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El monstruo de White Roses: Emily Dawson a través del televisor

Decía Fernando Pessoa, poeta, escritor y dramaturgo portugués, que el inventor del espejo envenenó el corazón humano. Casi 90 años después podemos añadir a la frase un responsable más: los medios de comunicación.

Nos encontramos en los aclamados años 90 en Ohio. Un sótano extraño, repleto de cajas de zapatos, desordenado, frío, oscuro. Hay cadenas por el suelo, un colchón desvencijado y todo un ambiente de misterio y extrañeza. El miedo no aparece (todavía).  En el escenario nos recibe de espaldas una chica de ojos llorosos y alma rota. Frente a una cámara nos cuenta su historia: se llama Emily Dawson y, al igual que Alicia, también ha atravesado espejos y pantallas. 

 

“El monstruo de White Roses” es un thriller teatral escrito por Jesús Torres e interpretado por Víctor Palmero y Lucía Díez, rostros conocidos de la televisión y los escenarios.

 

“I ́m here! Help!”, fue el grito de auxilio que despertó al tranquilo barrio de White Roses, en Ohio, una mañana de abril. Aquella voz apesadumbrada y llena de energía era la de Emily, la joven adolescente secuestrada casi un año atrás. ¿Y su verdugo? Harry Coleman, el zapatero del barrio, un hombre esquivo pero tranquilo, quien la había sometido a toda clase de abusos y torturas en el sótano de su casa. Y así es cómo Harry pasó a la Historia de América como el Monstruo de White Roses. Y así es cómo el caso de la desaparición de Emily Dawson dio la vuelta al mundo y estuvo presente de manera repetitiva y sensacionalista en los noticieros y periódicos dando pie a la llamada “década de las desapariciones”.

En un mundo actual dominado por los medios de comunicación, las redes sociales – qué curioso que la publicación de este artículo coincida con el veinte aniversario de Facebook –, el mensaje rápido, fugaz, viral y de olvido más rápido todavía, el contenido vacío, el clickbait y la nula crítica del periodismo hacia el periodismo este thriller teatral se hace más necesario que nunca. ¿Y qué mejor forma que criticar el rol de los medios, usuarios, productores y consumidores que mediante una historia truculenta y morbosa? Porque no nos olvidemos que si hay una forma criticable de contar una noticia atroz es porque hay espectadores dispuestos a escucharla y a humedecer los labios. Por eso, resulta tan interesante que en los Teatros Luchana donde se representa la obra, el espectador se vea obligado a entrar a la zona de butacas por el escenario, como si también fuera parte de la cadena, del entramado.

Como en una especie del Mito de la Caverna de Platón, el espectador es puesto frente a un escenario repleto de sombras y cadenas, en el que los actores cuentan una historia que, poco a poco, se va complicando y enroscando en el misterio para dar un sorpasso final.

Cuenta el director y dramaturgo que el proceso de creación ha sido apasionante y que, a raíz de escribir una escena, ensayarla y pulirla nacía la siguiente. Así se forma una obra delicada, con unas interpretaciones fascinantes y más profunda de lo que aparenta. El rol de los medios de comunicación y el sensacionalismo del que se han nutrido la sociedad y los medios, unos para hacer caja y audiencia, otros por querer una víctima sobre la que llorar y volcar sus penas y miserias, como si la desgracia de un desconocido nos sirviera para darnos cuenta de la felicidad (a veces escondida) de la que gozamos. Todo un mecanismo fatal y falto de sensibilidad que entronca lo más negro del ser humano.

Pero también nos habla del juego de los espejos y de las máscaras que ponemos a los demás de una forma prejuiciosa y automática y ahí creo que radica lo más interesante de la obra. Como si no viésemos la escena realmente completa, algo parecido a las sombras que veían los hombres presos de la caverna. ¿Se experimenta una cierta liberación cuando se cierra el telón?

“El monstruo de White Roses” es un retrato de una década en la que las noticias espantosas copaban portadas y espacios con entrevistas mordaces y documentales frívolos. Tiempos oscuros en los que surgía toda una hazaña acompañada de la creatividad más visceral para ver quién se llevaba a la audiencia de calle, quién arrasaba y qué medios conseguían más telespectadores pegados al televisor. De hecho, la propuesta de Jesús Torres es innovadora, ya que se nutre de documentales de este género producidos por Netflix y puesto que combina la dinámica narrativa clásica del teatro con otras formas audiovisuales más actuales.

Todo esto, con el aumento de las tecnologías y el apego – a veces nocivo, todo sea dicho – del móvil y las redes sociales ha mutado a lo que conocemos hoy en día como true crime. ¿Cuántas veces leemos una noticia horrible en alguna red social y nos entristecemos o nos enfadamos con el mundo para, en un segundo después, pasar a otro vídeo, otra foto random?  ¿Existe un limbo con todas las sensaciones que nacen en un segundo casual para morir en otro segundo posterior y casual?

¿Cuántas tragedias en portadas y medios empañaron su verdadera desgracia? ¿Nos acordamos de las víctimas o sólo de la que fue más comentada, más viral? ¿Hay velas para todas ellas? ¿Un caso eclipsa otro caso? ¿Las víctimas logran en algún momento mirar hacia otro lado y seguir con su vida?

Harry Coleman y Emily Dawson se van desnudando, psicológicamente, en el escenario, conversando y ejecutando un retrato perfecto de su cotidianeidad, dando pie a que el espectador vaya elaborando una ficha policial de los hechos y de la psique de cada personaje, para confirmar lo que reconocía Hitchcock: que a cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima. Aunque, a veces, convertirnos en víctimas pueda ser la perfecta solución. Han pasado más de 30 años desde el incidente y hay quien asegura que ha visto a Emily Dawson por alguna calle de Ohio. Hoy, tantos años después, se sigue buscando carnaza: ¿cómo es Emily hoy?, ¿ha olvidado lo que le sucedió?, ¿cómo consiguió salir adelante?, ¿cómo lucha contra las secuelas? Al igual que José María Íñigo, la gente quiere saber…. ¿Estará de nuevo Emily Dawson pronto en sus mejores pantallas?

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De Rod Stewart a Lola Índigo: El éxito del primer Christmas by Starlite

En los últimos años, la fiebre por los conciertos ha alcanzado niveles insospechados. Desde masivos eventos hasta festivales emergentes, y giras que dominan las listas de reproducción: la extensa oferta de la música en vivo no ha dejado de crecer. Así, los conciertos se han establecido como el epicentro de los entusiastas de todos los géneros.

Starlite by Occident se destaca como un festival que trasciende, ganando notoriedad con cada edición. Aunque el verano desborda con miles de opciones, este evento se consolida como una elección insuperable para disfrutar de la diversidad musical. En esta ocasión, Starlite ha innovado al mudarse de Marbella a Madrid, dando vida a una versión invernal y especialmente festiva y rebosante de espíritu navideño.

El ciclo de conciertos Christmas by Starlite abría con la leyenda rockera Rod Stewart el jueves 14. El británico demostró una vez más su capacidad para continuar dándolo todo a pesar de su edad. 78 años no son nada si tienes al lado una banda tan talentosa, que incluye bajo, guitarras, batería, violines, saxo e incluso arpa con un solo celestial; y tienes pasión por lo que haces.

Acompañado por este equipazo, Rod no desafinó ni una nota en éxitos como Maggie May, Do Ya Think I’m Sexy?, Sailing o Forever Young, o incluso el dúo It takes two en homenaje a la gran Tina Turner. El ambiente era puro fuego incluso cuando sus coristas tomaron el poder e interpretaron Lady Marmalade. Con su aplomo y poderío, captaron la atención del público durante el cambio de vestuario de Rod: sus característicos estampados de animales y lentejuelas lucían en el escenario de IFEMA.

Citas a Shakespeare, alabanzas a su Celtic de Glasgow y el cierre perfecto con Merry Christmas, baby consagraron un concierto épico que nos adentra de lleno en estas fechas festivas.

Carlos Rivera, Manuel Turizo y Sting también estaban confirmados para esta semana de celebración que culminaba con el concierto de Sebastián Yatra. Antes y después de cada concierto se puede disfrutar de la ambientación navideña, restauración, animación e incluso un afterparty con invitados como Juan Magán o Fedde Le Grand.

Sin duda una de las artistas más esperadas del cartel era Lola Índigo, que cerraba su Dragón Tour cantando el lunes 18 en Christmas by Starlite. Los presentes vitoreaban al verla salir del cascarón para abrir el show con la canción Animal y sus cuidadas coreografías.

La artista comentó que podría haber sido la última vez del directo de algunas de las canciones que la han acompañado en este año de éxitos. Sus impactantes recitales de El Tonto, Niña de la Escuela, Dragón, Las Solteras o Toy Story inundaron el pabellón de un mosaico sonoro por parte tanto de adultos, como de los fans más pequeños.

Lola Índigo no se dejó ni una canción de ‘GRX’, álbum que lanzó tres días antes del concierto y que celebra el arte de su ciudad, Granada, junto a reconocidos artistas como Maka, Dellafuente, Pepe y Vizio o La Plazuela. Se dejó casi hasta el final la aparición estelar de La Zowi para cantar el tema viral Yo tengo un novio. Álvaro de Luna fue otro de los invitados para interpretar Mañana.

Se trata de una artista que ha marcado un antes y un después en la performance de la industria española, llevando las coreografías y escenografía a otro nivel y otorgando su merecido protagonismo a todo ese trabajo, además de su voz e interpretación.

Christmas by Starlite parece convertirse en el evento imperdible que da inicio a las festividades navideñas a partir de ahora. Sin lugar a dudas, esta edición ha sido un rotundo éxito, dejando a todos con ganas de más. ¡Es imperativo que regrese!

 

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Luces, cámara y acción: ¡viva el cine español!

INT – SALA DEL CINE DORÉ, MADRID – TARDE

Se ve una sala grande y bonita. Impacta: los colores intensos del rojo de las butacas con techos pintados en azul provocan en el espectador un tímido latido. El tiempo parece detenerse. El piano, aunque tapado, rememora viejas épocas, pero no hay espacio para la melancolía ni la degradación que provoca el tiempo en la memoria de los españoles, siempre tan azotados por el pasado que se volvieron olvidadizos. El Cine Doré, con la esencia de siempre acoge lo antiguo y lo moderno, lo clásico y lo contemporáneo: alguna de Marilyn Monroe, otra de Concha Velasco y mañana una presentación en la cafetería. El Doré, como las buenas películas, se mantiene intacto, con gusto y vitalidad. ¿Será que también él se impregna de la magia del cine?

Entro en mi habitación y observo en la pared las claquetas ancladas. En ellas se pueden leer hasta treinta y tres autógrafos: Julieta Serrano, Pedro Almodóvar, José Sacristán, Lola Herrera, Fernando Trueba, Julia Gutiérrez Caba o Antonio Banderas, entre otros. Al otro lado, visten la pared un grabado de Cocteau y la colección de programas de mano de películas de Sara Montiel. 

 

El cine me lleva acompañando prácticamente desde que nací. En mis recuerdos de infancia, aparecen las famosas películas de Disney; en mi adolescencia, sobre todo, las chicas almodóvar que tanta compañía me dieron y; en mi juventud… ¡Cuántas tardes en la Filmoteca Española!

 

Aunque denostado por cierta parte de la población, no podemos negar que el cine español ha conseguido un hueco internacional, que ha contribuido a ensalzar la marca España más allá de nuestras fronteras y que algunas personas del panorama patrio se han convertido en Historia del Cine. Desde Conchita Montenegro y Saritísima, las pioneras en conquistar Hollywood, hasta Ana Mariscal (no sin polémica por su aparición en “Raza”), hoy considerada una de las mejores directoras a nivel europeo del siglo XX, haciendo escala en el Landismo como filosofía vital o el ataque de nervios como estado permanente (eso sí, con estética pop y mucho maquillaje). Sin olvidarnos tampoco de nombres de reputación como Luis Buñuel, Mario Camus, Carlos Saura o Pilar Miró, pionera del sector audiovisual en España o directores actuales de la talla de Isabel Coixet o Alejandro Amenábar. ¡Todo un paseo de la fama con una retahíla enorme de nombres!

Aquel “Pedrooooooo” de Penélope Cruz en la gala de los Oscars del 2000. El “Do you want to fight with…” que espetó Sara Montiel a Gary Cooper, pronunciando “fight” como “fuck” y la respuesta de este bien sonada: “Of course, Sarita”. Berlanga como fetichista confeso, la tristeza que escondían los ojos de Gracita Morales, la volcánica Amparo Rivelles que siempre hizo lo que quiso o el “váyase usted a la mierda. ¡A la mierda!” a un fan de un Fernando Fernán Gómez con la misma cantidad de talento que de carácter. Más allá de escenas, planos, diálogos, historias o premios, el cine español nos ha regalado momentos auténticos y memorables.

La primera proyección pública en España data de 1896 en Madrid y fue a cargo, cómo no, de un operador de cámara de los hermanos Lumière, Alexandre Promio, pionero de la cinematografía. Para 1897 se rodó “Riña en un café” del director catalán Gelabert, considerada la primera película española con argumento, pues anteriormente se habían grabado escenas breves cotidianas de carácter documental. Eso sí, no podemos obviar que esta película dura apenas un minuto.  Ya entrados en el siglo XX, se suman a la lista nombres como Ricard de Baños, fundador de la productora Royal Films, que rodaba películas dirigidas claramente al rey Alfonso XIII (incluyendo películas de carácter pornográfico) y Segundo de Chomón, especializado en cine fantástico, revolucionario técnico y genio de los trucajes. Todos ellos convirtieron Barcelona en un epicentro del cine español durante dos décadas.

Tras la guerra civil y en la primera década de la dictadura franquista las alfombras rojas, cubiertas con algo de caspa – todo sea dicho –, las desfilaron personajes como Sáenz de Heredia, Juan de Orduña o Carlos Arévalo con un cine bélico, épico, histórico y de carácter nacionalista, ocupando las pantallas, sobre todo, Alfredo Mayo, quien se convertiría – orgulloso o no – en el héroe franquista. Hablamos de películas como “¡A mí la legión!”, “Harka” o “El Santuario no se rinde”, entre otras. En el otro bando, destaca Edgar Neville, una de las figuras más icónicas del cine español, no tanto por su filmografía, sino por su eterna curiosidad, las amistades internacionales y momentos estelares tales como su epitafio: “Aquí yace Edgar Neville, que al final se quedó en los huesos”, riéndose de la obesidad que le acompañó al final de su vida.

Un 6 de octubre de 1951 finalizaba el rodaje de la película “Esa pareja feliz”, escrita y dirigida por dos titanes de nuestro país: Berlanga y Bardem. Junto a ellos, en pantalla, Fernando Fernán Gómez, Elvira Quintillá y José Luis Ozores, incluyendo una aparición de Lola Gaos y Matías Prats, la famosa voz del NO-DO. No sería hasta 2021, en plena pandemia, cuando el Consejo de Ministros decidía concederle un día especial al cine español. ¿Y qué mejor opción?

Llegados los años 50 se produce un punto de inflexión: la creación del Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), hoy conocido como la Escuela Oficial de Cine. El Instituto supuso la formación técnica y vocacional para aquellos jóvenes que después serían maestros y que originarían el llamado Nuevo Cine Español.

Bajo un ambiente reformador, se comprendió que el cine debería abordar temas sociales, ser más realista y cercano al público de masas y contar con mayor nivel intelectual. De todos aquellos alumnos que pasaron por la escuela, cabe destacar las tres primeras mujeres que se diplomaron: Josefina Molina​ y Cecilia Bartolomé en dirección y Pilar Miró en guion. Otro de los puntos clave fue, con la intención de dar una mejor imagen de España a nivel internacional, la creación del Festival Internacional de Cine de San Sebastián, el más longevo de España y uno de los más prestigiosos a nivel europeo. De hecho, acogió a un Roman Polanski que iniciaba su andadura, el estreno internacional de “Vértigo” o una Bette Davis retirada, sombra de lo que fue.

Con la muerte del dictador, España se sumaba en una ola de libertad y libertinaje a partes iguales; acabada la censura y habiendo inaugurado la democracia se abría un mundo de posibilidades creativas. Por un lado, aparecía el denominado “cine de destape” protagonizado por la pareja de cómicos Pajares y Esteso, por el otro, la Casa Costus se convertía en epicentro de la movida madrileña y, más allá, Eloy de la Iglesia ponía el foco en el cine quinqui, marca de la casa del director y guionista vasco. Para 1987 se inauguraban los Premios Goya, una edición muy lejana de la gala actual, por su corta duración y sin dejar espacio para discursos, números musicales o photocalls. 

Ya entrados en el siglo XXI, España cuenta con más de 70 festivales de cine, siendo Cataluña y Madrid las regiones estrella con festivales de referencia como el de Sitges o Festival de Cine de Madrid. En términos de datos, para 2022 se recuperó la situación pésima de la pandemia – en 2021, tuvimos el peor dato de facturación de lo que va de siglo –, llegando a los 82 millones de euros recaudados y un total de 705 películas exhibidas.

En cuanto a posicionamiento internacional, no podemos obviar a Carla Simón, ganadora del Oso de Oro de Berlín en 2022 con “Alcarràs”, sobre todo, teniendo en cuenta que hacía 40 años que España no se llevaba la estatuilla y que siempre la han ganado hombres. Desde aquel primer Oscar ganado por España en 1983 con “Volver a empezar” de Garci (sin olvidar que el primer español en ganarlo fue Buñuel, exiliado por la dictadura y francés de adopción), han llovido unas cuantas nominaciones y galardones: Almodóvar, Bardem, Amenábar, Trueba, Penélope Cruz…

Centrándonos en las mujeres, es grato reconocer que cada vez hay mayor representación en el cine español. Son las propias mujeres las que dan el salto a dirigir, montar, producir o escribir sus propias historias, dejando de lado aquellos papeles arcaicos en los que son meros objetos. Y es que para ser un país que siempre vive de las musas, resulta poco agradecido. En este sentido, cabe nombrar la labor de CIMA (asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales), quienes contribuyen y abogan por una representación plural, diversa y de calidad, haciendo hincapié en todos los niveles técnicos, artísticos, de representación y de producción. Además, rizando el rizo, este 2023 celebramos los centenarios de Ana Mariscal, Margarita Alexandre y Lola Flores (y José María Forqué).

Todo un año para conmemorar el cine español, su legado, su historia, sus anécdotas y sus personajes. Ahora sólo toca esperar al 10 de marzo de 2024 para ver si “La sociedad de la nieve” de Bayona se alza victoriosa en la categoría de Mejor Película Internacional en los Premios Oscar. Para finalizar, me despido con uno de mis diálogos fetiche, a ver si los cinéfilos saben reconocerlo:

 

 – Qué heavy eres, Juana

– Soy auténtica, señora.

 

Auténtico o no, aquí va mi homenaje para el cine español que sirvió como refugio, como salvador, maestro, mentor y distracción en una época en la que encontrarme a mí mismo fue obsesión, enfermiza, casi diría. Y desde luego no sería lo que soy si ciertas historias no me hubieran enseñado modelos de conducta u otras realidades. ¿La magia del cine? Confirmaría que es esa: mostrarte un camino o abrirte una ventana y al final poder decir «aquí es». Y aquí soy yo, en el cine y para el cine: un admirador, un esclavo, un amigo, un siervo.

Fundido a negro.

Créditos: Alejandro Pérez con guion de Rafael Azcona, música de Alberto Iglesias, vestuario de Peris Costumes y dirección de Arantxa Echevarría.

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La Resiliencia del Ballet de Kiev y pasos de élite en España

El ballet en España

Es probable que la evolución del ballet en España haya pasado desapercibida en comparación con otros países europeos. Relacionado con la disciplina y el privilegio de las élites, su historia ha estado influida por factores culturales, sociales y políticos: Sirvió de entretenimiento en las cortes durante el Renacimiento y el Barroco. Así, a pesar de las influencias del ballet francés y ruso en el siglo XVIII, no fue hasta el XIX cuando empezó a ganar terreno en España gracias a la adaptación de Don Quijote del coreógrafo ruso Marius Petipa, fusionando el ballet clásico con elementos españoles.

En 1978, bajo la dirección de Antonio Gades, fue creado el Ballet Nacional de España y Compañía de Danza Española. Esto fue esencial para la revalorización de la danza española. Antonio Gades era un bailaor y coreógrafo que como pionero en la combinación del flamenco y el ballet clásico, se le considera el padre del “Nuevo Flamenco”.

La fusión flamenco-ballet

La técnica y la elegancia del arte clásico con las raíces y la autenticidad del flamenco consiguen convivir en este desafío a la innovación artística, siendo clave la potenciación de sus diferencias y dejar a un lado los clichés.

Al igual que el ballet se conoce por su rigidez, su exigencia y la disciplina, el flamenco lo dota de emociones mucho más intensas, consiguiendo que se deje llevar por la pasión. Por otro lado, la delicadeza del ballet consigue unos movimientos más sutiles en la parte flamenca, llevando los pasos a otra dimensión sin perder esa autenticidad y expresión.

Los mejores bailarines han trabajado junto a Carlos Rodríguez en su representación de ETERNO, una coreografía que se acerca a las figuras creativas del pintor Pablo Picasso combinando en dos actos el flamenco y el contemporáneo.

Crónica del Alba aún sigue disponible para descubrir la versatilidad de Miguel Ángel Berna y Sara Calero, los bailarines que protagonizan esta adaptación de la obra del gran Ramón J. Sender.

 

 

 

Conexión con el presente: Compañías de danza importantes

Compañía Nacional de Danza (CND)

El ballet español no se ha quedado en casa, y desde que Antonio Gades puso su granito de arena, ha conseguido cruzar las fronteras y tener un recorrido internacional gracias al compromiso de la Compañía Nacional de Danza con convertirse en un referente de la danza clásica y contemporánea española. Presentaciones de Giselle en el Joyce Theatre de Nueva York, el Teatro de los Campos Elíseos en París, e incluso el Bolshoi Theatre en Moscú a pesar de su cancelación por la invasión de Rusia Ucrania no pasan desapercibidas. 

María de Ávila, una de las primeras directoras y maestra que siempre recordará la escuela, tutorizó a estrellas como Víctor Ullate, Arantxa Argüelles, Carmen Roche o Ana Laguna. Fue la encargada de llevar El lago de los cisnes primero al Teatro de la Zarzuela de Madrid; y después al Teatro Mariinsky en San Petersburgo.

Recientemente destaca la última versión de Giselle bajo el mando del director Joaquín de Luz, inspirada en la poesía de Gustavo Adolfo Bécquer en 2020. Y ahora se puede disfrutar de obras como Homenaje a Granados y Don Quijote en su gira nacional.

El Ballet de Kiev

Aunque pueda parecer que España no es un epicentro global del ballet, sin duda la visita anual del Ballet de Kiev cuenta una historia diferente. Incluso ahora la relación es mucho más estrecha, ya que debido a la guerra en Ucrania grandes bailarines como Elena Germanovich, Evhen Lagunov, Evhen Svlititsa y Alexandra Berozkina tuvieron que irse a vivir diferentes partes de Europa, y para esta nueva gira han tenido la oportunidad de ensayar en las instalaciones de Villa Universitaria, en San Vicente del Raspeig, Alicante.

Ya el año pasado colaboraron con Unicef y Cruz Roja para destinar parte de lo recaudado con las entradas a los refugiados ucranianos. Esta gira con representaciones como El cascanueces, El lago de los cisnes y La gala de estrellas llegó a recaudar más de 140.000.

El Ballet de Kiev es una de las grandes figuras del ballet, reconocido internacionalmente por su excelencia y compromiso con preservar la tradición de la danza clásica. Esta temporada sus primeras funciones en Barcelona y Madrid tuvieron un gran éxito, y ahora se puede seguir disfrutando por varias ciudades de España de un imprescindible El lago de los cisnes.

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100 años de la muerte de Sorolla

El pasado 10 de agosto se cumplieron 100 años de la muerte de Joaquín Sorolla y Bastida, uno de los pintores españoles de mayor renombre. Falleció a los 60 años tras sufrir un accidente cardiovascular en 1920 mientras trabajaba en una de sus obras en el jardín de su casa en el barrio madrileño de Chamberí.

Inicios

Joaquín Sorolla nació en Valencia en el año 1863, y desde una temprana edad, demostró su interés por el dibujo y la pintura. Este interés del joven Joaquín lo llevó a estudiar dibujo en la “Escuela de Artesanos de Valencia”. Allí empezó su producción artística, producción que presentaría a diversos concursos nacionales sin éxito tras acabar su formación académica.

Sin embargo, el valenciano no dejó que esto le afectara en exceso, por lo que siguió estudiando. Fue en 1882 cuando, en el Museo del Prado, estudió la obra de uno de los más grandes artistas españoles: Diego Velázquez

Esta formación constante lo llevó a ganar premios en aquellos concursos que anteriormente se le habían resistido. El más importante llegó de manos de la Diputación Provincial de Valencia en 1884, pues Sorolla fue becado para viajar a Roma, donde se puso en contacto directo con el arte clásico y renacentista a partes iguales.

«Autorretrato con sombrero» (1912) por Joaquín Sorolla

Cuando volvió de Roma sus viajes continuaron. Esta vez, el destino fue París. Allí conoció de primera mano las vanguardias, en concreto el Impresionismo. Este estilo artístico influiría enormemente su obra, convirtiéndose en el máximo exponente español del movimiento Impresionista.

En 1888 contrajo matrimonio con Clotilde, su musa, y en 1889 ambos pusieron rumbo a la capital española: Madrid. Allí establecieron su residencia y allí formarían su familia. 

Madrid y el éxito

Durante sus cinco primeros años en Madrid, el valenciano alcanzaría un gran renombre como pintor a escala nacional. En 1894, Sorolla viajó de nuevo a París para seguir desarrollando su estilo, un estilo impresionista mucho más personal que ha sido denominado como “Luminismo”. A su vuelta a España comenzó a retratar paisajes mediterráneos en los que el costumbrismo se entremezclaba con la luz que Sorolla tan bien sabía captar, creando así obras únicas que acabarían por darle al pintor un reconocimiento internacional

Premios como el que le otorgaron a “Triste Herencia”, el Grand Prix de París de 1900, se encargaron de elevar a Sorolla a este estatus de artista de renombre internacional. La gota que colmó el vaso fue su exposición en solitario en Nueva York del año 1909.

«Triste Herencia» (1899) por Joaquín Sorolla

Este rotundo éxito llevó a la Hispanic Society de Nueva York a encargarle a Sorolla una serie de lienzos para decorar su sede. El encargo se trató de 14 murales que representaran las diversas regiones de la península ibérica. Fue un trabajo titánico que le llevó una década completar, pues necesitó viajar por todo el país realizando bocetos que después plasmaría en los lienzos que hoy se encuentran en la ciudad de Nueva York.

