesto, galantes.

Cuidado, porque la obra atacará sin duda al espectador minucioso. ¿Adoramos falsos dioses? ¿Nos dejamos encandilar por lo políticamente correcto, por palabras místicas? ¿Ha quedado sometida la moral a la ambición, al poder, a la astucia más despiadada? ¿Cuántas veces nos hemos llamado Tartufo? Y es que esta comedia de 1664 no es sino una representación hermosa del afán capitalista por devorarlo todo ,con tal de conseguir sus propios fines. Más dinero. Más poder: la tumba de los principios.

Pero no hay que olvidar que Tartufo también es comedia. Esther Isla cumple aquí el cometido de la criada a la perfección, dotando al drama de una visión cómica que casi eclipsa no sólo al resto de protagonistas, sino a la misma naturaleza reflexiva y semioscura de la obra. Vicente León acompaña a Esther en la versión más divertida de la pieza, con un dominio de la voz, la gesticulación y el verso que defienden más que cualquier compañero la idiosincrasia clásica de El Impostor. Tartufo cuenta así con todo un elenco poderoso que dota de fuerza y sentido a una obra que quizá no podría explicarse así sin ellos. Lola Baldrich, Nüll García e Ignacio Jiménez completan un reparto coral para un escenario repleto pero pensado: nunca lleno, nunca vacío.

Todo ello, medido y expresado a través de una coreografía cuidada, casi mística, que convierte algunas escenas en bailes o en un cuadro pintado por el más cuidadoso autor barroco. Derroche de colores vibrantes, sólidos e hieráticos para los momentos más tensos. Para los más relajados, entradas, salidas y guiños fuera de escena.

Venezia Teatro nos trae así al Tartufo que siempre ha sido: una reflexión sobre la condición humana y el camino recto. Una reflexión sobre la moralina vacua. Sobre la ambición y el poder. Sin embargo, se atreve y arriesga, como un historiador negligente, a recomponer lo ocurrido. A convertirlo en un presente. En esta ocasión, la ambición gana.

TARTUFO EL IMPOSTOR, VENEZIA TEATRO

Elenco: Alejandro Albarracín, Lola Baldrich, Vicente león, Nüll García, Ignacio Jiménez, Esther Isla
Versión: Pedro Víllora
Director: José Gómez-Friha
Dónde: en el Teatro Infanta Isabel
Cuándo: Hasta el próximo 1 de octubre
Cuánto: A partir de 11 €
Entradas ya disponibles aquí

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Espectáculos y teatro

Teatro: novedades imprescindibles para este otoño

Si tú también eres un amante del teatro, sabrás que septiembre no es un mes más del calendario. Significa mucho más que volver de vacaciones, más que el otoño, el trabajo y la monotonía: porque es el mes de todos los estrenos. Cada septiembre se inaugura la nueva temporada teatral, con las novedades que las mejores compañías llevan meses preparando. ¡Amantes de las tablas, este es vuestro artículo! ¿Queréis saber qué os depara este año?

TEATRO TEMPORADA 2017/2018

 

BILLY ELLIOT, EL MUSICAL

Llevamos meses sabiéndolo. Y aún así, la emoción no parece haber disminuido lo más mínimo. Billy Elliot, la historia del niño bailarín que luchó por sus sueños, llega por fin a España en su adaptación teatral que ya ha triunfado en el West End de Londres y en Broadway. Los castings han sido intensos, los ensayos, más; pero todo parece estar preparado para este musical sobre la pasión y autenticidad de cada uno. Con música original de Elthon John, coreografías elaboradas y una ambientación excepcional, va a ser muy difícil resistirse.

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Dónde: Nuevo Teatro Alcalá
Cuándo: a partir del 6 de octubre
Cuánto: Desde 23 €
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TÓTEM

La espera está a punto de acabar: Tótem se estrenará en nuestro país en noviembre. Traerá consigo la historia de la humanidad con altas dosis de danza, magia y música, como siempre. El Circo del Sol volverá a desplegar sus mejores armas en -por ahora- Madrid, Barcelona y Sevilla. Podremos disfrutar de decorados impresionantes, trucos imposibles, vestuarios arriesgados y una obra para rendir homenaje a la evolución de toda una especie. Y es que el Cirque du Soleil es inimitable. Y nos encanta: desde que llegase a nuestro país, Varekai no ha parado de girar por toda la península. Pero siempre queremos más.

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Dónde: Madrid, Sevilla y Barcelona
Cuándo: 10 nov-17 dic (madrid), 26 ene-11 feb (Sevilla), 24 mar-15 abr( barcelona)
Cuánto: desde 28 €
Entradas para Totem del Circo del Sol aquí

NADA ES IMPOSIBLE – EL MAGO POP


Antonio Díaz
es uno de los magos más populares de nuestro país. Más conocido como el Mago Pop, es un ilusionista que ya ha sido galardonado con el Premio Nacional de Magia por sus excelente puesta en escena. Y es que ni el gran público, ni la crítica, ni las estrellas internacionales que han ido a verle consiguen explicarse sus trucos. Pero sí su éxito: La Gran Ilusión, su última creación, triunfó en todo el mundo durante años. Ahora vuelve a la cercanía del teatro con Nada es Imposible, que parece venir a reafirmar quién es el rey de la magia sobre el escenario. Stephen Hawking, Victoria Beckham o Antonio Banderas ya se han quedado impresionados. ¿Te apuntas?

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Dónde: Teatro Rialto de Madrid
Cuándo: a partir del 29 de septiembre
Cuánto:desde 17€
Entradas para Nada es imposible del Mago Pop aquí

LA FAMILIA ADDAMS

Sólo hacen falta cuatro notas para que sepamos de qué serie estamos hablando. Esa inconfundible introducción, que anunciaba la llegada de una familia oscura, irónica e inalterable, se ha vestido de gala para invadir los teatros de España en forma de musical. Y es que hace ya más de 40 años que la Familia Addams saltó a la televisión, convirtiéndose en un icono gótico y divertido de la cultura popular. Disfruta de esta comedia que te sumergirá de lleno en el loco mundo de los Addams, donde Gómez y Morticia tendrán que enfrentarse al hecho inevitable de que Miércoles, con ya 18 años, se haya enamorado. ¿Podrán aceptar este cambio?

Dónde: Teatro Calderón
Cuándo: Del 5 de octubre al 10 de diciembre
Cuánto: Desde 11,94 €
Entradas para La Familia Addams aquí

LOS HOMBRES SON DE MARTE Y LAS MUJERES DE VENUS

Este otoño, Mauro Muñiz de Urquiza vuelve a los teatros a protagonizar lo que ya es todo un clásico de los libros: Los hombres son de Marte y las mujeres de Venus. Este best seller, escrito por John Gray, ironiza sobre la diferente manera en que cada sexo suele enfrentar una misma situación, enfocándolo siempre desde la complicidad y no el conflicto. Hombres y mujeres compartimos código genético, espacio geográfico y mismo idioma. Entonces, ¿por qué parece que venimos de planetas diferentes?

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Dónde: Nuevo Teatro Alcalá
Cuándo: del 21 de septiembre al 29 de octubre
Cuánto: desde 19 €
Entradas para Los hombres son de Marte y las mujeres de Venus aquí

EL GUARDAESPALDAS

El 29 de septiembre, una de las películas que más nos emocionaron en los 80 vuela al escenario del Teatro Coliseum en Madrid. Se trata de El Guardaespaldas, un musical rebosante de pasión, elegancia y por supuesto de la mejor música de Whitney Houston. Reviviremos en directo la historia del ex agente de la CIA Frank Farmer, que tendrá que enfrentarse a su mayor reto profesional hasta la fecha: gestionar la seguridad personal de una temperamental estrella del pop. Sus caracteres opuestos dificultarán esta tarea, ¿o en realidad están escondiendo una inevitable atracción?

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Dónde: Teatro Coliseum
Cuándo: del 29 de septiembre al 30 de noviembre
Cuánto: Desde 22 €
Entradas para El Guardaespaldas, el musical aquí

AMOR SOMOS 3

Este otoño prepárate para el amor, la tensión, y sobre todo, el humor. Llega a nuestros teatros Amor Somos 3, la adaptación de Ma soeur est un boulet que lleva nada menos que 5 años triunfando en la vecina Francia. ¿Los ingredientes para tan buena acogida? Una pareja compartiendo piso, una hermana que se muda para desequilibrar la situación y una reflexión sobre la lealtad, el amor y la familia. Una comedia llena de sorpresas que podremos ver a partir del 26 de agosto.

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Cuándo: Del 26 de agosto al 28 de octubre
Dónde: Teatros Luchana
Cuánto: Desde 14 €
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WE LOVE QUEEN

Prepárate para emocionarte. Porque el símbolo más importante del rock del siglo XX va a subirse al escenario. Después de una única semana en Valencia y una pequeña gira veraniega, el último espectáculo de Yllana llega a ciudades como Cartagena y Madrid. La compañía de humor, que ya ha dirigido The Hole, Mayumaná y Rumba, da un giro completo para subir a Queen al escenario. We Love Queen es un homenaje que teatralizará y escenificará algunos de los temas más icónicos de la banda. Eso sí, sin modificar un ápice su auténtica esencia, ya que son como monumentos del imaginario colectivo que sería un sacrilegio tocar. Un espectáculo pensado para emocionarte de principio a fin.

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Cuándo: 14 de Oct (cartagena) y 18 de nov (Alcorcón)
Dónde: Auditorio El Batel, Teatro Buero Vallejo
Cuánto: desde 10 €
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Pero si lo que quieres es disfrutar de los auténticos éxitos de nuestra cartelera ya consagrados, estás de enhorabuena, este mes de septiembre vuelven con más fuerza que nunca taquillazos de la talla de Dirty Dancing, The Hole, Mayumaná, Los Morancos, El Rey León, El Test.

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Entrevista a Anna Castillo: «Transformar a las personas a través del teatro es un sueño hecho realidad»

Pasión y energía son dos adjetivos que definen perfectamente a Anna Castillo. Por la vida y por el teatro. Desde las actuaciones en el colegio cuando era una niña hasta su gran noche recibiendo el Goya a Mejor Actriz Revelación, la joven actriz ha vivido una carrera intensa tanto sobre las tablas como en la pequeña y gran pantalla. La dulce Dorita en Amar es para siempre, la cañera Susana Romero en La Llamada, la entrañable Alma en El Olivo y la enérgica Lucía en La Pilarcita son algunos de los personajes que han acompañado a la intérprete a la cima. Hoy en El Blog de Taquilla.com hablamos con Anna Castillo sobre sus proyectos, sus ilusiones y las claves de su éxito.

Tras triunfar con La Llamada, vuelves al Teatro Lara. Este lugar tan emblemático debe ser ya como tu segunda casa.

«Sí. Con La Llamada fueron tres años, así que para mí este lugar es muy especial. Me da un punto de seguridad volver a actuar aquí. Si fuera otro teatro quizá me daría un poco más de vértigo. Pero aquí siento que estoy en casa. Me hace mucha ilusión. No puedo compararlo con otros, porque no he trabajado en muchos más. Sin embargo, es verdad que al Teatro Lara le tengo un cariño especial desde el principio. Es una bombonera por la que ha pasado tanta gente… De hecho, el fantasma de Lola Membrives está por aquí y es una maravilla. Desde siempre me ha parecido un teatro muy romántico y bonito.»

Ahora vuelves con La Pilarcita. ¿Qué nos puedes contar sobre esta obra?

«La Pilarcita es una historia de tres mujeres que se encuentran en un pueblo de Extremadura durante el fin de semana en el que se celebra La Pilarcita. Es una santa a la que la gente lleva flores y muñecas y pide milagros. Hay dos chicas, Luisa y Lucía, que son del pueblo y regentan una casita para que la gente de la ciudad se hospede. De repente aparece Selva, que llega desde Madrid para hospedarse allí. Es la historia de estas tres mujeres, que están un poco perdidas y luchan por conseguir sus milagros con fe en que las cosa pueden cambiar e ir a mejor. Para mí es una historia sobre todo de fe y esperanza.»

 

La Pilarcita se estrenó en Buenos Aires de la mano de María Marull y ha triunfado. ¿Cómo ha sido el proceso de importación y adaptación?

«Ha habido cambios principalmente en el texto, ya que estaba escrito en argentino. Chema Tena, el director, cambió el textó al español. Aunque de vez en cuando encontramos algo que sigue sonando raro y lo cambiamos. La historia es la misma, está intacta. La Pilarcita es una celebración que no existe en España. Es una santa pagana de un pueblo de Corrientes, en el interior de Argentina. La hemos trasladado tal cual, como si estuviese aquí.»

Interpretas el papel de Lucía, una joven del pueblo. ¿Cómo te has preparado para meterte en la piel de este personaje?¿Qué tiene Lucía de Anna y con qué se queda Anna de Lucía?

«El proceso ha sido curioso, porque esta historia está bien contada cuando encuentras el equilibrio entre las tres actrices. Para ello, hemos pasado por varios puntos. Lucía es una chica con mucha vitalidad, energía y unas inmensas ganas de vivir. A la vez es inocente y carismática. Su ilusión por la vida es desbordante y quiere tener experiencias nuevas sin renunciar a su pureza y bondad. Lo que compartimos es que ambas somos chicas muy enérgicas y con muchas ganas de vivir. Ella es más inocente, más buena y más pura que yo, por sus circunstancias. Lucía me parece un personaje totalmente admirable.»

Debutaste con La Llamada en la sala principal. Ahora con La Pilarcita estáis en la sala Lola Membrives. ¿Cómo vives este cambio? ¿Qué tiene de especial?

«A mí me encanta, me parece que es precioso. El otro día ensayamos La Pilarcita en en la sala grande y pensé que era mejor esta. Es verdad que el hecho de tener al público tan cerca da vértigo y añade responsabilidad y nervios. Aquí no hay trucos. Ellos están ahí contigo, como si formasen parte de la historia. Parece que si estás en lo alto del escenario impone menos actuar. Al menos a mí me parece que aunque exige mucha más responsabilidad, el hecho de tener a la gente tan cerca es muy bonito

 

 

A parte del teatro, hemos podido verte en series de televisión y películas. Cada formato tiene su técnica, pero ¿tienes alguno favorito?

«No tengo ninguno favorito. Al fin y al cabo, a mi me gusta currar, me gusta mi trabajo y hacer personajes bonitos. Me es indiferente el formato. Es verdad que cada uno tiene sus cosas. El teatro es lo que más responsabilidad y compromiso exige. Para mí es lo más difícil y sacrificado, ya que tienes que poner el alma en ello. Estás sola en el escenario y debes estar comprometida con ello al cien por cien pero, por otro lado, te mantiene en forma. Te da tablas. Es una forma de entrenarte constantemente. En el cine y la televisión lo guay es que formas parte de un equipo en el que te pones en manos de un director, un montador, un sonidista… y al final, entre todos, creáis una pieza. Es más fácil porque te apoyas en tus compañeros. Todo tiene sus cosas buenas.»

Hablando de cine, ¿cómo le cambia la vida a la ganadora del Premio Goya a la Mejor Actriz Revelación?

«De momento todo sigue igual. Lo único que ha pasado es que ahora tengo un poco más de visibilidad. Estoy un poco más expuesta, pero no ha cambiado nada. Esa noche fue un subidón. Lo recuerdo como si lo hubiese soñado. Fue una noche divertida y llena de ilusión, pero enseguida me bajé de la nube. Sigo currando mucho, como estaba haciendo antes. Solo espero que el Goya sea, en algún momento, el aval de confianza para que pueda seguir trabajando sin parar.»

Has vivido una intensa carrera hasta llegar a ese momento. Comenzaste desde muy pequeña en el mundo de la interpretación, en un momento en el que el ser productivo prima sobre hacer lo que uno ama. ¿Ha sido un camino fácil?

