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La oferta teatral en España no solo es de las más extensas del mundo, sino una de las más multidisciplinarias que existe. Por nuestros teatros han pasado desde las más exitosas producciones internacionales como el Rey León, Mamma Mía! o Cabaret, hasta las obras más alternativas y vanguardistas que llenan la escena OFF de los teatros más pintorescos de todas las ciudades españolas, sin olvidarnos de las obras nacionales que cada noche cuelgan en cartel de sold-out en los grandes templos escénicos de las principales ciudades de nuestro país.
Una alternativa de ocio cada vez más popular entre la sociedad española que ha sufrido un gran impulso en este último cuarto de siglo. Un florecimiento del teatro español que se puede asemejar al que impulsó el Siglo de Oro de las Letras en nuestro país y que inunda nuestra cartelera con las propuestas más ambiciosas hasta la fecha. Producciones de gran formato que atraen a un público de todos los rincones de nuestro país como Los Miserables, El Fantasma de la Ópera o La Bella y la Bestia, el musical , han conseguido triunfar temporada tras temporada.
Y es que cada vez son más los teatros que apuestan por los musicales de gran formato en nuestro país. Un género de moda que ya se ha convertido en un fenómeno de masas que año tras año sigue arrasando en cartelera. Superproducciones directamente llegadas de Broadway o el West End londinense ya se han convertido en un referente en el panorama teatral de nuestro país, no solo en la Gran Vía Madrileña, sino también a lo largo de sus multitudinarias giras por los mejores teatros de todo el territorio nacional.
Un éxito que nada tiene que envidiar el panorama OFF español. El Teatro Independiente ha sido uno de los fenómenos más importantes en la historia escénica en nuestro país. En las últimas década ha habido una eclosión de creación teatral en todas las ciudades de España, propiciando que las escena OFF conquiste a un público cada vez más interesado en las producciones de pequeño formato. Nuevas propuestas teatrales que han hecho que hayan florecido un sinfín de pequeñas salas que acogen este teatro independiente. Mecas del OFF como Microteatro Por Dinero de Madrid, la Sala Fènix de Barcelona, el Espacio Inestable de Valencia o El Apeadero de Granada llevan varios años acogiendo a todas esas obras de bajo presupuesto que no podrían formar parte del cartel de los teatros más comerciales. Un fenómeno cada vez más en boga que desembocó en Surge Madrid, la mayor muestra de teatro OFF de nuestro país que se celebra cada mes de mayo en la capital.
Una búsqueda de romper con lo establecido, en lo que al teatro se refiere, que también ha desembocado en el surgimiento de un género cada vez más de tendencia: el fenómeno impro. Una nueva forma de vivir el teatro en la que la agilidad mental, el desparpajo y el ingenio juegan un papel fundamental. Un verdadero reto para compañías de la talla de Improshow o Jammingque noche tras noches sorprenden al público un espectáculo único e irrepetible. Un show que nunca será igual a los demás, en el que el público juega un papel protagonistas ya que son ellos los que tienen que crear la atmósfera interpretativa en la que estos genios de la impro tendrá que crear el espectáculo.
Nada que envidiar en calidad interpretativa y en éxito entre los amantes del teatro en nuestro país tiene el teatro más convencional que inunda los mejores teatros nacionales. Espacios centenarios que siguen conquistando día a día a un público cada vez mayor. Producciones tan longevas como Improshow, Toc Toc, El Cavernícola, La Llamada o El Rey León continúan triunfando año tras año. Al igual que la predilección de las mayores compañías internacionales por el público español. Durante años nuestro país ha sido parada obligatoria no solo para las mejores compañías de ballet del mundo, como el Russian Classical Ballet , además de la visita anual de rigor del Circo del Sol o formaciones de éxito más vanguardistas como Mayumaná o los Fying Steps Crew que revolucionó el panorama escénico combinando lo mejor de street dancing con Red Bull Flying Bach.