Legado

La paleta de Sorolla estaba llena de colores vibrantes y llamativos, su técnica de pinceladas sueltas y expresivas junto a sus temáticas centradas en la cultura y la vida de los españoles a la vez que en la luz que baña nuestro país, dotaban a su obra de un carácter emotivo y reivindicativo

«Ayamonte. La pesca del atún» (1919) por Joaquín Sorolla

En 1920, sufrió una hemiplejía que mermó sus capacidades y lo incapacita como pintor hasta su muerte el 10 de agosto de 1923. Hoy, 100 años después de ese fatídico día, podemos disfrutar de su obra en diversos espacios.

Espacios como el Palacio Real de Madrid, que alberga la exposición “Sorolla a través de la luz” hasta el 24 de septiembre de 2023 o por supuesto en el Museo Sorolla. Antigua vivienda del pintor ubicada en el Paseo del General Martínez Campos, 37. Allí se conserva su casa tal y como la dejó el pintor, llena de sus bártulos y recuerdos que mantienen más vivo que nunca a uno de nuestros artistas más preciados. 

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Cinco clichés que derriba la nueva película de Barbie

Una semana después del taquillazo de Barbie, la trama ha resultado ser cuanto menos sorprendente y muchos hablan de por qué es mucho más que una película protagonizada por la muñeca de ensueño. Que Barbie iba a convertirse en todo un manifiesto feminista era un secreto para muchas y muchos, que quizá esperaban una simple representación de todo lo que ha rodeado a esta famosa muñeca durante décadas: La “perfección” de un cuerpo esbelto y delgado, una capacidad desorbitada de hacerse con cualquier oficio que una mujer puede proponerse o aspirar a hacer la pareja perfecta con Ken.

Sin embargo, lejos de la realidad de la empresa Mattel, la película desenmascara todos esos tópicos y clichés que rodean no solo a Barbie, sino al mundo real, invitándonos a reflexionar sobre la sociedad contemporánea.

Hoy analizamos cinco de las escenas más significativas de la película. Así que, si aún no la habéis visto, taquilleros, os recomendamos dejar la lectura para más tarde ya que puede contener algún spoiler.

Barbieland vs el Mundo Real

Las profesiones de Barbie

La película empieza con una clara explicación de cómo funciona el mundo de Barbie: Las Barbies dominan la ciudad hasta el punto de ocupar todos los puestos de trabajo habidos y por haber. La teoría es sencilla: Barbie puede ser todo lo que se proponga, desde una modelo, actriz o cantante hasta una ingeniera, profesora e incluso presidenta del Gobierno.

Así, los «Kens» pasan a un segundo plano y su única razón de ser es velar por la felicidad de las Barbies. Es por esto que, cuando Ken y Barbie llegan al mundo real, él se siente sobreexcitado al ver que son los hombres los que ocupan los altos cargos de la sociedad. De hecho, el ejemplo más claro es el de los directivos de Mattel: Un grupo de hombres que se encargan de decidir la evolución comercial de una muñeca dirigida a mujeres.


El acoso callejero

En Barbieland no existe la sexualización exacerbada: No hay miradas provocadoras, ni piropos indeseados, ni ningún tipo de acoso callejero. Es muy importante el respeto entre «Barbies», e incluso el de los «Kens» hacia ellas.

Sin embargo, cuando esta Barbie conocida como “estereotípica” llega al mundo real, la avalancha de comentarios y vejaciones hacia su persona y, concretamente, hacia su físico, resulta cuanto menos humillante: Obreros confesando sus fantasías con ella, grupos gritándole groserías, e incluso un chico tiene el atrevimiento de azotarle el culo, que acaba con un puñetazo de Barbie y ella detenida.

Esta escena es muy significativa ya que es el primer momento en el que Barbie se replantea si realmente como muñecas “empoderadas” han hecho algo por las mujeres de la sociedad real.


Barbie “estereotípica”

El primer síntoma de que algo no iba bien más allá de Barbieland lo indican unos cambios que experimenta Barbie: Pies planos, celulitis e incluso se habla de ansiedad y de “sentir por primera vez”, ya que al no poder salirse de su rol, las emociones eran desconocidas para las muñecas.

Barbie sufre una crisis porque hasta el momento no se había identificado con otra cosa que no fuera la Barbie “estereotípica” (con la perfección de Margot Robbie no ha sido muy difícil cumplir esto), y se añade a la película otro factor de interés para los colectivos: La salud mental, normalizando los sentimientos y las emociones negativas más allá de una perfección tóxica.


Las niñas que ya no quieren jugar con Barbie

Otro tema que aborda una brillante Greta Gerwig es la nostalgia y el paso de los años: Barbie empieza a manifestar su malestar debido a que Sasha, la niña a la que pertenece, ha dejado de jugar con ella. De repente sucede lo que podría ser un guiño a las Bratz, competidoras históricas de Barbie y Mattel: Sasha expresa junto a sus amigas su rechazo hacia Barbie por “la presión estética que ha ejercido sobre las mujeres”.

Esto también representa la adolescencia y ese momento en el que las niñas se sienten lo suficientemente mayores para jugar con muñecas, pero siguen necesitando un modelo a seguir con el que sentirse identificadas.

 

 

Analogías “antagónicas” entre Barbie y Ken

Casi sin quererlo, Ken es el personaje que atrae casi todos los focos: Su papel es fundamental para entender los roles de género y la masculinidad frágil. Relevado a ser un simple complemento en Barbieland, Ken experimenta una reveladora visión en el mundo real: Esta vez, los hombres “dominan” el mundo. Ken se empodera y quiere llevar el mismo sistema a Barbieland.

Con un Ryan Gosling cómico, musical y revelador, Ken llega a ser toda una estrella que ayuda a entender el papel que han tenido muchos personajes femeninos a lo largo de los años. Así, se revela y quiere ser “Ken” por él mismo.

 

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“Ahora los Kens van a tener los mismos derechos en Barbieland que las mujeres en el mundo real”.

A través de una sátira valiente y provocadora, el cine demuestra una vez más el poder de la cultura para reclamar ideas, denunciar injusticias y visibilizar situaciones que afectan a nuestra sociedad. Si bien Barbie puede causar algunas ampollas, su enfoque desafiante invita a reflexionar y no dejará indiferente a nadie.

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Artistas urbanos que debes conocer

La escena urbana española, nos ha dado grandes artistas como Yung Beef, Gloosito, Bad Gyal, C. Tangana o Rosalía. Estrellas contrastadas a nivel nacional y con experiencias internacionales muy satisfactorias, sobre todo Rosalía. 

Pero ¿qué es lo que viene ahora? La nueva ola de artistas urbanos emergentes vienen pisando fuerte. Una generación llena de nuevas ideas y propuestas empieza a inundar los servicios de streaming en busca de un reconocimiento que, sin duda, no tardará mucho en llegar. ¿Quieres conocer quienes serán algunos de los artistas urbanos más importantes en un futuro no muy lejano? Pues presta atención a continuación.

Fran Laoren

Fran Laoren es el nombre artístico del joven cantante, músico, compositor y productor Fran Rodríguez; natural de Murcia (1998). El murciano está centrado en un género tan de moda como lo es el hyperpop, y ya forma parte de una gran variedad de proyectos musicales con diferentes colaboradores. Entre ellos destacamos a Los Monsterz y también a Maria Escarmiento, con quien ha sacado un EP: “Sensación de calor”, que se caracteriza por su sonido dosmilero y veraniego.

Lanzó su primer disco, “La Soledad del Valiente” en 2020, su segundo disco “Mientras Duermes” salió el año pasado (2022) y “Solo hay un camino” salió este 2023. El estilo de Laoren es el de un joven muy reflexivo. Un joven al que no le da miedo pensar y expresar en su arte lo que le hace diferente del resto.

Holics

Esta entrada es un poco trampa, pues Holics es un colectivo de artistas musicales de Barcelona. Un colectivo que causó un cataclismo en la escena underground a finales del año 2021 con el lanzamiento de “Holics Tape”. Este proyecto sirvió como presentación colectiva e individual de cada uno de sus integrantes. 

De Holics han salido artistas como Faxu, Eflexx, Jujiskii, Santo Romeo o Nino Rucci, aportando a la escena nacional un soplo de aire fresco muy centrado también en el Hyperpop. Desde entonces, dos álbumes de estudio más han seguido a la aclamada “Holics Tape”: “Holics Tape 2” y “SS23”.

Saramalacara

Sara Azul Froján, más conocida como Saramalacara, viene pisando  fuerte en la escena del trap nacional. Ella niega rotundamente esa etiqueta impuesta por la industria musical, y deja que su música y presentación hablen por ella.

Su explosión es una cuestión inminente, si es que no ha pasado ya, pues su ascenso parece no tener techo. Esta joven promesa, natural de Mataderos, está dando apenas los primeros pasos en una industria tan complicada como la musical. Colaboraciones con estrellas ya consolidadas como Rojuu dan a su música un plus de reconocimiento en su primer EP “Eclips3”.

GlorySixVain

Un sonido que bebe de las influencias del rock, trap y dubstep que Glorysixvain escuchó en su infancia y juventud, el mismo lo define como “una música que no pondrías a tu madre”. Elementos tan únicos como la religión forman parte del estilo tan característico de este joven barcelonés, tanto en sus portadas como en su música.

Este estilo tan personal lo ha llevado ya a colaborar con artistas de la talla de Ben Yart o Dellachouen, artistas cuyos estilos y valores coinciden en gran medida con los de GlorysixVain. En cuanto a su discografía, “Serie Z” (2020) y “686” (2022) son los dos álbumes de estudio que ha lanzado el de Barcelona.

Judeline

Cantante y compositora, Lara (más conocida como Judeline) está dando mucho de qué hablar en el panorama musical nacional con tan solo 20 años. Ya el año pasado, gracias a Rosalía y su playlist  «MotomamiSS$$»  Judeline entraba en el radar de tendencias de la música española. Un estilo caracterizado por tintes de pop, música electrónica y mucha Andalucía.

En apenas tres años, Judeline, ha conseguido entrar en el imaginario colectivo musical de nuestro país y con su última canción “CANIJO” certifica que su música es presente y, sobretodo, futuro

BB Trickz

La mayor revelación de este año 2023. Belize Kazi, más conocida como BB Trickz, llegó a nuestros oídos a través de un vídeo que se volvió viral en TikTok. Sin embargo, su verdadero boom llegó cuando publicó en Twitter un adelanto de su siguiente single “Missionsuicida”, captando rápidamente la atención de los usuarios y haciéndose con más de 54 millones de visitas en la plataforma ahora llamada X.

Caracterizada por su sonido offbeat en música drill y trap, esta característica forma de hacer música le ha traído comparaciones con el fenómeno estadounidense que es Ice Spice. Sin duda, BB Trickz es una de las artistas a seguir en el futuro cercano.

L’Haine

L’Haine, que en francés significa “el odio”, es el nombre de una película francesa de culto estrenada en el  1995. Pero también es el nombre del proyecto artístico y musical de un joven logroñés: Juan Sáenz de Cabezón

Tres álbumes de larga duración (LP) “Autobús Noctámbulo”, “Patagonia” y «De la forma en que yo quiero»  forman parte del catálogo musical de este talentoso rapero. Su constante evolución, lo ha llevado a convertirse en una de las mayores promesas del panorama urbano español. Normalmente de la mano del productor NormanBate$, las melodías urbanas y latinas se entremezclan con sonidos de película en sus canciones.

JayDime

Con una trayectoria que empezó a las 14-15 años, JayDime ha presentado este 2023 su primer EP: «Dime World». Miembro de CTDS, comenzó a rapear predominantemente en inglés, pero su evolución lo ha llevado a exhibir en un primer EP todo lo que es capaz de ofrecer al panorama nacional.

Desde el trap más melódico hasta el dancehall, pasando por el afrobeat, JayDime pretende explorar distintos sonidos. Incluso los que no se encuentran en su zona de confort, demostrando que tiene el arrojo suficiente como para probarse.

MDA

Marcos de Arriba, conocido como MDA, nació en Zaragoza pero se crió en Ponferrada. En poco tiempo se ha convertido en uno de los referentes de la escena urbana de nuestro país. 

En su música, combina distintos géneros como el trap, el hyper-pop o el digicore. Tener tanta variedad musical en su repertorio, ha derivado en darle un toque propio y personal a cualquiera de los estilos que utiliza. Con la ambición de “seguir haciendo música hasta el último día”, sus últimos discos  “^^7^ ii” y “^^7^”, consolidan a MDA como uno de los principales nombres a seguir.

Juicy BAE

Cristina Vela, más conocida como Juicy BAE, empezó en el mundo del espectáculo desde muy joven. Comenzando su formación a los 3 años, ha conseguido un estilo propio y reconocible. Un estilo que une características de la poesía jonda y el streetwear, entre otros, hasta llegar a las múltiples formas de la música urbana.

Debutando en 2017, fue apadrinada por Duki y desde entonces no ha parado de crecer exponencialmente. Ya ha actuado en festivales de alta categoría como Sónar, Primavera Sound, Festival BAM y el Lollapalooza de Argentina. Artista de artistas, su carrera acaba de comenzar y no quieres perdértela.

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El fenómeno de los artistas canarios: Éxito tras éxito

Ya ha pasado más de un año desde el lanzamiento del remix de Cayó la noche y lo que podría ser el boom de los talentos canarios en la industria musical. A Quevedo le siguen de cerca otros artistas como Juseph o La Pantera, compañeros que también participaron en el tema y que ofrecen la misma frescura y un sonido propio. De hecho, al carro de este remix se subieron incluso veteranos como Bejo o Cruz Cafuné, que lleva más de diez años reivindicando sus raíces a través de su música y está dando un empujón a estas “estrellitas” emergentes.

Quizá sea hora de dejar a un lado la Sesión 52 de Bizarrap y darse cuenta de que lo que está ocurriendo con Quevedo tiene mucho más detrás. Podría decirse que gracias a Las Islas y su nueva generación de artistas, nuestro país tiene mucha más representación en el panorama urbano, y el público nacional está empezando a apreciarlo: Temas con reproducciones desorbitadas, conciertos masivos por toda España, giras de festivales interminables, contrataciones en eventos… 

Las estrellas del archipiélago

Hoy hablamos especialmente de los dos artistas que “cargan sobre sus espaldas” con el peso de continuar reclamando el arte de las islas en la actualidad: Quevedo y Cruz Cafuné.

A pesar de las críticas, Quevedo se mantiene en el pódium, buscando aún su propio sello y el sonido que lo hace original. Tras lanzar su álbum ‘Donde Quiero Estar’ como marco de lo que podemos esperar de él como artista, este 2023 optó por colaborar con estrellas del género urbano, afianzándose así como un gran candidato para codearse con los más grandes. Así, nos encontramos con temas como El Tonto con Lola índigo, APA con Mora, Pero Tú con Karol G, Real G con Bad Gyal, Mami Chula con Jhayco, Playa del Inglés con Myke Towers, y muchísimas colaboraciones más que han salido este año y siguen al nivel de los números de Quevedo.

Como un niño de sobresalientes, también ha destacado en la moda de los remixes, uniéndose a Mora y Feid en el Remix de Polaris, junto al jovencísimo Saiko; o en Mi Nena Remix junto a Maikel Delacalle, otro artista canario que lleva años destacando por su particular R&B y decidió renacer uno de sus temas más conocidos.

Lo último del de Las Palmas ha sido el lanzamiento de Columbia, un esperado tema en solitario que presentó emotivamente en “La Velada del Año 3”, y lo que podría ser uno de los temas del verano. Quevedo continúa de gira por toda España, asistiendo a conciertos, eventos y festivales.

Por otro lado, definitivamente “El Rey de las Canarias”, y el que convirtió la reivindicación de las islas en su sello, aunque muchos “no estén preparados para esta conversación”.

Cruz Cafuné lleva más de diez años innovando en la música urbana y empapándose de todo tipo de culturas y sonidos para ofrecernos un artista polivalente y versátil con una forma de hacer trap muy personal, demostrado en su primer trabajo en solitario ‘Maracucho bueno muere chiquito’, y que le ha seguido en proyectos consecutivos como ‘Moonlight922’ o EPs como ‘Visión Túnel’.

En breves comienza su gira por España con prácticamente todas las fechas en Sold Out, y es que su esperado álbum ‘Me muevo con Dios’ ha sido muy aclamado por la crítica y los fieles oyentes de Cruz: Se trata de más de 70 minutos de variaciones de ritmos latinos, R&B, afrobeat o incluso vertientes de la electrónica muy bien producidas. Ya nos daba una pista de su música camaleónica que el autor de Mina el Hammani sea el mismo que el de temas más «sabrosos» como Muchoperro con Juseph.

‘Me Muevo con Dios’ incluye colaboraciones con Miky Woodz, Chita, Leiti, BOJ, Kris Floyd, Quevedo, Hoke, La Blackie, La Pantera y Westside Gunn. Aquí puedes escuchar Cangrinaje, un trocito de lo que te espera en su nuevo trabajo:

No quiero estar en la cima solo

Es la línea que más se repite en el estribillo de Sangre y Fe, el tema del álbum con Quevedo, dotando a la canción de un significado importante: El movimiento canario es mucho más que la rivalidad entre ellos, sino que entre todos los artistas de las islas se potencian y reclaman la bandera en equipo.

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Y aunque son las voces masculinas las que más están destacando, no podemos olvidar que Ptazeta inició un gran movimiento de amor hacia Las Islas Canarias. Se dio a conocer con uno de los hits del “Verano 2021”, Mami, junto al productor Juacko (también canario).

Después sería fichada por Bizarrap para hacer una de las sesiones con más trascendencia y que sería la número 45. La de Ptazeta podría formar parte de la campaña de los fans de Bizarrap a favor de que vuelva a hacer las sesiones con artistas que están empezando.

Lo que está claro es que el talento de los canarios para hacer música no es nada nuevo, ya lo vimos hace unos años también con el éxito de Locoplaya. Maikel Delacalle, Bejo, Juseph, La Pantera o Abhir Hathi también están a la orden del día si quieres descubrir un poco más del panorama urbano en canarias y asegurarte una playlist de temazos.

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Las 10 mejores películas de Spider-Man

El pasado mes de junio, se estrenaba la esperada «Spider-Man: Across the Spider-Verse». Se trata de la secuela de «Spider-Man: Into the Spider-Verse», película de animación que en 2018 nos introducía por primera vez en el multiverso del universo de Spider-Man.

Para los que no sepan qué es aquello del multiverso, es el término utilizado para definir el conjunto de universos existentes según las teorías que afirman la existencia de distintos universos diferentes al nuestro. Este revolucionario concepto introdujo en nuestras cabezas la posibilidad de que existan varios Spider-Man a la vez, abriendo una inmensa cantidad de posibilidades en el mundo cinematográfico.

El concepto del multiverso ha pasado a un primer plano recientemente, pero no siempre ha sido el hilo conductor de las aventuras del hombre araña en la gran pantalla. Por eso, hoy queremos echar la vista atrás aprovechando el estreno y éxito de la nueva entrega de la saga. Acompañadnos en este recorrido por las 10 películas en solitario del superhéroe más querido de la historia. Hoy presentamos las mejores películas de Spider-Man.

10. The Amazing Spider-Man 2

La segunda entrega de las películas de Marc Webb, «The Amazing Spider-Man 2» se mantiene fiel a los cómics, pero sufre dos problemas mas que evidentes. El primero de ellos es la fatiga que provoca en el espectador. Se trata de la tercera película de Spider-Man en 7 años.El segundo problema es consecuencia directa del primero. Pues la pobre recepción de esta película llevó a Sony a desechar la idea de seguir en esta dirección con Andrew Garfield y no renovarlo para una tercera entrega. Esto dejó el emotivo final de esta película en un limbo. Sin pena ni gloria. 

Mejores películas de Spider-Man

9. Spider-Man 3

La tercera y última película de la trilogía de Sam Raimi, «Spider-Man 3». Se trata de un cóctel de ideas que, sobre el papel, deberían funcionar. Sin embargo, la gran cantidad de villanos que dominan la trama de la película, la convierte en un filme lleno de altibajos. Un desastre que no está a la altura del resto de películas de la trilogía.

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8. Spider-Man: Far from home

La segunda entrega en solitario protagonizada por Tom Holland lleva a Spider-Man fuera de Nueva York. Una gira europea internacionaliza al lanzatelarañas y a sus compañeros de clase. La trama de Mysterio es esencial a la hora de entender la secuela de esta película. Por lo que recomendamos que no te la pierdas.

Mejores películas de Spider-Man

7. The Amazing Spider-Man

En 2012, Sony decidió hacer un reboot de la franquicia del hombre araña. Andrew Garfield fue el elegido para interpretar a Peter Parker, y la verdad sea dicha, lo hizo fenomenal. Habían pasado solo 5 años de la última película de Spider-Man y quizá era un poco pronto para empezar de cero pero, visto con perspectiva, la ejecución es casi perfecta.

Mejores películas de Spider-Man

6. Spider-Man: Homecoming

La primera entrega en solitario de Tom Holland como Spider-Man. Esta dejó muy buenas sensaciones en la audiencia, dando esperanza de convertirse en el Spider-Man de una nueva generación de fanáticos. Lejos de repetir la clásica historia de origen del lanzatelarañas, esta película nos presenta un Spider-Man joven pero con más experiencia que los anteriores. Esto, sumado a la presencia de Michael Keaton como El Buitre, convierte este filme en otro indispensable dentro del universo arácnido.

Mejores películas de Spider-Man

5.Spider-Man: Across the Spider-Verse

La entrada más reciente en esta lista, «Across the Spider-Verse» ha llegado a las salas de cine como un cañón. La secuela de la aclamada «Into the Spider-Verse», nos presenta la primera parte de una nueva historia. Por esto se sitúa «tan abajo» en nuestra lista, pues aún no hemos visto todo lo relacionado con Miles Morales.

Mejores películas de Spider-Man

4.Spider-Man: No way home

La responsable de traer el multiverso al «live-action», esta película reúne a los tres Peter Parker en una sola aventura. Todo un viaje por la nostalgia de la trilogía de Raimi y los filmes de Webb hasta llegar a la actualidad. Tom Holland se consolida como el Spider-Man definitivo mientras sus escuderos, Garfield y Maguire, brillan con luz propia en esta aventura interdimensional.

Mejores películas de Spider-Man

3. Spider-Man

La película que lo empezó todo. En 2002, Sam Raimi y Sony decidieron apostar fuerte por un género en el que es igual de fácil acertar que fallar. Esta apuesta fue un éxito rotundo. Desembocó en dos entregas consecutivas de la franquicia y dos reboots exitosos. En mayor o menor medida, esta entrega ejemplifica todo lo que hace de Spider-Man un superhéroe único.

Mejores películas de Spider-Man

2. Spider-Man: Into the Spider-Verse

La gran sorpresa de la lista. Esta película llega también en un momento de fatiga dentro del cine de superhéroes. Películas como «Avengers: Infinity War» habían causado una impresión difícil de superar en el público. El nuevo Spider-Man se asentaba como el estandarte de una generación de fanáticos. No necesitábamos más. Este soplo de aire fresco por parte de Sony nos permitió darnos cuenta de que existe otra manera de hacer cine de superhéroes. Una película extremadamente cuidada y con un mensaje profundo sentaría las bases de la dirección que ha tomado Marvel en los últimos años.

Mejores películas de Spider-Man

1. Spider-Man 2

Sin duda la joya de la corona. Una película fiel a los cómics, fiel a su director y a sus actores. Spider-Man 2 representa perfectamente un época en la que el cine de superhéroes no dominaba las carteleras. Esta película fue una de las principales responsables de este cambio de paradigma. La gran recepción de la crítica y el público dió alas a un género que hoy en día puede considerarse como uno de los más importantes de la gran pantalla.

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Carmen Sevilla: ovejitas, algo de rock&roll y la picardía ingenua

Hay personas que alcanzan la figura, la sombra o la mantilla de mito y eso les permite no desaparecer nunca. Avanza cruel y distante el tiempo y sólo unos pocos privilegiados consiguen traspasar esa barrera, con sus anécdotas, sus historias y sus hitos.

Conocí a Carmen Sevilla de niño, en un televisor que no era plano, no tenía Internet integrado y tenía más culo que calidad. No eran los 90, no era el telecupón. Por cosas de la edad, yo descubrí a Carmen Sevilla con Cine de Barrio. Me sentaba en el sofá de Moratalaz con mi abuela y veía a aquella señora maquillada, con un peinado muy parecido al de mi abuela, como recién salida de la peluquería, de sonrisa de Gato de Cheshire que transmitía luz propia…

Aún me acuerdo hoy de sorprenderme por ver a la que podría ser mi vecina del bajo que me regalaba caramelos cada vez que pasaba por su puerta, presentando un programa de televisión, sentada en un saloncito bastante parecido al nuestro, rodeada de gente divertida y sonriendo con los ojos.

Quizás estas mujeres, algunas de verso en pecho, otras de baberos de esmeraldas, todas empoderadas e iconos, nos han educado a una generación entera, mostrándonos que los límites en cuanto a edad y género son absurdos y que la personalidad (mucho más que la belleza) puede resultar la mejor baza para jugar y ganar.

 

Se va la novia de España, la que generaba suspiros a su paso, la que rechazó Hollywood por miedo, la que popularizó que las estrellas participaran en campañas de publicidad. Aquella mujer torbellino que encandiló a personajes de la altura de Charlton Heston, Cantinflas, Frank Sinatra, el torero Carlos Arruza o Marlon Brando.

A Carmen Sevilla no me la volví a cruzar hasta mucho después. Ya sería de adolescente cuando me topé con su faceta de actriz y con su cine y sus canciones. La misma mirada, el mismo ímpetu, la misma bondad. Comenzó su carrera muy joven, en 1946, bajo la pupila de Estrellita Castro. Para 1949 obtendría su primer papel protagonista acompañada de Jorge Negrete en “Jalisco canta en Sevilla”, la primera producción hispanomexicana de la Historia y que supuso un éxito. Además, el primer beso que dio la actriz en su vida fue en esta película, con 16 años. Le seguirían “La hermana San Sulpicio” con Imperio Argentina, “Gitana tenías que ser” con Pedro Infante y Estrellita Castro o “Violetas imperiales” junto al tenor Luis Mariano, siendo su última cinta en 1978 junto a Bárbara Rey y el cantautor Juan Pardo. España, Francia, Italia, México y hasta Hollywood…, todo un mercado internacional que se quedó prendado de la actriz.