    «Tuve el privilegio de empezar a actuar muy pronto y la suerte de tener unos padres que me apoyaban mucho. Me veían muy feliz haciendo obras del teatro en el colegio o haciendo el idiota. Desde muy pequeña empecé a compaginar pequeños trabajos que me salían con los estudios. Hasta que no me vi dedicándome a esto no dejé de estudiar. Llegué hasta tercero de psicología. Comencé la carrera a distancia para poder compaginarlo con los posibles trabajos de actriz que me saliesen. Llegó un momento en que vine a Madrid a trabajar en una serie diaria y La Llamada a la vez y vi que necesitaba dedicarme enteramente a ello.»

 

 

Te fue bien, entonces…

«Desde ese momento, gracias a Dios, he ido enlazando un trabajo con otro. Obviamente, hay momentos con más y otros con menos, pero no he parado y eso es una suerte muy grande. No sé si seguirá siendo así, ya que soy consciente de que todas las carreras tienen parones. Sé que forma parte del plan, porque la carrera de actriz es así, pero espero llevarlo lo mejor posible.»

Tanto en La Llamada como en La Pilarcita se transmiten mensajes tan importantes como la aceptación de uno mismo o la persecución de los sueños. ¿Cuál crees que es el papel del teatro respecto a esto?

«La experiencia que he tenido con la Llamada ha sido emocionante. Yo, como actriz, intento mandar un mensaje, pero a cada uno le cala de una forma distinta. Si alguien viene a ver una comedia, quiero que se lo pase bien. Si viene a ver un drama, quiero que se emocione. No puedo esperar más allá. Sin embargo, con La Llamada he tenido la experiencia de que a algunas personas les ha cambiado la vida. Les llegó tanto el mensaje que fueron un poco más felices con ellos mismos. Conseguir eso es una pasada, un sueño hecho realidad.»

¿Crees que será igual con La Pilarcita?

«Con la Pilarcita, si le pasa a alguien, nos hará muy felices. Creo que el papel del teatro, más allá de disfrutar el momento, es que cada uno salga transformado de la función. Aunque sea un par de días, que algo cambie en sus vidas. Si pasa esto, ya habrá valido la pena.»

Fuera de los escenarios también eres un referente para muchos jóvenes, sobre todo ahora con las redes sociales. ¿Cómo lo llevas?

«No lo pienso, porque no quiero ser el referente de nadie. No quiero esa responsabilidad. Evidentemente siempre tienes referentes. Yo misma cuando era adolescente los tenía y ahora también. Pero yo no asumo ese papel, porque no me considero referente de nadie ni pretendo serlo. En mis redes sociales intento enseñar cómo soy, ser lo más natural posible, ser consecuente con lo que digo y lo que hago. Si a alguien le gusta y quiere seguirme, genial.»

 

 

De cara al futuro, ¿se te plantean nuevos proyectos o vas a centrarte en todo lo que tienes abierto ahora?

«Ahora mismo estoy rodando una serie de televisión “Estoy vivo”. Es un proyecto de Globomedia para TVE. Un thriller con toques fantásticos muy guay, en el que formamos el reparto Javi Gutiérrez, Cristina Plaza, Roberto Álamo, yo… La verdad es que es un proyecto genial y estaré con él hasta noviembre. También a tope con La Pilarcita y para el próximo año vienen cosas nuevas, pero de momento está todo en el aire.»

¿Cómo es trabajar con actores que antes fueron grandes referentes para tí?

«Lo siguen siendo. Por ejemplo, estoy trabajando con Javi (Gutiérrez), con quien ya estuve en El Olivo y creo que una vez superada la barrera de la admiración lo bueno es relajarte y aprender mucho de ellos. Con él me pasó esto. Me da unos consejos buenísimos y escuchar todo lo que me quiere transmitir es clave para mí. Estoy feliz por aprender de los mejores.»

También queda muy poco para el estreno de la película de la Llamada. ¿Cómo ha sido el proceso de lleva al Campamento La Brújula delante de las cámaras?

«Para nosotros que llevamos tanto tiempo dentro de esta historia es un regalazo poder dar este paso. Después de tres años dedicando nuestras vidas a esta historia fascinante, mis compañeras, los Javis (Ambrossi y Calvo) y todo el equipo estamos muy felices por esta oportunidad. Yo llevaba tres años intepretando a Susana Romero sobre el escenario, pero solo podía enseñar de ella lo que estaba escrito en el guión. De repente, lo pasamos al cine y puedo mostrar cosas que había pensado, pero que nadie había visto. Lo mejor de la película es que puedes ver a todos los personajes en profundidad. En el teatro les conoces, pero la película te da una nueva dimensión. Creo que se vive de forma mucho más íntima, más emocionante. Entonces, para mí y para mi personaje es un auténtico regalo. Estoy muy orgullosa de que hayamos conseguido esto, porque es una muestra de que con fe y trabajo puedes llegar muy lejos.»

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La última noche de Ernesto Guevara a escena

¿Qué le preguntarías a Ernesto Guevara si tuvieses la oportunidad de pasar con él la última noche antes de su muerte? Marina Skell se pone en el papel de la profesora Navarro en esta sublime reflexión atemporal sobre los ideales, la lucha y las consecuencias históricas de la revolución abanderada por el emblemático Che. Cuestiones con Ernesto Che Guevara pone en evidencia el conformismo latente de la sociedad actual, invitando al espectador a tomar conciencia de sus propios actos ante las injusticias.

Juan Martín encarna al personaje del comandante, transmitiendo una pasión e intensidad que hacen su actuación verosímil y exquisita. Completa el elenco Rodrigo Villagrán, quien interpreta a algunos personajes clave en la vida del Che, como a Fidel Castro, en algunas analepsis que incluye la obra.

 

La profesora Navarro trata, constantemente, de poner al Che entre la espada y la pared, contribuyendo a su humanización y desmitificación sobre el escenario. Sin embargo, en contadas ocasiones vemos al comandante titubear y ceder ante las provocaciones de este personaje anacrónico que representa a todo aquel que considera la Historia un eco de lo que realmente sucedió. Más allá de indagar en las razones que llevaron al comandante Guevara a dar los pasos que dió, la historiadora trata de hacerle entender el alcance de las consecuencias que su revolución.

El espectador no puede evitar sentirse identificado con los paralelismos que encarna el discurso del comandante con el presente. Él, lejos de extrañarse por la aparición de la profesora en el transcurso de sus últimas horas de vida, se centra en rebatir sus argumentos y sacarle toda la información posible sobre los frutos de su revolución. La decepción invade al mismo tiempo al comandante y al público. Al primero por saberse icono de múltiples luchas que no obtienen los resultados esperados y que se consideran simples utopías. A los segundos por verse calificados como «la gente», un colectivo resignado ante las injusticias de su tiempo.

 

La sencillez de la puesta en escena pasa totalmente desapercibida, ya que la intensidad del diálogo captura toda la atención del patio de butacas. Algunos documentos acompañan al guión para dotarlo de fuerza y verosimilitud, como fragmentos de algunas cartas de Guevara o la proyección de fotografías del día se su muerte. Un guión que enciende la llama de la lucha en quienes lo escuchan. Esto es, en definitiva, lo que atrapa de Cuestiones con Ernesto Che Guevara: se trata de una potente obra sobre los ideales que consigue remover la conciencia de todos los que son testigos de ella.

Consulta fechas, horario y precios aquí.

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‘El grito del Contrabajo’, un soliloquio para la reflexión

¿Qué hace a un hombre sentirse cautivo de un objeto inerte que mora en el centro de su habitación? Un instrumento que es la razón de su felicidad, de su trasiego, que le trastorna profundamente, que odia y ama a la vez. Hoy, en Taquilla.com nos adentramos en uno de los soliloquios más amargo de la cartelera madrileña: El Grito del Contrabajo en el Artespacio Plot Point de Madrid. Una obra, dirigida por David Lorente, sobre el texto de Patrick Süskind (autor de la obra «El Perfume») que pone de manifiesto el elitismo palpitante en las grandes orquestas sinfónicas.

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Una voz en lo más profundo del contrabajista emerge de su interior y se materializa en un personaje que lucha por buscar desahogo en su amarga vida dominada por su único compañero de vida, su contrabajo. Los hermanos Roberto y Ernesto Dragó son cómplices sobre las tablas en este desolador monólogo. Una complicidad que hace que el público consiga adentrarse en la psique de un hombre atrapado en la vida de un pusilánime, un ser insignificante, un perfecto Don Nadie, que pasa los días en su habitación insonoriza, mientras reflexiona sobre su propia existencia.

Enclavado en su microcosmos insonorizado y con su contrabajo como único compañero, nos encontramos a un hombre preparándose para ir a la ópera donde representará, esa misma noche, El Oro del Rin de Richard Wargner con la Orquesta Nacional. Toda su vida gira entorno a ese descomunal instrumento, una relación de amor-odio que le absorbe, le suprime y le domina en todos los aspectos de su vida. Al igual que Ravel en su bolero, la obra es un in crescendo de emociones, donde, sin que el público se dé cuenta, el amor, el éxito y los anhelos de grandeza se convierten en odio, frustración y olvido.

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Con un frío y lúgubre sentido del humor, Roberto Dragó nos narra el recorrido de un contrabajista que se siente único y patético por igual,“En una orquesta se puede prescindir hasta del director, pero nunca del contrabajo”. En un ambiente escénico muy intimo, los hermanos Dragó fluyen de una forma tan natural que logran conjugarse un mismo ser marcado por una angustiosa soledad que se respira en el ambiente.

Una perfecta síntesis que remonta a hace muchos años, cuando Ernesto, bajista de profesión, le recomendó a su hermano la lectura de la novela de Süskind cuando eran adolescentes, como afirmó Roberto Dragón en una entrevista para “La pensión de las Pulgas”. Éste se encargó de adaptación del texto, hecho que se evidencia en la naturalidad del actor sobre las tablas, además de la gran complicidad con su hermano, factor que potencia esa dualidad palpable durante toda la obra y que muestra la verdadera personalidad del contrabajista.

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Una obra para la reflexión sobre los tumbos que da la vida y cómo las decisiones que tomamos en cierto momento nos persiguen para siempre e, incluso, marcan nuestro carácter. El grito del contrabajo nos habla de cómo una obsesión puede convertirse tanto en la razón de nuestro felicidad y el sentido de nuestra vida, como en nuestra peor pesadilla, algo que te domina por completo y que nunca te permitirá tener una vida completa.

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Don Juan, un gran clásico cantado

Con la llegada del Día de Difuntos son numerosas las compañías de teatro que llevarán una vez más a Don Juan Tenorio a los escenarios. Sin embargo, este año destaca una producción por encima de todas. Nos referimos a Don Juan, un musical a sangre y fuego. Desde el 6 de octubre se representa cada día, excepto los lunes, en el Teatro Luz Philips de Madrid. Antonio Calvo es el alma máter de este proyecto, que empezó a gestarse hace más de veinticinco años y que según las palabras de él mismo: «no ha sido fácil», pero reconoce que el camino recorrido ha merecido la pena por ver la sala del teatro llena y los aplausos finales con todo el público en pie.

La pieza se divide en dos partes. La primera de ellas muy marchosa y colorida, con canciones y coreografías muy movidas. Destaca la escenografía, formada por más de cien piezas que componen el telón de fondo de cada escena. La segunda parte es mucho más sobria y lúgubre, ya que se desarrolla a partir de la famosa escena del cementerio. El humo llena el escenario, convirtiéndolo en un espacio cargado de onirismo.

En esta versión del Tenorio, se respeta casi al completo la prosa del clásico y se interpreta íntegramente cantado. Las actuaciones y voces protagonistas son excelentes. Destacan la capacidad interpretativa de Toni Bernetti (Don Juan), cuyo papel exige una gran responsabilidad e intensidad sobre el escenario, y la increíble voz de Estíbaliz Martyn (Doña Inés). Sin obviar la divertida interpretación de Patricia Clark en el papel de Brígida, que llena el escenario de picaresca con su deslumbrante vesturio.

El punto fuerte de este espectacular musical es la perfecta aleación entre la fidelidad al texto original y la transgresión de incluir elementos modernos y anacrónicos. Vestuario de cuero y con cadenas, rap, recursos audiovisuales, entre otros. Esto, sumado a un gran elenco colmado de artistas polifacéticos que independientemente de su papel, cantan, bailan e interpretan, tiene como resultado un musical de gran formato digno merecedor de representarse en la emblemática Gran Vía madrileña.

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Amor, lujuria, pasión, lucha, traición, venganza. Todo ello se combina sobre las tablas de la sala principal del Luz Philips para ofrecerte un clásico reinventado. Una historia de la que todos hemos oído hablar, pero que jamás había sido contada de esta forma. Quizá la mejor forma de acercar la obra más célebre de Zorrilla con un original musical apto para todas las edades y gustos. Si quieres saber más sobre Don Juan, un musical a sangre fuego, consultar los horarios y comprar las entradas pulsa aquí.

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Una corona para Claudia: de la Nada al Alfil

El pasado 17 de julio se estrenó en el Teatro Alfil la obra de Iker Azkoitia y Ricky Fan Una corona para Claudia. Se trata de un musical con diecisiete canciones originales a piano y guitarra. La historia comienza en un coche compartido, donde Claudia se cruza con tres amigos que se van de acampada, pero que viven tan metidos en sus redes sociales que son incapaces de disfrutar de su propia compañía. La protagonista les propone apuntarse a la acampada, una decisión que cambiará la vida de todos ellos para siempre.

El personaje de Claudia surgió el día en el que Iker Azkoitia y Ricky Fan, tras representar Por última vez en Microteatro Por Dinero, vieron a Ana Dachs actuar sobre el escenario de una sala en Malasaña. Esa misma noche nació Claudia en la mente de Iker. Desde ese momento, se embarcaron en un proyecto prometedor, con un gran trabajo detrás y cuya gasolina ha sido, desde el principio, la ilusión. Después se unieron al equipo los demás actores: Jaime Riba, Eva Ramos, Laura Ledesma y Juan Jesús Di Manuel.

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Una vez terminado el proceso de creación, el primer paso fue presentar la obra al I Certamen de Teatro Arte 4, escuela en la que estudiaron Iker y Eva. Se alzaron con el Premio a la mejor interpretación femenina para Ana Dachs, el Premio al mejor libreto para Ricky Fan e Iker Azkoitia y el Premio al mejor montaje. No obstante, para Iker el mayor premio que obtuvo ese día fue la reacción y las felicitaciones que recibió de sus maestros. “Fue una mezcla de pequeño orgullo y felicidad absoluta de verles tan contentos y satisfechos con algo que había hecho yo”, confiesa emocionado.

Provenientes de distintas escuelas de interpretación, como Arte4, Corazza, ESAD o RESAD, estos jóvenes actores han sabido fusionarse a la perfección. Como ellos mismos expresan, sus escuelas “son totalmente distintas entre sí e interpretativamente, incluso los que tenemos la misma formación, tenemos una técnica diferente. Es lo más importante y lo que más valoramos del equipo que formamos, donde más aprendemos”. Para ellos, la riqueza y la belleza de su oficio reside en el proceso de acoplarse a la técnica del otro y la escucha al compartir escenario con personas que utilizan otro tipo de recursos. Además, Iker cree que es fundamental “todo lo que los demás tienen que aportar como artistas a la obra, que estén implicados y no sean simples actores» que él como director debe manejar.

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Cuando piensan en el grupo que han formado entorno a la obra, su impresión es la misma: “hemos tenido muy buena suerte”. Jaime Riba y Eva Ramos, que interpretan a Adri y a Claudia respectivamente, cuentan entre risas que lo más interesante de Una corona para Claudia es que han cogido “lo mejor de cada uno” y han ido “impregnándose de su técnica y estilo”. Además, al haber alternantes, cada elenco es diferente y, aunque la historia es la misma, la dualidad actor-personaje es única en cada función. Sin duda, una exquisita simbiosis que el público puede sentir desde sus asientos.