Una oferta de vanguardia que combina a la perfección con las producciones más clásicas y castizas tan características de nuestra cultura. Cada año miles de amantes del teatro greco-romano acuden a Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida para deleitarse con lo mejor de este arte en un enclave único en el mundo: el conjunto arqueológico de la capital extremeña, que data del 16 a.C. Un gusto por lo clásico que también se palpa en Almagro y programación repleta de las mejores obras del Siglo de Oro español. Una época de esplendor en nuestro país que aún pervive gracias a la iniciativa tanto de los teatros, como las compañías e instituciones públicas que incluyen en su programación las mejores obras de Cervantes, Lope de Vega, Calderón o Zorrilla. Una ardua labor de conservación que hace posible que aún pervivan algunos de los Corrales de Comedias en donde se estrenaron, allá por el siglo XV, las obras de estos genios de las letras españolas.
Sin olvidarnos de las zarzuelas, ese género tan castizo y característico de nuestro país que caló muy hondo en la sociedad española del siglo XVII. Un claro reflejo del gusto de los españoles por el teatro musical y cómico. Un género patrio que aún pervive en el imaginario colectivo y en teatros tan castizos de Madrid como el Teatro Quevedo o el Teatro Victoria, cuya en cuya programación se intercalan obras como Agua Azucarillos y Aguardiente, La Verbena de la Paloma o La Corte del Faraón, con producciones mucho más recientes.
El teatro ya se ha convertido en una alternativas de ocio más populares en nuestro país y no solo entre el público adulto. Cada vez son más las compañías que amplían su oferta y llenar sus escenarios con producciones de gran calidad especialmente dedicadas a los más pequeños de la casa. Una amplia oferta con un claro objetivo: hacer que los niños aprendan a la vez que se lo pasan en grande. Un espíritu divulgativo que está presente en teatros de la talla de La Escalera de Jacob de Madrid, la Sala Carolina de Valencia o El Dragón Estragón de la capital.
Un arte transformador que ha ido cambiando al son de la sociedad. Desde los primeros dramaturgos griegos y romanos como Esquilo, Sófocles o Aristófanes que conquistaron el panorama escénico griego con sus tragedias llenas de crítica social y con un carácter didáctico. Pasando por el teatro medieval español, fuertemente vinculado a la Iglesia, institución que tomaba las artes escénicas para hacer que una población que en su mayoría era analfabeta pudiera conocer las Santas Escrituras. Un hecho que propició el teatro de calle, tan de moda en la actualidad. Ya que la única forma de poder realizar teatro de temática no religiosa era tomando las calles y las plazas de las ciudades medievales.
Una revolución que viviría su momento álgido en nuestro país durante los siglos XVI y XVII. Época en la que los dramaturgos españoles más destacados de todo el mundo no solo coincidiría en un mismo periodo, sino que convivirían en la misma ciudad: Madrid, epicentro de la creación cultural del Siglo de Oro de las Letras Españolas. Un apogeo del género teatral sin igual que aún pervive en nuestros días gracias a la infinidad de teatros que aún siguen apostando por la representación de las obras de estos grandes genios. Y es que es en este periodo donde todos los investigadores coinciden en que fue el verdadero auge por el arte dramático en España. Cada día los ciudadanos de la época acudían en masa a los grandes teatros y corrales de comedia para vivir en primera persona los nuevos estrenos de Cervantes, Calderón, Lope de Vega o José Zorrilla, escritores residentes de los mundialmente conocidos teatros del Madrid más castizo.
Parece que en este sentido poco hemos cambiado, la Gran Vía, meca del teatro en nuestro país y conocida popularmente como El Broadway Español, sigue siendo invadida día tras día por amantes del teatro esperando para ver los musicales más exitosos de la temporada, los estrenos teatrales más esperados, los espectáculos de los mejores cómicos de país o las producciones más vanguardistas de la cartelera nacional.
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Los jóvenes talentos invaden el teatro
Triunfar en el teatro no es fácil. Esta es la realidad a la que se enfrentan muchos de los artistas que comienzan su andadura por esta disciplina tan vocacional. ¿Cuántas ideas ingeniosas se habrán vetado por no pertenecer a un nombre y rostro conocidos? Hemos hablado con algunos de estos ...