Su carisma y su belleza la condujeron a ser una de las actrices más solicitadas del panorama cinematográfico español, siendo actriz fetiche de Franco. Sin embargo, sus roles serían casi siempre iguales: la guapa, la bella, el sex symbol… El cine (y la sociedad, todo sea dicho de paso) vieron en Carmen un modelo de mujer que interesaba: recatada, católica, patriota, decente, que siendo bellísima guardaba el decoro y no se dejaba eclipsar ni por los pecados de la carne ni por la brillantina de la fama. Lejos de todo eso, la que fuera natural de Sevilla, mantenía la imagen que España quería ver en ella por interés, porque, como otras tantas, en una España en blanco y negro, siempre hizo lo que quiso, que ante Dios y ante Franco, primero la Sevilla.

“He tenido pretendientes y es que de mí se prendaban los hombres porque tenía eso, tenía una especie de ingenuidad pícara, una dulzura pícara, un misterio… Quería y no quería. Les ponía a tope” reconocía en una entrevista. Haciendo gala de esa ingenuidad pícara, no tuvo problemas en reconocer haber sufrido dos abortos para hacer frente a unos contratos de trabajo (cuando en España estaba penado con cárcel) ni que mandó a paseo a su primer marido, Augusto Algueró, por las infidelidades y las tensiones constantes en su matrimonio antes de legalizarse el divorcio.

 

También hubo tiempo para ser pionera: fue la primera estrella en pactar una exclusiva con una revista de la prensa rosa. Hasta 30 millones de pesetas recibió el matrimonio de Carmen Sevilla y Vicente Patuel. Una boda tan secreta, que el hijo de la cantante y actriz no estuvo invitado. Esto abriría las puertas a otras famosas, desde Sara Montiel hasta la reciente boda de Tamara Falcó e Íñigo Onieva.

Actriz de la época dorada del cine mexicano y de los años 50 y 60 en España,  para los años 70, tanto la sociedad española como los papeles de cine para las mujeres cambiarían. Así, optaría a papeles más picantes en “El apartamento de la tentación” o “Un adulterio decente”, siempre  jugando en la frontera entre el quiero y no quiero, enseño y no enseño, me apetece, pero no tanto. Se dice que Carmen Sevilla participó – brevemente y de manera muy superficial, eso sí – en el cine de destape por venganza hacia Augusto Algueró, cansada de sus infidelidades.

De su filmografía destaco “El balcón de la luna” que, curiosamente, veía en la Antigua Fábrica El Águila de Madrid hace justo un año. Carmen Sevilla, La Faraona y Paquita Rico… Un trío de ases y de divas que se llevaba a matar en la película por una competencia insana, pero profundamente divertida. Se cuenta que, para evitar egos y peleas por ver quién  aparecía antes en los títulos de crédito, idearon una ruleta con los tres nombres que daba tres vueltas, así cada una aparecía al mismo tiempo, sin orden, pero con mucho concierto. También destaco “La Venganza” por ser la primera película española nominada a los Premios Oscar en la categoría de Mejor película en lengua extranjera, “Rey de reyes” dirigida por Nicholas Ray en la que interpretaba a María Magdalena y que supuso su aparición en Hollywood o “Marco Antonio y Cleopatra”, en la que Charlton Heston la escogió para el papel de Octavia y en la que se cuenta que el actor aprovechó alguna escena para tocar más de lo escrito en el guion. La actriz, ni corta ni perezosa, le dio un mordisco en el labio mientras se besaban en señal de castigo.

Tras el ultimátum de su segundo marido, Vicente Patuel, quien le obligó a escoger entre el amor o el cine, se retiró a la famosa finca de las ovejitas en Extremadura. Para 1991, llegaría Valerio Lazarov – un semidios dentro de la Historia de la Televisión en España – a rescatarla de su letargo y ponerla al frente del Telecupón. Vicente no quería que Carmen Sevilla volviera a su vocación, pero el contrato que fijaba el caché de 300.000 pesetas por programa fue crucial. Y menos mal, había nacido una estrella de la televisión.

Diagnosticada de Alzheimer en 2009, Carmen Sevilla se retiró definitivamente de la televisión y el cine, manteniendo siempre las distancias y protegida de dimes y diretes, fallecía el pasado 27 de junio. Como en aquella canción de Fangoria, parece que una parte de mi mundo desaparece… Carmen Sevilla era la última del grupo de folklóricas que quedaba viva. Y con ella, parece que enmudecen – me niego a pensar que mueren – las anécdotas de aquella España en blanco y negro, de ese grupo de mujeres que se supieron mover en un mundo carente de libertades, gracias a su arrojo, su carácter y su personalidad y que pasearon sus buenas piernas derramando talento y dinero. Las portadas de revista, las fiestas, las bodas multitudinarias, los piponazos, las pelucas imposibles, los trucos de belleza a base de esparadrapo y medias y sus entrevistas mostrándose emperifolladas y empoderadas. Sólo pienso en cómo estarán allí arriba, todas juntas, en una especie de sala enorme con el lujo americano más auténtico del que tanto disfrutaron, pero al mismo tiempo, con la esencia más pura y más castiza, que para españolísimas ellas. Entre el camp hollywoodiense y lo cañí, nuestras folklóricas se reúnen alrededor de una mesa en la que hay mucho jamón, mucho alcohol y muchas risas. Y cuando yo vaya para allá (espero que dentro de muchos años), pienso llamar a esa puerta. A ver si con suerte, también anda por allí Terenci.

Hasta siempre, Carmen

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Los mejores planes si vas a pasar el verano en Madrid

Se acerca el verano y, aunque la mayoría prefieren sombrilla y playa, son muchas las personas que tienen que hacer frente al calor de Madrid sin ni siquiera poder desconectar de la ciudad. No son pocos los que creen que la capital en verano pierde un poco el encanto, los chapuzones en el mar amenizan las olas de calor y la verdad es que Madrid de playero tiene poco.

Aquí traemos algunos planes para pasar un poquito mejor estos sofocantes meses: Desde la máxima variedad de carteles de festivales, hasta los espectáculos de moda en la ciudad, pasando por experiencias únicas en parques temáticos o tours por grandes estadios para los más futboleros.

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Festivales en Madrid

Mad Cool Festival

Uno de los eventos masivos en Madrid. Todos los años ofrece un cartel muy variopinto tanto si quieres disfrutar de buenas bandas de rock como si prefieres la música urbana, pasando por cantantes de rap internacionales y los mejores DJ.

En la edición pasada, Nathy Peluso causó impacto con su poderío, y fue un placer tener en directo a Imagine Dragons o Metallica. Este año también viene pisando fuerte y nombres como Lil Nas X, The 1975 o Red Hot Chili Peppers son cabezas de cartel.

 

Boombasticland

 

Una de las opciones para disfrutar de la mejor música urbana. El año pasado se estrenó con un cartelazo, recibiendo a cabezas de cartel como Duki, Bizarrap, Maria Becerra o Nicki Nicole.

Este año la novedad es que incluye el acceso a Boombasticland, una mini-ciudad que contará con parque de atracciones, cine, beach club, zona disco y muchas más experiencias. Se celebrará en el Auditorio Miguel Ríos de Rivas.

 

 

Reggaeton Beach Festival

Si eres fanático del reggaetón y prefieres vivir la experiencia de un solo género, Reggaeton Beach Festival ofrece el mejor cartel para perrear hasta el suelo. El ambiente de este festival es muy enérgico, y se crea una energía electrizante que no te puedes perder.

Lo mejor es el ambiente playero que recrea con la instalación de atracciones acuáticas y un montón de actividades que lo convierten en más que un festival de música. Todo perfecto para cargar pilas y bailar al ritmo de Ozuna, Anuel AA, Sech, Jhayco, Arcángel o Eladio Carrion en la edición de Madrid.

 

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Espectáculos en Madrid

WAH Madrid

Si buscas un espectáculo diferente que te vuelva a sorprender y te devuelva las ganas de invertir en cultura, WAH Madrid sin duda superará tus expectativas. Porque no es solo un musical: combina el arte y la música, con la gastronomía en un formato que te permite disfrutar sentado y relajado mientras pruebas comida de los cinco continentes ¡Y ya desde entonces te mantiene distraído con los primeros shows!

 

Cantantes y bailarines de las grandes productoras de Broadway nos deleitan durante toda la estancia con increíbles interpretaciones de las canciones más conocidas. Además, también hay un after show ¡Para que la fiesta no pare! Todo bien resguardados del calor en el IFEMA de Madrid.

 

 

Juan Dávila – La capital del pecado

El verano a veces tiene momentos muy aburridos, sobre todo si caemos en la monotonía y no encontramos ningún plan divertido. Si echas de menos las risas y los buenos momentos para evadirte, no puedes perderte la nueva comedia de Juan Dávila. Si sus momentos más divertidos se han hecho virales en TikTok, es porque algo está haciendo bien.

Las primeras fechas han completado la venta de entradas para un espectáculo que promete quitarnos la vergüenza con un repaso de los pecados capitales en esta segunda versión de La capital del pecado, un monólogo de éxito para todo tipo de público.

 

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Parques en Madrid

Parque Warner de Madrid

Habrá quien lo tenga pendiente y también quien esté harto de ir, pero esta temporada no te puedes perder Parque Warner y vivir de primera mano la experiencia de ‘Batman Gotham City Escape’ ¡La montaña rusa que acaba de estrenar! El parque ha dado la bienvenida al 2023 con la novedad de las novedades.

‘Batman Gotham City Escape’ hace un recorrido por la ciudad de Gotham, alcanzando una altura de hasta 45 metros y lanzamientos que llegan a los 100 km/h en apenas unos segundos. La intención de los creadores es que quien se siente en este Batmóvil viva la experiencia al 100% con 111 segundos de adrenalina, música, sonidos e incluso diálogos entre personajes pasando por lugares como la Mansión Wayne, la Batcueva y el Metro de Gotham City.

Entre medias puedes refrescarte en atracciones como ‘Río Bravo’, ‘Oso Yogui’, ‘Rápidos ACME’, ‘Cataratas Salvajes’ o los chorros de agua de Cartoon Village en compañía de Looney Tunes.

 

Warner Beach

Si eres demasiado caluroso y prefieres estar constantemente en remojo, Parque Warner también ofrece la opción acuática.  Disfruta de la velocidad en toboganes como Superman, Batman, Wonderwoman, Harley Queen o Aquaman; o si prefieres una experiencia más tranquila puedes darte un chapuzón en la Playa de Olas o descansar en la zona de tumbonas.

Y por supuesto, también hay zonas para los más pequeños que quieran bañarse acompañados de los Looney Tunes en la piscina Baby Olas, o en las islas ¡Todos al agua! y Agua Aventura.

 

Aquópolis de Villanueva de la Cañada

Otra alternativa si el Parque Warner te pilla lejos es el Aquópolis de Villanueva de la Cañada. Kamikaze, Splash, el tobogán Zig Zag, el Turbolance y la piscina de olas son algunas de las variadas atracciones que puedes disfrutar. Este parque también dispone de zonas infantiles ¡Y una zona vip para el descanso!

 

 

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Tours de Estadios de fútbol

Estadio Santiago Bernabéu

 

Y para los fanáticos del fútbol o simplemente turistas de Madrid, el tour del Santiago Bernabéu se ha convertido en un imprescindible.

A pesar de las obras que se están llevando a cabo en el estadio, se ha podido habilitar el museo con alguna modificación de horarios en los meses de octubre y noviembre y una reducción del recorrido ¡Pero se puede seguir disfrutando de la vista panorámica del campo o el museo!

 

 

Estadio Cívitas Metropolitano

Si por el contrario el madridismo no es lo tuyo, Cívitas Metropolitano también ofrece un recorrido muy completo por la casa del Atlético de Madrid.

Los visitantes pueden hacer ruta por los vestuarios, el túnel de acceso al campo, la sala de prensa y el museo, además de otras actividades para disfrutar la experiencia de forma interactiva.

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Vive un sueño en Toledo con Puy Du Fou España

Se te acaba de ir el metro en la cara, quedan 5 minutos para el siguiente. Después de meterte varias veces en Instagram y TikTok decides echar un vistazo alrededor, la gente, los bancos, las marquesinas: “Puy Du Fou España”. 

Así de primeras mucho sentido no tiene. Parece una consecución de letras elegidas al azar que forman un nombre propio francés graciosillo. El caso es que también pone España. “A menos de 1 hora de Madrid”, se lee en otros anuncios. Como ya adelanta el título, el parque se encuentra en la provincia de Toledo. A diez minutos en coche de la estación de autobuses de la capital Castellano-Manchega.

Lo del nombre francés graciosillo tiene todo el sentido del mundo, pues la franquicia que da nombre a este parque comenzó en el oeste de Francia. Concretamente, a los pies de las ruinas del castillo renacentista de Puy Du Fou, situado en el pueblo de Les Epesses, en la región de Países del Loira

¿Por qué Toledo?

Volviendo al parque toledano, no existe mejor lugar que la ciudad imperial. Antaño era un lugar donde convivieron las tres religiones más importantes sobre la faz de la tierra: Cristianismo, Islam y Judaísmo, y es sin duda una de las ciudades más históricas de nuestro país. Capital del Imperio Español, Toledo es una de las ciudades más infravaloradas de la península, pero gracias a este parque temático la gente está empezando a descubrir su encanto. 

Pero Puy Du Fou no es solo una excusa para visitar Toledo, no. Se trata de un parque temático único en nuestro país, donde se unen el ocio, el espectáculo y la historia para formar un cóctel único. 

¿Qué puedes encontrar en Puy Du Fou?

Nos da la bienvenida la Puerta del Sol, no la madrileña sino la toledana. Y es que, como podréis imaginar, el parque está inspirado en gran parte por la arquitectura toledana y castellana. A esta puerta le acompaña el Arrabal, lugar donde podemos disfrutar de tabernas y puestos que nos ofrecen víveres, quizá no muy comunes en la época medieval pero no por ello menos apetecibles. 

Después de pasar por tan imponente puerta, nos encontramos con la Puebla Real que como su propio nombre indica es el poblado a los pies del castillo. En este castillo encontramos el primero de los espectáculos que ofrece el parque: “El Último Cantar”. Basado en las aventuras de Rodrigo Díaz de Vivar (El Cid Campeador), la puesta en escena es algo insólito y digno de ser visto. Mis palabras no harían justicia a lo que se vive ahí dentro.

Más poblados históricos como el Askar Andalusí o Villanueva del Corral dan vida a estás 30 hectáreas de pura fantasía. Pero bueno, seguro que si habéis oído hablar del Puy Du Fou es por sus espectáculos. Espectáculos inmersivos como “Allende y la mar océana, en el que eres partícipe en primera persona del viaje que descubrió el Nuevo Mundo o “Cetrería de Reyes”, un Duelo sin armas entre el Califa Cordobés y el Conde Ferrán González, donde sus distintos estilo de cetrería compiten de manera directa. Pero, sin Duda, la joya de la corona es “El sueño de Toledo.

El Sueño de Toledo | Puy Du Fou

El espectáculo con el que Puy Du Fou se presentó en nuestro país es, sin ninguna duda, el más llamativo y majestuoso que nos ofrece el parque. Un aguador nos cuenta la historia de Toledo de una manera que nunca serás capaz de imaginar. Vuelvo a insistir en mi incapacidad para expresar a través de las palabras la experiencia que se vive en este parque. La historia de Toledo, y de España, cobra vida delante de tus propios ojos: desde Recaredo hasta Napoleón, pasando por los Reyes Católicos y Cristóbal Colón los personajes e historias más conocidos de nuestra historia y folklore se plantan frente a ti para que les acompañes en sus innumerables aventuras.

Resumiendo, la experiencia que te ofrece Puy Du Fou es única en España. Lo que ocurre en Toledo es algo que os recomendamos vivir en vuestras propias carnes. No os quepa ningún tipo de duda de que, como espectadores, quedaréis cautivados por la magia que desprende el parque y todo lo que lo rodea. Se trata de un lugar extraordinario.

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Extraña forma de vida. Almodóvar entre tinieblas y disparos.

INT. CINE PAZ DE MADRID – TARDE

Todo un público asiste entre expectante y nervioso a la presentación del nuevo corto del segundo manchego más internacional. No hay ninguna butaca vacía. Por unas escaleras va asomando poco a poco una melena canosa que nos es conocida. No hay duda, es ÉL.

(Aplausos en la sala)

En una sesión especial, el cine Paz de Madrid – inaugurado en 1943 y considerado uno de los cines más míticos de la capital – reunió a Pedro Almodóvar con el público, quien hacía la labor de maestro de ceremonias para presentarnos su nuevo cortometraje. ¡Toda una hazaña conseguir las entradas!, pues en menos de 20 minutos se habían agotado.

“Hay pocas experiencias como esta para un director: encontrarse dándole la espalda a una película que uno mismo ha hecho y frente a un patio de butacas lleno”, así comienza la presentación. De espaldas también viven nuestros protagonistas.

Estrenado el pasado viernes 26 de mayo y tras pasar por la 76ª edición del Festival de Cannes, “Extraña forma de vida nos introduce en el oeste americano con dos titanes de la interpretación: Pedro Pascal y Ethan Hawke. El género western llega a la vida de Almodóvar con 18 años y gracias a la Filmoteca Española, esa gran institución que para el director le supuso la única formación como cineasta y para muchos cinéfilos una herramienta indispensable para conocer y amar el cine. Enamorado de rostros y directores clásicos del género como John Ford, Henry King, John Wayne, Clint Eastwood o Sergio Leone, si nos fijamos en los metrajes conocidos como spaghetti western, aquel Pedro Almodóvar joven comenzó un visionado de aquellas películas, entendiendo la universalidad de las tramas, la situación de un país que necesitaba un cine épico para construir su propia historia y estilizar una realidad embarrada, cruda y violenta.

La vida transcurre hostil en Bitter Creek; el Sheriff Jake está investigando el asesinato de una mujer con la que guarda cierta relación. Entonces, aparece Silva, un viejo amigo que hace 25 años que no ve. ¿Para qué ha vuelto Silva tanto tiempo después? ¿Esconde algo su visita o es por un interés real?

Pese a un rodaje difícil por las inclemencias del tiempo – agosto, Almería, plena ola de calor –, el director reconoce que los dos actores fueron su primera opción y que, de inmediato, aceptaron sumarse al proyecto. Aparte de talento, el director necesitaba actores con culturas y métodos diferentes y que supieran retratar a la perfección polos opuestos. Mientras que Pedro Pascal interpreta a Silva, un hombre que atraviesa el desierto y llega a Bitter Creek como si fuera una inocente visita, Ethan Hawke da vida al Sheriff Jake, un hombre parco en palabras y sentimientos más centrado en la ley que en sus deseos. De ahí nace el título, inspirado en un fado de Amália Rodrigues, que pone el foco y la melodía sobre aquellas personas que viven de espaldas a la realidad, a sus propios instintos y placeres, ahuyentando su naturaleza y encerrando su corazón (o su pasión) en un armario. Junto a Rodrigues, un indispensable en la filmografía de Almodóvar (Alberto Iglesias) y un paisano del manchego (Manu Ríos) ponen sentimiento y banda sonora al cortometraje.

El verso “Si no sabes a dónde vas, ¿por qué insistes en correr?” da comienzo al corto, mientras el espectador se deleita con planos de un paisaje desértico con hombres de los de verdad galopando a caballo, quitándose el sombrero y enfundando pistolas. Entre tinieblas, en una sala abarrotada, Pedro Almodóvar comenta que ha querido ser lo más fidedigno a la realidad posible y no caer en anacronismos, salvo por el fado inicial. Quizás por eso estemos ante la película menos personalísima del cineasta y el espectador eche en falta aquellos rojos intensos, el technicolor, las decoraciones barrocas, los colores vibrantes y las historias entroncadas a las que nos tiene acostumbrados el ganador de 10 premios Goya. En cambio, la idea del argumento, la química que existe entre ambos intérpretes, la música siempre tan cuidada, los planos que son una delicia, el vestuario diseñado por la compañía parisina Yves Saint Laurent y la sensación que impregna la sala nada más acabar el film, hacen del corto una joya breve que da pie a muchas reflexiones.

¿Qué provoca que una persona decida vivir ajena a sus propios deseos? ¿Hasta qué punto es una persona libre si se deja llevar por sus apetitos? ¿En qué punto de equilibrio se encuentran el deseo sin ser galopante y el orden sin considerarse enfermizo? ¿Son los armarios un constructo social o, en cambio, los fabrica la propia psique como un mecanismo de autoprotección? ¿De qué hablan, si es que también hablan, los cowboys a medianoche? ¿Qué limites existe en el Amor en las diferentes épocas de la Historia? ¿Quiénes habrán sido los amantes perdidos y prohibidos, cuáles sus historias de romance, dónde sus encuentros, cómo sus finales?

Aunque entre tanta reflexión al aire, también se agradece que el corto deje tiempo para el erotismo – marca de la casa almodovariana, ¡menos mal! – y los espectadores puedan regocijarse contemplando el culo de Pedro Pascal (uno de los crush virales durante estos meses) o a un Ethan Hawke sin camisa. Asimismo, la escena entre José Condessa y Jason Fernández es el clímax del cortometraje, haciendo gala de un erotismo homoerótico masculinizado que baila y bebe vino entre un ni contigo ni sin ti, tan universal como bonito y doloroso.

Si en la Trilogía del dólar, Ennio Morricone, Sergio Leone y Clint Eastwood formaron un trío artístico sumamente talentoso, parece que, en la época moderna del western, Almodóvar, Pascal y Hawke son un nuevo trío de ases. Desde el desierto de Tabernas a Cannes y de ahí a todas las salas de cine, uniendo Hollywood con España…, una vez más.

Fundido a negro.

Créditos: Alejandro Pérez con música de Alberto Iglesias y vestuario de Yves Saint Laurent.

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Estreno del Live Action de “La Sirenita”: ¿Qué remakes de Disney son un sí y cuáles «no tanto»?

Disney ya nos había mal acostumbrado a recrear sus películas más épicas, y esta vez lo prometido era traernos de vuelta a la princesa Ariel. El Live Action de La Sirenita ya está aquí y sin duda ha sido uno de los más esperados por parte de los fanáticos de esta productora.

La que es una de las princesas Disney favoritas del público, generó algo de controversia tras publicarse el primer tráiler y conocer que la intérprete sería la maravillosa Halle Bailey, por ser una actriz negra ¿Debería esto dar pie a algún tipo de debate? La historia sigue siendo la misma, y es muy importante que tantas niñas puedan verse reflejadas en esta Ariel.

Por otro lado, se comenta que Halle está radiante en este papel y se adapta muy bien al personaje ¿Podremos decir que la película consigue disipar la nostalgia? Parece que ya hay consenso en la crítica, que la considera una versión que sigue siendo fiel a la original, pero en la que sobran algunas canciones y los efectos en el agua dejan mucho que desear.

Aunque sin duda lo más destacable es el brillo de la protagonista, se echa de menos la interacción de personajes como el cangrejo Sebastián o el pez Flanders; y un Javier Bardem que parece no convencer como Rey Tritón.

Sin embargo este no es el único remake de Disney que podría dejarnos con la miel en los labios. Hemos seleccionado algunos Live Action más para ver si esta idea de recuperar historias tan populares es más un acierto o un fracaso, o si te apetece una maratón antes de ir al cine a ver “La Sirenita”.

Remakes de Disney

Alicia en el País de las Maravillas (2010)

Este primer Live Action fue mucho más libre y al público no le importó que no calcara la versión animada. Y es que el director de un mundo tan macabro como este no podía ser otro que Tim Burton, que juega con sus propias ideas sobre la historia. Este mismo, no tuvo tan buena acogida en 2019 con “Dumbo”, que a pesar de su buena animación, carecía de emoción y sensaciones.

Por otro lado, Johnny Depp siempre está cómodo en figuras como la del Sombrerero Loco, y a Helena Bonham Carter le queda ideal la distinguida Reina de Corazones. Con ese elenco y los visuales ya es complicado no quedar embelesado con esta versión de Alicia.

La Bella y la Bestia (2017)

Las exigencias son mayores cuando nos prometen traer de vuelta a las Princesas, y lo justo (y arriesgado) era empezar por una de las más queridas: Bella.

Producción, escenografía y vestuario son espectaculares en “La Bella y la Bestia” y consiguen recrear una versión bastante fiel, que nos transporta desde una aldea de cuento hasta el imponente castillo, pasando por el bosque tenebroso.

Las escenas musicales también sacan más de una sonrisa, y personajes secundarios como Lefou, interpretado por el mismísimo Ewan McGregor, consiguen envolver con su carisma. Sin embargo, parece que las opiniones están divididas y a muchos no les convence Emma Watson como Bella, o creen que se ha perdido la magia ¿Le damos el aprobado, o no?

El Rey León (2019)

Lo cierto es que hay unos cuantos “noes” rotundos en este conjunto de entregas. La mala noticia para Disney es que uno es ‘El Rey León’, su película animada más taquillera. Es curioso que su versión más realista apenas quedó por detrás de “Avengers: Infinity War”, solo que el público salió muy decepcionado de las salas de cine. Los animales digitales son una asignatura pendiente para Disney, que lo volvió a confirmar con la versión de “La Dama y el Vagabundo” de 2019. Resultó ser incluso incómoda.

Está comprobado que la única manera de aliviar la nostalgia es acudiendo a ver el musical que ya lleva nada más y nada menos que 12 años en el Teatro Lope de Vega de Madrid.

Aladdin (2019)

Aladdin lo tuvo algo más fácil para digerir la crítica porque Will Smith defendió el personaje del Genio, que a pesar de ser diferente, destacó con su propio humor y personalidad. Naomi Scott pasó la nota de corte como Jasmine, que incluso eclipsa a Aladdin no solo por voluntad del guión sino también porque Mena Massoud se queda un poco corto como protagonista. Marwan Kenzari, sin embargo, no fue ningún acierto para interpretar a Jaffar.

A pesar del colorido, números musicales destacables y una buena interpretación de las canciones, esta versión de Aladdin no parece que vaya a ser muy recordada.

Mulán (2020)

A veces la intención de Disney simplemente es crear historias diferentes a partir de otras que ya existen. Y así nos presentaron Mulán: como una versión que quiere ser realista al 100% y por eso ni se molesta en recrear personajes como el dragón Mushu (nadie quería un desastre como el de El Rey León).

La esencia sigue siendo la misma: Mulán no encaja en la sociedad china y acaba convirtiéndose en una guerrera. La película está muy lograda, entusiasma y ofrece novedad. Pero es muy complicado el consenso entre el público, y hay quienes insisten en que tenía que haber sido fiel a la versión animada.