La música y la obra surgieron en paralelo. Iker ideó los personajes, las escenas, los conflictos y la historia y, en una perfecta combinación con el piano de Ricky, sacaron a flote las canciones que podemos disfrutar a lo largo de la obra. La presencia de Ricky al piano sobre el escenario enriquece el espectáculo y es inevitable no reír a carcajadas con su interpretación de . Naufragos y Autos de choque son algunos de los temas que no podrás dejar de cantar tras ver la obra.

Llevan embarcados en este proyecto casi un año y al echar la vista atrás, Ana Dachs afirma que “Claudia es un personaje que ha fluido, tras un gran trabajo de sala, estudio e investigación”. Se trata de un personaje lleno de luz y vida. El hecho de que Claudia aparezca en la vida de estas personas es totalmente causal, un punto de inflexión de sus caminos. “Yo creo que las cosas pasan siempre por algo y las personas que te encuentras siempre tienen que aportarte alguna enseñanza” reflexiona Ana. Eva también tiene que decir algo sobre esto, ya que piensa que “la luz que tiene Claudia la tenemos todos. A veces, las personas pasan fugazmente por nuestra vida y no nos damos cuenta, pero nos dejan huella. Otras veces, somos nosotros los que marcamos a alguien”.

Claudia cambia las vidas de los demás personajes porque vive el ahora. De todos ellos es la única que es consciente de que el tiempo es limitado y, por ello, decide tomar las riendas de su vida y cambiar aquello que le ata. Aunque hay que decir que este efecto es bidireccional, ya que las historias de todos ellos, incluida Claudia, tomarán un nuevo rumbo tras ese encuentro en un Bla Bla Car hacia un mismo destino.

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Para Iker, el objetivo estaba claro desde el principio: contar las luces y las sombras de nuestro tiempo. “Siempre escribes sobre los temas que dominas y para mí era fundamental hablar sobre lo que estamos viviendo, como nos relacionamos, como afrontamos la amistad, el trabajo, los sueños, la muerte” explica el autor y director. Un objetivo más que alcanzado, ya que Una corona para Claudia es una obra de ahora, muy natural y cuya trama es perfectamente extrapolable a la vida de cualquier joven de nuestra generación.

Ahora, el elenco se ha quedado sin su protagonista, Ana Dachs, y Eva Ramos toma el relevo en el papel de Claudia. Ella ya había interpretado a este personaje como alternante, pero en el estreno en Alfil lo ha hecho enteramente suyo. Laura Ledesma, que interpreta a Ifi, comenta sobre sus compañeros que “a pesar de que siempre hay una parte de ti mismo en el personaje, en esta obra se hace muy evidente que cuando unos u otros interpretan un mismo papel, éste toma sentido. Al final es la misma esencia, contada de forma distinta”.

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Sin menospreciar a la Sala Nada, espacio con un encanto muy especial donde han conseguido colgar el localidades agotadas en numerosos pases, el cambio de escenario le ha sentado bien a la obra. El mayor reto para el elenco de Una corona para Claudia era conseguir trasladar el ambiente íntimo que habían creado en la Sala Nada a la Alfil. El desafío ha sido totalmente superado, ya que sigue siendo una obra cercana y con la que te sientes identificado de principio a fin. La escenografía sigue caracterizándose por la sencillez, sin grandes cambios, aunque el elenco no necesita más ornamento que su propio talento. Al terminar la representación el día del estreno, los actores no pudieron contener la emoción ante la ovación de un público entregado, que demostró su disfrute con los efusivos aplausos durante toda la obra y, sobre todo, tras su épico final.

Una corona para Claudia se convierte así en uno de los imprescindibles de este año para todo el que quiera disfrutar de un teatro de calidad, lleno de frikismo, magia e ilusión.

Autor y director: Iker Azkoitia
Música: Ricky Fan e Iker Azkoitia
Elenco: Iker Azkoitia, Ricky Fan, Eva Ramos, Laura Ledesma, Jaime Riba y Juan Jesús Di Manuel
Dónde: Teatro Alfil
Cuándo: domingos de julio a las 20.30h y viernes de agosto 20.30h
Más información y entradas aquí

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Los 7 mejores espectáculo del mes de junio

Llega el mes de junio, con sus días soleados y las vacaciones a la vuelta de la esquina. Cada vez apetece menos quedarse en casa y por eso en Taquilla.com te queremos traer los 7 mejores espectáculos para que este mes de junio disfrutes de los nuevos estrenos y giras que llegan a las grandes salas españolas.

VAREKAI DEL CIRCO DEL SOL

El Circo del Sol sigue de gira por nuestro país y, este verano llegará a Zaragoza con su nuevo espectáculo Varekai, un universo fantástico donde todo es posible. Una trama que evoca a anteriores producciones: en un bosque encantado, aparecerá un joven perdido que se embarcará en la mayor aventura de su vida. Como ya nos tiene acostumbrados, esta exitosa compañía hará volar nuestra imaginación gracias a la fuerza y la pasión de sus acróbatas de élite.

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Dónde: Pabellón de los Deportes Príncipe Felipe (Zaragoza)
Cuándo: Hasta el 3 de julio
Precio: Desde 28€
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MAMMA MÍA!

Otras de las grandes producciones que también va a estar de gira este verano es el mítico musical de Broadway, Mamma Mía! Basado en las canciones originales del grupo sueco ABBA, este musical lleva desde 1999 triunfando en todo el mundo. Más de 60 millones de espectadores ya han disfrutado este divertido musical que llegará a Murcia el 2 de junio.

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Dónde: Auditorio Víctor Villegas
Cuándo: Hasta el 5 de junio
Precio: Desde 34€
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LOS VIVANCOS

¿Qué pasaría si se uniesen el heavy metal y el flamenco? Eso es lo que se preguntaros Los Vivancos a la hora de idear su nuevo espectáculo, Born to Dance. Después de haber triunfado en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía, han llegado a Barcelona para quedarse durante todo este mes de junio.

Un show donde el espectáculo, la danza, la técnica y el humor convergen para crear un fantástico universo, siempre acompañados de una orquesta sinfónica en directo.

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Dónde: Teatre Tívoli (Carrer de Casp, 8, Barcelona)
Cuándo: Hasta el 3 de julio
Precio: Desde 18,40€
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ANDRÉ Y DORINE

Después de haber recorrido 16 países durante una gira mundial, este mes de junio André y Dorine vuelven al Teatro Poliorama. Una obra de teatro de máscaras que fusiona drama y comedia y que ya ha triunfado en las mejores salas de Londres, Nueva York, Shangai o Buenos Aires. Una reflexión sobre el alzheimer de la compañía Kulunka Teatro, especialmente dirigida a un público adulto.

André y Dorine son una pareja de ancianos a los que se les ha olvidado el motivo que les unió. Los únicos testimonios de su pasada vida en común cuelgan de las paredes. Toda esta espiral de olvido y desidia acabará cuando un inesperado acontecimiento les obligue a recordar quienes fueron y cómo se amaron en el pasado, para seguir amándose.

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Compañía: Kalunka Teatro
Reparto: Jose Dault, Garbiñe Insausti y Edu Cárcamo
Dónde: Teatro Poliorama (Rambla dels Estudis, 115, Barcelona)
Cuándo: Del 1 al 26 de junio
Precio: Desde 16,15 €
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SI LA COSA FUNCIONA

Todo este mes de junio tienes una cita en el Teatro Maravillas con una de las comedias más desternillantes de la cartelera madrileña, la adaptación teatral de la aclamada película de Woody Allen, Si la cosa funciona. José Luis Gil se meterá en el papel Boris, un misántropo malhumorado que se considera a sí mismo un genio. Woody Allen, ya reconoció sobre este personaje: Yo lo he creado. No soy yo exactamente, quizás sea una extrema exageración de mis sentimientos, las similitudes son obvias.

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Director: Alberto Castrillo-Ferrer
Reparto: José Luis Gil, Ana Ruiz, Rocío Calvo, Ricardo Joven, Beatriz Santana,
Dónde: Teatro Maravillas (Calle de Manuela Malasaña, 6, Madrid)
Cuándo: Hasta el 3 de julio
Precio: Desde 12€
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LA CHOCITA DEL LORO

Este mes La Chocita del Loro no se va de vacaciones, y para celebrarlo nos ofrece una gran programación en todas sus salas de Senator, Hermosilla y Carabanchel. Grandes humoristas como José Campoy, con su espectáculo No es país para tiesos o Bermúdez, con Cada oveja con su pareja te esperan en Madrid para combatir el calor a base de carcajada.

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Dónde: Teatro La Chocita del Loro Senator ( Gran Vía 70)
Cuándo: Todo el mes de julio de lunes a domingo
Precio: Desde 10, 2 €
Toda la programación de la Chocita del Loro aquí

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18 musicales en una noche: ¡Viva Broadway!

¿Estás preparado para ver 150 años de historia musical en un solo espectáculo? Viva Broadway, el Musical es un emocionante viaje a través de 25 increíbles números del teatro musical; con cambios de vestuario, luces y decorados. Esta obra de Ángel Borge revivirá más de un siglo de musicales; entre ellos Mamma Mia, Flashdance, El Fantasma de la Opera, Fama, Grease o Cats.

VIVA BROADWAY, EL MUSICAL
Esta recopilación de teatros, montajes, canciones y ambientes se muestran al público a través de la perspectiva de Thomas Baker. La historia comienza en Londres cuando, en el año 1850, este joven se interesa por el primer musical moderno. Esta sucesión de espectáculos te conducirán a través de los grandes éxitos combinando la representación con la música, baile y diálogos.

La compañía Showtime Producciones homenajea al precursor de los musicales poniendo en marcha este proyecto que no te dejará indiferente. Viva Broadway contará con más de 200 piezas de vestuario, además de elementos escenográficos como pantallas, luces y elementos aéreos que harán del musical una experiencia impresionante para el espectador.

ELENCO Y PROGRAMA
Dedicado especialmente a los amantes de la música y el baile, este musical estará protagonizado por profesionales de España, Italia y América con un amplio recorrido en teatro y televisión. Podrás ver en vivo y en directo,subidos al mismo escenario, a los más prestigiosos actores, bailarines, cantantes y acróbatas de una de las compañías europeas más sólidas.

El encargado de la dirección artística y la coreografía es Ender Bonilla que, junto a la cantante Idaira Fernández a cargo de la dirección musical, llevarán adelante este espectacular montaje. El resto del elenco se compone por artistas como Roberto Sáiz, José Miralles, Elena López, Alicia Leal, Laura Jiménez, Laura Rodríguez, Aitor Hernández, Vanesa Silva y Alice Montini.

El programa de Viva Broadway está compuesto por 25 números que se mueven a través de 18 de los musicales más exitosos. El espectáculo dará comienzo con I Hate Shakespeare, seguido de piezas como Supercalifragilístico, Over the Rainbow, I dreamed a dream, Summer Nights, Mamma mia, What a feeling, Fame o New York New York para concluir con una actuación final de cierre.

CUÁNDO Y DÓNDE
La obra se estrenará el día 30 de marzo y estará disponible hasta el 10 de julio. Un estreno que viene a aumentar la oferta de musicales en Madrid. La sala que tendrá el privilegio de acoger esta representación es el Teatro Amaya de Madrid. ¡No te lo pierdas!

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Espectáculos y teatro

Triunfar año tras año: las 7 obras más longevas de nuestra cartelera

Al final, lo que permanece es la inteligencia… y el sentido del humor! Por lo menos cuando hablamos de perpetuarse en cartelera. En una realidad teatral activa y dinámica como es la nuestra, sólo sobreviven aquellas obras que nunca pierden su frescura y son capaces de atraer al público una y otra vez a su patio de butacas. Aunque es difícil de alcanzar el récord de Eduardo Aldán con Espinete no Existe (que acumula la friolera de 10 temporadas de éxito), hay muchas obras que se siguen programando año tras año. Hoy te traemos aquellas que no puedes perderte.

Improshow

Cuando una obra se reinventa cada noche es fácil que se convierta en la reina de la permanencia en cartelera. La compañía Planeta Impro lleva más de 13 años en activo, y ostenta el título de ser la responsable del fenómeno impro en nuestro país. Su obra Improshow acumula hasta 1.000.000 de espectadores, y ha convertido a sus actores (José L. Adserías, Angel Galán, Mai Boncompte, Quim Andrés y Nuria Espinosa) en estrellas residentes del Teatreneu desde el año 2004. También puedes verles actuando en Improfighters.

El nombre

Todo comienza como una celebración, y termina como una amarga discusión que ironiza sobre esos problemas familiares que se han barrido debajo de la alfombra. El desencadenante es una sola pregunta: «¿Cómo va a llamarse el bebé?». El Nombre, de Mathieu Delaporte y Alexandre de la Patiere, huye de la comedia fácil con un lenguaje mordaz e inteligente. Estrenada en París en 2010, llegó a Barcelona tres años después y desde entonces no ha parado de sumar público, premios y éxito. Le Prénom supone un fenómeno en toda Europa. Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio Molero, César Camino y Kira Miró la representan actualmente en el Teatro Cofidís Alcázar de Madrid de miércoles a domingo. No te la pierdas, tú también te sentirás identificado.

Los Miércoles no Existen

Cinco temporadas de éxito en el Teatro Fígaro acumula ya esta obra de dramas y enredos al más puro estilo dramedia. Los Miércoles no Existen, de ProducciONes OFF, lleva varios años mostrándonos la vida de seis personajes encerrados en su propia rutina emocional y sentimental. Todos ellos, de entre 30 y 40 años, están a punto de romper con lo que conocían hasta ahora, y lo hacen compartiendo una colección de momentos íntimos por los que todos hemos pasado o vamos a pasar en algún momento. Disfruta de este puzzle de historias cercanas e inconexas hasta el 27 de marzo de 2016.

Toc Toc

Nunca un trastorno obsesivo compulsivo había hecho reír a tanta gente, y es que la obra Toc Tocacumula nada menos que siete temporadas de éxito a sus espaldas. Disfruta de la sala de espera de uno de los mejores doctores de la ciudad, una antesala con seis pacientes que no paran de conversar. Manías, fascinación descontrolada por el orden, coprolaloia y otras excentricidades se confabulan para dar forma a una obra en la que no podrás parar de reír. Un millón de personas ya han visto a Ana Trinidad, Ana Frau, Esteve Ferrer, Paco Obregón, Ana Burrel, Óscar Ramos, Sara Moros y Laura Hernando interpretar los papeles más obsesivos de su carrera. Puedes ver Toc Toc de martes a domingo en el Teatro Príncipe de la Gran Vía.

El cavernícola

La guerra de sexos existe desde los albores de la humanidad, y el debate parece que va a seguir para largo. Nos lo confirma el éxito de El Cavernícola , que lleva siete años en la cartelera del Teatro Fígaro Adolfo Marsillach con Nancho Novo al frente. ‘Los hombres somos gilipollas’ es la entradilla perfecta para la versión española de una comedia que ya han visto 8.000.000 de espectadores en todo el mundo y que ha sido traducida a 15 idiomas distintos. Una reflexión de hora y media donde la sensibilidad masculina, el feminismo contemporáneo o las zonas erógenas serán los protagonistas. Si ya la has visto, puedes sorprenderte con su versión para féminas: La Cavernícola, con Yolanda Ramos como genial intérprete en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía.

La llamada

La llamada sólo lleva tres años en cartel pero ya ha acumulado más de 150.000 espectadores. Comenzó representándose en la Sala OFF del Teatro Lara, pero pronto se convirtió en protagonista de su escenario principal. Claudia Traisac, Gracia Olayo, Belén Cuesta, Anna Castillo, Angy Fernández, Susana Abaitua, Olalla Hernández y Richard Collins-Moore dan vida a un campamento cristiano en el que una de las chicas (cantante de un grupo latino y obligada a asistir a las convivencias) recibe la llamada de Dios de una manera poco habitual: a través de la música de Withney Houston. Una comedia musical que sin duda te sorprendrá. Puedes verla de viernes a domingo desde sólo 7 euros.