Triunfar en el teatro no es fácil. Esta es la realidad a la que se enfrentan muchos de los artistas que comienzan su andadura por esta disciplina tan vocacional. ¿Cuántas ideas ingeniosas se habrán vetado por no pertenecer a un nombre y rostro conocidos? Hemos hablado con algunos de estos jóvenes talentos que están consiguiendo llevar sus propuestas a diversas salas de la capital. ¡Acompáñanos a descubrir las posibilidades de estos jóvenes y su potencial para conseguir lo increíble!
IKER AZKOITIA
Es un joven creador multidisciplinar al que le gusta jugar con sus facetas de actor, músico y cineasta para contar historias. Ha protagonizado diversos microteatros, montajes teatrales y cortometrajes, además de diversos trabajos como productor, guionista y director con los que ha obtenido numerosos premios. A finales del 2014 surge la idea de Una corona para Claudia, mientras actuaba para Microteatro Por Dinero. Al observar la representación teatral que realizaban unos compañeros, uno de los personajes femeninos logra entusiasmarle de tal forma que Claudia comienza a cobrar vida en su cabeza. Desde el primer momento tuvo muy claro las circunstancias personales y la actitud ante la vida de su personaje principal.
La obra se estrena en el Certamen de Arte4 - Estudio de Actores, donde consigue alzarse con los premios a mejor montaje, mejor libreto y mejor actriz. El jurado destacó lo redonda que era la obra y la eficacia de las canciones, además de la cercanía y verdad con las que el equipo trabajaba en escena. Desde entonces, todo han sido éxitos; pasaron de representar en la Sala Nada la primera temporada a retomar la segunda en el Teatro Alfil y el 4 de marzo regresan con la tercera temporada en el Teatro Lara de Madrid. Iker nos cuenta que se planteó la creación de un "antimusical" debido a la escasez de recursos. Desde los inicios de esta idea, el objetivo ha sido lograr una experiencia significativa para el espectador más allá del entretenimiento.
Actualmente compagina el regreso de su obra con otros proyectos como la obra teatral Píntame de David Ramiro Rueda, en la que participa como actor. También está inmerso en una nueva creación junto a Lluís Mosquera, un musical protagonizado por una actriz sorda, Ángela Ibáñez. Ambos han llevado a cabo una búsqueda de perfiles multidisciplinares y muy dispares con los que están a punto de empezar un laboratorio creativo; sin duda promete.
DAVID RAMIRO RUEDA
Con devoción por la escritura y la lectura, ya de niño logra ganar algún certamen de cuentos en su ciudad natal, también ha intervenido como director y guionista en diversos cortometrajes. En 2011 presenta su primera novela de intriga, Sombras en la Luna, la cual en poco más de un año alcanza su 3ª edición. Con sección propia en FirstMagazine y participante activo en la sección de teatro de la revista VIM Magazine, en 2014 decide introducirse en la dirección de teatro con sus obras Píntame y La Cicatriz.
Píntame fue su primera creación para teatro, con la que se embarcó en el mundo de la dirección. Lo que David pretendía con esta obra era plasmar tres filosofías de vida muy distintas en las que ninguna es mejor que la anterior y lo sano que puede resultar la mezcla entre ellas. Por otro lado, con La Cicatriz, la idea era mostrar el drama desde un lugar muy íntimo y abordar la soledad en su estado más extremo e incómodo. Por mucha conexión que tengamos a través de Internet con cientos de personas, la sensación de soledad sigue estando ahí, comenta David.
Las críticas positivas resultaron abrumadoras en ambos proyectos, ninguno de los dos equipos se imaginaba que lograrían remover tanto al espectador. Este ingenioso escritor sin demasiadas pretensiones, admite que su objetivo principal es disfrutar de todo lo que hace, apasionarse con las historias que se cuentan en el escenario, que los actores sientan suyas esas historias, y que los que forman el proyecto cuenten con ganas los días que quedan para la próxima función. A partir del 16 de marzo podréis ver la sexta temporada de su obra Píntame en el Teatro Lara de Madrid.