Cruella de Vill (2021)

Y ya que Maléfica tuvo su momento, había que sacarle el potencial a otro de los personajes más extravagantes de Disney: Cruella de Vill. Después de interpretar papeles en peliculones como “The Amazing Spider-Man” o “La la Land”, estaba claro que podíamos fiarnos de Emma Stone para hacer de Cruella.

Esta vez es la historia de una joven que quiere abrirse hueco en el mundo de la moda en el Londres de los años 70. Aunque lo de redimir villanos es algo que no suele gustar a los fanáticos, la locura y la excentricidad de Cruella no se pierden en este remake que además evita visibilizar la trama más oscura de la versión original, pero sin dejar de representar a los protagonistas caninos de “101 Dálmatas”

Otro apunte es el vestuario que luce Emma gracias a la diseñadora Jenny Beavan, que sin duda fascinó al público.

Aunque muchos disfrutan de volver a ver sus películas favoritas en la gran pantalla, los Live Action también tienen muchos haters que consideran que estropean la magia de las versiones originales. Veremos si “La Sirenita” convence a los más dubitativos.

¿Y tú? ¿Con cuál de estos remakes te quedarías? ¿Cuál es la próxima película que Disney debe recrear?

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La función que sale mal. La paradoja de triunfar fallando estrepitosamente

Pocas veces he estado encima de un escenario, pero siempre ha habido unos nervios difíciles de controlar – ahora se da cuenta uno de lo bien que sienta ser espectador. Hay tantas cosas que pueden salir mal: olvidarse del texto, no saber cuál es tu pie, los fallos técnicos, que el público no congenie con la obra, bajas de última hora o la constante molestia de los móviles que no llegan a apagarse del todo…

“La función que sale mal” no podía tener un título más clarificador. Nos situamos en una noche de estreno que presume ser mágica y espectacular. Los espectadores van ocupando su sitio, leyendo el programa de mano, hablando entre ellos… Mientras tanto, un equipo técnico ataviado de uniforme con actitud a ratos pasota, a ratos histérica, parece sumergido en su propia burbuja y, en el aire, la pregunta de los espectadores más puntuales: ¿ha comenzado ya el show?

Tras el saludo inicial del director de la obra – un joven que apunta maneras con (no) éxitos tan notorios como “Cat”, “Siete novias para cuatro hermanos” o “La fea y la bestia” –, comienza una función que va de mal en peor. Estamos en el salón de una mansión inglesa que bien podría aparecer en una novela de Agatha Christie y sobre la chaise longue descansa un cadáver. Alrededor del incidente se reúnen todos los personajes que deberán iniciar una investigación para averiguar quién es el culpable, pero la obra no va a ir todo lo bien que la compañía universitaria desea: un director desquiciado, un auxiliar pasivo y torpe, actores que se salen del papel, técnicos molestando y un largo etcétera de todo aquello que no debería pasar.

Con una carrera de fondo de lo más longeva y exitosa y presencia en 30 países, “La función que sale mal” ha hecho reír a carcajadas a más de 8 millones de espectadores desde que se estrenara en el West End londinense en un 2012 que ya apunta lejano. Esta comedia en estado puro cuenta con un reparto talentoso y perfectamente coordinado que no tiene problemas en improvisar cuando haga falta en compenetración con el público. Y aunque no lo parezca, todo lo que sale mal, los fallos, los descuidos, los accidentes y hasta el peligro que sufre el decorado cuentan con un engranaje perfectamente ejecutado, planificado, ensayado y realizado. Desde las butacas se nota la labor de coordinación que hace todo el equipo, lo cohesionado que está el reparto y la pasión y entrega que demuestran.

Con ritmo ágil y mucha gracia, se recuerdan pocas comedias en cartelera en las que el público se ría cada dos segundos y la comicidad aguante de manera ingeniosa y constante durante toda la representación. No extrañan para nada las ovaciones y los aplausos del final, tan merecidos, pues supone un diez en todas las categorías necesarias para que una obra destinada al fracaso sea un éxito rotundo. Y aunque la banda sonora pueda ser José Luis Perales o una canción de suspense y terror, en realidad, el tempo que marca la obra son las carcajadas sin fin del público.

Tras llegar a Madrid en septiembre de 2019, esta compañía aficionada universitaria echa el telón en el Teatro Marquina el día 28 de mayo y Dios sabe si seguirán triunfando y fallando al mismo tiempo, cosechando éxitos, aplausos, risas y premios como hasta ahora. 

Como un engranaje de un reloj suizo, la obra de cierto corte surrealista combina de un modo brillante el ingenio necesario para escribir y representar una obra tan complicada y la coordinación imprescindible de muchos equipos para que todo salga como debe salir: mal, fatal, nefasto, siguiendo la estela de obras condenadas a la ruina o incluso malditas como “Macbeth” o “El enfermo imaginario”, que supuso la propia muerte de Molière sobre el escenario. Todo un ejemplo paradójico de que, a veces, para triunfar hay que fallar estrepitosamente. Ya saben, ¡no se la pierdan!

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‘Malinche’ de Nacho Cano no es solo un musical

Una experiencia 360º en la que no faltará la música, una gran oferta gastronómica y muchas sorpresas

Son infinidad las historias que nos rodean. Mientras unas son olvidadas, otras se propagan de forma tan rápida como fugaz. Pólvora. Solo algunas consiguen instaurarse de forma casi permanente en nosotros. En lo que nos define. En lo que somos. 

Si hay algo en lo que todos estaremos de acuerdo, es que no hay historia sin personajes que la escriban, ni relato si no hay quién lo cuente. Son muchos los hitos que marcan nuestra historia y muchos los hitos que, del mismo modo, hacen lo propio con nuestro destino. 

Malinche fue y es una mujer amada en España y tomada como traidora en su propio país. Curioso. La considerada madre de la cultura mestiza, lo que a día de hoy nos gusta llamar pionera. Revolucionaria o incluso resiliente. 

No hay historia sin personajes que la escriban, ni relato si  no hay quién lo cuente.

‘Malinche, el musical de Nacho Cano’, cuenta la historia de cómo esta joven esclava fue vendida a los mayas. Y cómo tuvo uno de los primeros mestizos mexicanos con el conocido conquistador español Hernán Cortés. Muchos quizá duden de si están o no leyendo unas líneas que son realidad histórica y que, aunque romantizada, aparece retratada en un musical que nos permite conocer la llegada de los españoles a México

Representado en las instalaciones de IFEMA Madrid y con unas cifras que marcan el éxito precedido estos meses atrás, el espectáculo no es sino un despliegue de lo artístico. Se dice que son doce los años que el exmecano tardó en dar forma a un musical que hoy brilla por sí solo en la cartelera madrileña.

Un musical que nos permite conocer la llegada de los españoles a México.

Y es que, si algo tiene el musical es que no solo es un musical. Desde que entras en la carpa, tienes la sensación de estar inmerso en un país que no es el nuestro. En un mundo que es el suyo. Luces de neón, DJ, comida típica mexicana-española, y un post show que te animan a continuar la fiesta más allá de la función. El Templo Canalla lo llaman.

La complejidad de contenido resulta quizá la barrera principal que el musical debe franquear. Una historia densa y tan rica en matices, obligada a ser contada en dos horas, provoca un exceso de estímulos y una lluvia de ideas que en ocasiones pueden resultar inconexas. Aún así la ambición nunca fue pecado, y el resultado es grandilocuente y brillante.

Mención especial merecen sus números musicales. Temas como ‘México Mágico’ o ‘Hijo de la guerra’ suponen una reminiscencia a una historia pasada. Con Andrea Bayardo, Ignacio Galán, Adrián Salzedo, Olga Llorente, Javier Navares y Jesús Carmona entre el reparto, se hace todo un homenaje a la actuación, el arte y el flamenco que abarca este país de punta a punta. Ahora se entiende el trabajo de esos doce años. 

Un homenaje a la actuación, el arte, y el flamenco que abarca este país de punta a punta

La magia del musical ha logrado atraer a figuras como la de Juan Magán, que el próximo 31 de marzo y 1 de abril, actuará en las funciones nocturnas con el remix que ha compuesto junto a Nacho Cano: ‘Hijo de la Guerra’. Sin duda una de las canciones estrella del espectáculo.

Malinche escribió su propia historia. Nacho Cano decidió que debía ser contada. Y cantada.

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Las guerras de nuestros antepasados. Delibes hace pleno.

Hay algo especial en las novelas de Delibes que hace cosechar tanto éxito en los clubs de lectura, los colegios e institutos, la gran pantalla y hasta el escenario. Un qué sé yo que se une al talento natural del escritor artesano de palabras, fonemas e historias y que consigue ganarse al público y cubrirse de aplausos.

Estrenada el 25 de enero en el Teatro Bellas Artes, “Las guerras de nuestros antepasados” cuenta la historia de Pacífico Pérez, un recluso condenado por homicidio, al que a un psicólogo de la prisión le cuenta su vida, sus sentimientos y su pasado. A través de un extenso diálogo que le otorga un gran dinamismo a la obra, el espectador se adentra en la psique de Pacífico y en la relación con su padre, su abuelo y su bisabuelo. 

En contraste con la firmeza y la crueldad de estos hombres, Pacífico es un hombre cándido, de una sensibilidad casi enfermiza, que no busca librar ninguna batalla – ni siquiera la de su propia existencia – y que lejos de imponer sus propias normas, vive de acuerdo con sus propios valores y sus convicciones morales en una estabilidad pasmosa que no casa con la tradición familiar. 

Si Delibes es indiscutiblemente un factor destinado al éxito (lo hemos visto triunfando en escenarios de toda España con obras como “Señora de rojo sobre fondo gris”, “Cinco horas con Mario”, “Los Santos Inocentes” o “La hora roja”), el talento, la habilidad y el trabajo de fondo que hay detrás de la interpretación de Carmelo Gómez hace que el público quede prendado. Sin duda, estamos ante una de las mejores actuaciones teatrales de esta temporada. Y es que Pacífico es un personaje complicado de interpretar por su condición de enfermo, víctima de unos altibajos emocionales fuertes, que pasa de la pena a la más pura felicidad, de la ternura al llanto y de la melancolía propia del pasado a la esperanza que nos trae el futuro, aunque Pacífico tenga más de lo uno que de lo otro. También hay que añadir que el texto es complicadísimo de defender a causa de los vaivenes temporales del personaje al contarnos su propia historia, las frases que se entrecortan, las ideas que quedan suspendidas en el aire sin llegar a matizarse y el estar interrumpiendo constantemente su monólogo por las toses, las dificultades respiratorias y la angustia vital que siente y padece.

Carmelo Gómez, dotado de un talento inmensurable, nos presenta un personaje de una sensibilidad exquisita y una historia con mucho trasfondo y mucha filosofía. Actor, texto y personaje son una misma cosa.

La novela, publicada en 1975, no pudo escoger mejor momento para dar el salto a las librerías: la Transición. Como un libro bisagra, supone la perfecta frontera entre el viejo mundo y el que estaba por llegar. Sin embargo, la naturaleza humana siempre se abre camino. En un contexto como el actual con guerras presentes en Afganistán, Ucrania, Etiopía, Yemen, Israel y Palestina, la crispación política que atraviesa nuestro país, las guerras comerciales entre EE. UU. y China, los asesinatos y las protestas civiles en Perú o Brasil y la ocupación del Tíbet, esta obra toma un cariz especial, siendo su mensaje más necesario que nunca.

A lo largo de la obra, se nos presenta una sociedad enfrentada y violenta que necesita de las guerras de cualquier índole para poder vivir, como si de la guerra naciera un impulso vital tremendamente necesario para nuestra propia existencia.

El padre, el abuelo y el bisabuelo de Pacífico, marcados por la Guerra Civil, la de Marruecos y la última de las contiendas carlistas, respectivamente, no pueden concebir que el muchacho no tenga una guerra que librar y que nunca llega. La obsesión hecha diálogo: “Tu guerra debe estar al caer, Pacífico”. Surgen los cuestionamientos, las señalaciones y Esa Palabra: ¿Pacífico es maricón? ¿Es Pacífico un hombre realmente?  ¿Está sano mentalmente? ¿Qué le ocurre a este muchacho que detesta las guerras y la crueldad? 

Pacífico cae bien. Pacífico cae de puta madre. “Cada hombre tiene su guerra, lo mismo que tiene una mujer”, a tal conclusión llega el ingenuo Pacífico Pérez quien al final, sin comerlo ni beberlo, ajeno a una sociedad en la que no ha sabido ni querido integrarse, morirá aplastado por quienes dictan las normas y recorren los recovecos del sistema para su propio beneficio. Hecha la ley, hecha la trampa, que diría el refranero popular. Como nos pasa a muchos, desgraciadamente – añado yo –, porque… ¿Cuántos Pacíficos ha podido haber en la Historia de la Humanidad? ¿Cuántas personas deben regirse por unos convencionalismos sociales implantados con los que no concuerda? ¿Están marcados todos los Pacíficos por el mismo sino? 

Esta versión realizada por el prestigioso dramaturgo Eduardo Galán, que ha contado con el apoyo de Carmelo Gómez, natural de León, para adaptar la manera de hablar y hacerla más real, se erige bajo la batuta de Claudio Tolcachir, director de teatro argentino con una trayectoria envidiable tanto en Argentina como en el extranjero. Todo un equipo cohesionado que funciona a la perfección formado por Miguel Delibes, Claudio Tolcachir, Eduardo Galán, Jesús Cimarro, Carmelo Gómez y Miguel Hermoso. 

Una obra que sobresale por la maestría de la interpretación y el debate posterior que surge sobre la justicia, la moralidad y la ética, las nuevas masculinidades, la importancia de marcar la diferencia, el placer de vivir según nuestras normas y la necesidad de, en ciertas ocasiones, plantar un pie y defenderse.

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Retorno al hogar: lo que sucede alrededor de una mesa

“Quien bien te quiere, te hará llorar” seguramente sea uno de los refranes populares españoles que más detesto; con esa cosa rancia y desfasada de tiempos antiguos que desprende el refrán y provoca que se alarguen las palabras más de la cuenta por la caspa que contienen que hace trabarse la lengua a cada movimiento.

En “Retorno al hogar” del Premio Nobel Harold Pinter hay un poco bastante de eso.

“Retorno al hogar” nos sitúa en una casa de Londres plagada de ostracismo, decadencia, envidia, desidia vital, sueños rotos, comida pésima y un ambiente asfixiante que secuestra a los personajes, sin permitirles la libertad ni dentro ni fuera de la familia. Hay algo que no les deja marchar de la casa y, al mismo tiempo, les convence de que echarán de menos aquel ambiente si es que se atreven a abandonarlo. Una especie de “ni contigo ni sin ti” en la que somos lo suficientemente conscientes para detectar la toxicidad y lo bastante cobardes para no querer huir de ella. ¿Y si el ambiente de allá afuera es peor? ¿Y si la burbuja desagradable en realidad es un mecanismo de protección? ¿Y si…?

Hace años que no habita una mujer aquella casa. El viejo Max vive con su hermano Sam y con sus dos hijos, Lenny y Joey. La vida simplemente transcurre, nunca en paz, pero transcurre.

Un día aparece por sorpresa Teddy con su mujer tras seis años sin pisar aquella casa. Ahora vive en Estados Unidos, ha estudiado filosofía y tiene una brillante carrera como profesor y escritor. Parece que lo ha conseguido todo y podría darse por satisfecho, ¿puede que necesite volver? ¿Se siente extraño sin aquella atmósfera? La mala energía de la que se nutre la casa y los roles de cada uno de los personajes realmente son los protagonistas. Porque esta historia no va de Teddy, de Ruth, de Max, de Lenny, de Joey o de Sam. Va de los roles que asumimos los seres humanos en nuestros grupos o en la sociedad, de las burlas y los miedos, las herramientas que tenemos para defendernos o del orgullo que nace en situaciones desagradables. De aquellos hombres que sólo saben lanzar piedras a su propio tejado para absolutamente todo: con tal de llevar razón, para no asumir sus propios fracasos, para fingir que no existe el miedo (no es que no haya miedo, directamente no existe), para no tener que enfundarse en el perdón o en el cariño…

Pinter juega con los personajes, los diálogos, las acciones, los silencios y enreda la escena en un caos de tensión y una marea de resentimiento y reproches: la comida, la filosofía vital, la ropa, los hobbies, las decisiones, la imagen sobre el otro…

Lo que más he disfrutado del texto es la participación del público, ya que, siguiendo su estilo único, su estela rebelde y su personalidad irreverente y provocadora, Pinter parece saltarse algunas páginas o momentos, como si viéramos una vieja cinta casera en VHS en la que hay partes borradas por el tiempo, aunque su esencia sí se deja entrever. Es ahí donde el espectador – actuando una vez más como voyeur frenético – debe formar parte activa de la historia y tirar de su imaginación para unir las piezas y los detalles de la escena y los diálogos y rellenar esos huecos mínimamente perceptibles con sus propios detalles, añadiéndolos de su propia cosecha para dar redondez a la trama.

Esta versión a cargo de Daniel Veronese (Premio Max Iberoamericano) cuenta con la participación de un equipo actoral de primera con rostros tan conocidos como Miguel Rellán, Alfonso Lara, Fran Perea, David Castillo, Juan Carlos Vellido y Silma López. Todo un equipo cohesionado, pese a los malos rollos entre los personajes, que se ha tenido que enfrentar – y no es tarea fácil – al estilo de Pinter y adaptarse a sus juegos poco convencionales y carentes de lógica.

A través de la más absoluta cotidianeidad, pues toda la obra transcurre en un salón y alrededor de la mesa, se recrea un ambiente cargado de tensión y provocación.

Estrenada en 1965 bajo el nombre “The Homecoming”, esta obra se representó por primera vez en España en 1970, en una sesión única que acogió el Teatro Marquina bajo la tutela de Luis Escobar, todo un referente en el mundo del teatro. Después llegarían otras representaciones en la Sala Olimpia con un Javier Cámara treintañero o el Teatro Nacional de Catalunya en el año 2007 y ahora en el Teatro Fernán Gómez.

De EE. UU. a Londres y de Londres en un viaje itinerante por teatros de Madrid, Murcia, Guadalajara, Burgos, Málaga, Toledo y Rivas Vaciamadrid. Con la casa y la tensión a cuestas, nuestros protagonistas tienen trabajo por delante.

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Cultura Especiales Magia

El Mago Yunke: explosión de ilusión

Luces. Cámara. Acción. Magia.

Así se da el pistoletazo de salida al espectáculo del Mago Yunke, uno de los más prestigiosos del país y del mundo. Este mago pelirrojo se hizo en 2022 con el Premio al Mejor Mago de Grandes Ilusiones en el campeonato mundial de Magia FISM que se celebró en Quebec. Aunque ya para los años 2000 y 2018 se había hecho con el mismo galardón en Lisboa y Corea, respectivamente. No hay dos sin tres. ¿Es posible que haya un cuarto?  Sin embargo, fiel a su esencia, sigue aclarando que el mayor premio son los aplausos del público. Y en este caso, se desconoce quién está más prendado de quién: si el público del artista o el artista del público.

Autor de su propia magia e ideador de sus propios espectáculos, no en vano cuenta con un laboratorio para dar creatividad y rienda suelta a sus genialidades y escapatorias, algunas de las cuales son hasta peligrosas y causan cierta señal de alarma en el público, que acaba aplaudiendo y sonriendo ante la dificultad de los trucos.

Esta tercera edición del espectáculo “Hangar 52” nos presenta sus ya famosos trucos de escapismo – precisamente gracias a los que se ha llevado el galardón –, aunque añade más participación del público para hacer mucho más especial esa vorágine de ilusión y magia. Como colofón a este espectáculo se incluyen los dos números más esperados e iconográficos: «El hombre de Vitruvio» y «El ojo de Horus».

¿Qué cúmulo de sensaciones sentirá el espectador viendo a un hombre que se parte en dos o que es capaz de teletransportarse?

Tras su paso por Zaragoza en las Fiestas del Pilar (¿qué mejor lugar para estrenarse?), el Mago Yunke pasa las navidades en Madrid, para trasladarse después a Valencia y Castellón. Visto su espectáculo, otros shows internacionales y las galas de premios a las que acude, no es de extrañar que esté acostumbrado a los viajes, pues todo el escenario es un hangar de aspecto industrial donde se esconde un avión. Este espectáculo supone un auténtico viaje por la Historia de la Humanidad; el Mago Yunke nos hará viajar a Egipto, China, Europa… Y también nos hará revivir (o vivir, si los espectadores son más jóvenes) hitos como la II Guerra mundial o el descubrimiento de la tumba de Tutankamón y conocer secretos todavía no resueltos de personajes tan pintorescos como Leonardo Da Vinci.

Con mucho ritmo, trucos dinámicos donde también es necesaria la participación del público y la combinación de luces, fuego y vídeos, el Mago Yunke nos presenta un espectáculo que nadie ajeno al encantamiento y a la ilusión debería perderse. Además, el encanto no se queda sólo en el escenario, pues el público tiene una zona de bar y de descanso agradables para tomar algo o vivir de manera más completa la experiencia, que no sólo se queda limitada al escenario. Por ejemplo, se pueden ver diferentes máquinas y aparatos relacionados con la magia antes de entrar.

De esta forma, y gracias a la personalidad y la genialidad del artista, se impregna todo el espacio de magia e ilusión porque es un espectáculo dinámico en el que la magia no sólo se respira y se vive en el escenario, también en las butacas y en otras áreas.

“Hangar 52” supone toda una explosión de ilusión que abarca a niños y mayores para que, a través de la magia y el ilusionismo, podamos conectar de manera especial con el niño interior que nadie debería permitirse el lujo de perder. Como una especie de Peter Pan pelirrojo, siempre acompañado de su Campanilla, el Mago Yunke llama a todos los niños (los que fueron y los que son) para rodearse de ilusión y pasar un rato muy ameno en Nunca Jamás, donde no existen ni las barreras de la gravedad ni las barreras del miedo.

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Señora de rojo sobre fondo gris: la historia de amor más puro

El gol de Iniesta. Aquel “Pedrooooo” de Penélope Cruz en la gala de los Óscar del 2000. El pendiente perdido de La Faraona o ese “yo he venido a hablar de mi libro” espetado por Francisco Umbral.

Son hitos que forman parte de la memoria de los españoles; como si estos momentos recogieran de algún modo lo que somos, nuestra esencia. A esa lista, yo también añado la voz de Pepe Sacristán. Porque él lo vale.

Parece que las novelas de Miguel Delibes estaban hechas para ser representadas en el teatro. Y triunfar, por supuesto. Ya lo vimos en su momento con Lola Herrera y sus “Cinco horas con Mario” – porque son sus cinco horas con Mario – que ha interpretado desde 1979 hasta 2022. También se han llevado al teatro otras novelas como “La hoja roja” o “Las guerras de nuestros antepasados”, que se estrenará en el Bellas Artes en febrero de 2023. En “Señora de rojo sobre fondo gris” también se recoge la muerte, la soledad, la memoria sentimental, el paso del tiempo, las cosas que se quedaron por decir a quien ya no está y el amor como el sentimiento más puro. El texto nace como un recuerdo y un homenaje póstumo a la mujer del escritor que Sacristán sabe reconocer, valorar y engrandecer. No en vano, el propio Sacristán fue amigo del escritor y éste le concedió los derechos para versionar la obra. Al final del monólogo, tras los aplausos correspondientes totalmente merecidos, cae un solemne “en honor de Ángeles de Castro, puesto que, sin ella, sin su aliento, sin sus ánimos, no conoceríamos muchas de las obras de Delibes”.

Tal y como comentó el escritor en su momento, aquella mujer sensacional fallecida de un tumor cerebral a los 51 años y que, con su sola presencia, aligeraba la pesadumbre de vivir, fue su mitad. 

Estamos en 1975, Nicolás es un pintor prestigioso en plena crisis creativa. Consumido por la tristeza y el estrés por la incapacidad de pintar y de que acudan los ángeles (las musas), evoca recuerdos tristes de su vida. Por un lado, la detención de su hija y su yerno por motivos políticos. Por otro lado, la enfermedad y la muerte de su mujer, Ana, que le hace abandonar la pintura, descomponerse y preguntarse cómo va a vivir a partir de ahora. ¿Cómo se combate la soledad, la pesadumbre, el abandono?

Es curioso cómo un solo actor abarca el escenario por completo y lo llena. No resulta difícil de creer tratándose de un actor que arranca desde la pasión y ha sabido escoger su trabajo en base a la auténtica vocación. ¿Qué diría aquel niño que venía de la tierra de los ajos si se viera a sí mismo ahora sentado desde una butaca? Al trabajar con pasión y desde el buen hacer, se nota que el texto es completamente suyo: las pausas para rellenarse la copa, las miradas al vacío, la modulación de la voz en según qué momentos… Es tan impresionante el talento de este hombre que hasta los silencios los llena, creando en el espectador un cierto desasosiego en compenetración con el ambiente de la obra.

En “Señora de rojo sobre fondo gris” nos encontramos un escenario lúgubre, deshabitado y descuidado. La buhardilla le sirve como refugio para evadirse de sus pesares, si no los llevara dentro y a cuestas. Hay cuadros sin terminar porque los ángeles no acuden – ¿es posible que estén ocupados acunando a alguien? –, el polvo se acumula, las botellas de licor parecen más vacías cada vez y aquella chaise longue de estilo victoriano hace mucho que no siente a dos amantes cobijarse en su tela. Y en el medio de aquel escenario, un hombre solitario con mirada lánguida nos narra sus miedos.

No es de extrañar que el Teatro Bellas Artes cuelgue a menudo el cartel de “todo vendido” o sold out, salvo que ahora se cuelga en sus redes sociales. Tiempos modernos, supongo, aunque con la esencia de siempre.

Eso sí, a los espectadores les aconsejo apagar los móviles completamente, evitar los excesos de tos y levantarse para aplaudir en cuanto acabe la obra. Ahora sólo queda preguntarse quién será el guapo que se atreva a rescatar este texto en un futuro (esperemos que muy lejano) y competir con semejante actor; la sombra de Sacristán es alargada.

 

Y como conclusión que me atrevo a compartir, diré que la obra supone un alegato a favor del arte, que siempre queda, como una forma exquisita de alcanzar la inmortalidad. Así pues, tanto la novela, como la obra como el retrato de Eduardo García Benito realizado en 1962 nos presentan la historia de amor y duelo de Miguel Delibes y Ángeles de Castro, uniéndoles no sólo a través del amor, también a través del arte y la cultura por toda la eternidad.

Quizás su amor, como tantos otros, también forme parte de la memoria sentimental de este país.