El Rey León

El Rey León no es la obra más longeva de nuestra cartelera, pero sí la más vista, la más deseada y la que más marca a los espectadores. Y, a juzgar por su éxito, tiene todas las papeletas para continuar bastantes años ocupando este primer puesto. Con 19 años de historia a sus espaldas, el musical de El Rey León llegaba al Lope de Vega el pasado 2011. El teatro fue sometido a una profunda remodelación, pero ha merecido la pena: dos millones de espectadores ya han pasado por su sala en tan sólo cinco años.

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Magia

Jorge Blass y Eduardo Aldán: Magia y terror para esta primavera

¿Sentado en una butaca, qué prefieres: emocionantes sorpresas o disfrutar pasando miedo? Esta temporada puedes elegir, pero hay un componente principal al que no tendrás que renunciar: el suspense, porque se avecinan grandes producciones de los mejores magos del país a nuestras carteleras. Hoy te presentamos los dos mayores montajes que no puedes perderte durante esta primavera.

Jorge Blass – Palabra de Mago

Jorge Blass es el mago que nunca deja de soñar, y que nos invita a imitarle con su último montaje. Ilusionista, presentador, y experto en grandes espectáculos, inaugura esta temporada con su nueva creación, la obra Palabra de Mago. Tras un enorme éxito en cartelera durante el año pasado, ahora vuelve al Teatro Philips Gran Vía con una apasionante reflexión sobre le mundo de los magos. ¿Son personas honestas? ¿Por qué si en la Edad Media se les quemaba en la hoguera ahora se paga para verles actuar? ¿Sabemos que su trabajo se basa realmente en engañarnos?

Vuelve Jorge Blass a pleno centro de Madrid para tratar de ilusionar a cientos, a miles de espectadores. Estará del 16 de marzo al 10 de abril en la capital, pero también ha confirmado que visitará Cádiz, Cartagena y Valencia con su Palabra de Mago. No te lo pierdas, porque la magia es el mejor de los engaños.

16.03.2016 al 10.04.2016 – Teatro de la Luz Phillips Gran Vía Madrid
16.04.2016 – Teatro Falla Cádiz
23.04.2016 – Teatro El Batel Cartagena
27.04.2016 al 14.05.2016 – Teatro Olympia Valencia

Eduardo Aldán – No tengas miedo, es sólo un espectáculo

Eduardo Aldán cambia completamente de tercio en su trayectoria artística y nos demuestra cómo pasar del humor al miedo en tan solo dos obras. Tras diez años de éxito en cartelera con su Espinete no Existe (ese espectáculo “nostalgicómico” que revive la infancia de varias generaciones), hace una apuesta a todo o nada y nos presenta No tengas miedo, es sólo un espectáculo.

¿Has sentido alguna vez el terror en un teatro? ¿Se te ha erizado la piel de la nuca al sentir un frío inesperado? Eduardo Aldán quiere demostrar que esto es posible, y lo hace sumergiéndonos en la historia más negra del propio Teatro Infanta Isabel, donde se representa la función. El argumento, inquietante y conocido: un incendio en 1909, 66 inocentes muertos y muchos fantasmas recorriendo los pasillos del teatro. Una ambientación cuidada, terror psicológico y efectos especiales de última generación completan esta innovadora apuesta protagonizada por el actor José Lifante.

Podrás verlo hasta el próximo 3 de julio en el Teatro Infanta Isabel los miércoles, jueves y viernes a las 20:30 h., los sábados en doble sesión (19:00 h. y 21:00 h.) y los domingos a las 18:00 h.

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Espectáculos y teatro

The Gagfather: El divertido viaje a los bajos fondos de Yllana

The Gagfather se está convirtiendo en uno de los espectáculos con más éxito en este comienzo de 2016. Una producción de Yllana que actualmente está en el Teatro Alfil de Madrid, donde permanecerá hasta finales de febrero. Como se puede deducir del nombre, el montaje es un homenaje al cine negro pero con el toque humorístico característico de la casa.

El argumento se centra en una ciudad que está siendo aterrorizada por una banda de gangsters o, mejor dicho, de gagsters y tras sus pasos anda un cuarteto de detectives un tanto alocados. Su objetivo es frenar a estos villanos lo que deparará situaciones muy divertidas, caracterizadas por el uso del humor negro, la inventiva teatral y el código gestual marca de la compañía.

«… como una maquinaria de alta precisión en la que todo tiene su aquel y su significación; un trabajo minucioso al servicio de un enorme talento mímico gestual y corporal; una tempestad de mueca, silencios, provocaciones.». Javier Villán. El Mundo.

Además de la interpretación gestual, la puesta en escena cuenta con el importante refuerzo tanto de la iluminación como de las máscaras y muñecos que dan vida a la banda criminal. Un trabajo de Morboria y Arte y Ficción que sirve a los actores (Fidel Fernández, Luis Cao, Juanfran Dorado y Jony Elías) para cambiar de su papel de detectives al de gangsters.

La creación de Yllana puede verse en el Teatro Alfil de Madrid. Las entradas para The Gagfather en Madrid ya están a la venta y consulta nuestra agenda para encontrar la mejor fecha.

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Especiales

Siete espectáculos para subir la temperatura del invierno

Estamos comenzando el invierno y aunque las temperaturas todavía no han bajado al máximo, desde Taquilla.com queremos haceos una selección de espectáculos con acento erótico para elevar al temperatura, sin dejar de recomendar nuestro pasado especial sobre cabarets. Espectáculos que van desde las obras de teatro al cabaret pasando por la hipnosis.

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CABARET EXPERIENCE – EL MOLINO – BARCELONA

El Molino de Barcelona es una de las salas más transgresoras del país en lo que se refiere a mezclar entretenimiento, humor y espectáculos con dosis de erotismo y seducción. Su última producción es Cabaret Experience, donde un grupo de artistas, que son demonios, ángeles, amantes, amigos, cómplices, bailarines, actores y animadores, realizarán un amplio repertorio de acrobacias, piruetas y números repletos de sensualidad.

El espectáculo tiene pases los jueves (21:30 horas), viernes y sábados (18:30 y 21:30 h.). Las entradas para Cabaret Experience en El Molino de Barcelona están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

LUNA, EL SHOW – TEATRO ALFIL- MADRID

Yllana también ha producido un show erótico con grandes dosis de humor y sensualidad. Como dice su hoja promocional, «da igual que seas hetero, gay, lesbiana, bisexual o transexual» porque después de una visita a este cabaret lunático vas a querer repetir la experiencia. Además, te puedes ir con un cuadro pintado y también se sortea una botella de cava.

La creación de Yllana permancerá todos los sábados en el Teatro Alfil desde 9 de enero hasta 12 de marzo. La hora de inicio son las 23.15 horas y tiene un duración aproximada de 90 minutos. Las entradas para Luna, el show en Madrid, ya están a la venta.

PROMO LUNA FINAL from Luna The Show on Vimeo.

 

HETEROSEXUAL – TEATROS LUCHANA – MADRID

Dos antiguos amigos de universidad se reencuentran y traman un plan en común: rodar una película porno. Pero no una película prono cualquiera, no, una gay. ¿Problema? Aparentemente ninguno… salvo que ambos son heterosexuales!!! Éste es el punto de partida de Heterosexual (ver agenda), una comedia que está basada y adapta al ambiente teatral la película independiente estadounidense Humpday.

Heterosexual propone una obra que examina desde el humor más ácido y corrosivo las diferencias que existen entre la sexualidad, el amor y la amistad. Esta obra de teatro puede verse en Teatros Luchana durante los jueves (21.00 horas) y sábados (19.00 h.) del mes de enero.

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OBSCENUM – TEATRO GALILEO – MADRID

Semanas atrás ya os comentamos el estreno de Obscenum, que actualmente puede verse en el Teatro Galileo de Madrid (ver agenda).La obra plantea una radiografía de las relaciones sentimentales a comienzos del siglo XXI en la que se mezclan diversos géneros como la comedia, el musical o el drama.

Obscenum permanecerá durante el mes de enero en el Teatro Galileo de Madrid con representaciones durante jueves y viernes (22:30 h.), sábados (20:00 h.) y domingos (20:00 horas).

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HYPNOTIC CABARET – VOLTA CAFÉ – MADRID

El mundo del erotismo no es exclusivo del mundo del cabaret, del teatro o de los musicales, también se pueden realizar shows cargados de erotismo en otros ámbitos. Una de estas propuestas alternativas es Hypnotic Cabaret, en el Volta Café de Madrid (ver agenda), de Jorge Astyaro.

Este show de hipnosis erótica es el más más atrevido, divertido, sexy y, además, el único de estas características que se realiza en nuestro país. Una forma alternativa para conocer cómo puedes experimentar placer por medio de la hipnosis y a usar el órgano sexual más potente del cuerpo humano: el cerebro. Todos los sábados (20.30 h.) hasta, al menos, el 13 de febrero en Volta Café.

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CLÍMAX – TEATRO ALFIL – MADRID

Cuatro temporadas en cartel, dos giras nacionales y más de 90.000 espectadores son los avales para ir a ver Clímax, uno de los grandes éxitos de la cartelera madrileña que puede verse en el Teatro Alfil (ver agenda). Una comedia de enredos que va construyendo una puzzle de relaciones románticas que no sólo harán reír al público, también reflexionar.

El reparto de actores también es otro de los puntos fuertes de Clímax, que cuenta con Víctor Palmero, que actualmente se encuentra en la serie La que se avecina de Telecinco; José Sospedra, protagonista de la serie Tierra de lobos; y las actrices María González (El tiempo entre costuras) y Alicia Fernández (Aída).

“ClímaX! Es la comedia revelación de la temporada. El público no dejó de reír desde el minuto uno. Y, lo mejor: al salir todos teníamos un buen arsenal de ideas sobre las que pensar. IMPRESCINDIBLE”, ExcuseMe

ÉXTASIS – TEATRO ALFIL – MADRID

Otro de los estrenos de la temporada es Éxtasis, que se representa viernes y sábados en Teatro Alfil de Madrid (ver agenda). Si ya has disfrutado de Clímax vas a estar tentado de ver Éxtasis ya que está firmada por el mismo equipo creativo: Alejandro Melero (autor) y dirección de Isidro Romero y Paco Rodríguez.

En Éxtasis se dan cita una ex-actriz porno , un ídolo de fans, una pareja gay en busca de un tercero y un grupo de amigos que quieren ser papás de una manera muy especial… también tríos, orgías, migas con Viagra y muchas situaciones divertidas que te harán sacar una sonrisa. Unos personajes que están interpretados por María González, José Ygarza, Cayetana Cabezas y David Carillo.

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Espectáculos y teatro

El teatro que viene en 2016

Ya tenemos la mente puesta en 2016. Seguro que muchos de nuestros lectores se preguntan qué obras de teatro se van a estrenar durante los próximos meses en los principales teatros de las dos principales ciudades del país: Madrid y Barcelona. Baja unas líneas y conoce todo lo que te espera en el año que ya llega.

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MADRID

Del 13 de enero al 27 de marzo, el Teatro Infanta Isabel de Madrid acoge la obra El amor está en el aire (ver agenda). Una comedia, escrita y dirigida por Félix Sabroso, que está interpretada por Bibiana Fernández y Manuel Bandera. Dos actores en escena, acompañados de un pianista y un observador pasivo, profundizan sobre las relaciones de pareja a través de diez sketches y diez canciones.

Menos oportunidades van a tener aquellos que quieran disfrutar del estreno en Madrid del musical Germinal, basado en la popular obra de Émile Zola. El 29 de enero, el Teatro Compac Gran Vía acoge el estreno de un musical de corte clásico escrito por Iván Macías y Félix Amador que cuenta con 150 minutos de duración, divididos en un prólogo y dos actos, con 20 escenas y 43 números musicales. Las entradas para Germinal, el musical en Madrid ya están a la venta.

Hasta el otoño vamos a tener que esperar para ver The Hole Zero, que desde septiembre estará en el Teatro Calderón (ver agenda). Si te disfrutaste con The Hole y The Hole 2, llega la precuela de esta saga provocadora, original e irreverente, que ya ha conquistado ya a más de un millón y medio de espectadores. Circo, burlesque, cabaret, música y humor te esperan en Madrid desde el 21 de septiembre.

BARCELONA

Cinco millones de espectadores, cuatros premios Tony, seis Drama Desk Award y un Pulitzer avalan la llega a Barcelona de Rent, el musical, del 23 de enero al 20 de marzo en Casino L’Aliança Poblenou. El musical, originariamente estrenado en Nueva York, está adaptado al catalán y tiene una duración unos 160 minutos. La dirección es de Daniel Anglès (Los Miserables, Mamma Mia!) y dentro del reparto cuenta con un elenco de actores que incluye a Roger Berruezo (Mar i Cel, Águila Roja). Si esto nos os convence, las entradas para el musical Rent están rebajadas en más de un 40%.

El próximo 2 de febrero, y hasta el 10 de abril, Teatre Romea será el escenario donde se represente Panorama des del pont (ver agenda), obra original de Arthur Miller que ha sido adaptada al catalán por Joan Sellent y está dirigida a Georges Lavaudant. Esta co-producción entre Teatre Romea y LG Théâtre cuenta con un reparto de actores que está encabezado por Eduard Fernández. La historia está centrada en Eddie Carbone, un trabajador de origen italiano que reside en la Nueva York de 1955.

Otro de los momentos álgidos en la cartelera de la Ciudad Condal será en febrero con el estreno de L’Avar, la versión en catalán del clásico de Molière que realiza Sergi Belbel, dirige Josep Maria Mestres e interpreta Joan Pera. La obra estará en cartel en el Teatre Goya de Barcelona del 9 de febrero al 1 de mayo (ver agenda). En esta comedia, Molière utiliza todos los resortes del humor: el personaje cómico de Harpagó (el cómico de situación) y, por supuesto, la comicidad de las palabras y los gestos.

PUENTE AÉREO

Durante el 2016, algunas obras lo que harán es coger el puente aéreo para cambiar la ciudad donde están siendo representadas. Éste es el caso de, por ejemplo, Amores Minúsculos, que tras tres temporadas de éxito en Madrid, a finales de enero se despide del Nuevo Apolo madrileño para comenzar en marzo en el Club Capitol de Barcelona aunque antes tendrá dos paradas en Espai La Rambleta de Valencia (ver agenda), donde estará hasta marzo. Amores Minúsculos es la comedia de éxito de las últimas temporadas, una obra que se basa en los cómics de Alfonso Casas para contarnos pequeñas historias en las que también se viven grandes momentos.

Con la primavera también llegará a Madrid el musical Sister Act, que tras su estreno en Barcelona y su gira por todo el país, recalará en Nuevo Teatro Alcalá de Madrid (ver agenda). Este musical, adaptación de la película del mismo nombre, cuentas las aventuras de Deloris, una cantante aspirante a diva, presencia un asesinato y la policía la esconde en el último lugar al que ella hubiera querido ir: un convento!.

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El Eunuco vuelve al Teatro La Latina de Madrid

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Vuelve El Eunuco de Terencio al Teatro La Latina de Madrid en su versión libre a cargo de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez. Lo hará avalado por el éxito que ha cosechado tanto de crítica como público por todo el país y también durante su estancia en este teatro a comienzos de 2015.

Esta versión libre de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez de El eunuco, de Terencio, presenta a nueve personajes movidos por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, o los celos, además de enredos y otras historias que se van cruzando en una acción dramática en la que se mezclan el teatro clásico, el musical, la comedia de situación y el vaudeville.

Esta nueva adaptación de El Eunuco fue estrenada en el Festival de Mérida de 2014 y durante este último año se ha convertido en el espectáculo revelación que ha recorrido tanto festivales como teatros de todo el país alcanzando la cifra de más de 100.000 espectadores.