PROYECTO AD LIBITUM
Alejandro Matrán funda en 2011 este proyecto, dónde ha producido eventos musicales, teatro y ópera. Además de su faceta en el ámbito de la dirección teatral, cuenta con diversos proyectos como actor, entre los que destacan destacan RED o Conciencia de Trapo.
Junto a Carlos Álvarez, actual estudiante de guión y compañero de Alejandro en el proyecto, se propusieron componer un musical propio en el que Carlos se encargaría del texto y Alejandro de la música, llegando a la conclusión de que querían contar de alguna manera todo lo que les había ocurrido en ese tiempo; asi surgió su ópera prima.
Morrígan está inspirado en personas que han pasado por el Proyecto Ad Libitum desde los inicios. Se trata de un musical folk en el que no solamente se tienen en cuenta las opiniones de los creadores: cada uno de los miembros del equipo está presente en la obra. Tal y como nos cuenta Alejandro, se hicieron ejercicios de diferentes técnicas actorales para encontrar los matices de cada personaje que más tarde se incluirían en el texto. El primer ensayo general abierto al público, en julio de 2016, recibió críticas bastante positivas a pesar de que faltaban algunos detalles por pulir que se han ido trabajando y mejorando hasta conseguir lo que buscaban. En enero de 2017 se estrenaron en la Sala Nueve Norte y desde entonces no han parado de cosechar éxitos hasta el punto de prorrogar la obra todo el mes de marzo en la Sala Nueve Norte en Madrid.
Actualmente, el Proyecto Ad Libitum se encuentra inmerso en el musical, pero no descartan futuros proyectos ya que tanto Alejandro como Carlos se plantean como próximo objetivo la creación de una obra que quede latente en el público con un mensaje que nos haga reflexionar. Estos jóvenes llegan con gran fuerza dispuestos a sorprender al espectador.
LA JOVEN COMPAÑÍA
En líneas más generales y con un proyecto conjunto en el que se ven involucrados un gran número de jóvenes artistas, se encuentra La Joven Compañía, en la que no se plantea la simple representación sino que engloba un teatro hecho exclusivamente por y para jóvenes. Esta compañía, creada por David R. Peralto y José Luis Arellano, surge en el verano del 2012 con el objetivo de contribuir a la creación de futuros profesionales en el mundo del arte, fomentando la investigación dramática. Actualmente, el grupo lo forman más de una treintena de jóvenes con edades comprendidas entre los 18 y los 26 años, dirigidos por grandes profesionales del teatro.
Representan más de cien funciones cada año en Madrid, además de realizar diversas giras nacionales a lo largo de todo el territorio español. Reconocidos con el premio El Ojo Crítico de Teatro en 2014, han destacado con gran éxito con producciones como Invasión de Guillem Clua (2012), El señor de las moscas de William Golding (2013 o Punk Rock de Simon Stevens (2014), entre otras.
Cabe destacar su proyecto educativo a través de la asociación Jóvenes al Teatro, una plataforma de ámbito nacional que consigue unir a apasionados del teatro, docentes y profesionales. Su principal objetivo es lograr que los más jóvenes se interesen por la cultura, a través de historias que les interesen y emocionen. Además, promocionan y apoyan las carreras de jóvenes artistas, que cuentan con el apoyo de grandes profesionales del medio como Gerardo Vera, Ariadna Gil, Josep Maria Mestres, Terele Pávez y Teresa Lozano. Sin duda un proyecto que apuesta por el teatro del futuro.
¿Por qué el teatro de calle está cada vez más de moda?
Para muchos actores, el teatro de calle es uno de los mayores retos a los que tendrán que enfrentarse en toda su carrera, pero merece la pena. La apuesta por este tipo de teatro es sinónimo de cercanía con el público. Al saltar de los escenarios a las calles de la ...
¿Por qué el teatro de calle está cada vez más de moda?