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‘Tick, Tick… Boom!’: hay muchas formas de estallar

El Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío apuesta por un musical innovador y revolucionario

30. Los años que tenía Harrison Ford cuando le dieron su primer papel importante como secundario en ‘American Graffiti’: y de ahí a la historia del cine. 33. La edad que tenía Jan Koum cuando desarrolló Whatsapp, la aplicación por excelencia. 32.  Los años de J.K. Rowling cuando publicó ‘Harry Potter y la piedra filosofal’, la primera novela de una de las sagas más importantes hasta hoy. Hay vida después de los 30, y quien diga lo contrario, miente.

(…) como si los 30 fuesen una barrera imposible de franquear.

Aceptar que nuestro tiempo se acaba es probablemente el mayor de los retos al que se enfrenta el ser humano. A contrarreloj, sentimos como se esfuman nuestros sueños, y la frustración y la sensación de fracaso se apoderan de nosotros como si los 30 fuesen una barrera imposible de franquear. Como si no existiese margen de maniobra. Como si la resignación fuese la única opción. 

Sin embargo, en un mundo en el que imperan la ansiedad y el estrés, donde está de moda no arriesgarse y no salir de la zona de confort, hay quienes deciden aferrarse a sus sueños. A pesar de que estos suenen en nuestra cabeza como la cuenta atrás de una bomba dispuesta a estallar en cualquier momento. 

Jonathan Larson (Daniel Diges), Michael (Julian Fontalvo) y Susan (Anabel García) son solamente tres más de los tantos que en los años 90 eligen Nueva York como destino para probar suerte en el mundo de lo musical, lo dramático, lo artístico. Tres más que reflejan el sino al que la mayor parte de ellos está abocado. El destino al que solo los más valientes se enfrentan. 

Michael, quien prefiere rodearse de lujos para no hacer frente a una realidad que lo persigue de forma casi aterradora. Susan, quien no ha dudado en bajar el listón de sus sueños para poder considerarse más feliz. Jonathan, quien se agarra a sus sueños, se atrinchera y se prepara para todo lo que venga: el aspirante a compositor que trabaja de camarero en Nueva York mientras escribe lo que espera que sea el próximo gran musical americano.

Un espectáculo que, con solo un piano, una buena banda y tres actores, crea la más especial de las historias.

Hay ocasiones en las que hasta los acontecimientos más inesperados acaban sucediendo. O si no que se lo digan a algunos como Jonathan Larson que, en el mismo lugar en el que sólo triunfan las fórmulas repetidas de Broadway, consiguen que gane lo revolucionario, lo innovador, lo especial. 

Fue la película de Netflix estrenada el pasado 2021 protagonizada por Andrew Garfield ‘Tick, Tick… Boom!’ la que abrió la veda y dio paso a un espectáculo que, con solo un piano, una buena banda y tres actores, crea la más especial de las historias.

Si algo se escapa de toda razón y entendimiento es el hecho de que nunca podremos hacer nada contra unas agujas del reloj que avanzan incesantes a nuestro paso. Quizá, lejos de huir, debamos hacer frente y dejarnos llevar por ese ‘tick’, ‘tick’, ‘tick’, tan caprichoso y sobrecogedor que retumba en nuestra cabeza. Puede que perderse de la forma más inesperada sea el comienzo de la gran historia de nuestra vida. Y la única forma posible de estallar. 

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Lavar, marcar y enterrar, o el multiverso pop criminal

¿Qué pasaría si metes en una coctelera – con brilli brilli, por supuesto – a Andy Warhol, a Pedro Almodóvar, a Agatha Christie y a Arantxa Castilla – La Mancha?

Tras seis años en cartel, más de 20.000 espectadores y ser candidata al premio Max Autor Revelación en 2015, la trilogía de nuestra peluquera en serie favorita surge de nuevo…, pero esta vez en formato musical. “Lavar, Marcar y Enterrar, el musical” es una comedia divertida y disparatada donde brillan las pelucas, los tintes, los peinados imposibles y ¡hasta tres extrañas criaturas!

¿Cuáles son sus historias? ¿Qué secretos esconde la peluquera de “Cortacabeza”? ¿Estarás en disposición para abrir sus puertas y convertirte en cómplice (y fan incondicional) de sus extravagancias?

 

Tras mucho esfuerzo, nuestra protagonista consigue cumplir su sueño: abrir una peluquería en la que desatar toda su creatividad, acompañada siempre de su fiel (y mal pagado) ayudante. Sin embargo, hay ciertas personas empeñadas en truncar su sueño hecho realidad. Y, por supuesto, luchará con secador y laca Nelly para no dejarse pisar por nadie.

Nacida como una versión del texto original de Juanma Pina gracias a José Masegosa, el musical, completamente renovado, se tiñe – nunca mejor dicho – de un aire burlesque, cabaretero y pop, con canciones y diálogos con mucho ritmo (yeyé) y unos personajes a cada cual más estrambótico, gracioso y pintoresco. A través de canciones divertidas, algunas veces escatológicas, y escenas que se mueven perfectamente hiladas entre el terror, la más pura cotidianeidad y el cachondeo, se introduce al espectador en la historia de la propia peluquería que, realmente, es la protagonista. Y, aunque pueda parecer algo vano, este musical va más allá de coreografías, pelucas, decoración vintage y la historia cómica de dos atracadoras muy bien peinadas, pero algo torpes para con su misión. El musical nos habla de temas tan interesantes como el Orgullo Friki, la liberación de la personalidad, el rechazo profundo a la normalidad, el culto al universo pop (al que los raros le debemos darnos un hueco en la sociedad, muchos referentes y combatir el sentimiento de individualidad) y, por supuesto, la lucha por cumplir los sueños.

 

Si Alaska creó la funcionaria asesina en el 86, ¿por qué no esperar lo mismo de una peluquera? ¿Por qué no añadir a la fórmula esa especie de electroduendes y conformar así un multiverso pop criminal?

 

El musical refleja la historia de la peluquería y de los personajes que allí habitan, transcurriendo por el pasado, presente y futuro de manera indiscriminada, pero siempre con la comedia como centro y sin hacer perder el punto de referencia al espectador. Quizá, lo que menos me ha gustado es que, al principio, parece que el ambiente del musical atrapa y ahoga demasiado rápido al espectador y cabe preguntarse “¿pero qué pasa? ¿Qué invento es esto?”, pero transcurridas un par de escenas, el espectador se adentra completamente en la obra y su esencia. Lo que más he disfrutado es que todo el elenco de intérpretes parece manejar perfectamente la vis cómica de la obra, crear un ambiente propicio para las risas y dejarse llevar por la absurdez y las coreografías.

 

 

Con una puesta en escena innovadora y un halo de misterio sobre las criaturas terroríficas que habitan la peluquería que se va desvelando según avanza la obra, “Lavar, Marcar y Enterrar, el musical” nace como el plan perfecto para pasar una tarde de risa, entre otras cosas, gracias al talento de los intérpretes, las letras de las canciones y los diálogos cómicos que surgen entre los personajes. Nadie ajeno al disparate y al escape de la rutina diaria debería perderse esta comedia que destila talento. 

 

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‘We Will Rock You’, larga vida al rock and roll

El musical estrena su segunda temporada en el Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío de Madrid

Imaginemos solo por un momento un mundo sin música. Sin nada que tararear, sin un impulso para bailar, sin una razón por la que emocionarse, o sin una banda sonora para aquello que queremos celebrar. Bien, ahora imaginemos solo por un momento un mundo sin música en directo. Un lugar robótico, distópico, individualista y perseguidor. 

Si en 1970 esto hubiese sido así, no sabríamos lo que es Queen, ni quien es Freddie Mercury ni por qué Wembley suena a inspiración. No entenderíamos la moda de las camisetas sin mangas, ni sabríamos quienes son los campeones y, por supuesto, tampoco sabríamos qué es eso de ‘Bohemian Rhapsody’ ni lo importante que es querer ser libre. Si en 2002 esto hubiese sido así, tampoco se habría estrenado en el  Dominion Theatre del West End de Londres ‘We Will Rock You’ un 14 de mayo.

Con un formato renovado pero manteniendo las canciones de Queen como hilo conductor, el espectáculo vuelve al Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío de Madrid. Xavi Melero y Ferran Fabá (Galileo), Anabel García (Scaramouche), Ivan Herzog (Brit), Cristina Rueda (Ozzy), David Velardo (Khashoggi) y Manuel Ramos (Osborn) serán algunas de las estrellas que formen parte de este despliegue de rock and roll, con tintes de comedia y futurismo. 

Un homenaje a una de las bandas más importantes de nuestra historia que ha sabido teletransportarnos a un futuro distópico en el que cualquier forma de creación artística está prohibida. Algunos rebeldes dispuestos a desafiar esta forma de represión esperan la llegada de Galileo, el único que puede conseguir que regrese la música, el rock y la libertad. Una historia que contada al son de canciones comoSomebody to love’, ‘I want it all’ o ‘Another one bites the dust’ siempre suena mejor.

Mención especial merecen Pablo Navarro, Danny Gómez, Chema Animal, Pazo Bastante y Ángel Reyero, quienes se han encargado de demostrar que no pertenecen a nuestro mismo planeta y que, efectivamente, si la música desaparece, desaparece el mundo con ella. Cinco músicos que forman la banda que en directo cada día nos trae un pedacito de lo que es y será siempre Queen. Pura magia. 

A medio camino entre el concierto y el musical, ‘We Will Rock You’ ha sabido captar la mejor de las esencias de ambos. Con un guión fresco, actual y divertido y una escenografía que sobrepasa los límites de la tecnología nos enseña por qué más de 16 millones de espectadores y 19 países no han podido resistirse a él. 

Hubo un tiempo en el que la vida era real, el amor era real y la música en directo era auténtica. Una época en la que existió un grupo de rock que ahora viaja en el tiempo. Pasado, presente y futuro. Y lo sigue haciendo. Habrá un tiempo en el que seguiremos gritando: “Larga vida al rock and roll”, y no existirá futuro ni distopía que nos pare. De eso va ‘We Will Rock You’. 

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‘Mamma Mía!’, aquí estoy otra vez

Una nueva producción de la obra llega dispuesta a marcar un antes y un después

‘Mamma Mía’ está por todas partes. Está en las canciones que escuchamos en casa, en restaurantes, mientras hacemos la compra o en una reunión con amigos. Está en todos nuestros amores, en los primeros, en los últimos y en los eternos. En los reencuentros con amigos de toda la vida, en las despedidas, en los vínculos que nos unen y separan de nuestros padres. Y ahora está en el Teatro Rialto de la Gran Vía de Madrid

Quién iba a decir a esos cuatro jóvenes suecos que un 6 de abril de 1974 iba a cambiarles tanto la vida ganar el festival de Eurovisión. Quién iba a decir también que, un 6 de abril de 1999, justo veinticinco años después, se iba a estrenar en Londres un musical que iba a llenar butacas hasta llegar a los más de 65 millones de espectadores en todo el mundo. Quién. Un musical creado por Catherine Johnson y Judy Craymer que ha triunfado.

El mayor reto era sin duda distanciarse de todo lo anterior, de otras producciones, de lo que ya se había hecho. De lo londinense. Por eso, Juan Carlos Fisher, director de esta nueva producción del musical, decidió centrarse en la historia, en el qué y no tanto en el cómo: “la historia de ‘Mamma Mía’ es una historia muy conmovedora, divertida y que conecta mucho con todos nosotros, porque todos hemos tenido primeros amores, reencuentros con mejores amigos después de mucho tiempo. Todos hemos tenido segundas oportunidades en el amor“.

Las caras nuevas y las tablas en el escenario se entremezclan dándole un valor más interpretativo que nunca al musical. Se decidió poner al frente a Verónica Ronda, la nueva Meryl Streep, en el papel de Donna y acompañada de Mariola Peña e Inés León, quienes son las encargadas de recordarnos el trío tan bueno que forman estas tres. Entre los candidatos a padre se encuentran el veterano Jaime Zataraín junto a Carlos de Austria y Lluis Canet. La dulzura de Sophie la encontraremos esta vez en Gina Gonfaus y en Jan Buxaderas como Sky. 

Desde que entras al Rialto, te envuelven las barcas, los cócteles y una ambientación digna de quien se quiere ir a pasar los días a una de esas blancas islas. Jaime Zataraín, comenta que: “se ha tenido muy en cuenta la cosa de la isla, que es Grecia, verano, que está todo el mundo preparando una boda, hay mucha gente joven, fresca, sexy, con ganas de celebrar la vida… Y eso en las versiones anteriores yo creo que no estaba tanto”. “Desde que entras al teatro ya estás en una isla griega. La gente se mete directamente en la historia, en el ambiente”, asegura Gina Gonfaus.

El ya inconfundible grupo ABBA y canciones como ‘Dancing Queen’, ‘Mamma Mía’, ‘Money, Money, Money’, ‘Honey, Honey’ o ‘Waterloo’, son un ejemplo perfecto de lo maravilloso que es, en palabras de la protagonista Verónica Ronda, “poder compartir la música, que trascienda y que el espectador quiera también dejarse llevar por este viaje”. A pesar de que las canciones están traducidas y adaptadas, no podían bajar el telón sin mostrarnos un poco del grupo en su estado más puro con un mashup final de tres canciones pensado para que el público baile y disfrute. Que falta nos hace. 

Y es que ‘Mamma Mía’ ya forma parte de nuestra historia. De una historia en la que nos vemos reflejados y que a su vez nos refleja cada día. De unas canciones que, como pocas, son un legado de una generación tras otra. Porque ‘Mamma Mía’ no pasa de moda, porque el amor en todas sus variedades siempre es tendencia y porque quién no querría vivir en una isla griega con las personas más importantes de su vida… Mamma Mía, que gusto nos da este despliegue de arte.

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Marco Moncloa: “La Zarzuela tenemos que hacerla y exportarla desde España porque es un género español”

Tras 35 años sobre el escenario, Marco Moncloa es ya todo un veterano de la Ópera y la Zarzuela que representa el arte de nuestro país. Con la intención de acercar el género lírico a todo el mundo, participa como actor, cantante y director en un proyecto tan pionero y revolucionario como es el I Festival de Zarzuela y Ópera que se celebrará en el Teatro Amaya del 20 de octubre al 13 de noviembre de 2022. En él, se presentarán obras tan emblemáticas como La Gran Vía, Rigoletto, La Corte de Faraón o La Revoltosa: signos de identidad de la lírica.

¿Cómo surge la idea de organizar esta primera edición del festival?

Nosotros desde L’Operamore queríamos traer y acercar el género lírico, un género que creemos que está bastante abandonado por parte de las instituciones públicas. Yo vengo de tres generaciones de zarzuela, le tengo mucho respeto y mucho amor.

Participas en varios de los títulos como actor y cantante, pero además eres el director artístico del festival y escénico en algunos casos, ¿cómo es compaginar tantas facetas diferentes?

Realmente yo soy barítono. Toda mi carrera la he hecho cantando pero siempre he estado muy ligado y muy cerca de la interpretación. Valoro tanto cantar bien como actuar bien, porque creo que un artista es eso, si no es solamente un cantante. Para mi hay dos tipos de personajes: el cantante que canta y hace música y el artista que canta, hace música, y también hace emocionar al público. Yo busco eso en todas mis actuaciones y es lo que exijo ahora en los montajes. Me he atrevido a dirigir y, lógicamente, después de 35 años sobre las tablas quiero poder enseñar a gente joven que está en este proyecto a desenvolverse encima de un escenario.

¿Cuál ha sido el mayor reto para ti?

El mayor reto lo estoy teniendo a diario a la hora de dosificar. Los cantantes líricos que cantamos ópera y zarzuela somos un poco frágiles, tenemos que tener reposo, dormir bien nuestras horas de sueño… Es como hacer vida de deportista de élite. Si entrenas más de la cuenta te puedes lesionar, si no descansas te puedes lesionar, si tienes mucho estrés puede provocar agotamiento muscular y todo esto llevando la producción y la dirección es realmente el mayor reto.

Este festival tiene unos precios bastante asequibles y esta puede ser una oportunidad para acercar el género lírico a todo el mundo.

Es una gran oportunidad viendo lo que se está haciendo por ahí y la poca oferta que tiene el público que quiere ver zarzuela, y no solo durante 5 o 10 días al año. Creo que era necesario un teatro que aunque sea de una forma modesta, ofrezca al público títulos emblemáticos con el mayor de los respetos.

¿Pasa lo mismo con la ópera?

Hay un público que no conoce la ópera y que le gustaría hacerlo, pero no puede acceder a pagar los precios de, por ejemplo, la única casa de ópera que tiene Madrid que es el Teatro Real. Yo creo que Madrid necesita un teatro que tenga una cierta programación a unos precios asequibles.

Madrid necesita un teatro que tenga una cierta programación a unos precios asequibles

¿Cuánto cuestan las entradas para el I Festival de Ópera y Zarzuela?

Nosotros tenemos entradas desde 14 euros, hasta la más cara que son 50. Bastante menos que cualquier comedia musical de las que se ven hoy en Madrid.

¿Qué van a poder encontrar en este festival?

Van a ver algo muy serio, muy trabajado, con muy buenos profesionales que mezclan tanto a aquellos que están deseando comerse el escenario y necesitan una oportunidad de demostrar que tienen una voz y una valía, como veteranos de toda la vida que pisan muy fuerte: Carmen Aparicio, Ricardo Muñiz, Amelia Font, Teresa Castal, Didier Otaola… Gente que lleva muchos años haciendo grandes producciones a nivel nacional y que quieren apostar por el género y poner su granito de arena en este festival del teatro Amaya.

¿Con qué quedarías satisfecho, es decir, que esperas de parte del público para  poder decir: ha merecido la pena el esfuerzo?

Yo me daría por satisfecho si el festival empieza con un público y poco a poco se va llenando la sala. Ese sería mi éxito.

Todas las obras que representáis son imprescindibles y tienen solera en nuestra historia, ¿qué las hace tan especiales?

Son las joyas de la lírica española y del género chico. La composición orquestal y los libretos son maravillosos y enseñan muy bien lo que era el Madrid de la época. Hemos elegido unos títulos que van a encantar, que van a hacer disfrutar y con los que vamos a poder enseñar la forma clásica de hacerlo. Para mi lo transgresor es que vamos a poder hacerlo tal y como quería el compositor, pero desde un punto de vista actoral moderno respetando lo que querían los autores, tanto de música como de libreto.

Hemos elegido unos títulos que van a encantar, que van a hacer disfrutar y con los que vamos a poder enseñar la forma clásica de hacerlo

En concreto La Corte de Faraón se dice que es “fácilmente adaptable a los gustos actuales”, ¿A qué se refiere?

Tiene unos tintes eróticos, sensuales y es muy cómica pero también hay partes vocales muy serias. Puede gustar a cualquier tipo de público: al joven porque no esperará reírse tanto con unas situaciones muy simpáticas, y luego musicalmente es una especie de mini-ópera. El número de presentación de La Corte del Faraón es muy grandioso, muy Aida.

¿Y Rigoletto?

Con la ópera Rigoletto queríamos demostrar también al Teatro Amaya que no solo hay un público al que le guste y quiera ver zarzuela sino también ópera, y que no puede asistir al Teatro Real pero que quiere ir a ver los títulos de siempre. Además, otro público al que queremos acoger es aquel que no ha ido nunca a la ópera y está buscando la oportunidad de hacerlo. Hacemos esta primera incursión con mucha esperanza y mucha ilusión.

La Ópera y la Zarzuela son dos géneros que muchas veces no tienen el protagonismo que merecen o no despiertan el interés tanto como otros, ¿a qué crees que se debe?

La ópera es un tema aparte, porque es algo internacional: un coreano, un norteamericano, un alemán, un inglés conocen Rigoletto. La ópera se hace en todas las casas de ópera de todo el mundo, hay unos cuantos cientos de teatros de ópera, pero la zarzuela no. La zarzuela tenemos que hacerla y exportarla desde España, porque es un género español. En su día, cuando mi madre y mi tío dirigían, conseguimos exportarlo y hacerlo por todo centro de América, Sudamérica, Japón, Israel, Australia, Atenas… y la gente bramaba, y eso que eran extranjeros y no entendían el idioma, solo sentían la música, escuchaban, veían los bailes, las coreografías. Y esto se ha ido perdiendo porque el español en general es un poquito acomplejado, y pensamos que lo de fuera es mejor que lo nuestro.

¿Cómo podríamos cambiar eso?

Yo creo que son las instituciones las que deben actuar. Hay que exigir que el dinero público vaya también para colegios y sepan, al menos, que una vez al año existe un género como este y que igual que llevamos a los niños a ver una obra de Pío Baroja o de Valle-Inclán, pueden ir a ver Zarzuela y darse cuenta de que esto es nuestro. Esto tan bello, esta Verbena, esta Revoltosa, estos Gigantes… Pero es una tarea pública más que privada.

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Una y otra vez, ‘Cantando bajo la lluvia’

Àngel Llàcer,  Manu Guix y Miryam Benedited llevan el musical al Teatro Nuevo Apolo de Madrid

Entre flecos, lentejuelas y perlas que danzan en zapatos que acostumbran a moverse al ritmo de la música. Así es como ‘Cantando bajo la lluvia’ constituye toda un explosión de brillos y colores que nos hacen trasladarnos 100 años atrás: a nuestros queridos años 20

Por aquel entonces tuvieron lugar muchos acontecimientos reseñables en nuestra historia, entre ellos el paso del cine mudo al sonoro y con él una estela de películas y musicales que se han convertido en todo un clásico. Algunos en los mejores de todos los tiempos, y ‘Cantando bajo la lluvia’, con el inconfundible guión de Betty Comden y Adolph Green, no es sino uno de ellos. 

Tras su éxito en Barcelona como el espectáculo más visto de la temporada, el musical aterriza en el escenario del Teatro Nuevo Apolo de Madrid con la intención de conquistar la capital que, no olvidemos, cada vez lucha con más fuerza por conseguir su merecido tercer puesto después de Nueva York y Londres. El tándem perfecto que forman Àngel Llàcer, Manu Guix y Miryam Benedited reaparece dispuesto a darlo todo.

El elenco formado por Miguel Ángel Belotto en el papel de Don Lockwood y Diana Roig como Kathy Selden es una gran forma de completar un engranaje que solo puede tener un espectáculo de estas características. Ricky Mata encarnando al mismísimo Cosmo Brown y Mireia Portas en la piel de Lina Lamont son una más de las ruedas de este circuito que completa un equipo técnico que hace posible lo imposible. Verán ahora de qué les hablo. 

El mayor dilema o responsabilidad al que puede enfrentarse un actor de musicales es cómo ser fiel a la película que interpreta. A su personaje. Bien, la respuesta es fácil para Belotto, quien lleva un tiempo enfrentándose al reto de interpretar a Don Lockwood: “la película es un referente súper importante, pero no puede ser nunca una losa que nos pese”. Por eso, destaca la importancia de quedarse con la esencia pero transformarla y “que sea una Kathy Selden-Diana Roig y un Don Lockwood-Belotto. Siempre hay algo de nosotros en el personaje”.

“Hemos querido mantener muchas cosas que ya directamente son guiños a la película”, comenta Diana Roig. Quizá con esto podamos explicar que el teatro por un momento se olvide de sus limitaciones y haya conseguido que llueva. Sí, que llueva dentro del teatro. Lo que convierte al musical en “técnicamente una locura”, afirma la protagonista. 

‘Singin’ in the rain’ y ‘All I Do Is Dream of You’ son las dos únicas canciones que serán interpretadas en inglés: “porque han sido creadas así y no nos imaginábamos cantándolas de otra manera”, comenta la pareja protagonista. Sin embargo, otras como ‘Good Morning’ sí han sido traducidas y adaptadas para que los espectadores puedan comprender toda la trama y el argumento de la historia. 

El lenguaje de Gene Kelly y Donald O´Connor es único, y Belotto y Roig tenían que buscar su propia forma de llevarlo ante un escenario y un patio de butacas, donde no existe la voz de corten, ni la posibilidad de repetir escenas o de cantar y bailar por separado. Ellos tienen que dosificar su energía en ocho funciones semanales, sin margen de error y repletas de un gran sacrificio que solo puede sanar un público de pie tras cada actuación. 

Esta versión del clásico recuerda a más de uno a Broadway. Quizá porque se cuida hasta el más mínimo detalle. Por el trabajo, el esfuerzo y el cuidado que hay detrás de cada movimiento de los artistas. De quien tiene las tablas necesarias.

En palabras de Belotto, asistir a este musical, a esta expresión de arte, es lo mismo que ir a un lugar donde la gente “se divierte, se enamora, descubre la historia del cine y se traslada”. A esos años 20 que tanto nos regalaron. Tanto que 100 años después seguimos queriendo recrearlos cantando siempre bajo la lluvia. 

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De Londres a Madrid ‘Matilda, el musical’: un éxito asegurado

El Nuevo Teatro Alcalá sube a más de sesenta niños a su escenario

La historia de Roald Dahl y su niña con superpoderes conocida por todos, 12 años de éxito sin precedentes en los más grandes escenarios de Londres, una estela de 99 premios que convertían a ‘Matilda, el musical’ en el espectáculo contemporáneo más premiado: con algo así era difícil no triunfar. 

“Mágico. Energético. Espectacular”, así definían Oriol Burés y Valentina Cachimbo, quienes dan vida a Matilda y la señorita Señorita Trunchbull, el musical. “Matilda es un musical muy mágico, bastante diferente a lo que la gente ha visto aquí en España, y creo que no te deja indiferente”, afirmaba Burés. “La gente entrará de una forma a ver el musical y saldrá de otra. Es de estos musicales que te mueve muchas cosas”

El escenario del Nuevo Teatro Alcalá de Madrid se ha transformado, ahora ya no solo encontramos butacas rojas, palcos, focos o luces, sino que entrar supone trasladarnos a la mente de Matilda: un lugar en el que rebosan los libros. Y no solo eso, también se mueven. Pocas escenografías se han visto como esta. Todo tipo de efectos tienen lugar durante el espectáculo: juegos de luces, compuertas que se abren y cierran, efectos sonoros, visuales… 

Con un elenco formado mayoritariamente por niños es fácil quedar fascinado, y aún más si lo hacen tan bien. Llevan un año y medio preparándose para ello y parece que tanto esfuerzo se ha traducido en unos números musicales, bailes e interpretaciones dignos de ser presentados año tras año en el mismísimo Broadway

Tal y como pedía su director David Serrano, el (muy buen) trabajo de los niños no debe eclipsar interpretaciones como las de Oriol Burés, Daniel Orgaz, Allende Blanco, Mary Capel, Héctor Carballo o Pepa Lucas, así como los movimientos de muchos de los bailarines que forman parte del cuerpo de baile y que participan en la majestuosidad que desprende el espectáculo. 