Durante estos meses ha cosechado diversos premios tanto individuales como colectivos: Premio Ceres 2014 Juventud a María Ordóñez, Premio Ceres 2014 del Público a Mejor Espectáculo, Premio del Festival de San Javier 2014 del Público a Mejor Espectáculo y Premio Max 2015 Mejor Actor de Reparto a Pepón Nieto.

El estreno de este montaje fue una apoteósica sucesión de carcajadas y palmas cómplices», Juan Ignacio García Garzón en ABC

La dirección de esta interpretación libre y original que han co-producido Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida, Mixtolobo, Labaska64 y Ciclán corre a cargo de Pep Anton Gómez mientras que Chevy Muraday se ha encargado de la coreografía y Factoría Madre Constriktor de la producción musical.

El reparto está compuesto por Soledad Mallol (Thais), Marta Fernández Muro (Filipa), Eduardo Mayo (Parmenón), Antonio Pagudo (Fedrias), Pepón Nieto (Fanfa), Jordi Vidal (Pelotus), María Ordóñez (Pánfila), Alejo Sauras (Lindus) y Toni Sans (Cilindro).

Aunque la cartelera muchas veces está llena de comedias, cuesta ver una en la que el espectador se tronche. Ocurrió el sábado con ‘El Eunuco'», Mikel Bilbao, El Correo Español.

El Eunuco permanecerá en el Teatro La Latina del 3 de diciembre al 17 de enero, con funciones a las 20.00 horas de miércoles a viernes (además del lunes 7 y martes 29 de diciembre), doble sesión los sábados (19.00 y 22.00 horas) y domingos a las 19.00 horas. No hay función los días 24 y 31 de diciembre.

Puedes acceder la información sobre las representaciones y a la compra de entradas para El Eunuco en Madrid a través de la siguiente agenda de Taquilla.com.

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Espectáculos y teatro

Erotismo y sexualidad en el Teatro Galileo con ‘Obscenum’

El Teatro Galileo se llena de erotismo, reflexión y perversiones con Obscenum, la historia de un fotógrafo erótico buscando superar su más profunda crisis personal. Esta obra de José Cruz indaga a través del drama, la comedia y la música los límites del erotismo, estableciendo el amor como el más peligroso de ellos.

Descubre el más rompedor y original espectáculo de la temporada en el Teatro Galileo de Madrid a partir del 20 de noviembre y hasta el próximo 10 de enero. Reinterpreta tu idea sobre las relaciones consiguiendo tus entradas para Obscenum en Madrid siempre al mejor precio usando el comparador de Taquilla.com.

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Si el año pasado fue Vooyeur la obra que rompió moldes sobre el mismo escenario, este año es el turno para Obscenum. Las relaciones amorosas y sexuales se desmitifican en esta reflexiva construcción que disecciona los sentimientos, pasiones y necesidades humanas. Efe, un fotógrafo erótico abandonado por su musa, se cruzará en su camino con una sofisticada ama de casa entregada a las perversiones, una ex modelo y amante y un actor porno. Todos ellos conforman las personalidades que juntas y revueltas tratarán de dar respuesta a este rompecabezas sexual.

Dirigida por David Ottone, esta pieza teatral no esconde su naturaleza de relato profundamente erótico. Con abundancia de sexo y de filosofía, Obscenum trata de deconstruir todo aquello que nos enseñaron a través de una colección de desnudos y confesiones brutalmente sinceras. Obscenidad, pornografía y perspectivas románticas serán puestas en duda con la intención de desterrar los tabúes y así poder interpretar los preceptos sexuales desde otra perspectiva.

Podrás disfrutar de Obscenum en el Teatro Galileo los jueves, viernes, sábados y domingos a partir del 20 de noviembre y hasta el próximo 10 de enero, además del lunes día 7 de diciembre. Los pases serán a las 20:00 h y a las 22:30 h desde sólo 16 euros, ¿te atreves?

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La adolescencia que nunca quisimos que acabara

Siempre me resistí a que terminara el verano es una obra de teatro en el que un grupo de personas revive las experiencias de la adolescencia, a aquellos años llenos de descubrimientos y esos veranos que uno nunca quiso que acabaran.

 

Tres amigos se reencuentran después de muchos años. Raúl y Andrés vuelven al pueblo de su infancia pero también al burdel donde conocieron su sexualidad. En este lugar se van a encontrar con José Antonio, que nunca se abandonó la localidad y continuó visitando el lugar.

Quien no puede faltar en el prostíbulo es Isabel, la madame que les enseñó todo durante la pubertad, en las noches de verano y, además, aparece en escena un nuevo personaje, Diego. Todo hará que comiencen a plantearse algunos de sus postulados existenciales y a cuestionarse sus vidas.

Siempre me resistí a que terminara el verano es la segunda producción de Factoría Madre Constriktor, tras el enorme éxito en gira nacional del Intérprete. Lautaro Perotti, escribe y dirige este encuentro de antiguos amigos, una vuelta a los orígenes que cuenta en el reparto con Pablo Rivero (Andrés), Andrés Gertrúdix (Raúl), Estefanía de los Santos (Isabel), Unax Ugalde (José Antonio) y Santi Marín o Samuel Viyuela (Diego).

Esta obra permanecerá desde noviembre hasta enero en el Teatro Marquina de Madrid. Los días y horas de representación son martes, miércoles, jueves y viernes (20:30 horas), sábados (18:30 y 20:30h.), y domingos (18:00). Las entradas para Siempre me resistí a que terminara el verano ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

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Especiales

Diez comedias que te sacarán una carcajada (o varias)

En Taquilla.com estamos empeñados en que los lunes no sean tan malos como dice el tópico y hoy os traemos una selección de diez comedias que se están representando o van a comenzar a serlo durante las próximas semanas. La lluvia y la llegada del frío son menos acusadas si tenemos planes para nuestro tiempo de ocio. Aquí nuestras propuestas.

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Tras su estancia en Madrid, Milagro en Casa de los López, la obra de Miguel Mihura, coge el puente aéreo y estará en Club Capitol de Barcelona del 4 al 29 de noviembre (ver agenda). Nuria González y Carlos Chamarro encabezan un reparto que está dirigido por Manuel Gancedo. Este dúo da vida a una pareja que vive encerrada en su mansión hasta que una recién llegada les hace salir de su monotonía para vivir una serie de situaciones surrealistas.

Los que no viven en una mansión son Manuel y Sandra, protagonistas de Loosers (Perdedores) en Teatro Bellas Artes de Madrid, desde el 5 de noviembre hasta enero de 2016. María Pujalte y Vicente Romeo dan vida a dos personajes cerca de los 40, sin casa, sin dinero, sin pareja y completamente infelices. Sin embargo, quieren cambiar su suerte y disfrutar de su cuota de felicidad. ¿Quieres saber cómo? Tendrás que acudir a ver la obra. Consulta la agenda.

Sobre ser feliz en pareja trata Las cosas del querer en Teatreneu de Barcelona durante los sábados de noviembre (ver agenda). Un catálogo de divertidas situaciones que intentan abordar con sentido del humor la vida en pareja. Chico conoce chica, ligan en un discoteca y …

Otra opción en la noche barcelonesa de los sábados, también en Teatreneu, es Dos, un espectáculo interpretado por David Fernández (Buenafuente, Gym Tony y La cena de los idiotas) y Juanra Bonet (CQC, Lo Sabe No Lo Sabe y ¡BOOM!). Ahora al 50% de descuento!!!

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Un recurso habitual de comedias y monólogos es reírnos de la alta sociedad, de sus ociosas, intrascendentes y despreocupadas vidas. Uno de estos pijos nos demostrará en Sólo Fabiolo, Glam Slam que la superficialidad no es propiedad exclusiva de la beautiful people. La comedia durante el mes de noviembre alternará su residencia en el Teatro Alfil de Madrid con representaciones en Sevilla, Bilbao y otras ciudades como puedes consultar en la agenda.

El otro lado de la moneda, el de los que sufren la crisis, también es objeto de repaso cómico en Indignados (ver agenda). Ya sabéis, las penas con risas son menos penas. Así deben pensar el trío de cómicos formado por Joseba Pérez, Raúl Navareño y Juan Carlos Córdoba dan vida a un parado, un joven sin futuro y un guardia civil que coinciden el último día de acampada del #15M. Los viernes en La Chocita del Loro de Gran Vía en Madrid.

Si buscas otra crítica social construida con humor inteligente, la Sala Muntaner de Barcelona programa hasta mediados de diciembre: Zona Franca. La obra en catalán profundiza en el fenómeno del paro juvenil a través de dos personajes (Nin y el señor Mané) cuyas vidas se cruzan en un almacén. Las entradas para Zona Franca en la Ciudad Condal tienen un descuento superior al 30%.

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Un título de referencia que no podemos dejar de recomendar es El nombre (ver agenda). Un clásico de la cartelera madrileña en los últimos años que se puede ver hasta enero en el Teatro Cofidis. Poner un nombre a un futuro bebé nunca fue una historia tan divertida y con reparto de lujo: Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio Molero, César Camino y Kira Miró.

De un clásico moderno de la cartelera a todo un clásico: El Eunuco de Terencio. Estrenada en el 60º Festival de Teatro de Mérida, esta versión libre de Jordi Sánchez y Pep Anton Gómez está de gira por España (ver agenda), recalando en noviembre en el Teatro Principal de Valencia antes de aterrizar en diciembre en el Teatro La Latina de Madrid y otras localidades. Una obra que muestra a nueve personajes enloquecidos por el amor, el dinero, la pasión, el orgullo, los celos y los equívocos.

Con un clásico de la actuación española cerramos esta triada clásica y el especial de comedias: Beatriz Carvajal. La actriz gallega regresa a los escenarios con Los diablillos rojos, que no es el youth team del Manchester United sino una comedia donde una mujer sufre una crisis de histeria y empieza a ver… de todo! Actualmente está de gira (ver agenda) por el país antes de llegar al Teatro Amaya de Madrid en enero de 2016.

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Espectáculos y teatro

Crimen y misterio en la cartelera teatral

El mundo del suspense y del misterio no es ajeno a las tablas de los teatros. Para los aficionados a este tipo de obras queremos destacar cinco de ellas que durante las próximas semanas y meses se van a representar en los escenarios del país. Algunas ya han sido estrenadas y ahora salen de gira.

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The Mousetrap, La ratonera en español, es una de las obras más conocidas de la escritora Agatha Christie y, además, también es una de las más representadas a nivel teatral. De hecho, su éxito es tal que en Londres continúa representándose desde su estreno en la ciudad en noviembre de 1952.

La historia consta de ocho personajes que debido a una tormenta de nieve quedan atrapados en la casa de huéspedes de Monkswell Manor y se ven envueltos en un reciente crimen ocurrido en la ciudad de Londres, ya sea como sospechosos o víctimas.

La ratonera estará en Teatro Olympia de Valencia desde el viernes, 6 de noviembre hasta el domingo, 8 del mismo mes. Una buena forma de que conozcas de primera mano una de las obras clave en la producción de Agatha Christie.

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Tanqueray Stage y Secun de la Rosa presentan la obra de teatro Clara Bow con Juan Diego Botto, Natalia de Molina, Carolina Bang y Soleá Morente. El Palacio Duarte Pinto Coelho de Madrid acogerá durante cinco días las representaciones de este espectáculo teatral.

La acción de la obra te trasladará al Hollywood de la década de los años 20 en una noche lluviosa llena de misterio y sorpresas, en la que nada es lo que parece y en la que la aparición de la glamurosa It Girl original, como popularmente era conocida Clara Bow, cambiará la vida de los allí presentes.

Esta obra cuenta además con la colaboración de Soleá Morente, ya que la cantaora amenizará el ambiente en clave de jazz. De hecho acaba de estrenar una versión jazzy de «Todavía«, el primer single de su debut en solitario: Tendrá Que Haber Un Camino.

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Desde el viernes 6 de noviembre hasta el 18 de diciembre, a las 20.30 horas, la sala OFF de la Latina acoge la obra El turbio caso de Miranda T. Un texto que comienza con la aparición del cadáver de Miranda T.

Al inicio se plantea una pregunta: ¿Conseguiremos que Miranda nos desvele la verdad de cómo sucedió todo?. La encargada de ir desvelando los detalles de la muerte es la propia protagonista, Miranda T, que ya, sin nada que perder, dice contar su historia.

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¿Quién, yo? es una forma diferente y original de hacer teatro. La puerta de al lado de Madrid programa una obra distinta en la que los espectadores reciben en mano la invitación junto con un sobre y no deben abrirlo bajo ningún concepto.

La fiesta de presentación comienza pero se ve interrumpida por una desaparición que hará que la fiesta tome otro rumbo. Todo el mundo es sospechoso y todos tienen que recorrer las dependencias de La puerta de al lado en busca de pistas que permitan resolver el caso.

La obra se representa en La puerta de al lado todos los viernes y sábados de noviembre, en horario de doble sesión: 20.00 y 22.00 horas los viernes y 18.00 y 20.00 horas los domingos. Las entradas para ¿Quién, yo? están a la venta a través de Taquilla.com.

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Para terminar este especial sobre crimen y misterio en el teatro, lo vamos a hacer en el mismo escenario y con la misma autora con la que hemos empezado aunque diferente obra. Del 9 al 13 de diciembre, el Teatro Olympia de Valencia acoge Diez Negritos, un texto también original de Agatha Christie que declaró sobre su creación que era «lo mejor que he escrito«.

El argumento de la historia se centra en la isla del Negro, donde diez personas han sido invitadas a disfrutar de unas vacaciones. Tras una cena, una grabación acusa a cada uno de los comensales de haber sido los culpables de varias muertes. ¿Cómo terminará?

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‘Un espíritu burlón’ de Nöel Coward, en Madrid y Murcia

La semana pasada te recomendamos 10 planes para Halloween, pero nos es inevitable seguir hablando de espíritus ante la inminente llegada del Día de Todos los Santos y del Día de Difuntos.

En esta ocasión queremos destacar Un espíritu burlón, de Nöel Coward, que se estrena el próximo 5 de noviembre en la Sala Guirau del Centro Cultural de la Villa Fernán Gómez de Madrid, donde permanecerá hasta el 8 de diciembre para posteriormente ir al Teatro Circo Murcia, del 28 al 30 de enero de 2016.

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Un espíritu burlón (Blithe Spirit) está considerada como una de las mejores comedias escritas a lo largo del pasado siglo XX. Éxito que se ha transformado en múltiples representaciones, giras y reposiciones, la más reciente protagonizada por Angela Landsbury en 2013.

La trama nos presenta a Carlos Salamanca, un escritor afincado en un pueblo, y a su esposa Ruth. Carlos quiere escribir un libro con un trasfondo esotérico para lo cuál invita a cenar a su casa al médico del lugar, su esposa y a Madame Arcati, que realiza sesiones de espiritismo.

La sesión se desarrolla con tranquilidad hasta que aparece el espíritu de la primera esposa de Carlos, fallecida siete años antes, y que continúa teniendo muchas ganas de estar con su marido. A partir de aquí comienzan a desarrollarse una serie de situaciones muy divertidas.

La versión de César Oliva Bernal cuenta con el siguiente reparto: Berta Ojea (Madame Arcati), Quim Capdevila (Carlos), Carla Hidalgo (Elvira), Antonio Albella (Doctor Bermúdez), Eva Torres (Ruth), Lola Escribano (Violeta), y Esperanza Candela (Adela).

Un espíritu burlón se representará en Madrid en sesiones de martes a sábado, a las 20.00 horas, y domingo, 19.00 horas, además de una única sesión en lunes, 7 de diciembre, a las 20.00 horas. Las tres representaciones en Teatro Circo de Murcia serán a las 21.00 horas.

A través de la siguiente agenda de Taquilla.com puedes acceder la información sobre los días y horarios de representación así como a la venta de entradas para Un espíritu burlón en Madrid y Murcia (enero de 2016).