Para muchos actores, el teatro de calle es uno de los mayores retos a los que tendrán que enfrentarse en toda su carrera, pero merece la pena. La apuesta por este tipo de teatro es sinónimo de cercanía con el público. Al saltar de los escenarios a las calles de la ciudad los actores pueden interactuar, ver la respuesta del espectador e, incluso, tocar al público. La esencia de este fenómeno, cada vez más habitual, es tratar de conquistar a un público tan heterogéneo que los actores tienen que utilizar toda su originalidad para poder engancharlos a todos.
El teatro de calle es una invitación para cualquier persona pueda disfrutar de un espectáculo de calidad, normalmente muy poco convencional, y desgraciadamente infravalorado en muchos casos. Los verdaderos amantes del teatro de calle sabe que las posibilidades que te da salir al aire libre son inmensamente mayores que las de un recinto cerrado. La imposibilidad de controlar el sonido, la escena e, incluso, los propios movimientos hace que el teatro de calle evoque a los orígenes de un expresión artística que llenaba de color y de magia las plazas y calles de ciudades y pueblos.
La máxima manifestación de la apuesta por este tipo de espectáculo es el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, más conocido como TAC. Cada año, la capital de Castilla y León saca a la calle lo mejor de las artes escénicas en nuestro país, haciéndoles saltar de sus espacios habituales a las calles de esta histórica ciudad.
Esta decimoctava edición no podría ser menos y, del 20 al 28 de mayo, Valladolid se convertirá en la Ciudad del teatro con nuevos espacios y muchas más compañías que en años anteriores. La obra Paysages Inériers, de la compañía de Philippe Gentry, será la encargada de inaugurar el festival. No te pierdas la programación completa del TAC de Valladolid.
Los orígenes de esta alternativa teatral, en auge en nuestros días, se remontan mucho más atrás en el tiempo de lo que te puedas imaginar. Durante un largo periodo de oscuridad cultural en Europa todas las manifestaciones teatrales fueron eliminadas de la vida pública. No fue hasta la Edad Media cuando la iglesia optó por usar el teatro como herramienta para que sus fieles fueran partícipes de las historias sagradas. Estos actos, mayoritariamente desarrollados dentro de las iglesias, hicieron que se volviera a poner en funcionamiento es espíritu teatral. A partir de ese momento las nuevas manifestaciones teatrales, que no se centraban en los pasajes de la Biblia, tomaron las calle y poco a poco obtuvieron la importancia que se merecían.
Triunfar año tras año: las 7 obras más longevas de nuestra cartelera
Al final, lo que permanece es la inteligencia... y el sentido del humor! Por lo menos cuando hablamos de perpetuarse en cartelera. En una realidad teatral activa y dinámica como es la nuestra, sólo sobreviven aquellas obras que nunca pierden su frescura y son capaces de atraer al público una ...
Triunfar año tras año: las 7 obras más longevas de nuestra cartelera
Al final, lo que permanece es la inteligencia... y el sentido del humor! Por lo menos cuando hablamos de perpetuarse en cartelera. En una realidad teatral activa y dinámica como es la nuestra, sólo sobreviven aquellas obras que nunca pierden su frescura y son capaces de atraer al público una y otra vez a su patio de butacas. Aunque es difícil de alcanzar el récord de Eduardo Aldán con Espinete no Existe (que acumula la friolera de 10 temporadas de éxito), hay muchas obras que se siguen programando año tras año. Hoy te traemos aquellas que no puedes perderte.
Improshow
Cuando una obra se reinventa cada noche es fácil que se convierta en la reina de la permanencia en cartelera. La compañía Planeta Impro lleva más de 13 años en activo, y ostenta el título de ser la responsable del fenómeno impro en nuestro país. Su obra Improshow acumula hasta 1.000.000 de espectadores, y ha convertido a sus actores (José L. Adserías, Angel Galán, Mai Boncompte, Quim Andrés y Nuria Espinosa) en estrellas residentes del Teatreneu desde el año 2004. También puedes verles actuando en Improfighters.