Sin embargo, la buena relación entre los mayores y los pequeños del equipo no hace sino enriquecer aún más su esencia. Los unos aprenden de los otros, se aconsejan y, sobre todo, se enseñan “a no perder nunca la ilusión”, afirma Oriol. Los niños son un aliciente para dejarse la piel en el escenario “no puedo quedarme atrás, son un tren bala, una compañía de niños super disciplinada, energética, talentosa…”, comenta. 

Uno de los puntos más fuertes del musical (aunque no sea tan claro a simple vista), es la facilidad con la que consigue hacer llegar su mensaje a las miles de personas que se sientan en las butacas con la intención de disfrutar de un rato agradable, pero que no saben en realidad a lo que han ido ni lo que les espera. Han ido a recordar la importancia de que los niños reciban una buena educación, la importancia de cuidarlos, de no maltratarlos, de hacerlos sentirse valorados. Han ido a recordar que los niños después serán los mayores, y que no hay mayor aprendizaje y enseñanza que la propia experiencia: “a los niños hay que cuidarlos”, sentencia la pequeña Matilda Valentina Cachimbo. 

Quién pudiera ser Matilda y ser capaz de mover una y otra vez las agujas del reloj para que nunca llegue la hora de poner fin a aquello que disfrutamos. Como, por ejemplo, de ‘Matilda, el musical’.

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Dirty Dancing, el musical: cuando la nostalgia es sinónimo de éxito

El clásico permanecerá en el Espacio Ibercaja Delicias de Madrid hasta el 11 de diciembre

Es difícil sorprender cuando ya se ha visto todo. Para quien ya tiene una película, una historia de amor mítica, una estética tan marcada y unas canciones que han dado la vuelta al mundo y que, por supuesto, todos recuerdan, quedan ya pocas cosas por hacer. Por esta razón, el reto al que se enfrentaba ‘Dirty Dancing, el musical’ era (si cabe), mayor. Era necesario sacar la artillería pesada. Ir con todo. Usar su as de la manga. Y así lo hicieron. 

Jugar con la nostalgia es una apuesta segura cuando se trata de las personas. Asistir a Dirty Dancing, el musical es más que ir a ver una adaptación: es volver a sentarte en una de esas butacas rojas de los cines del 87, de cuando Netflix sonaba a algo lejano (o no sonaba) o de donde comíamos palomitas mientras deseabas ser tú la que entrase en el cuarto de Patrick Swayze. Pura reminiscencia. 

Y aunque el musical ya había pasado por numerosas ciudades españolas, instaurarse en la capital y hacerlo con éxito siempre ha sido una de las hazañas más difíciles. El Espacio Ibercaja Delicias de Madrid, decorado con banderines que instaban a adentrarse en el hotel Kellerman ‘s, ha sido el elegido para volver a los orígenes. 

Esta vez son Dani Tatay (Johnny Castle) y Sara Ávila (Baby) quienes, dirigidos por Federico Bellone, darán vida a una de las parejas más aclamadas de todos los tiempos. Acompañados de un elenco con el que viajaremos a los años 80 de la libertad, la sensualidad y la rebeldía y de una escenografía que ha sabido hacer muy bien lo suyo. Y tanto. 

En estos casos, términos como la idiosincrasia definen muy bien lo que ocurre en ese escenario. Definiendo a la misma como “aquello característico de una persona o cosa que la distingue de las demás” es fácil distinguir lo que tiene Dirty Dancing y lo que no tienen otros. Dirty Dancing constituye un antes y un después en el baile, es capaz de combinar la historia de un amor rebelde de dos adolescentes mientras trata temas tan importantes como el aborto. Es precursor de todo lo que hemos sido capaces de hacer. 

Dirty Dancing es. Forma parte de nuestra historia y lo hará en un futuro, así que ha sido y será. ¿Cómo es posible que el arte se traduzca en la facilidad de envolver a tantas y tan diferentes generaciones? Pregúntenle a Dirty Dancing.

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Bob Pop, ¿el referente de los referentes?

Su monólogo ‘Los días ajenos’ llega al Teatro La Latina de Madrid cargado de una aplastante sinceridad

Sobre lo extraordinario y lo ordinario. Sobre el talento y la identidad. Sobre aquello que puede parecer lo contrario. La antítesis del otro.  La opción alternativa. ¿Quién soy?, una simple pregunta que puede dar tanto de sí que responder nos lleve toda una vida. Y esto es precisamente lo que trata de hacer Bob Pop. Y, quién sabe, puede que hasta lo haya conseguido.

Para Roberto Enríquez, el talento y la identidad son “la misma cosa” y admite que no es nadie sin los demás: “soy como todo el mundo”. Para quien leer tiene mucho más sentido y veracidad que escribir resulta sencillo tomar a unos cuantos (o muchos) como referentes que contribuyen a convertirle en aquello que es hoy. “Los que han dado la cara lo han hecho porque han triunfado”, afirma, pero puede que haya quienes triunfen porque dan la cara, y no al revés. Y no está mal pensar que en su caso ha podido ser así. 

Llegar al Teatro La Latina de Madrid y ver en lo alto el cartel de tu espectáculo debe ser una de esas sensaciones que no se olvidan en la vida. “Una barbaridad”, como diría Bob. Para alguien que ha puesto su grano en todo tipo de espacios televisivos y radiofónicos y que le han permitido aprender a  “leer al público, a olerlo y a escucharlo“, un teatro debe ser el mayor de los regalos. Y eso es lo que son sus ‘Días ajenos’.

Una vez publicados sus dos volúmenes se pregunta: ¿Por qué no hacer algo distinto? Con la aprobación de su co-director Andrés Lima y la seguridad que esto le aportaba, decidió convertirlos en teatro y lanzarse al vacío con una propuesta que en todo momento entiende quién es, desde dónde y para quien habla. Porque tal y como dice Bob: “las historias al final no son solo propias, nos acogen a muchos y probablemente nos encontremos reflejados, nos den pistas, lugares o caminos de escapada”

Y aunque nadar a contracorriente no es fácil, incluso para quien se define a sí mismo como “un error del sistema”, en esta tónica se mantiene y se ha mantenido toda su vida. En encontrar esa bocanada de aire, esa tierra avistada, ese chaleco salvavidas que aparece cuando y donde lo necesitas. Todos nos perdemos y ‘Los días ajenos’ de Bob Pop nos demuestran que podemos encontrarnos.  De hecho, es de esa pérdida de la que surge este espectáculo: “a lo mejor lo que queremos hacer es algo que a la gente le parece un disparate pero con el tiempo estamos viendo que hay posibilidades de vida, de futuro”, afirma Pop. 

Según van pasando los años, las preguntas que nos forman y nos conforman empiezan a verse difusas en el tiempo y sustituidas por otras que llevan una connotación de arrepentimiento o de orgullo. ¿He hecho todo lo que debería? ¿Lo he hecho bien? ¿El niño que fui estaría orgulloso de lo que soy? Para alguien que lleva la libertad por bandera es quizá más fácil que para el resto sentirse orgulloso de todo lo que ha hecho y dicho: “A veces siento que no lo he dicho de la precisa manera en la que me habría gustado. Pero no me arrepiento de haber dicho nada de lo que he dicho nunca”, concluye. 

Y, aunque el niño que fue se encuentre con el desconcierto propio de quien ve toda su vida pasar como una montaña rusa, diría: ¡Madre mía, todo lo que he logrado! Y tras buscar referentes para sí mismo, puede que hasta pueda verse convertido en uno de ellos.

Colaboración: Alejandro Pérez

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Cultura Danza Espectáculos y teatro Eventos Flamenco

Antonio Márquez: “Cuando conozcan ‘Medea’ van a estar buscando este género cada día”

El bailarín y coreógrafo sevillano presenta a su compañía en el teatro EDP Gran Vía de Madrid

Toda una vida repleta de dedicación, esfuerzo y sacrificio es lo que ha costado al artista Antonio Márquez llegar a donde está hoy. “Yo seguiría dejando el alma cada día en el escenario como si fuera la primera y la última vez”, son las palabras de quien acostumbra a apostar por el arte, la danza y por aquellas obras que lejos de merecer ser olvidadas, tratan de abrirse un hueco entre los escenarios y teatros del mundo. Y así es ‘Medea’

Casi cuatro décadas después de su estreno la obra sigue siendo considerada como uno de los momentos culminantes del ballet teatral flamenco. Mérito que se debe atribuir a la música de Manolo Sanlúcar, la coreografía de José Granero y al libreto de Miguel Narros, quien a día de hoy sigue siendo todo un referente para bailarines y coreógrafos. 

La pieza ha estado siempre en manos del Ballet Nacional y este “no ha sabido tratarla”, afirma el bailarín. Tanto es así, que el heredero ha decidido que no debería quedarse en los baúles y contrató a Antonio y a su compañía para que pudieran “poner la obra donde debe estar: en el mismo sitio en el que está una Giselle o una Carmen de Roland Petit ”. El artista aboga por dar a este tipo de obras clásicas y a la danza “la repercusión y el sentido” que se merecen. Porque “a ‘Medea’ o la ven aquí y la ven ahora o dios sabe cuándo lo harán”, sentencia Márquez.  

Recuerda el día que se rebeló ante el “no” de su jefe y decidió presentar un espectáculo de flamenco en la Ópera de la Bastilla de París. El público, el escenario y el teatro colapsaron. El mismo público que acostumbrada a salir quince minutos antes de los espectáculos se quedó media hora más aplaudiendo. Media hora. Y eso lo consiguieron el flamenco y Antonio Márquez. “Un director de un teatro no puede ser exclusivo, debe ser neutral y entender que tiene público de todo tipo. Tu dale buen género y verás cómo responde”, asevera el sevillano. 

Quizá sea por esto mismo por lo que el escenario es su sitio. Como dice el refrán Zapatero a tus zapatos. Y qué razón tiene. “A mí dirigir no me ha gustado. A mi me ha gustado siempre formar a los bailarines, transmitirles mi energía, mi pasión. Para mi eso es lo mejor, sentirme bailarín, dirigido”, comenta. 

A día de hoy los bailarines salen del conservatorio preparados pero necesitan clases y lugares que los acojan y donde puedan desarrollarse. Sin embargo, muchos de ellos acaban trabajando en algo totalmente alejado de su pasión.  “Te da pena ver esto, que es nuestro, esta cultura y que poco la cuidan para que estas personas tengan que estar donde tienen que estar: bailando”, se lamenta.

Para la compañía no ha sido fácil llegar a dónde están hoy: “hemos tenido que sustituir a varias personas de la compañía y eso nos ha quitado tiempo de clases, ensayos y de poder seguir con el repertorio habitual”, afirma Márquez. “Pero así es como se cogen realmente las tablas, el sentido de la compañía y como todos  acabamos respirando igual”. 

Las bailarinas Helena Martín como Medea y Lupe Gómez como la Nodriza, y el bailarín Luis Ortega como Creonte son algunos de los que forman parte del equipo de más de 23 personas que cuentan con “una disciplina tremenda y sobre todo están enamorados de lo que hacen cada día”. 

Y es que la danza, en palabras del bailarín, al igual que todas las artes debe tener el poder de comunicar. De transmitir. Los pasos acompañan, el cuerpo acompaña pero: ”lo importante de todo eso no es ejecutarlo sino hacer sentir al público. Hacerle vibrar con lo que tú sacas de dentro”

Por eso ‘Medea’ es importante y por eso la compañía de Antonio Márquez lo hace tan bien. Porque lo saca de dentro y es capaz de reconocer con la cabeza bien alta que “el día que la conozcan van a estar buscando este tipo de género y de compañías cada día”

 

Colaboración: Alejandro Pérez

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Musical

“Matilda: El Musical” llega a Madrid, y no necesitará telequinesis para levantarnos de nuestros asientos

Texto: Marina Carrasco

Hay historias que pasan menos inadvertidas que otras. Todos hemos querido bailar como Billy Elliot y luchar por vivir nuestro sueño; ser igual de valientes que Simba para convertirnos en El Rey León que la selva necesita; o el “You’re the one that I want” de alguien, como en Grease. Porque todas las historias se quedan en la mente, pero hay algunas que se quedan mejor que otras.

Y en este caso, todas ellas tienen algo en común: se han convertido en musicales, con SOM Produce detrás en casi todos ellos. Porque hacer magia y encontrar las mejores cosas que representar es su especialidad, SOM ha vuelto, y lo ha hecho por todo lo alto (alto, derecha e izquierda, porque con la telequinesis nunca se sabe).

Efectivamente, “Matilda: El Musical” ha llegado a Madrid.

Fue Roald Dhal quien nos la presentó por primera vez. En su historia, Matilda solo quiere saber más y más del mundo que la rodea mientras lee libros y va a la escuela, pero sus padres no entienden ese afán por aprender. Pronto, a esa gran inteligencia se le sumará un enorme poder: ser capaz de mover objetos con la mente. Así supimos de ella la primera vez que la conocimos, y así también fue cómo se convirtió en una de las películas favoritas a la que recurrir cuando éramos pequeños.

Y eso lo sabe bien el West End de Londres, que desde 2011 llena (y sigue llenando) butacas, función tras función, con el mismo éxito que el día del estreno. Y lo mismo en Broadway durante seis años. Pues bien, ahora la niña más inteligente y avispada de todas las historias para dormir ha venido para conquistar también la capital.

Y nosotros vamos a dejarla de buen gusto.

A Matilda y a cada uno de los más de 60 niños que forman el elenco de la obra. Ninguno de ellos ha alcanzado los doce años, pero llevan dos años preparándose física y psicológicamente en la academia de la productora. Todo para demostrar que la edad no importa cuando hay talento, ganas y mucho trabajo. Bailar y cantar a la vez siendo tan jóvenes sin desafinar tiene mérito, pero hacerlo sobre cualquier superficie mientras eres natural y representas la historia favorita de la infancia de cientos de espectadores es otra cosa totalmente distinta.

Eso y mucho más es lo que nos tiene preparado “Matilda: El Musical” a partir del 30 de septiembre en el Nuevo Teatro Alcalá de Madrid. Pensábamos que SOM ya no podía superar lo que hizo con “Billy Elliot: El Musical”. Pensábamos que la adrenalina que sentimos en Madrid y Barcelona con el talento del niño bailarín por excelencia no podía volver a repetirse.

Y es cierto, no va a volver a repetirse. Porque lo que han hecho con Matilda es algo que va más allá de lo que ya sabíamos o habíamos visto. Y no solamente por contar con un reparto de altura, sino también por todo el equipo artístico que hay detrás de cada número: Toni Espinosa con la coreografía, Gaby Goldman como director musical, Ricardo Sánchez a cargo de la escenografía, Chema Noci con la caracterización, Juan Gómez y Carlos Torrijos con la iluminación y Gastón Briski a cargo del sonido.

¿Sabes esa sensación de que el ritmo de la música late, literal y anatómicamente, dentro de tu cuerpo?, ¿de que tus ojos no saben hacia dónde mirar porque solamente estás rodeado de talento y de vida? Pues esa es una pequeñísima parte de la constante de este nuevo musical.

Porque cada detalle se ha cuidado al máximo desde el primer minuto. Más de dos mil solicitudes llegaron para formar parte de este sueño, y seiscientas audiciones más tarde, “Matilda: El Musical” ya cuenta con un elenco infantil y adulto completamente formado. De entre todos ellos, el papel de la protagonista se alternará entre siete niñas: Julia Awad, Daniela Berezo, Valentina Cachimbo, Laura Centella, Julieta Cruz, Otilia M. Domínguez y Rocío Zaraute. Lo harán durante las ocho funciones semanales que comenzarán a partir de este septiembre 2022.

¿Para qué? Para hacernos disfrutar, para que nos planteemos seriamente llamar Matilda a cada posible hija, planta o mascota que tengamos y para asegurarnos una vez más de que aprender siempre es la respuesta. Y si es con música, baile, y una escenografía capaz de hacernos querer volver al colegio, muchísimo mejor.

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Conciertos Música Viajes

Los temazos (y los clásicos) se escuchan en el coche

“¿Llevas los cargadores?”, “Pero si yo solo me encargaba de las chuches”, “El protector solar mejor guárdalo en la mochila que nos lo pongamos nada más llegar”. Estas oraciones y el sonido de las llaves dando cuatro vueltas a la cerradura de casa antes de salir, son el preludio de cualquier viaje que se precie. Ya sea a la playa, a la montaña o al pueblo de al lado, el sonido de las ruedas por los adoquines de la calle y el “clac, clac” de las chanclas son la introducción de un viaje que comienza en el coche.

Sin embargo, el verdadero viaje, la experiencia única de ir apretados entre maletas y bolsas con Papa Delta no comienza hasta que alguien enciende la radio. O lo que es mejor, pone la playlist. Porque no se trata de una lista aleatoria, no es el “Top 50 actual” ni el “Novedades Viernes”, es LA playlist. Efectivamente, estoy hablando de las españoladas y de todos esos temazos de los que no te acuerdas hasta que estás en el asiento de atrás comiendo peras ercolinas y Pringles. Todo junto, porque luego se lo tienes que pasar al copiloto y no podemos ser avariciosos.

Y es que casi se ha convertido en una cultura en sí misma. 20 de Abril, Por La Raja de Tu Falda, La Flaca, I’m Yours o Limón y Sal están ahí. Tienen que sonar. Casi debería ser ley. De hecho, tengo una teoría más fiable que la de la gravedad: el viaje que se haga, saldrá bien solo y solamente si suena Caminando por la vida de Melendi en el trayecto. Si no es así, las vacaciones podrán ir bien, pero no tanto como podrían haber ido si hubiera sonado ese temazo.

Por eso, en caso de que no tengáis esa lista creada propiamente dicha, hoy venimos con el nombre de algunos artistas y varias canciones suyas que son, simplemente, un obligado en cualquier coche que se precie:

 

Amaral

Amaral es imprescindible. Especialmente Marta, Sebas, Guille y los demás, o como es realmente conocida: “son mis amigos”. En esta canción no hace falta subir el volumen porque desde el principio el coche entero canta ya a más decibelios de lo que está legalmente permitido en un vehículo. Junto a esa, El universo sobre mí. La única que está en las playlists únicamente para pasarla es Días de verano, o más conocida como “No quedan días de verano” pero simplemente porque no es necesario recordar ciertas cosas.

Fito y Fitipaldis

Todo lo que suene de Fito y Fitipaldis va a estar bien simplemente porque son himnos. Pon Soldadito marinero y la gente se pondrá un poquito melancólica sin razón aparente. ¿Quieres que hagamos memoria y recordemos si era por los libros, el maestro o el colegio por lo que Fito pudo aprender? La casa por el tejado. Y si no sabemos muy bien lo que queremos, elige Por la boca vive el pez, y la gente dirá “BUAH, HIT”.

Melendi

Qué decir. Melendi, el generador de temazos por antonomasia. Podríamos mencionar discos enteros que harían del viaje un lugar seguro de toda tristeza. Pero si hacemos selección, además de Caminando por la vida, debe sonar Hablando en plata, Tu jardín con enanitos y Canción de amor caducada. O simplemente ponlo en aleatorio, jamás va a fallar. 

La Oreja de Van Gogh

Que tire la primera piedra quien no haya mirado de manera intensa cantando 20 de enero. El sonido de la campana, las fotos tuyas de antes… una maravilla. La Oreja de Van Gogh es una maravilla. Rosas o El Último Vals son otros temas que se escuchan entre carteles de kilómetros dando la cuenta atrás. 

El Canto del Loco

Nos queremos sentir canallitas o simplemente porque nos las sabemos: El Canto del Loco suena. Besos, Zapatillas, La Madre de José, Eres tonto… podríamos hacer una tesis entera solo sobre las razones por las que El Canto del Loco debe sonar en cualquier trayecto, aunque sea solo en el viaje del sofá al supermercado.

Son canciones que no solo han sobrevivido a los años, sino que los han mejorado. Se han convertido en la banda sonora oficial de unos viajes que huyen del silencio. ¿La razón? Como todo lo que nos hace sentir bien, no se sabe. Quizá sea porque todo el mundo se las sabe. Ya sea si hacemos un viaje con amigos, con nuestros padres, con la familia entera o solos en un viaje de introspección. Todos sabemos qué viene detrás de “Carolina, trátame bien” o la razón por la que Marta nos llamó a las 6 (hora española). Puede ser también esa sensación de karaoke privado, de viajar en el espacio y en el tiempo mientras intentamos evitar los peajes cogiendo caminos completamente apartados de la vida humana pero con la voz de Joaquín Sabina guiándonos.

O también puede ser la nostalgia. El recuerdo de otros viajes que ya hemos hecho y de todas las quemaduras y picaduras de mosquito que ya hemos tenido. Como un intento de hacer un “Copiar” de las experiencias que ya nos han llenado para después “Pegar” todas ellas en el destino al que nos dirigimos en el momento. Y es que lo consiguen. No porque repitamos las experiencias, sino porque esos temas son como la intuición que asegura que todo va a ir bien, hagamos el viaje que hagamos y vayamos a donde vayamos.

Porque todo pasa: el coche que quería adelantarnos desde que salimos de casa, la necesidad de ir al baño en la primera media hora del viaje, la gasolinera de los bocadillos de tortilla de patata y el flotador que venía de regalo con los helados. Todo pasa. Pero siempre, siempre, queda la música. Porque cada recuerdo tiene un sonido asociado, un tema, un artista y un volumen determinados.

Y esas canciones quedarán, como diría Amaral, por encima de todas las cosas.

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A Chorus Line, el musical que cuenta la historia de los de Broadway

Las personas acostumbramos a hacer fila para todo. Fila en el patio del colegio, fila en la compra, en el banco, en las urgencias del hospital, en las oficinas de administración. No es raro ni inusual para nosotros colocarnos en posición, expectantes, aunque muchas veces ya sepamos lo que viene después. Los artistas, los bailarines, los cantantes, los talentosos, y muchas veces los incomprendidos, forman su fila en Broadway e, inevitablemente, también saben lo que ocurrirá: ¡Gracias, ya te llamaremos! Y rumbo al próximo casting. 

En un mundo donde parecen tener cabida solo los mejores, A Chorus Line cuenta la historia de unos soñadores, resilientes y valientes que parecen resumir su vida en ir audición tras audición, derrota tras derrota, o éxito tras éxito agridulce. Nada más lejos de la realidad. Lo que parece ser una prueba más en la que demostrar sus virtudes artísticas y volver a casa con la frustrante sensación de no conseguir aquello que se desea, se convierte en un recorrido por los miedos, las experiencias, la infancia, adolescencia y madurez de unos personajes que parecen tener mucho que contar… ¿Cuál es tu historia?

El flamante musical de Michael Benett, James Kirkwood y Nicholas Dante, bajo la producción de Antonio Banderas, se propone hacer historia. Y lo consigue. Habrá quienes se pregunten por la trama, la trama, señores, es la vida. Nuestras experiencias más dolorosas, nuestros sueños incumplidos, ambiciones, crecimientos y procesos. Una historia que parece no contar nada pero que lo cuenta todo, que no necesita historias enrevesadas de planteamiento, nudo y desenlace, que es por sí misma, que muestra, que retrata, que relata, que canta los pretextos de unos pocos y lo que hay detrás de muchos. 

En A Chorus Line no se trata de destacar. Puede que no tenga un número estrella como sí lo tienen otros musicales, ni un personaje que brille con más luz que el resto, ni una historia que conmueva más que la otra. Y eso es lo que pretende. La vida no solo es lo grandioso, lo espectacular, lo que brilla, lo complejo o lo complicado. La vida es. Y punto.  Es vulnerable, son nuestros miedos nuestros éxitos, derrotas y victorias. Es lo que solo es nuestro. Es de estos personajes. 

En cuanto al reparto, no se puede sino hacer mención a todos aquellos artistas que forman parte del show. Angie Alcázar, Tomy Álvarez, Lucía Castro, Alex Chavarri, Javier Cid, Aaron Cobos, Anna Coll, Fran Del Pino, Daniel Délyon, Sonia Dorado, Roberto Facchin, Daniel Garod, Bealia Guerra, Pep Guillém, Cassandra Hlong, Ariel Juin, Flor Lopardo, Joan López-Santos, Juan José Marco, Graciela Monterde, Fran Moreno, Marcela Nava, Ivo Pareja-Obregón, Lucrecia Petraglia, Estibalitz Ruiz,  Aida Sánchez, Lorena Santiago, Sarah Schielke y Victor González. Son todos protagonistas. Tampoco necesita una gran escenografía, bastan unos cuantos espejos y unos pocos golpes de luz para contar lo que se quiere contar. Apuesta por lo simple, y por un maestro de ceremonias de la talla de Manuel Bandera, quien armoniza a más no poder. 

A Chorus Line, el mismo que estuvo quince años en cartel en Broadway, el del Pulitzer, el que Michael Douglas llevó a la gran pantalla. El de los espejos, los números musicales, las filas y las audiciones. El que cuenta historias: la historia de los de Broadway.

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Espectáculos y teatro Magia

El Mago Pop: el arte de desafiar a lo imposible (y salir ganando)

Aquí va una confesión que Harry Potter, Houdini y cualquiera que haya dicho alguna vez «abracadabra» desaprobaría negando con la cabeza y alejándose un poquito de mí: no me gusta la magia. Más bien, no me gustan los trucos de magia.

Que adivinen la carta en la que estaba pensando, que me roben la nariz o que se pasen un pañuelo de una oreja a otra me fascina, de verdad. Pero como no sé cómo lo hacen, me frustro y termino enfurruñada hasta que se me olvide el disgusto o busque (sin éxito) la razón por la que eso parece posible.

Por eso, cuando fuimos a ver «El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)» en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid, mi ilusión nacía principalmente de la adrenalina que una siempre siente cuando pisa el teatro. Entré emocionada por enseñar la entrada a la acomodadora antes de indicarnos nuestros sitios de entre todos los que ya estaban llenos. Con la adrenalina de adentrarme entre las butacas llenas de miradas brillantes de expectación que iban dirigidas hacia el escenario. Entré como una simple espectadora de un show.

Y salí mágica.

Antonio Díaz es el nombre detrás del título «Ilusionista europeo más taquillero del mundo» y «Estrella de la Magia» en Netflix, formando parte de las pantallas de más de 190 países en todo el Globo. Es la persona que ha dejado a Antonio Banderas, Penélope Cruz y Stephen Hawking, entre muchos otros millones de espectadores, maravillosamente confusos y fascinados a partes iguales.

Ha estado en nuestras televisiones, tablets y sobre diferentes escenarios. Incluso aunque no hubiésemos visto nada de él, sabríamos decir de quién se trata. Porque lo único imposible de todo el espectáculo es no disfrutar cada vez que habla.