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Salsa, mentiras y textos de Óscar Wilde

Durante el espacio de casi un mes, del 8 de septiembre al 4 de octubre, la sala Guirau del Teatro Fernán Gómez del Centro Cultural de la Villa de Madrid acoge una de las obras más conocidas de Oscar Wilde: Windermere Club. Una versión de Juan Carlos Rubio con la dirección de Gabriel Olivares. El reparto cuenta con Natalia Millan, Teresa Hurtado de Ory, Javier Martín, Susana Abaitua, Emilio Buale y Harlys Becerra.

En realidad, el texto de Wilde se titula El abanico de Lady Windermere. La obra trata de un tema que continúa siendo de actualidad en nuestros días: la importancia de la imagen pública. Además, la acción se sitúa en el marco de un club de baile de música salsa.

Los profesores de este club de baile son la pareja protagonista de la obra de Wilde. La historia se desarrolla a lo largo de una noche donde se muestran sus miserias al ritmo de la música caribeña. La obra comienza cuando Lady Windermere descubre que su marido le puede estar siendo infiel con Mrs Erlynne. Su esposo rechaza las acusaciones de su mujer pero ésta, sintiéndose Ultrajada decide cambiarlo por Lord Darlington, que le acaba de declarar su amor.

La versión de Juan Carlos está adaptada pero se mantiene fiel al espíritu del original. Para averiguar el final de esta divertida historia puedes ver esta obra de Oscar Wilde en el Teatro Fernán Gómez, de martes a sábado a las 20.00 horas mientras que los domingos la función se adelanta a las 19.00 h. Las entradas para Windermer Club en Madrid están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

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‘Nuestras Mujeres’ llega a Madrid tras su éxito en París

Llega septiembre y con este mes los estrenos a los teatros madrileños. El Teatro La Latina acoge del 2 de septiembre al 1 de noviembre la obra Nuestras Mujeres, que cuenta en el reparto con Gabino Diego (Paul), Antonio Garrido (Max) y Antonio Hortelano (Simon). Nous femmes está escrita por Eric Assousl y fue originalmente estrenada con gran éxito en 2013 con Daniel Auteuil a la cabeza del elenco de actores. Esta versión está dirigida por Gabriel Olivares.

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La acción de Nuestras Mujeres se centra en tres amigos que han quedado para disputar una partida de cartas. Sin embargo, ésta se retrasa ya que uno de ellos no llega… Y tiene un buen motivo: acaban de asesinar a su mujer. El suceso desata un duelo de estos tres hombres contra otras tres mujeres, que nunca aparecen en escena.

El texto se relaciona directamente con el valor de la amistad, el compromiso ante el deber, la idea de justicia y por encima de todo, la lucha entre lo correcto y lo incorrecto. Sin embargo, se plantea una disyuntiva: ¿Qué hacer cuando un viejo amigo comete un crimen?

La adaptación española de Nous femmes tiene algunos cambios respecto a la obra original. Por ejemplo, los actores son más jóvenes que los del texto original, que cuenta con más de 60 años. La elección de los actores Gabino Diego, Antonio Garrido y Antonio Hortelano, que cuentan con una larga trayectoria en el género de la comedia, se debe a que la adaptación que se representa en Madrid pone el acento en el lado más chispeante y juguetón.

Sin embargo, la esencia de Nous femmes es la misma que la de la obra original de Eric Assousl. La obra se representa de miércoles a domingo en el Teatro La Latina mientras que los horarios de las funciones son: 20.00 horas de miércoles a viernes, sábados a las 19.00 y 21.30 h. y domingos a las 19.00 h..

Puedes acceder a la venta de entradas para Nuestras Mujeres en Madrid al mejor precio a través de la agenda de Taquilla.com.

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Las historias de ‘Alegrías las justas’ llegan al Teatro Lara

El mundo del ocio y del espectáculo no se detiene ni por las vacaciones de verano. Y es que siempre queda alguien que tiene que trabajar o que regresa de sus días de libertad. Si éste es tu caso, desde el jueves 20 de agosto, el Teatro Lara de Madrid acoge el estreno de Alegría las justas.

Los textos de Alegrías las justas han sido escritos por algunos de los dramaturgos nacionales más importantes de actualidad, como es el caso de Félix Sabroso, Yolanda García Serrano, Denny Horror, Jaime Pujol, José Ignacio Tofé, Ignacio del Moral, Antonio Zancada, Paco Tomás y Carlos Molinero. Maika Jurado y Roser Pujol son las actrices que dan vida a los personajes de la obra y Quino Falero, el director.

Tras pasar por varios escenarios madrileños, como Teatro Alfil o Pequeño Teatro Gran Vía, Alegría las justas llega al Teatro Lara para presentar una obra cómica, en boca de personajes que viven situaciones extremas llevando al espectador a absurdos divertidos, al tiempo que hacen recapacitar sobre el sentido de la vida y nuestra manera de relacionarnos, con sarcasmo, ironía, causticidad y alegría.

La obra se desarrolla a través de pequeñas historias que se suceden y que tienen en común que están protagonizadas por mujeres. Además, todos los relatos muestran el sabor agridulce con el que se afronta el día a día. La acción lleva al espectador hacia una realidad acompañada de toques humorísticos.

Los temas abordados en Alegrías las justas son muy diversos y están muy conectados con la sociedad contemporánea. Entre ellos podemos encontrar la adicción a las nuevas tecnologías, la doble moral tan instalada en nuestra sociedad o los convencionalismos sociales se proyectan sobre las protagonistas trasladándose hacia situaciones cotidianas que invitan a la reflexión.

La obra se representará todos los jueves, a las 22.15 horas, hasta el 9 de septiembre, cuando comenzará a escenificarse los miércoles también a las 22.15 hasta, al menos, el mes de octubre. Las entradas para Alegría las justas en Teatro Lara de Madrid ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

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Héctor Alterio y Lola Herrera se instalan en el estanque dorado de Madrid

Después de pasar la temporada en la carretera, representando la obra por todos los puntos de la geografía nacional, Héctor Alterio y Lola Herrera regresan a Madrid con En el estanque dorado. El Teatro Bellas Artes de Madrid será su casa desde el 18 de agosto hasta el 1 de noviembre.

Las funciones serán todos los días a las 20.00 horas excepto los lunes, que no hay, mientras que los domingos se adelanta una hora, es decir, a las 19.00 h. Las entradas para En el estanque dorado en Madrid ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

La vejez, la muerte o temas eternos como el amor, la ternura o el paso el tiempo se dan cita en En el estanque dorado. En palabras de su directora, Magüi Mira, esta obra es “una valiosa reflexión sobre lo difícil que es conseguir relaciones positivas” a cualquier edad y en cualquier momento.

Este texto, originalmente escrito por Ernest Thompson, fue estrenado en un teatro off neoyorquino en 1978 y en Broadway un año después. Traducido a más de 30 idiomas y representado en 40 países de los cinco continentes. La película fue adaptada por el propio Thompson a partir de su obra de teatro y fue llevada al cine en 1981. El film cosechó tres premios Oscar: Mejor Actriz (Katharine Hepburn), Mejor actor (Henry Fonda) y Mejor guión adaptado (Ernest Thompson).

«Una obra divertida y emotiva, con un toque amable que deja muy buen sabor de boca. Con buenos actores, un texto calido y una buena dirección. Una buena elección para ir al teatro». Agolpedeefecto.com

La obra que se representa en el Teatro Bellas Artes de Madrid es una adaptación y versión realizada por Emilio Hernández. La dirección de En el estanque dorado es obra de Magüi Mira.

El reparto de esta versión de En el estanque dorado está encabezado por Héctor Alterio y Lola Herrera, que dan vida a los dos personajes principales de la obra: Norman y Etel. Además, en papeles con un rol secundario también están Luz Valdenebro (Chelsi), Camilo Rodríguez (Bill Rey) y Adrián Lamana (Billy Rey).

«La dirección de actores es magnífica. Contamos con dos personajes principales (Lola Herrera y Héctor Alterio), alrededor de los cuales gira todo el entramado de la pieza». Dafne Arencibia. masteatro.com.

A través de nuestra agenda puedes acceder a la información sobre los días y horas de representación de En el estanque dorado en Teatro Bellas Artes de Madrid.

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Una de ‘dinero negro’ en Teatro Amaya de Madrid

De dinero negro, sobresueldos y otras corruptelas, hemos leído y oído tanto que casi tenemos para sacarnos un Máster. Sin embargo, la trama de Dinero Negro no trata de ningún intento de comprar a algún político o juez si no de unos divertidos sucesos que se desencadenan después de que un empleado bancario encuentre un maletín con 10 millones de euros!!! Esta comedia permanecerá en el Teatro Amaya de Madrid desde el 5 hasta el 23 de agosto.

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Dinero Negro es la adaptación al español de la novela Funny Money, del escritor inglés Ray Cooney. La obra dio el salto a los escenarios de Londres en 1994 y también en 2006 fue llevada al cine. Ahora, Teatro Amaya de Madrid acoge la versión realizada por la compañía Descalzos Producciones S.L., que ya ha representado obras como La Curva de la Felicidad, Sé Infiel y No mires con quien o No te vistas para cenar.

La historia se centra en Carlos, un empleado de banca que realiza su trabajo con más pena que gloria hasta el día en el que por error, un maletín con 10 millones de euros en sus manos. El único inconveniente es que el dinero procede de la mafia rusa.

¿Qué harías vosotros ante semejante golpe de fortuna? Carlos decide comprar dos billetes de avión y fugarse junto a su mujer. Sin embargo, no va a ser tan fácil. En su fuga hacia una vida mejor va a tener que lidiar con varios factores y personajes, como el taxista que les lleva al aeropuerto o varios inspectores de Policía. Todo ello aderezado con la intranquilidad que supone que los rusos le pueden localizar en cualquier momento.

La dirección de Dinero Negro corre a cargo de José Manuel Carrasco mientras que el reparto está formado por Fede Celada, Isabel Gaudi, Aitor Legardón, Jesús Cisneros, Celia de Molina, Antonio Vico y Nacho Mateos.

La obra se representará los miércoles, viernes y sábados comprendidos entre 5 y 22 de agosto. El horario de representación así como las entradas para Dinero Negro en Teatro Amaya de Madrid se pueden consultar a través de la siguiente agenda de Taquilla.com.

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Humor, sexo y jazz en Teatro Quevedo

Los viernes nos gusta dedicarnos a nuestro querido #MusicFriday y hoy os proponemos un espectáculo que une los monólogos de humor, el sexo y la música jazz. No, no se piensen que les vamos a presentar un show erótico-festivo ambientado con jazz de fondo y chistes de gangosos. Todo lo contrario.

Desde julio y hasta la primera semana de septiembre, el Teatro Quevedo de Madrid acoge All That Jazz durante las noches (23.00 horas) de viernes y sábados. Un divertido monólogo que explora los vínculos entre el sexo y el jazz. El show está interpretado por Azuzena Alonso y la dirección corre a cargo de Isabel Prinz.

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Este espectáculo fue concebido por la propia Azuzena Alonso como «monólogo subidito de tono para los conciertos de jazz» del Café Central. Esta idea se concretó en All That Jazz, que fue representado hace dos años en la Sala Triángulo y ahora se presenta renovado bajo la dirección de Isabel Prinz.

«Vi el video de cuando lo representó anteriormente y decidí incluir cosas que no estaban el texto original», explica Isabel Prinz

Mujer, 30 años, morena, delgada, no fuma y bebe solo en ocasiones. Con pareja, sin hijos, estudios universitarios. Ingresos normales. Le gusta charlar, ir al cine, ver exposiciones, el Jazz y está aquí para conocer gente… y lo que surja”. Así se presenta VampiJazz, el personaje interpreta Azuzena Alonso durante este monólogo teatralizado.

VampiJazz, es la protagonista de Love That Jazz. A unas les pierde el chocolate, a otros las rubias, las rebajas. A ella le pierde el Jazz… ¿o será el sexo? No te pierdas las reflexiones de VampiJazz y compra las entradas para All That Jazz en Teatro Quevedo de Madrid al mejor precio a través de Taquilla.com.

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Coleccionismo, obsesión y secuestro en Teatro Lara de Madrid

Desde el próximo miércoles 22 de julio, el Teatro Lara de Madrid acoge el estreno de El coleccionista, un texto original de John Fowles, traducido por Brígida López y dirigido por Carlos Martínez-Abarca. Los actores que dan vida a la obra son Juanma Gómez y Cristina Arranz.

La obra será representada en el Teatro Lara los miércoles restantes de julio y todos los del mes de agosto a las 22.15 horas en la Sala Off. Las entradas para El Coleccionista en Madrid ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

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La compañía madrileña Arte & Desmayo es la encarga de representar por primera vez en España el texto de esta novela del escritor John Fowles, que fue adaptada al cine en 1965 y protagonizada por Terence Stamp y Samantha Eggar.

La novela narra la historia de un coleccionista de mariposas que vive obsesionado con una mujer ve cumplidos sus sueños de estar con ella cuando, gracias a un golpe de suerte, puede comprar una casa de campo donde la encierra, poniendo a su disposición todo lo que desee y esperando el momento en que llegue a aceptarlo como pareja.

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Un vampiro anda suelto en Madrid

El verano no parece la época más propicia para que un vampiro desarrolle su actividad, por eso de la luz solar. Sin embargo, la tranquilidad de una pensión madrileña, situada en la calle de Claudio Coello, se ve perturbada por el ataque de un vampiro a la castañera del barrio.

Así comienza El vampiro de la calle Claudio Coello, una obra de teatro que estará todos los jueves de mes del mes de julio y el 6 de agosto en el Teatro Alfil de Madrid.

Un ataque que no pasa desapercibido entre los moradores de la pensión, a lo que hay que sumar que las investigaciones policiales apuntan a que el autor de la agresión puede ser uno de los inquilinos. Las sospechas se desatan entre los huéspedes, el recelo aumenta y nadie se siente seguro. Todos desconfían de todos ya que pueden ser el objetivo del próximo ataque del ‘vampiro de la calle Claudio Coello’.

‘El vampiro de la calle Claudio Coello’ es una divertida parábola de la represión moral y una parodia del cine negro. Javier Vallejo. El País

El reparto de la obra El vampiro de la calle Claudio Coello está encabezado por Luis Callejo (Don Paquito). En él también podemos encontrar a Nazaret Jiménez Aragón (Estrella), Carmen Morey (Sistemática), Imán Padellano (Doña Petra), Oskar Redondo (Prismático/Verger), Olalla Rodríguez (Catalina/Castañera), Nacho Marraco (Don Obdulio) y Nacho de Lucas (Pianista).

Los autores de esta obra que se representa en Madrid son Juan Ignacio Luca de Tena y Luis Escobar, la adaptación y dirección corre a cargo de Nacho Marraco mientras que vestuario y escenografía es de Teatro del Barro.

Esta pieza teatral se representa todos los jueves, hasta 6 de agosto, con función única a las 22.30 horas, un momento del día muy propicio para la aparición de siniestras criaturas. Las entradas para El vampiro de la calle Claudio Coello en Teatro Alfil de Madrid ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com. Los tickets tienen un descuento del 45% hasta el 16 de julio.

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Un especialista en inversiones necesita un rescate en Teatro Lara de Madrid

En las últimas semanas mucho se ha hablado sobre rescates, deudas y otros palabros financieros de dudosa reputación y peor comprensión. Sin embargo, en ocasiones más que un rescate de nuestra economía lo que necesitamos es un rescate de nuestra vida.

Como dicen después del sorteo de Navidad, lo importante es tener salud, algo que comprobaremos en ‘Ayuda‘, de María Goos, que permanecerá en el Teatro Lara de Madrid todos los lunes de julio y agosto a las 20.00 horas.

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Desde el pasado 6 de julio, el teatro madrileño acoge la historia de un especialista en inversiones que se encuentra inmovilizado en el sofá de su casa debido a que en menos de 24 horas el banco ha suspendido su contrato, su esposa lo ha abandonado y a consecuencia de una caída se ha lesionado la espalda.