El nombre
Todo comienza como una celebración, y termina como una amarga discusión que ironiza sobre esos problemas familiares que se han barrido debajo de la alfombra. El desencadenante es una sola pregunta: "¿Cómo va a llamarse el bebé?". El Nombre, de Mathieu Delaporte y Alexandre de la Patiere, huye de la comedia fácil con un lenguaje mordaz e inteligente. Estrenada en París en 2010, llegó a Barcelona tres años después y desde entonces no ha parado de sumar público, premios y éxito. Le Prénom supone un fenómeno en toda Europa. Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio Molero, César Camino y Kira Miró la representan actualmente en el Teatro Cofidís Alcázar de Madrid de miércoles a domingo. No te la pierdas, tú también te sentirás identificado.
Los Miércoles no Existen
Cinco temporadas de éxito en el Teatro Fígaro acumula ya esta obra de dramas y enredos al más puro estilo dramedia. Los Miércoles no Existen, de ProducciONes OFF, lleva varios años mostrándonos la vida de seis personajes encerrados en su propia rutina emocional y sentimental. Todos ellos, de entre 30 y 40 años, están a punto de romper con lo que conocían hasta ahora, y lo hacen compartiendo una colección de momentos íntimos por los que todos hemos pasado o vamos a pasar en algún momento. Disfruta de este puzzle de historias cercanas e inconexas hasta el 27 de marzo de 2016.
Toc Toc
Nunca un trastorno obsesivo compulsivo había hecho reír a tanta gente, y es que la obra Toc Tocacumula nada menos que siete temporadas de éxito a sus espaldas. Disfruta de la sala de espera de uno de los mejores doctores de la ciudad, una antesala con seis pacientes que no paran de conversar. Manías, fascinación descontrolada por el orden, coprolaloia y otras excentricidades se confabulan para dar forma a una obra en la que no podrás parar de reír. Un millón de personas ya han visto a Ana Trinidad, Ana Frau, Esteve Ferrer, Paco Obregón, Ana Burrel, Óscar Ramos, Sara Moros y Laura Hernando interpretar los papeles más obsesivos de su carrera. Puedes ver Toc Toc de martes a domingo en el Teatro Príncipe de la Gran Vía.
El cavernícola
La guerra de sexos existe desde los albores de la humanidad, y el debate parece que va a seguir para largo. Nos lo confirma el éxito de El Cavernícola , que lleva siete años en la cartelera del Teatro Fígaro Adolfo Marsillach con Nancho Novo al frente. 'Los hombres somos gilipollas' es la entradilla perfecta para la versión española de una comedia que ya han visto 8.000.000 de espectadores en todo el mundo y que ha sido traducida a 15 idiomas distintos. Una reflexión de hora y media donde la sensibilidad masculina, el feminismo contemporáneo o las zonas erógenas serán los protagonistas. Si ya la has visto, puedes sorprenderte con su versión para féminas: La Cavernícola, con Yolanda Ramos como genial intérprete en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía.
La llamada
La llamada sólo lleva tres años en cartel pero ya ha acumulado más de 150.000 espectadores. Comenzó representándose en la Sala OFF del Teatro Lara, pero pronto se convirtió en protagonista de su escenario principal. Claudia Traisac, Gracia Olayo, Belén Cuesta, Anna Castillo, Angy Fernández, Susana Abaitua, Olalla Hernández y Richard Collins-Moore dan vida a un campamento cristiano en el que una de las chicas (cantante de un grupo latino y obligada a asistir a las convivencias) recibe la llamada de Dios de una manera poco habitual: a través de la música de Withney Houston. Una comedia musical que sin duda te sorprendrá. Puedes verla de viernes a domingo desde sólo 7 euros.
El Rey León
El Rey León no es la obra más longeva de nuestra cartelera, pero sí la más vista, la más deseada y la que más marca a los espectadores. Y, a juzgar por su éxito, tiene todas las papeletas para continuar bastantes años ocupando este primer puesto. Con 19 años de historia a sus espaldas, el musical de El Rey León llegaba al Lope de Vega el pasado 2011. El teatro fue sometido a una profunda remodelación, pero ha merecido la pena: dos millones de espectadores ya han pasado por su sala en tan sólo cinco años.
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