Y sobre todo, cada vez que hace magia. Porque lo que hace Antonio Díaz no son trucos, una manera de pasar el rato o el momento en el que chuleas de algo que sabes delante de tus amigos. Lo que hace es magia, y es arte.

Y eso es precisamente lo que el ilusionista catalán nos trae en «El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)», arte. Un espectáculo con fechas tanto en Madrid (Teatro Nuevo Apolo), como en Barcelona (Teatre Victòria) donde todas las leyes de los libros de física, química, biología, matemáticas y la lógica se desafían y nos dejan completamente seguros de que todo lo que hemos estudiado en nuestra vida es relativo.

Juega con la realidad y con el público de una manera tan espectacular, tan elegante y tan bien hecha, que le dejas. Le dejas guiarte hacia un baile con el tiempo, el espacio, la gravedad, el azar que con él se vuelve menos caprichoso, y lo «imposible«. Y para cuando lo consigue, para cuando tú todavía estás intentando pensar en las maneras en las que lo que acaba de hacer tiene algún sentido, él ya ha empezado con la próxima razón de tu siguiente: «Pero, ¿qué?»

Porque simplemente te cautiva. Desde el principio, hasta mucho más allá del final. Y es que querrás hablar de cada instante del espectáculo con cada grupo de amigos, familia y hasta con la almohada. Este efecto sobre el espectador, sin embargo, no se debe únicamente al indiscutible talento del ilusionista y al equipo técnico, sino también a otros pilares clave: sus ayudantes y la música.

Tan importante es saber ser el protagonista, como el secundario sobre el que todo se sustenta, y los ayudantes de Antonio Díaz son clara prueba de ello. Este es un espectáculo rápido, divertido y ameno. Y como tal, se necesita un constante movimiento que ayude de manera invisible a la figura principal del espectáculo. Y así lo hacen.

¿Respecto a la música? Simplemente decir que en el metro camino a casa después del espectáculo busqué la playlist para poder escucharla de nuevo. Es que qué maravilla. Qué maravilla de canciones, y qué manera de situar cada una de ellas perfectamente en el lugar adecuado.

Ya me habían dicho que El Mago Pop era increíble, que cada truco era único y que se trataba de EL espectáculo de magia por excelencia. Todo el mundo estaba maravillado y parecía que el truco final era hechizar a todo aquel que saliera del teatro. Pero es cierto, porque no hay otra forma de salir.

«El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)» es un show tan bien pensado y ejecutado, que es imposible encontrar las palabras. Es una hora y media que se sienten como cinco minutos, una delicia en directo, y un trabajo audiovisual tan bonito que simplemente te emociona. Porque no es que sea bueno con la magia, desaparezca y haga desaparecer bien las cosas (que también), sino que te hace sentir un poquito más vivo con cada palabra y cada nueva realidad que se inventa.

Podría escribir una tesis y un doctorado sobre el espectáculo. Pero cualquier cosa que te digan o que pueda decir yo, se queda corta. Porque la magia de verdad no se hace ni se dice, se siente. Y eso es exactamente lo que ocurre con Antonio Díaz: que siente la magia, y nosotros con él.

Porque sí, ahora sí me gusta la magia. Pero solamente si es El Mago Pop quien está sobre el escenario.

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‘Cabezas de cartel’ o cómo reflexionar sobre la industria teatral con tanto arte

Celia Nadal y Javier Manzanera, la pareja de cómicos en la Sala Lola Membrives del Teatro Lara

¿Cuál es el fin último del teatro? Históricamente, el teatro siempre ha sido ese espejo en el que se reflejaba y, por consecuencia, se cuestionaba la vida humana. Establece, casi de forma determinante el bien y el mal en lo que al ser humano y a su vida se refiere. Sin embargo, ¿quién cuestiona al propio teatro? ¿Se cuestionan los del gremio a sí mismos? ¿Son coherentes? Y, ¿consecuentes?

Cabezas de cartel es más contenido que continente. El caos en su sentido más amplio como hilo conductor de todo un recorrido por el proceso creativo que supone producir una representación teatral desde cero. La que promete ser toda una crítica a la propia industria nos adentra en el ensayo de ‘Cimarrón, una obra que trata de romper con lo establecido y estampar su propio sello en una reflexión que pone sobre la mesa aspectos que puede que todos piensen, pero que solo unos pocos valientes son capaces de verbalizar y subir a un escenario.

¿Hacia dónde se encamina el teatro de hoy? Levantarse contra lo que nos es impuesto y asumir que, ser conocido o famoso no es ser artista. El artista es el que interpreta, pero sobre todo el que transmite. ¿Y el arte? El arte es la capacidad de crear, y estos dos en escena han creado. Y mucho.

Celia Nadal y Javier Manzanera quieren elegir de qué arrepentirse, y deciden no hacerlo nunca de no haber perseguido su verdadera pasión. Ella es un ataque de expresividad y energía constante, la parte más racional de la historia con unas aspiraciones que bailan entre la pasión, el beneficio e incluso la supervivencia. Él, por el contrario, se muestra como revolucionario y cómodo a la hora de nadar a contracorriente. Fiel, ante todo, a unos ideales que abogan por no venderse nunca a “esa industria” qué tantas páginas ocupa en su obra, y tantos quebraderos de cabeza le ha producido. Ambos, cercanos, queridos, pasionarios y enfrentados en una dicotomía que, muy a nuestro pesar, se presenta en numerosos aspectos y situaciones de la vida, y que no es otra que: ¿razón o corazón?

 

Deciden poner las circunstancias a su favor y, ¿qué mejor manera de hablar de teatro que en el propio teatro? Puede que muchos piensen que esto no va a interesar a nadie, pero las butacas se llenan y su público aplaude, se ríe y rinde ante la maestría de este dúo sobre el escenario.

Cabezas de cartel es la historia de unos valientes que deciden romper con lo establecido y apostar por cuestionarlo todo. Incluso a sí mismos. Unos personajes que bailan con lo que es y no es el teatro, que disfrutan entre contradicciones, misterios, certezas y asumen lo bonito y difícil que es ponerle límites al arte. Apuestan por lo suyo y se emocionan al defenderlo. Se ven así mismos en el espejo y, por supuesto, se gustan. 

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Cultura Espectáculos y teatro Eventos Musical

En Tierra Extraña, el musical que resucita la copla en un suspiro

El musical ‘En Tierra Extraña’ reúne a Concha Piquer, García Lorca y Rafael de León sobre los escenarios teatrales

“Lo correcto es el enemigo del arte”, dicen. No sé exactamente qué es y no es lo correcto, ni lo que sería lo correcto para Lorca, la Piquer o Rafael de León, pero lo que presenciamos ayer día 3 de marzo de 2022 en el Teatro Marquina, fue, indudablemente, el más fiel de los amigos del arte.

Los grandes se merecen un homenaje, sería lo que pensó Juan Carlos Rubio, el director que se movía en tierra conocida, pero hizo de ella la más extraña posible. Él, eligió sin duda a los más grandes: ¿Qué pasaría si Concha Piquer, Federico García Lorca y Rafael de León tuviesen un encuentro? Pues esto es lo que se figuró Juan Carlos Rubio, y le llevó a hacer una reconstrucción histórica basada en hechos posibles pero que no sucedieron realmente. Algo así como un final histórico alternativo. 

Los mismos que entraban decididos a ocupar aquellas butacas rojas del teatro, segundos después, aplaudían la voz y el verso que en Tierra Extraña se contenía. Dispuestos a adentrarse en aquel encuentro ficticio de la España del 36, en esa tierra querida que la guerra a tantos arrebató, a lo extraño que tienen a veces los conflictos que se escapan de toda razón o entendimiento. A la historia y al arte de una tierra. Nuestra tierra.

Ansiosos, puede. Expectantes, también. Satisfechos, sí rotundo. Alguna que otra cámara dispuesta a filmar lo que muchas veces se ve en los escenarios, pero pocas se hace de esta manera. Incluso, pasaba por allí un Santiago Segura que, no dudó en asistir, presenciar y recomendar una de las mayores expresiones del arte de nuestro país.

Pero, ¿quién es Concha Piquer? Una mujer de los pies a la cabeza, una artista envidiable, la musa, el duende, la luz y la sombra del espectáculo. La valenciana. La tonadillera por excelencia, la que no acostumbra a recibir un no como respuesta, la expresiva, la emotiva, el arte. Y, ¿Diana Navarro? Diana Navarro, también. 

Junto a ella, encarnado por Alejandro Vera, el hombre de los pies planos y el corazón redondo. El autor de ese tal Romancero Gitano, el poeta cuyo nombre figuraba en las listas negras del país. El de todos y el de nadie, el que ama por encima de todo su tierra y se resiste a huir de ella. Y bajo la piel de Avelino Piedad, el marqués, uno de los grandes del 27, el de las letras de copla, el enamorado, resiliente y vulnerable Rafael de León.

Una obra que rebosa talento, que empapa hasta la médula, que deja la estela de un público en pie que aplaude el arte de antaño. Y el de ahora. Una de esas que te enseñan lo valioso que es pertenecer a un lugar, y lo difícil que es estar en tierra de nadie, porque como decía la Piquer:Entre vivas y entre olés por España se brindó”. 

Imaginémonos ese encuentro en el que Concha Piquer pregunta: “Y, ¿ha merecido la pena conocerme?”, a lo que el poeta Lorca responde: “Más de lo que a mi vanidad le permite admitir”. 

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Eterno Dani Martín: Sí, sí vuelve

El cantante madrileño triunfa en el Wizink Center en un homenaje a su banda El Canto del Loco

No sé si pensar si eres el ángel que cuida mi camino… No sé si pensar si merezco todo este cariño…”  Sonaban los primeros acordes de La suerte de mi vida, que, de pronto, parecía estar escrita y hecha para ese preciso instante, sin otra intención que para mirar a los ojos a sus miles de fans y cantársela, pero bajito, con sentimiento… Y así lo hizo. 

Un recorrido por toda una carrera, toda una vida de éxitos y de temas que te recuerdan a algo o a alguien. Canciones que han sonado una y otra vez en la radio, en el coche, en la ducha, en un karaoke, en tu top 3 de Spotify, de esas que cantas a todo pulmón. Porque así es Dani Martín, un donde sea y un cuando sea. El eterno cantante. Nuestro eterno cantante. 

Bajo una chaqueta en la que se podía leer: “Que caro es el tiempo” se escondía el mismo Dani Martín cercano que conocimos en El Canto del Loco, y que a día de hoy sigue siendo nuestro Dani. Dando nombre a su gira, la chaqueta lo transportó de un lado al otro del escenario, le hizo gritar, bailar y cantar como los mismísimos ángeles. Una multitud hambrienta, y con ganas de soltar aquello que durante tanto tiempo había reprimido. 

Sus mayores clásicos, entre los que se encuentran temas como Volverá, Una foto en blanco y negro, Son sueños, Ya nada volverá a ser como antes o Tal y como eres no tardaron en sonar. En forma de notas musicales, con una melodía que conocemos y unas letras que marcaron la adolescencia de algunos y la vida de muchos. Parecía como si El Canto del Loco y Dani Martín nunca hubiesen sido algo distinto entre sí, parecían la misma cosa, la misma energía, el mismo arte, la misma historia. 

¿Qué pasa con esas manos? Gritaba una y otra vez al mismo tiempo en el que el público no tardaba en captar su mensaje, y alzaban sus manos dejando una de las imágenes más bonitas de toda la noche. Quería sentir, sentir a un público que por culpa de una tal pandemia llevaba años sin sentir. Lo quería ahí y lo quería ahora. ¡Viva la música en directo! Gritó uno de ellos. Y qué razón tenía, señores. 

Su hermana, su eterna gran protagonista volvió a aparecer reencarnada en canciones como Como me gustaría contarte, la que el autor reconocía era una carta escrita para su hermana a la que decidió poner música. Sus padres, trazando casa una línea recta y directa desde el escenario fueron el héroe y la heroína del concierto, con los que no dudó en bromear en más de una ocasión. Una familia de fans que grababan con la esperanza de convertir su recuerdo en imborrable, inalterable y para nada efímero.

Insoportable fue la última canción del concierto. Y, ¿por qué está y no otra? Quizá porque Dani Martín se adelantó a lo que a muchos se les pasaría por la cabeza minutos después: qué insoportable era la idea de salir de allí, qué insoportable era dejar de escuchar aquellas canciones que tanto nos han marcado y que para tantos ahora constituyen todo un himno, qué insoportable se iba a hacer aquel final. El eterno Peter Pan que para nosotros no crece, y al que nunca jamás dejaremos de escuchar.

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Los clásicos de ahora: cómo se están versionando los temas de antes

Es lo que toca. Se acerca el uno de enero y empezamos a sentir ese cosquilleo de querer dar un giro a nuestra vida para el año que entra. Aunque sea solo de 90º.

Prepararnos para una maratón (o correr un poco más de lo que –no– lo hacíamos), empezar a ser puntuales o apadrinar un olivo se convierten en claros objetivos que respetar, y sobre todo que cumplir. Porque acaben sucediendo o no, esas cosas que pensamos hacer a partir de ese uno de enero se sienten importantes. Renovarse o morir, y buscar tutoriales sobre cómo empezar a meditar para llenar de tranquilidad y buenas vibraciones el nuevo año. Ni Cenicienta se tomaba tan en serio el cambio de 23:59 a 00:00. Podríamos decir que ese gusanillo de dejar todo lo antiguo atrás para abrazar solo lo nuevo también le pasa a la música.

Pero no. Porque tan catártico es cortarse el pelo al ras, como dejárselo largo y buscar tutoriales sobre cómo hacerse trenzas.

Pues bien, eso es lo que está haciendo el panorama musical actual: teñirse el pelo, intentar hacerse el moño desenfadado que nos trata de enseñar Instagram y raparse solo los lados. Pero siempre manteniendo su esencia. Tomar lo antiguo y hacerlo nuevo. Y haciéndolo bien.

Y es que las musas y musos de los artistas del pasado se han convertido en los de aquellos que ahora copan las listas actuales. Ya sea añadiendo sonidos, letra o versionando de una manera más dulce o explícita, las canciones que pertenecen a la época en la que eran nuestros padres los que elegían la música al cocinar, han vuelto.

Por eso, hoy traemos una lista con solo algunos de los temas que tienen la esencia de cassette del que solo funciona un altavoz y de CD cuya funda se ha perdido. Esas canciones que, sin embargo, hoy escuchamos con auriculares inalámbricos:

VIVIR ASÍ ES MORIR DE AMOR

Si por amor todos tenemos el alma herida, Camilo Sesto, en 1978, la tenía un poquito más. Y ahora también Nathy Peluso en 2021. El himno que nos trajo el alicantino y la canción por excelencia de cuando la fiesta está a punto de acabar para asegurar terminar por todo lo alto vuelve a sonar. Pero ahora, con Nathy Peluso. Y sí, sigue estando por todo lo alto.

La canción que te invita a abrazar automáticamente a quien la canta para ofrecerle tu apoyo por ese amor poco sano, ha sido adaptada por la cantante argentina. Y a lo que nos invita ahora es a bailar. Y a hacerlo de una manera un poco más urbana, más popera y más ochentera. Con los instrumentos como elemento esencial de esta versión, la orquesta se convierte en protagonista. Las trompetas y percusión nos ayudan a superar ese amor, y para cuando Nathy Peluso repite el estribillo, ya no nos acordamos ni del nombre de esa persona.

Y es que nadie mejor que Nathy Peluso podía darle tanta alma a una canción a la que ya de por sí le sobra sentimiento. La descubrimos con su jazz latino en La Sandunguera, hemos bailado bachata como si viniésemos de «Bailando con las estrellas» al escuchar su colaboración con C. Tangana en Ateo. Y ahora la cantante argentina ha puesto en mayúsculas uno de los temas que hacen que Camilo Sesto no necesite presentación.

Y es que VIVIR ASÍ ES MORIR DE AMOR cuenta ya con un videoclip futurista dirigido por ella misma, haciendo la viva representación de cómo todo lo que es un temazo, lo es. Independientemente de la época y del estilo.

 

HALLELUJAH

Si solamente pudiésemos sabernos dos canciones en el mundo, probablemente las elegidas serían Cumpleaños Feliz y Hallelujah. Y esta segunda un poquito más. Porque ambas son eternas, sí, pero Hallelujah es un tema que, simplemente, se siente especial.

Los que nos criamos con los Pokémon y los tazos tenemos más la imagen de Bon Jovi interpretándola que de su verdadero compositor: Leonard Cohen, en 1984. Sin embargo, el grupo estadounidense Pentatonix llegó en 2010 para traernos una versión del angelical tema de una forma que hace que parezca totalmente original, y nos la traen a capella. Es decir: los únicos instrumentos de los que hacen uso son sus propias voces. Bajos, ritmos constantes, esa nota de fondo de la que no nos damos cuenta pero que si para, queremos que vuelva… todo lo hacen ellos con su voz.

Y a pesar de que no es nada fácil hacer sentir, con cinco voces, la intimidad que tiene una sola voz frente al micrófono; ellos lo han conseguido. Y es por eso por lo que, desde 2016, esta versión se ha convertido en la primera opción de muchas personas cuando comienzan los primeros días de diciembre y el ambiente se convierte en uno que invita un poco más a agradecer, a volver al Burrito Sabanero y, sobre todo, a gritar «Aleluya».

 

HABANERA

Fue la pieza que más nos gustaba de la clase de música en primaria. Quizá porque no sonaba tanto a concierto serio proclive a salir en el examen final. Quizá porque podíamos sentir la picardía en cada palabra aunque no entendiésemos ninguna palabra en francés más allá de ese “l’amour”. Sea como fuere, La Habanera de la ópera «Carmen» de Bizet (1875) es un hit. Es un hecho.

Da igual cuando la escuchemos, la melodía de esas primeras notas solitarias se quedan en la mente para el resto del día. Y lo que la han convertido en eterna es, precisamente, que no queremos que salgan de ahí.

Pues bien, ahora la hemos vuelto a recordar, pero de la mano de L’haine, en 2020. El joven artista madrileño ha tomado esas notas, las ha hecho protagonistas aislando el resto de sonidos, y las ha hecho suyas. ¿Cómo? Añadiéndole un ritmo actual y constante en el que la letra también ha mantenido su esencia. Eso sí, cambiando de la ópera a lo urbano. Y qué bien suena.

La letra no es la misma, pero se sigue manteniendo ese sentimiento de que el amor no se elige. Y de que si se hace, probablemente o no sea amor, o no sea correspondido. Una reinterpretación de este artista emergente y que ya cuenta con más de dos millones de reproducciones en su perfil de Spotify.

Porque, a pesar de que pueda ser verdad que las segundas partes nunca fueron buenas, lo que los artistas actuales nos están demostrando es que lo que hacen va mucho más allá de una reinterpretación. Se trata de volver a hacer sentir, y de hacerlo mezclando la esencia de antes con la que estamos viviendo estos días. Son, los clásicos de ahora.

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Pepa Rus: “La comedia nace cuando te empiezas a reír de tu propio drama”

Da igual comedia que drama: Pepa Rus lo hace todo y lo hace todo bien. En esta ocasión es el monólogo ‘Viva la Pepa’, el que pone en la palestra a la actriz. Una buena dosis de “risa y humanidad”, un papel hecho a medida y algún que otro golpe de suerte que nos harán complicado discernir entre lo real y la ficción. 

La historia de una madre soltera con dos hijas que se convierte en toda una heroína de la noche a la mañana, una Pepa que se enfrenta a la fama efímera, a unas promesas que nunca se cumplen y a una esperanzadora campaña política. Una función dirigida por Juan Luis Iborra que acaba de prorrogarse y que tendrá lugar en el Teatro Lara de Madrid.

Pregunta. ¿Qué tal va ‘Viva la Pepa’?

Respuesta. Estamos muy contentos, porque la verdad que está viniendo gente. Hemos prorrogado a enero y la verdad que es un personaje que me gusta mucho hacer, es un monólogo precioso y que da mucha vidilla.

P. Como experta en comedia, ¿crees que se puede hacer comedia de todo?

R. Sí. Yo creo que de todo se puede hablar desde la comedia, y no deja de tener importancia el mensaje, a veces pensamos que porque se lanza a través de la comedia deja de tener impacto en el público y, en mi opinión, es todo lo contrario.

P. Muchas veces la comedia no es otra cosa que reírse de las desgracias de uno.

R. La comedia es reírse del drama, y cuando te empiezas a reír de tu propio drama es cuando nace la comedia.

P. ¿Lo haces? ¿Te ríes de ti misma?

R. Pues es que no nos queda otra. Los problemas van a aparecer y mientras se puedan ir teniendo un tinte de humor mejor, se sale mejor del bache con un tinte de humor, excepto claro, de cosas que sean dramas sin nada más, pero a veces hacemos drama de cosas que, si estamos acostumbrados a vivir con sentido del humor, viviríamos mejor.

P. En el escenario no conoces la vergüenza pero, ¿y en tu vida diaria?

R. No. Es verdad que no soy nada introvertida, soy bastante abierta y cojo confianza rápido pero claro, no haría las cosas que hago a través de los personajes muchas veces.

P. ¿Qué diferencia hay entre la Pepa de los escenarios y la ficción y la Pepa real, la de su casa?

R. Primero que no tendría ningún interés en meterme en política. Segundo, que ella tiene una manera de vivir y de hablar muy natural, muy tierna y muy del presente, y a mi eso me gustaría aprenderlo del personaje y llevarlo a mi vida.

 

P. En una entrevista, afirmabas que: «(…) al final, por mucho que te muevas, hay algo que no te deja progresar por mucho que quieras si no tienes ese golpe de suerte». ¿Crees en la suerte? ¿Cuánto protagonismo crees que tiene la suerte en tu vida?

R. No es que crea, es que yo he tenido suerte. Puedes llamarlo suerte, azar, destino… Lo puedes llamar de muchas maneras. Pero al final yo creo que estar en el momento apropiado con la gente apropiada es importante. Y eso es una cuestión de suerte, porque tú no sabes lo que va a pasar.

P. Alguna vez te has sentido como la Pepa de tu monólogo, es decir, ¿alguna vez has sentido esa desazón, y de repente, un golpe de suerte llega y te cambia la vida?

R. Sí. Al final hay algo que te hace notar que todo se empieza a mover, que empieza a cambiar. Yo creo que esto es importante para seguir avanzando y evolucionando. Pero sí, tiene que haber esa gota de suerte que si no aparece, te hace mucho más difícil avanzar.

P. En más de una ocasión has comentado que esta obra es un traje a medida, ¿por qué?

R. Esto lo dice Juan Luis Iborra, que es el director y el autor junto a Sonia Gómez, y él lo dice porque se lo pedí. Somos amigos, hemos hecho varias funciones y a raíz de ahí nos hemos conocido, encajamos bastante bien y ya nos hicimos amigos. Un día comiendo, yo acababa de ver `Gibraltareña´ de Elisa Matilla, que la había escrito y dirigido él y, inconsciente de mi, le dije que me hiciera uno y me lo hizo. Por eso él dice que es un traje a medida, porque lo escribió pensando en mí.

P. Juan Luis Iborra menciona que esta obra es una crítica a la sociedad actual, en la que nos preocupamos de todo menos de los temas que realmente importan. ¿Es cierto esto? ¿Nos preocupamos de todo menos de lo importante?

R. Más bien creo que habla un poco de la fama efímera. El personaje critica esto a su manera, la idea de que al final nos centramos en algo muy externo a la sociedad, o incluso algo extraño, y realmente los problemas del día a día no se tienen tan en cuenta. Hace dos semanas no parábamos de hablar del récord histórico de la subida de la luz, y ahora nadie habla de que sigue subiendo la luz y hay gente que no puede pagarla, ahora el covid le ha ganado en popularidad, y aunque está muy bien y nos tienen que poner las pilas y tenemos que aprender, no podemos obviar que sigue subiendo la luz. Al final siempre hay una cosa ahí como del momento.

 

P. Y al hilo de lo anterior, ¿qué es para ti lo realmente importante?

R. Los derechos humanos. Al final, como todo el mundo eres superficial, y yo me centro en los problemas míos diarios pero, si te paras a pensar y a reflexionar un poquito y miras más allá de tu casa, hay mucho que solucionar.

P. Esta es la primera vez que te enfrentas sola al público. ¿Cómo está siendo la experiencia?

R. La primera vez que lo hice yo creía que me iba a dar un paro cardíaco, yo pensaba: y si se me olvida algo, ¿qué hago?, ¿a quién miro?, ¿quién me ayuda? Estas sola. Pasa mucho en las funciones, pero miras a tu compañero y aunque no se sepa tu texto sabe más o menos como ayudarte. Aquí no hay nadie y eso me daba pavor, y me lo sigue dando, de hecho repaso el texto como si no me lo supiera. Es el miedo más grande que tengo: equivocarme y no tener en quien apoyarme.

P. Uno de los temas de este monólogo es la fama. ¿Cómo se lleva esa parte cuando es real y la vives en tus propias carnes?

R. Es que eso tú no lo decides, aparece, por lo que sea. Lo curioso es cuando la gente te saluda y tú no sabes quien es, pero claro, tienes que ser amable porque entiendes que sí, que te conocen, aunque no lo hagan personalmente sí saben bastante de ti. Es algo muy raro que tiene su parte buena y su parte mala, como todo.

P. Para ti es proporcional, ¿cuánta más fama mejor te va?
R. Es verdad que hay muchísimos actores que no se conocen a nivel nacional que son muy buenos actores y no paran de trabajar. Pero al final yo creo que si haces algo internacional pues te van a conocer más y tu fama va a ser mayor, y va a ser un proyecto mucho más imponente que algo más pequeñito. No es que te vaya mejor a nivel personal, sino a nivel profesional. Yo creo que sí que va un poco más proporcionado.

P. Por último, ¿por qué nos recomendarías ir a ver `Viva la Pepa´?
R. Porque es una función donde te lo vas a pasar muy bien, donde la gente no para de reírse en una hora. También porque es un texto digno de escuchar, en el que se hablan de muchas cosas yo importantes. Es un suspiro de humanidad y de risa, por eso hay que verla.

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Una boda y muchos trapos sucios en ‘La madre que me parió’

Una comedia sobre las relaciones entre madres e hijas

Hay quien, al tratar de escribir una buena obra de teatro, busca la sucesión constante de una carcajada tras otra como único objetivo, fin y final. Sin embargo y frente a lo que muchos creen tener como certeza, la verdadera comedia no es aquella que te hace reír mucho o muy fuerte y de manera descontrolada, también es la que te hace sonreír.