Completamente desvalido necesita ser rescatado ya que depende absolutamente de los cuidados aparentemente desinteresados de su empleado de hogar, un inmigrante al que, en plena Nochevieja, regala 40.000 euros para que pueda abrir una farmacia en su país.

La acción de la obra comienza al día siguiente de tan bella acción, cuando se hace necesario conocer los motivos que han llevado a esta situación. Ayuda nos muestra una relación que oscila entre una inesperada intimidad y la inevitable desconfianza, explicándonos al mismo tiempo, mediante sencillas analogías, losperversos mecanismos de la economía occidental en tiempos de crisis.

Ayuda es una obra escrita por María Goos, está dirigida por Fefa Noia mientras que en el reparto aparecen los actores David Luque, Ernesto Arias y Óscar de la Fuente.

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La comedia más irreverente con ‘Lo que vio el Mayordomo’

El verano se llena de humor negro y descabellado de mano del dramaturgo británico Joe Orton. Desde el 1 de julio y hasta el 30 de agosto se representará, de manera ininterrumpida, ‘Lo que vio el Mayordomo‘ , una gran farsa de enredo que nos hará reír y ofendernos a partes iguales en el Teatro Infanta Isabel de Madrid.

Los horarios de representación de Lo que vio el mayordomo en Teatro Infanta Isabel de Madrid son los siguientes: martes a viernes 20:30 h., sábados 19:00 y 21:30 h., y domingos 19:00 horas. Las entradas para Lo que vio el Mayordomo ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

Enredos, malentendidos, injurias y escenas subidas de tono se suceden en esta comedia británica. Pero, en realidad, el mayordomo nunca vio nada. Joe Orton, original y descarado, tomó prestado el nombre de unas máquinas inglesas, que durante el siglo XX permitían ver durante unos segundos imágenes eróticas en sepia como quién espía a través de una rendija. Y esta es la intención de la obra, mostrar a través de una cerradura una sucesión de catastróficas situaciones de humor completamente negro.

John Kingsley Orton nació en Leicester en 1933, y hasta su temprana muerte se dedicó a ultrajar, indignar y asombrar al público con sus blasfemas comedias y sus novelas rompedoras. No fue un dramaturgo al uso. Robó libros para modificarlos con ilustraciones obscenas, escribió radionovelas sobre la muerte y murió asesinado a manos de su amante.

Lo que vio el mayordomo es una de sus obras más controvertidas, inacabada debido a su pronto asesinato. En ella, un prestigioso psiquiatra aparece entrevistando a su futura secretaria con unas pruebas muy poco convencionales (ni éticas), cuando su mujer, después de haber asistido a una convención de lesbianas, aparece por la puerta. La pieza teatral es desde ese momento una sucesión de enredos y decisiones de dudoso gusto por parte de sus protagonistas, que no te dejarán indiferente.

Ortonesco llegó a convertirse en un neologismo británico que significa “ultrajantemente macabro”. Y «Lo que vio el Mayordomo» es, sin duda, su mejor definición.

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‘Calderón Cadáver Project’ reinterpretará ‘La Vida es Sueño’ en el Matadero de Madrid

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Durante los días 17 y 18 de julio se representará, como parte del ciclo teatral Frinje 15 de Madrid, ‘Calderón Cadáver Project’. Las Naves del Español del Centro Cultural el Matadero se llenarán este verano de la reconstrucción, disección y reinvención de una de las obras más emblemáticas del dramaturgo español: ‘La Vida es Sueño’.

“Por pura curiosidad, por ganas de jugar, destripar, conocer, investigar, releer, reinterpretar, preguntar, descubrir, manchar, desbrozar, porque sí, ¿y por qué no?”
Ha explicado uno de uno de sus creadores, Zo Brinviyer.

Dirigida por Ernesto Arias, esta obra reúne a ocho nombres ganadores del Premio Calderón de la Barca, que se enfrentan a lo irracional para redescubrir La Vida es Sueño en una nueva obra.

Carolina África, Zo Brinviyer, Blanca Doménech, Mar Gómez González, Víctor Iriarte, Emiliano Pastor, Antonio Rojano y Javier Vicedo Alós se convierten así en dramaturgos del pasado construyendo un puente de diálogo entre el siglo XVII y el teatro de hoy en día. Porque ‘Calderón Cadáver Proyect’, producida por un especialista en habla escénica, es una obra textual, donde la palabra será la protagonista indiscutible.

El libre albedrío, las dudas, las posibles realidades y lo irracional construyeron el telón de fondo para ‘La Vida es Sueño’ ya en el siglo XVII, cuando esta obra revolucionó los planteamientos del teatro en el barroco.

Esta irreverente reinterpretación trata de reflexionar sobre nuestra libertad, sobre la capacidad de decidir sobre el propio destino, en un tema tan vigente, eterno y humano como es el del libre albedrío.

Las entradas para Calderón Cadaver Project en Madrid ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com .

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‘Milagro en Casa de los López’, el humor absurdo de Mihura pasará el verano en Madrid

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Llega este verano a Madrid una de las obras cómicas más surrealistas del escritor español Miguel Mihura. Nuria González y Carlos Chamarro estarán interpretando durante todo julio y agosto Milagro en Casa de los López, una hilarante comedia de enredos y absurdo en plena capital.

Surrealismo, comicidad y situaciones imposibles son la base de esta obra de teatro. Y es que el humor absurdo fue la especialidad de este escritor español, periodista y dramaturgo del siglo XX. Conocido por su muy famoso Sombrero de tres picos, el catálogo de Miguel Mihura se extiende en más de dos docenas de obras de delicioso y divertido costumbrismo.

Una de ellas es esta casi desconocida Milagro en Casa de los López, donde Mercedes y Jerónimo, una pareja voluntariamente recluida en su mansión durante más de diez años, espera ansiosa que algún día suceda algo emocionante.

El argumento evoluciona, y todo cambiará cuando una joven llegue a la casa llevada por un taxista, con la dirección exacta de la mansión y los datos de la pareja escritos en un papel. Con su costumbrismo cómico, el director lo tiene claro:» Milagro en Casa de los López es una obra auténticamente Mihura«.

Nuria González y Carlos Chamarro, reconocidos actores de la escena teatral y televisiva en nuestro país, estarán dando vida a esta cómica pareja durante todo el verano. La palpable química entre ambos aportará sin duda un valor añadido que hará de esta obra toda una experiencia estival.

Elisa Lledó, Ana Mayo, Juan A. Molina y Noé Denia completan el elenco de Milagro en Casa de los López, obra versionada y dirigida por Manuel Gancedo.

Esta versión del clásico de Mihura se interpretará los días 3, 4 y 5 de julio en el Teatro Real Carlos III de Aranjuez, y del 8 de julio al día 29 de agosto en los espectáculos al aire libre (cena incluida) del Teatro Galileo. Las entradas para Milagro en Casa de los López tanto para Aranjuez como para Madrid ya están a la venta al mejor precio a través de Taquilla.com.

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‘El discurso del Rey’: Del cine a los teatros de Madrid y Barcelona

Muchos de vosotros habéis visto la versión cinematográfica de The King’s SpeechEl discurso del Rey en España- y ahora, si vivís en Madrid o Barcelona o tenéis intención de visitar próximamente estas ciudades, podéis ver la adaptación teatral que ha realizado Emilio Hernández y que dirige Magüi Mira junto a Paso de Zebra Producciones.

Actualmente, El discurso del Rey ya se encuentra bajo representación en el Teatro Español de Madrid hasta el próximo domingo, 28 de junio, cuando se despedirá de la capital para marchar al Teatre Poliorama de Barcelona, donde permanecerá en cartelera entre 1 y 19 de julio.

El actor Adrián Lastra encabeza el reparto de esta adaptación de la película sobre el tartamudeo del rey Jorge VI de Inglaterra. Una versión en castellano que también cuenta en su reparto con Roberto Álvarez (el logopeda Lionel Logue), Ana Villa (reina Isabel), Gabriel Garbisu (rey Eduardo VIII), Lola Marceli (Wallis Simpson) y Ángel Savin (Winston Churchill).

Emilio Hernández ha tomado como base de la adaptación el texto teatral que escribió David Seidler y que, posteriormente, él mismo utilizó para el guión de The King’s Speech. El film fue estrenado en 2010 y ha recaudado 500 millones de euros. También cosechó cuatro premios Oscar: mejor por película, mejor director (Tom Hopper), mejor actor (Colin Firth) y mejor guión original por el texto de Seidler.

En Madrid, los horarios de representación en la sala Principal del Teatro Español son los siguientes: de martes a viernes 20.00 horas, sábados 18.00 y 21.00 h., y domingos 20.00 h. En el Teatre Poliorama de Barcelona las funciones serán miércoles, jueves y viernes a las 21.00 horas; sábado a las 18.00 h. y a las 21.00 h.; y el domingo a las 18.00 h.

Puedes consultar todos estos datos y acceder a la venta de entradas para El Discurso del Rey tanto en Madrid como en Barcelona a través de la siguiente agenda de Taquilla.com.

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‘Top Girls’: una reflexión sobre la condición de la mujer trabajadora

Llega al Teatro Cofidís Alcázar la obra de teatro ‘Top Girls’, en la que la escritora Caryl Churchill reflexiona sobre el coste personal que conlleva a las mujeres poder triunfar en el mundo laboral actual. Una obra introspectiva sobre el machismo, las decisiones, y la profunda amputación obligada que viven muchas personas en su vida personal hoy en día. Podrás disfrutar de esta representación los días 16, 17 y 18 de julio en Madrid.

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Corría el año 1982 cuando Caryl Churchill escribió esta oda a la liberación de la mujer. Tres décadas después, la vigencia de esta obra sigue siendo plena. Los diálogos superpuestos, una escenografía ágil, estructuras no lineales y un argumento completamente actual hacen de ‘Top Girls’ una obra totalmente contemporánea.

Marlene y su ambivalente historia son las protagonistas de ‘Top Girls’. Ella acaba de ser ascendida a un puesto directivo y lo celebra rodeada de amigas. En un segundo acto, felicitaciones, pompa y purpurina aparte, esta mujer nos descubre todo a lo que ha tenido que renunciar por conseguir tan deseado puesto.

Bajo la dirección de Athenea Mata y del escenógrafo Miguel Guzmán Pastor; Alejandra Estévez, Amaranta Ruiz, Jorge Yumar y Pilar Enguídanos dan vida al abanico de personajes que representarán los diferentes puntos de vista femeninos respecto a este mundo de las decisiones dolorosas. Es este un cuidado proyecto de la Universidad de Nebrija, que mediante el trabajo de Nebrija Escena nos presentará una de las obras más laureadas de Caryl Churchill.

A través de la agenda de Taquilla.com podéis ver los horarios de representación y acceder directamente a la venta de entradas para Top Girls en Teatro Cofidís Alcázar de Madrid para los días 16, 17 y 18 de junio.

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La Soga de Hitchcock en el Teatro Nuevo Apolo

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A los más fans de Alfred Hitchcock ‘La soga’ les recordará inevitablemente al año 1948 cuando James Stewart se convirtió en el protagonista de una de las mayores películas de intriga de la historia, basada en la obra de teatro de Patrick Hamilton, Rope.

Ahora llega a los escenarios una versión adaptada de la película del creador de ‘Los pájaros’. Tienes del 17 de junio al 19 de julio para acercarte al Teatro Nuevo Apolo de Madrid y descubrir esta interesante trama. Además tienes un amplio horario de sesiones: miércoles a las 20:30, jueves 21:30, viernes 20:30 y 22:30, sábados 19:00 y 22:30 y por último los domingos una sesión única a las 21:30.  Las entradas para la Soga en Madrid ya están disponibles a través de Taquilla.com.

Nina Reglero ha decidido trasladar el famoso apartamento de estudiantes de Hitchcock al jardín de una casa de campo en un día de verano. Esta podría ser la gran diferencia, ya que como en la obra original se celebra una fiesta a la que poco a poco van llegando los invitados.

De entre todos, los invitados más temidos por los anfitriones son su tutor y su profesor, un astuto criminólogo que sostiene que el crimen perfecto no existe. Una afirmación que los protagonistas se han propuesto desmontar. Con la llegada de estos personajes la tensión y el nerviosismo va creciendo entre los jóvenes, quienes ocultan un cadáver en el jardín. ¿Será capáz este profesor de descubrirlo?

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‘Flamenco Kids’ llega al Teatro Fernán Gómez de Madrid

Con todo el arte flamenco, llega al Teatro Fernán Gómez de Madrid el espectáculo de ‘Flameco Kids‘. Un espectáculo para niños en el que los grandes también podrán disfrutar de la gracia de Grabi el camaleón daltónico, Andrés el erizo bailarín, Lola la urta mellada, Luis el pulpo cantautor, Daniel el camarón opaco, Don Pedro el cangrejo peludo y Orsea la anémona coqueta.

Flamenco Kids es un proyecto en el que se combina la educación y el entretenimiento que se va desarrollando gracias a esta fantástica pandilla que vive en Quillolandia, un lugar paradisíaco donde los cielos son azules, la arena blanca y el mar es curiosamente de plata.

Además, hay que recordar que el flamenco ha sido nombrado Patrimonio inmaterial de la Humanidad por la UNESCO, y por lo tanto ‘Flamenco Kids’ es esa forma divertida con la que comunicarte, relacionarte, expresar todo tipo de emociones a través de uno de los patrimonios inmateriales de la UNESCO.

Aventura, música y aprendizaje se reúnen en este show que se apoya en unos personajes cómicos y creativos y una música de raíces ancestrales con las que los niños podrán alcanzar los objetivos educativos a través del juego. El espectáculo se podrá disfrutar todos los sábados de junio, a las 17.15 horas en el Teatro Fernán Gómez de Madrid.

Si la historia y este elenco de protagonistas te atraen, ya tienes las entradas para Flamenco Kids en Madrid disponibles a través de Taquilla.com.

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‘Te elegiría otra vez’ en el Teatro Alfil de Madrid

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Muchos han tenido suerte, pero para otros tantos hay una asignatura pendiente que parece dilatarse en el tiempo: El amor. Con esta misma carga se encuentran los personajes de ‘Te elegiría otra vez’, tres chicos y tres chicas, o lo que es lo mismo, tres parejas que tendrán que lidiar con los líos que el amor supone.

Puedes disfrutar de esta divertida comedia romántica en Teatro Alfil de Madrid. Podrás encontrarlos en el escenario los próximos cuatro viernes desde 29 de mayo hasta 19 de junio con una sesión única a las 20:00 horas. Las entradas para ‘Te elegiría otra vez’ en Teatro Alfil de Madrid ya están a la venta on-line a través de Taquilla.com.

‘Te elegiría otra vez’ presenta una puesta en escena bastante peculiar ya que ni la sucesión de escenas, ni los personajes son habituales. Una característica a la que se le une que el peso de la escenografía recae en las propios actores ya que a pesar de que cada uno represente a un personaje, simbolizan a su vez características de otros.

La historia se centra en contar como estos seis personajes con una fuerte personalidad definida van viviendo diferentes situaciones de pareja a lo largo del tiempo. Situaciones que demostrarán que nadie nace aprendido, que no siempre podemos tener las cosas claras aunque quisiéramos y que debido a nuestra condición de humanos somos seres contradictorios que repetimos conducta una y otra vez.

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‘Los celuloides del Jardiel’ llegan al Teatro Fernán Gómez

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Como si de una oda al pasado se tratase llega al escenario del Teatro Fernán Gómez de Madrid una obra de teatro que no te dejará indiferente y de la que podrás disfrutar el 19 y 20 de mayo en una sesión única a las 20:30 horas. Las entradas para Los celuloides de Jardiel ya están disponibles a través de Taquilla.com.

Queriendo recuperar la idea de los Celuloides Rancios escritos por Enrique Jardiel Poncela tras un encargo de la conocida productora americana FOX, aterriza en el escenario ‘Los celuloides de Jardiel‘, una dramaturgia que pretende transmitir la ansiedad de la recuperación de lo olvidado a través de un espectáculo cinematográfico-teatral que nace con la siguiente premisa: han de considerarse contemporáneas aquellas primitivas películas.

Entre estos celuloides, a los que han de considerarse contemporáneos, aparecen piezas cinematográficas mudas rescatadas de bobinas que datan entre los años 1895 y 1910. Entre estas bobinas lo que aparece es buen cine, del que te hará reír y llorar tanto de amor como de humor.

El espectáculo es narrado en directo por un gran instrumento escénico: la voz. Una voz que evoca al gran actor español Pepe Isbert, a quien da vida Antonio Campos.

En definitiva, un espectáculo al que le acompaña una banda sonora sorprendente realizada con instrumentos étnicos por Carlos Blanco Fadol, quien te trasladará a un mundo lleno de diversión y apto para todos los públicos.

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Espectáculos y teatro

‘Atchúusss!!!’ te acerca al Chéjov más cómico

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El Teatro La Latina de Madrid ya está calentando motores para su próximo gran éxito y es que este viernes 15 de mayo se estrena ‘Atchúusss!!!’, una comedia basada en los textos de Chéjov. Aprovecha ahora la oportunidad de conocer uno a uno a estos peculiares personajes que harán de esta obra un espectáculo lleno de ritmo y diversión.

La adaptación de los textos de Chéjov llega al escenario madrileño gracias al trabajo de Enric Benavent y Carles Alfaro, quién también dirige. Unos textos sorprendentes que muestran el lado más cómico del ruso y con los que lograrán hacerte reír sin parar.

La obra se presenta como un juego narrativo formado por distintas historias y espacios en los que Ernesto Alterio, Malena Alterio, Adriana Ozores y Fernando Tejero interpretarán a una veintena de personajes diferentes.

A los protagonistas de esta historia podemos clasificarlos de ‘pobres diablos’, personajes que hasta el momento solo servían de coro y paisaje de otros más poderosos y que ahora se convierten en los auténticos protagonistas. Así, ‘Atchúusss!!!’ nos narra la historia de las mezquindades, heroísmos, avaricias, ansiedades, enfermedades, ilusiones y hasta grandes arrepentimientos de cada uno de ellos.

Con sesiones de miércoles a viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y 22:00 horas y domingos a las 19:00 horas tienes desde este viernes hasta el 12 de julio para pasarte y descubrir el lado más cómico del retratista de la aristocracia rusa. Las entradas para Atchúusss!!! en Madrid ya están disponibles a través de Taquilla.com.

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Los cinco teatros de Madrid con mayor encanto

Entre otras cosas, Madrid es una ciudad conocida por su amplia oferta de espectáculos. La ciudad ofrece musicales, obras de teatro, monólogos, conciertos y mucho más. Con una oferta tan variada, tanto si vives en Madrid como si estás de visita, acudir a alguna de estas salas llenas de encanto y disfrutar de un espectáculo es una actividad casi obligatoria. Para ponerte las cosas más fáciles a la hora de elegir que sala visitar, desde Taquilla.com hemos querido hacer una selección de cinco de ellas:

Teatro Lara

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Empezaremos por el Teatro Lara, una coqueta sala ubicada en las traseras de la emblemática Gran Vía. El mecenas de este pequeño teatro fue nada más y nada menos que un carnicero llamado Cándido Lara, quien creó un ambiente de público selecto y burgués que acudía a presenciar las actuaciones de los grandes artistas de la época.

Actualmente, en su cartelera destaca La llamada una espectáculo musical creado por Javier Calvo y que ha obtenido el beneplácito de la crítica. Otras de las obras que se pueden disfrutar de en este teatro son las exitosas ‘Burundanga‘ o ‘Amores minúsculos‘.

Teatro Lope de Vega

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Probablemente, al leer Teatro Lope de Vega creas que no lo conoces, pero si te decimos algo así como ‘el teatro de El Rey León’ ya no tendrás ninguna duda.

Situado en plena Gran Vía, este espacio escénico acoge en su escenario a uno de los musicales por excelencia de nuestros tiempos. Numerosos son los curiosos que incluso sin llegar a entrar, no pueden resistirse a tomar una fotografía en su entrada.

Ahora, a través de las ofertas de Taquilla.com podrás no sólo tomarte esa famosa foto, sino que también podrás revivir las mejores canciones de lo que seguro fue una de las películas de tu infancia.

Teatro Galileo

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Ubicado en el Centro Cultural Galileo, el Teatro Galileo es especialmente conocido en el verano ya que se convierte en un teatro al aire libre, permitiendo al espectador que pueda disfrutar de una obra bajo el cielo.

Gestionado por el grupo Smedia, ofrece una amplia variedad de espectáculos entre los que actualmente destaca Vooyeur. Una obra creada por Patricia Jordá que pretende adentrarse en la intimidad sexual de las parejas. Si junto a tú pareja o amigos te apetece descubrir este íntimo mundo, acércate al corazón del barrio de Chamberí.

Teatro Arlequín

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El Teatro Arlequín es otro de esos emblemáticos teatros que se sitúan en la espina dorsal de la Gran Vía. Propiedad de la conocida familia Ozores, este pequeño teatro no sólo ofrece funciones teatrales sino que también te da la oportunidad de formarte como actor.

El Teatro Arlequín quiere hacer al público tan participe de él que hasta ese afán se refleja en su cartelera conEnajenatorium Theatre Show o el espectáculo musical tributo a Isabel Pantoja, ‘Hoy quiero confesar‘, están actualmente en la agenda del teatro Arlquín Gran Vía de Madrid.

Nuevo Teatro Alcalá

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Situado en pleno barrio de Salamanca, esta clásica ‘bombonera’ sustituyó en 1927 al antiguo Teatro Alcalá Palace, pero aún conserva para sus salas los nombres de actrices emblemáticas que han ido pasando por ese escenario.  El Teatro Alcalá Palace también es conocido por ser ese en el que durante los años 70 se estrenó uno de los musicales más exitosos pero también más polémicos: ‘Jesucristo Superstar‘.

Tras llevar 14 años con el telón bajado, ahora el Nuevo Teatro Alcalá nos trae uno de los musicales más divertidos: ‘Priscilla, Reina del Desierto, que lleva en cartelera toda esta temporada cosechando éxito tanto de público como de crítica.

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Las ‘Cosas de Papá y Mamá’ llegan al Teatro Quevedo

Por el título ‘Cosas de Papá y Mamà‘ bien se podría deducir que es un niño pequeño el que narra la historia de esta obra. Sin embargo, aunque esta afirmación bien se podría aplicar a sus personajes, no hay nada más lejos de la realidad.

La obra de Alfonso Paso narra la historia de dos viudos que se conocen en la consulta del médico. Tras cada uno asistir insistentemente a la consulta aquejados de un montón de enfermedades que realmente no tienen, descubren que lo que si que padecen de verdad es una horrible soledad que desemboca en tristeza.

Así comienza un dulce romance, al que desde un principio se oponen rotundamente los hijos de ambos. Sorprendentemente, el aliado con el que cuenta esta pareja es su médico, quien intenta trasmitir al espectador lo importante que la compañía y el cariño son a cualquier edad.

María Luisa Merlo, Marta Valverde, Naim Thomas, Alberto Delgado y Javier Pradera serán los encargados de representar sobre el escenario una obra que de una manera u otra logrará a conmoverte.

Puedes disfrutar de este clásico de Alfonso Paso en el Teatro Quevedo de Madrid, con sesiones jueves y viernes a las 20.00 horas, sábados a las 20.30 h. y domingos a las 19.00 h. Las entradas para Cosas de Papá y Mamá ya están disponibles en Taquilla.com.

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El erotismo de ‘Luna’ llega al Teatro Alfil

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Sin perder su característico sentido del humor, esta vez Yllana ha decidido intentar trasladar al espectador a un nuevo universo de pasión. Un espectáculo erótico, que acoge el Teatro Alfil de Madrid, donde podrás olvidarte de los problemas cotidianos y adentrarte en un particular mundo lleno de sensualidad y diversión.

En este show en directo, la condición sexual de cada uno de los asistentes es lo de menos. Los números más picantes de los protagonistas están llenos de toques de humor que provocan una función que al mismo tiempo que hace subir la temperatura de la sala, las carcajadas suben al unísono. Además, para los más ‘morbosos’, entre el público se regalará un cuadro pintado en directo por los propios actores.

‘Luna, el show’ es una idea original de José Manuel Ramos con la ayuda en los textos de Monica Ramos. Los actores encargados de hacerte pasar un buen rato serán: Camino Miñana, Javier Caraballo, Nayra Ortega, Soraya Sainz, José Manuel Ramos y Javier Leal.

Si la idea te convence, tienes del 9 de mayo al 27 de junio para poder disfrutar de este show en el Teatro Alfil de Madrid. Con sesiones únicas todos los sábados a la 22:30 horas. Las entradas para Luna, el show ya están disponibles en Taquilla.com.

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Última cita de ‘Your life is a musical, ¿tu vida es un musical?’ en Teatro Real Carlos III de Aranjuez

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‘Your life is a musical, ¿tu vida es un musical?’ se enfrenta a su recta final en los teatros madrileños. Tras varias semanas en cartel, este show ofrecerá sus últimas funciones en Teatro Real Carlos III de Aranjuez el próximo 16 de mayo, con dos pases a las 19:30 y 22:00 horas. Las entradas para ‘Your life is a musical, ¿tu vida es un musical?’ están disponibles a través de Taquilla.com.

El protagonista de ‘Your life is a musical, ¿tu vida es un musical?’ tiene una manera muy especial de entender la vida y de expresar los sentimientos que le generan las cosas que le rodean. La música es una pieza angular en su día a día, marca cada paso que da y cada decisión que toma. Cuando ríe, llora, ama, odia, sueña, trabaja, camina…etc., la música está presente. ¿Está enfermo? ¿Es esto algo malo? De serlo, ¿tendrá solución?

‘Your life is a musical, ¿tu vida es un musical?’ entiende la música como una terapia más que adecuada para la solución de problemas cotidianos. Se presenta como un recorrido a través de los musicales que han hecho historia, con temas que incluyen ‘Cruz de navajas’, ‘Hoy no me puedo levantar’, ‘Mírala’, ‘Vivimos siempre juntos’, ‘Seasons of Love’ o ‘Perdido en mi habitación’, entre otros.

José Luis Moreno dirige ‘Your life is a musical, ¿tu vida es un musical?’. El elenco de actores está compuesto por Alberto Alonso, Alejandra Arias, Ángel  Martínez, Ángela Téllez, Dany Rosado, Esmeralda Salado, María Díaz, Natalia Albares, Rosa María Osado y Marcos Horcajo.

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El baile entre la vida y la muerte en Estudio2

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Descubre gracias a ‘Baile de huesos‘ una historia que se mueve entre la vida y la muerte a través de cuatro frustadas personas que han decidido darle la espalda a sus sueños. Tienes del 17 de abril al 31 de mayo para sumergirte en esta historia.

Con sesiones a las 19:00,20:00 y 22:00 horas acércate a Estudio2 Manuel Galiana en Madrid y descubre como puede la frustración apoderarse de una persona. Las entradas para ‘Baile de huesos’ ya están disponibles en Taquilla.com.

Bailes de huesos narra la historia particular de cada uno de sus protagonistas cuando se encuentran de cara con la muerte. Intenta transmitir esa horrible sensación que a veces se apodera de nosotros cuando a oscuras en la noche decides cerrar los ojos y enfrentarte a esos amargos pensamientos sin poder poner llegar a poner fin a tanta negatividad que se va apoderando cada vez más de ti.

En definitiva, la obra narra como a veces nos dejamos aplastar por las frustraciones que creamos y decidimos vivir dándole la espalda a nuestros sueños sin intentarlo hasta el final. Dirigida por Manuel Galiana y protagonizada también por este junto a Óscar Olmeda, Myriam Gas, Pilar Ávila y Pedro Fajardo, tendrás que descubrir si los protagonistas de esta historia ansían la vida o la muerte.

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‘Cállate y Bésame’ en Artespacio Plot Point

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Escrita y dirigida por Carlos de Matteis, autor de obras como ‘Mi madre, Serrat y yo‘, ‘Diosas divinas y peligrosas‘ o ‘¿Y si Dios fuera mujera?‘, llega a los escenarios ‘Cállate y bésame‘, protagonizada por Lula Castellanos y Verónica Pérez. Puedes disfrutar de esta obra de teatro en Artespacio Plot Point de Madrid, desde el 17 de abril al 29 de mayo con sesiones a las 12:30, 20:30, 21:15 y 22:30 horas en función de los días.

Cállate y bésame‘ es una divertida comedia musical que relata una historia de amor entre dos mujeres. En ningún momento el relato gira entorno al conflicto de la homosexualidad, sino que se centra en reflejar la compleja esencia de una relación entre dos mujeres. Lo que se podría traducir en un paso hacia adelante en tiempos donde aún existen algunos pensamientos arcaicos, un paso hacia la normalización de una pareja del mismo sexo.

La obra habla del amor, los enredos de las relaciones de pareja y de la fidelidad. En definitiva una historia que se adentra en la intimidad de esta relación y donde se nos muestran diferentes puntos de vista de sus encuentros y desencuentros, una comedia romántica de las que no te dejarán indiferente.

Las entradas para ‘Cállate y Bésame’ en Artespacio Plot Point de Madrid ya están disponibles a través de Taquilla.com.

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‘Desentonados’: La historia de un casting en Madrid y Valencia

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Muchos dicen que la armonía une personas, pero son muchos menos los que comentan que la falta de sintonía también es culpable de bastantes buenas relaciones de amistad o amor. ‘Desentonados’ nos hace reflexionar a este respecto.

Esta obra estará en Sala Beer Station de Madrid los domingos 3 y 10 de mayo. Después visitará el Teatro Serrano de Gandía, en Valencia, el 16 de mayo. Las entradas para ‘Desentonados’ están disponibles a través de Taquilla.com.

‘Desentonados’ nos presenta la historia de dos jóvenes que aspiran a ser artistas. Alberto es un muchacho que lleva la disciplina en la sangre, algo que ha aprendido en su larga trayectoria en el conservatorio. Juanan, también conocido como ‘Jota Hot’, tiene como objetivo pegar el pelotazo con un ‘hit’ de estos que no para de sonar en las radios, vayas donde vayas. Sus caminos se cruzarán cuando ambos coincidan en un casting, y desde ese momento nada volverá a ser igual.

Este montaje está dirigido por Ruddy Méndez. Los dos protagonistas de ‘Desentonados’ están interpretados por Salva Suey y Francisco Ortiz. Este montaje, que se sitúa a caballo entre la obra de teatro y el monólogo, está recomendado para todas las edades y tiene una duración estimada de hora y media.

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Brokers: Los ‘tiburones’ de Yllana en Madrid

Si quieres vivir por un día en un mundo de fama, poder y narcisismo ‘Brokers’ te acercará a él a través de cuatro tiburones de los negocios cuya meta es permanecer en este mundo por un largo período de tiempo.

De la mano de la compañía Yllana disfruta de esta obra en el Teatro Alfil de Madrid los miércoles de las próximas semanas hasta 27 de abril, en una sesión única a las 20:00 horas. Las entradas para Brokers ya están disponibles a través de Taquilla.com.

‘Brokers’ es una obra cargada de humor gestual donde Yllana con su particular lenguaje nos narrará como los protagonistas inmersos en una época de puro capitalismo persiguen el éxito mientras que en el camino nos muestran sus debilidades por el mundo de la moda y las marcas, las tecnologías, el comer sano y el culto al cuerpo. Toda una ironía que bien podría aplicarse a estos tiempos.

Al adentrarse en este mundo de la carrera por el poder descubrirán algunos de sus miedos más ocultos provocando locas situaciones que por un momento harán tambalear todo aquel capitalismo que conocen y tanto les apasiona al igual que se pondrá en duda sus capacidad para alcanzar sus tan ambiciosas metas.