Esto es muy fácil. Para cualquiera con un mínimo de ingenio arrancarnos una risa impetuosa y ruidosa es muy sencillo. Una tarea de coser y cantar. Un mal chiste, una caída ridícula o un comentario hábil son muchas veces suficiente pero, ¿qué es de quién consigue mantener a alguien con una sonrisa durante un tiempo? No se trata de provocar una tímida risa con fecha de vencimiento en los dos o tres segundos posteriores, se trata de ser capaz de mantenerla. De principio a fin.

Arthur Miller solía decir que “el teatro es tan infinitamente fascinante, porque es muy accidental, tanto como la vida”. Esta frase del dramaturgo cobra sentido en numerosas historias y en la vida de no solo muchos personajes, también en la de muchas personas. Pero… ¿y en La madre que me parió? ¿No lo hace acaso más que nunca? 

Mujeres divorciadas, mujeres sumisas a cargo de sus maridos, mujeres valientes, madres que necesitan ser reconocidas y queridas pero, sobre todo: mujeres empoderadas. Todas ellas capaces de coexistir formando una simbiosis perfecta.  Mujeres que, al fin y al cabo, nos enseñan que la maternidad es una opción, hasta qué punto puede llevarnos el autoengaño, las consecuencias de una mala decisión o lo dependientes que podemos llegar a ser sin darnos cuenta. Y es ahí donde está el quid de la cuestión, en el mismo quid pro quo al que, indudablemente, se enfrentan madres e hijas generación tras generación. 

Los años pasan y no perdonan y el “te lo dije” de una madre tampoco. Hijas con derecho a equivocarse y madres que tratan de no volver a ver repetidos sus mismos errores. Un camino que de la mano del humor es mucho más divertido. Y menos doloroso.

La veteranía dentro y fuera del escenario precede a las madres: Marisol Ayuso, Aurora Sánchez y a Juana Cordero quienes deslumbran y hacen deslumbrar en el escenario. Unas hijas que, encarnadas por las maravillosas Alicia Garau, Ana Villa, Eva Higueras y Sara Vega no hacen otra cosa que demostrarnos que distintas generaciones son capaces, frente a todo pronóstico, de convivir sin matarse. Así lo han hecho toda la vida. Y así lo harán.

Fue también Arthur Miller quien afirmó que “El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a sí misma.” Y qué cierto es esto. ¿Qué es la comedia sino una manera sana de enfrentarnos a la realidad? ¿Qué es lo que nos asusta? ¿Y lo que nos enfada? O, ¿qué es lo que nos parece injusto? A veces, hacerse cargo de todo este crisol de sentimientos puede resultar muy doloroso.

¿No lloramos lo suficiente ya  por nuestras pérdidas? ¿No sentimos suficiente rabia por nuestras frustraciones? Los años no perdonan igual que no lo hace la vida pero, si nos reímos y sobre todo si sonreímos quizá todo nos parezca un poco mejor.

 

Por: Nara Juárez

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‘Viva la Pepa’: cómo sobrevivir a la fama y a la sociedad, y hacerlo con gracia

La nueva comedia protagonizada por Pepa Rus

En la vida siempre necesitamos alicientes. Ya sea una onza de chocolate, una hora (o varias) tomando algo con los amigos o una película con mantita. Necesitamos algo que nos sirva como meta para que acabemos rápido lo que sea que estemos haciendo, o viviendo. Pues bien: esa es Pepa.

Pepa es ese alguien que te da energía positiva, aun viviendo algo que dista mucho de ser así. Es la simpatía en la que te centras para llegar a la meta. Y es que ella es, simplemente, pura luz.

Pepa Rus es Pepa, la única madre soltera de dos gemelas de Melilla que tiene la positividad y la alegría de quien no tiene nada más. Un día, sin embargo, todo cambia cuando rescata a un águila en peligro de extinción y se convierte en toda una estrella. Periodistas, políticos,  medios de todo el mundo e incluso la realeza quieren tenerla al lado… hasta que acaban olvidándose de ella, y ninguna de las promesas sobre mejorar su vida y la de sus hijos se cumplen. Eso sí, antes de que su popularidad desaparezca por completo, Pepa tiene un plan: convertirse en la alcaldesa de Melilla y ayudar a sus habitantes.

“¡Viva la Pepa!”, dijo Pepa Rus nada más pisar el escenario con un chándal gris y un carrito de bebé de dos plazas. Nos encontrábamos en el Teatro Lara, en una calle paralela a la Gran Vía, resguardada de los flashes de turistas dirigidos al edificio de Schweppes. Y dentro del teatro, de esa fachada que te pide entrar y disfrutar de su entrada con cristales y columnas de época, está la sala Lola Membrives. Se trata de una pequeña estancia a la que entras bajando por unas escaleras, como quien descubre un tesoro en el sótano de su casa. Está formada por un escenario en el centro y filas de sillas rodeándolo, y a los tres elementos en los que nos centraremos los siguientes 65 minutos: un carrito de bebé, un versátil bloque gris y la indiscutible Pepa (la Chimpa). Fue aquí donde varias personas respondieron a Pepa Rus con un “¡Viva!”.

“Me va a gustar”, pensé justo después de esta primera intervención. Y no me equivocaba.

Creada por Juan Luis Iborra y Sonia Gómez, esta historia nos presenta la realidad en su más absoluta crudeza. Nos habla de pobreza, del proceso de ascenso y descenso de la fama, y de una sociedad actual en la que las prioridades están difusas. Y sin embargo, no hay un solo momento en el que no lo pases bien. Ya sea por el desparpajo de Pepa o por su ingenua naturalidad, lo cierto es que te roba el corazón (y la risa) desde el principio, y te dura hasta el final. Dirigida por Juan Luis Iborra, la obra nos habla de la realidad, sí, pero no se recrea en esas verdades amargas, sino en cómo solucionarlas. O, al menos, en aceptarlas con gracia.

Pepa hace ayuno intermitente involuntario y vive bajo la pobreza en recursos de todo tipo y condición. “Aunque riqueza en el alma”, como nos cuenta que le dijo un día Vicenta, heladera y su mejor amiga. “Pero el alma no alimenta”, le respondía nuestra protagonista a su vez. Y es que es una historia de realidad. De estar arriba, abajo y de levantarse para intentar llegar a un estado vital intermedio. Y aun así, a pesar de contarnos algo tan crudo, si te lo dice Pepa, nuestra protagonista de Melilla, todo cobra un significado y una filosofía distintos.

Con una rapidez de pensamiento increíble, el espectador presencia la vida de la protagonista de una manera tan ágil que ni siquiera te hace consciente de que está pasando el tiempo. Un tiempo marcado por una iluminación distinta ideada por Juanjo Llorens que, junto a la escenografía de Eduardo Moreno, ayuda al público a dividir el tiempo inconscientemente.

Y gracias a Pepa Rus, porque Pepa no sería Pepa si no fuera por ella. El monólogo dura más de una hora, y el público no se cansa de verla en ningún momento. Y ella parece que tampoco. Se mueve por el escenario y se queda quieta; nos hace reír y nos deja pensando sobre algún comentario supuestamente ligero pero lleno de significado al que le das vueltas al salir de la obra. Haga lo que haga, se mete al público en el bolsillo desde el principio. Y nosotros lo aceptamos de buen gusto, porque sería antinatural no dejarla hacerlo.

No tengo nociones de interpretación, tengo que admitirlo, así que no sé cuánta validez puede tener mi opinión, pero memorizar más de una hora de monólogo tiene que ser complicado, y mucho. Y hacerlo con gracia, aún más. Pero ahí está Pepa Rus, con la voz clara con cada línea y haciéndonos sentir cada palabra. Nos convierte en sus confidentes y nos deja con las ganas de tener su número de teléfono, burofax o e-mail para seguir hablando con ella de la vida.

Nos habla como amigos, como quien queda con su grupo de la infancia a actualizarse la vida desde hace tiempo. Interactúa con las filas de sillas, haciéndonos partícipes sin ser protagonistas. Nos hace parte de su historia y, por tanto, de su vida.

Una vida que pudo haberse convertido en un juguete roto, pero que no llega a serlo gracias a la candidatura a unas elecciones a la alcaldía de Melilla. ¿La razón? Ayudar a los demás y evitar que sus vecinos se quemen por el sol y tengan los dientes mal alineados.

Viva la Pepa, sí, y vivan todas las Pepas que salvan águilas todos los días y de las que nadie se da cuenta.

 

Por: Marina Carrasco

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YAG: el microteatro contra la homofobia que le da la vuelta a todo

A veces, tan solo basta con buscar el absurdo, el lado más irracional o disparatado de algo. Puede ser una situación, un lugar o simplemente una cuestión que muestre lo ilógico, incluso lo demencial que resulta eso mismo visto desde otra perspectiva. El ser humano, tiene la capacidad de normalizar aquello que se repite de manera prolongada en el tiempo, discerniendo entre lo que es lo habitual y lo raro, sentenciando, por otra parte, lo que es normal y lo que no. 

“Papá, soy hetero”. Tres palabras son suficientes para darle la vuelta a toda una estela de prejuicios, encasillamientos, mentes cerradas o simplemente a una sociedad que dice estar preparada para un cambio que no hace patente. La cruda realidad es que las palabras hetero y gay o lesbiana no van nunca de la mano, ni se meten en un mismo saco, sino que se muestran como líneas paralelas o divergentes que tratan sin éxito de convergir. 

YAG, un microteatro contra la homofobia al que le bastan 20 minutos para demostrar que esta no debería tener cabida en nuestra sociedad. Charlotte Arrese y Nacho Arrese, padre e hija en la vida real y padre e hija en la ficción nos hacen partícipes de una complicidad que se te pega a la piel y al corazón a cada minuto que pasa. El Teatro Off Latina da la oportunidad a esta humilde, pero talentosa representación que hará que salgas siendo una persona distinta de la que ha entrado. Una persona mejor. 

 

El humor esconde, en incontables ocasiones, situaciones duras y dramáticas que, bañadas de una absurda realidad logra transmitir lo que la tragedia no siempre consigue. Por su parte, Charlotte (o Carlota) y Nacho son el claro ejemplo de que menos es siempre más. En escena, junto a ellos: una mesa, dos sillas y un plato de lentejas de bote que son suficientes para concienciar, transmitir, sensibilizar e impregnar de valores a un público dispuesto. “Pero…, ¿qué he hecho mal?”, “¿Se le nota mucho?”, “¿Tú estás segura?”, “¿Quieres que llame a mi amigo terapeuta?» ¡Seguro que puede ayudarte!” YAG desmantela todos estos interrogantes y demuestra que dejan de tener sentido según el qué, el quién o el dónde.

Unos personajes capaces de mirar a los ojos a su enemigo, sin un solo ápice de miedo, sin balbucear y sin que les tiemble el pulso. Hablan alto y claro en favor de todo un colectivo oprimido dispuesto a señalar al opresor. ¿Se ve todo con más claridad si le damos la vuelta? ¿Qué deja de tener sentido y qué no? ¿Nos da miedo ver desvanecerse a las creencias de toda una vida? ¿Nos da miedo romper con esa normalidad?

Más allá de lo absurdo, de lo dramático o lo cómico. Un padre y una hija que se desnudan y se sinceran ante una realidad patente en la sociedad y en muchas familias. Un tremendo ejercicio de valentía que conciencia, que abre los ojos de muchos y cierra los de otros. Un padre, un Nacho comprensivo, que ama sin condiciones y condicionantes. Una hija, una Carlota (o Charlotte) que se presenta a sí misma como valiente y vulnerable, y que nos enseña que ambos son compatibles. Un público que no juzga, que no cuestiona, que deja ser, hacer y deshacer a su antojo. Una obra que cierra caminos y abre senderos. 

 

Por: Nara Juárez

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Las mejores películas navideñas de Netflix

Tic, tac, tic, tac… La navidad está cada vez más cerca y, ¿a quién no le apetece un plan calentito de manta y peli? En estas fechas, no hay mejor opción que quedarse en casa disfrutando del calor del hogar mientras vemos una de esas historias de amor navideñas que todos sabemos cómo acaba, pero que veríamos una y otra vez. 

Son muchas las plataformas digitales y opciones que tienes para llevar a cabo este superplan: HBO, Amazon Prime, Disney +, y otras tantas alternativas. Para que la lista no sea eterna, te presentamos las mejores películas navideñas que se encuentran ahora mismo en el catálogo de Netflix, y que deberían ser de obligado visionado cada vez que se va acercando la Navidad.

Prepara las palomitas o el chocolate caliente porque… ¡Empieza la maratón! 

Amor de calendario

Tanto Sloane (Emma Roberts) como Jackson (Luke Bracey) odian los días festivos. Siempre acaban sentados en la mesa de los niños, sintiéndose más solos que nunca y sin parar de darle vueltas a la idea de que están solteros y que será así durante mucho tiempo. En una fiesta de navidad se conocen y llegan a una especie de “acuerdo”: desde ese momento se acompañarán a todos los festivos del próximo año. A pesar de que la química entre ellos es más que obvia, no reconocen lo mucho que les gusta compartir estas situaciones surrealistas y momentos cómicos con el otro… ¿Se darán cuenta de que son la pareja perfecta?

Operación Feliz Navidad

Una película más que se sube al carro de las imprescindibles para estas fechas. La trama se desarrolla alrededor de una iniciativa por parte de la Fuerza Aérea estadounidense en la isla de Guam. La base Anderson es la encargada de recolectar ropa, comida y juguetes de todo tipo que serán entregados a los habitantes más necesitados de la Micronesia. Erica Miller, una asistente del Congreso enfadada por tener que renunciar a pasar las vacaciones con su familia, tendrá la misión de recopilar pruebas que justifiquen el cierre de esta base americana. Sin embargo, el apuesto capitán Andrew Jantz será el encargado de convencerla de lo contrario y no se lo pondrá nada fácil… ¿Lo conseguirá?

El caballero de la navidad

¿Qué hay más mágico que un viaje en el tiempo? Una historia de amor en la que Brookie (Vanessa Hudgens), una profesora de instituto que no cree en el amor se enamora de un caballero medieval inglés del siglo XIV que es transportado por la magia al Ohio actual. Una película idónea para ver en estas fechas especiales, en la que no faltará la ilusión, los momentos en familia y por supuesto, el amor.

El calendario de Navidad

Una de esas películas con ambiente navideño que te sacará una sonrisilla. Cuenta la historia de Abby, una fotógrafa talentosa que se encuentra en la constante búsqueda de un trabajo pero que nunca deja de luchar por salir adelante. Hereda un antiguo calendario de adviento navideño cuyo contenido parece predecir el futuro y marca un rumbo directo al amor. Toda una historia de superación llena de ternura que hará más amena una de esas tardes de domingo. 

Navidades en California

Un rico seductor con un despreocupado estilo de vida que se hace pasar por peón de un rancho para conseguir que una granjera le venda sus tierras antes de navidad…¿Qué podría salir mal? ¡Te lo diré! No tardará mucho en enamorarse de la encantadora Farmer Callie, quien abrirá paso a todo un conflicto emocional que generará un gran dilema en el corazón y en la cabeza del caprichoso Joseph. 

 

Por: Nara Juárez

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Conciertos Cultura Música Pop Pop español Pop/rock

La Nueva Ola del pop español sube la marea musical

Hay muchas razones por las que escuchamos música.

Quizás sea como con la Coca-Cola cuando tenemos 12 años y simplemente la probamos porque vemos a mucha gente pedírsela; porque el modelo de esos auriculares es monísimo y necesitamos algo que escuchar una vez los compramos; o solo porque sí, porque nos hace sentir bien y porque es casi un acto reflejo eso de encender el ordenador e ir directamente a Spotify. La verdad es que no hay un motivo estándar por el que escuchamos música: cada persona es un micro universo de razones que tratamos de comprender con cada canción que pasa de nuestra playlist.

Y, sin embargo, siempre hay algo que destaca un poquito más sobre el resto de razones. Puede ser porque la letra parece hablar directamente sobre nuestra vida sin dar nombres, o porque la melodía es la que marca la velocidad de los pasos que llevamos camino al metro. Sea lo que sea, al final se trata únicamente de conectar.

Pues bien, ha llegado un nuevo género que sabe hacer ambas cosas, que simplemente ha venido y ha conectado con la audiencia. Es la Nueva Ola del pop español.

Está formado por artistas españoles que se encuentran en sus veinte y que (como todos nosotros) no saben muy bien cómo se gestiona esta nuestra vida. Son personas como tú y como yo, que escriben sobre lo que sienten de manera honesta, hablando como si su mejor amigo estuviera al otro lado de los auriculares. Y para ello, se sirven de dos cosas fundamentales: el pop y mucho talento.

Si bien son canciones que se pueden relacionar más bien con el género del pop, no se limitan a seguir los cánones del género, sino que experimentan con los sonidos hasta llegar a otro nivel. Juegan con estímulos sonoros que escuchamos a diario y que forman parte de nuestra rutina hasta tal punto que nos olvidamos de ellos. Pero no la Nueva Ola. Estos artistas los cogen y hacen arte: el sonido que hace el teclado de WhatsApp, resoplidos, audios… todo vale. Y eso es talento.

Eso, y trabajo duro. Y es que todo el proceso creativo, de principio a fin, es llevado por ellos. Son los que interpretan, producen y componen sus propias canciones. Normalmente, grabando desde el ordenador de su habitación, aprendiendo a mezclar con paciencia y ensayo y error.

Lo mejor de todo es que, como pasa cuando te gusta lo que haces, no se limitan únicamente a crear temas propios, sino que colaboran entre ellos en diferentes canciones suyas. Son como esa clase idílica de 5ºA en la que todos se llevan muy bien entre ellos y por eso les da igual hacer trabajos en grupo con personas diferentes de la clase. De hecho, una de las canciones que podrían ser un himno de este género es Batmóvil – Remix, donde colaboran artistas tan conocidos como Hens, Pole. y Funzo & Baby Loud.

Por eso, aquí os traemos una lista con solo algunos de los artistas de esta Nueva Ola del pop español que están revolucionando la industria nacional:

Sebastián Cortés

El madrileño nacido en Colombia es, a sus veinte años, un referente del género. Su álbum “Canciones Que Hice En Mi Habitación” (2021) describe a la perfección todo el género: es él y la pasión por la música. Y a pesar de eso, de que sea un proceso en gran medida autodidacta, la calidad de sus canciones no tiene nada que envidiar a aquellos grabados en enormes estudios de producción.

De hecho, no le ha hecho falta nada para conseguir que temas como Dos X Tres (Demo), Me Da la Vida o T la Sudo (Demo) hayan alcanzado individualmente millones y millones de reproducciones en Spotify; además de colaboraciones tan exitosas como la que tiene con la artista Alba Reche en La Posada.

 

Daniel Sabater

Lo hemos escuchado en temas en los que solamente está él y en otros en los que comparte pista de audio, y en todos ellos da lo mismo: siempre va a ser un temazo. El murciano cuenta con su propio EP “tenemos que quedar”, incluyendo canciones como el sofá o no me da la gana; además de sencillos que todos estamos esperando que se conviertan en complejos solo para que saque nuevo álbum.

Entre todos esos temas, encontramos montones de colaboraciones con artistas muy sonados dentro de la Nueva Ola. Entre ellos, 2010, con Roy Borland; Talk con Walls y GOKO!; nosotros 2 con KICKBOMBO; Americanadas con Sebastián Cortés; o Ya con Flavio.

Destaca también el remix de su canción original Calor, en la que colaboraron Soge Culebra y Sebastián Cortés; además de la colaboración internacional junto a Oscar Anton y Clementine en nuits d’été.

Hens

Está en cada lista del panorama musical actual en España. Y es que su álbum “Hensito”  ha sido todo un éxito desde que salió este 2021. Cualquiera de sus diez canciones son un “es que es increíble, Hens me entiende a la perfección” que acumula millones de reproducciones individualmente.

Pese a todo, es inevitable no hablar de grandes éxitos como Dos Días al Mes junto a Delgao, %, o Me Encanta(s). Incluso ha colaborado junto al famoso grupo Despistaos en el remix de una de sus canciones, Quedar Pa Joder.

Walls

Es escucharlo y querer quedarte hasta el final de la canción. O del EP, como es el caso de “38º” (2019), en el que cada canción presenta un mínimo de un millón de reproducciones con temas como Si Me Muero o Mírame.

Y es que todas las personas que han colaborado con él saben todo este talento. Es el caso de Belén Aguilera con el éxito FUCK OFF; de Soge Culebra y Pol Granch con Cuando me mirabas; o junto a Xavibo y Marc Seguí en Haciendo na.

No puedo dejar pasar la oportunidad también de recomendar un temazo como Anestesiado, con un total de casi 4 millones de reproducciones en Spotify.

Nuestras playlists se han llenado de ellos, su música es la que cantas mientras te duchas y sus letras las que piensas en escribir en Twitter. Sus canciones son su medio de expresión y el medio de canalización de quienes los escuchamos. Y qué bien sienta (y se escucha).

 

Por: Marina Carrasco

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Cine Cultura Series Televisión

El regreso de las series españolas que tanto nos gustaron

Apostar por los clásicos nunca es una mala opción. Física o química, Los hombres de Paco, Los protegidos y El Internado, cuatro series protagonistas en la adolescencia de muchos que vuelven recordándonos nuestros mejores años. No es la primera vez que el público pide la vuelta de estas grandes series que tanto nos hicieron disfrutar tiempo atrás. Si bien es cierto que no todas ellas han tenido el mismo resultado ni la misma acogida, es innegable la ilusión que nos produce ver en pantalla a aquellos personajes que tanto nos regalaron en su día.

El fenómeno fue lo que conocemos como efecto dominó: cada vez eran más las series que poco a poco iban anunciando su vuelta. Series que nos hicieron un poco más amena la vuelta a la normalidad presentándonos el 2021 como un año nostálgico.

Física o química: el reencuentro

Las puertas del Zurbarán vuelven a abrirse para recibir a todos aquellos que rieron, lloraron, disfrutaron y sufrieron en sus aulas. Una miniserie de dos capítulos en la que alumnos y profesores se reencuentran años después. ¿Qué ha cambiado? ¿Los mismos amores? ¿Las mismas discusiones? ¿Tensiones? ¿Algún tema sin resolver?

Una producción disponible en la plataforma Atresplayer Premium, que tiene como punto de partida la boda de Yoli con Oriol, un chico que no pertenece al grupo de amigos original, el de siempre. Y es que, cualquier excusa es buena para que estos chicos la líen, y una boda parece ser la ocasión perfecta para recordar el pasado. Pese a contar con prácticamente la totalidad del reparto original de la serie, la ausencia de Úrsula Corberó se hace notar.

 Los hombres de Paco, el regreso

Regresa la inolvidable historia de amor de Lucas y Sara. De nuevo, Atresplayer Premium ofrece a los espectadores el recuerdo de una de las parejas más seguidas de la historia de la televisión. El trío de Paco, Mariano y Lucas, aunque con nuevas incorporaciones, vuelve a las andadas. Once años después de su último episodio en mayo de 2010, la serie retorna manteniendo su esencia y mostrando la nueva etapa de la vida en la que se encuentran los personajes. Esta vez, el caso principal al que se enfrentan gira alrededor del tráfico ilegal de armas radiactivas. Surrealista, como se puede ver la serie no ha perdido su esencia

A pesar de que en un principio la serie estaba pensada para ser emitida en la plataforma de Atresplayer, debido al gran éxito que ha experimentado va a ser televisada para el disfrute de todos. Vuelven Paco Tous, Carlos Santo, Neus Sanz, Pepón Nieto, Michelle Jenner y Hugo Silva, y parece que va a llover…

Los protegidos, el regreso

Un grupo de personas con poderes que fingían ser una gran familia pero que acaban siendo una de verdad. Diez años después de la emisión de la serie Los Protegidos, regresan las tramas del relato original. Aunque parece que en estos últimos años cada uno ha tomado caminos diferentes, se ven en la obligación de volver a unirse si quieren salir ilesos de la nueva amenaza que les persigue. Dora, la hija de Sandra desaparece y todos colaboran como en los viejos tiempos para ayudarla a encontrarla.

¿Qué pasó con culebra y chispitas? ¿Cómo son ahora los más pequeños? ¿Qué ha sido de Lucas?  ¿Y de Mario? Atresplayer vuelve a juntar a los Castillo y Antonio Garrido, Ana Fernández, Luis Fernández, Mario Marzo, Daniel Avilés, Gracia Olayo y Óscar Ladoire vuelven a formar parte del reparto que tanto gustó hace ya tiempo. Y por supuesto, para quien se lo esté preguntando: No, no faltarán los toques de humor de la incansable Rosa Ruano.  

El internado: Las Cumbres

Se trata de un reboot que, aunque mantiene la esencia de la serie original, llega con unos nuevos personajes que se encontrarán con numerosos misterios e incógnitas que tendrán que resolver. 

Amazon Prime trae consigo la historia de unos adolescentes problemáticos y rebeldes que tendrán que vivir bajo la disciplina que el Internado Las Cumbres les impone. Situado en un lugar perdido entre las montañas, el colegio es un antiguo monasterio rodeado por un bosque repleto de leyendas que siguen aún vigentes y que les adentrará poco a poco en aventuras escalofriantes. Un asesinato ritual que acabará precipitando los acontecimientos. Una temporada con ocho capítulos que quién sabe si va a seguir el camino de la serie original y va a acabar con, al menos, siete temporadas.

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Conciertos Cultura Música

Las mejores colaboraciones musicales del 2021

La unión hace la fuerza. Ir al cine no sabe igual si no es con palomitas (con o sin mantequilla), subir un poco más la cabeza al llegar tarde a clase es más fácil si vas con un amigo, y ducharse es mucho más gratificante si el móvil está al lado con esa playlist a volumen 92. Hay cosas y personas en la vida que, cuando colaboran, todo es un poquito mejor. No sabes por qué, simplemente se siente más completo.

Pues bien, desde principios de este año, el mundo de las colaboraciones ha llegado fuerte al panorama musical actual, tanto en España como en el resto del mundo. Las listas se han llenado de “ft.” y comas que separan los nombres de los artistas que ya teníamos en bucle por separado. Por eso, hoy os traemos una lista con algunas de las colaboraciones que más han dado de qué hablar (y escuchar) este año, además de aquellas que acaban de salir y que vienen con mucha expectación.

Rakata Remix

El reggaeton nos tiene acostumbrados a las colaboraciones, no es nada nuevo, pero lo de Rakata–Remix es algo que sí que no esperábamos. Es escucharlo y bailar sin querer. Incluso por la calle te tienes que forzar a ti mismo para recordar que estás en un espacio público y que bailar por la acera entorpece a los viandantes.

A principios de agosto de este 2021 teníamos la versión original con Original Elías, Moncho Chavea, Yotuel y C de Cama; y ya fue un éxito. TikTok se llenó de gente moviendo las manos y girando de izquierda a derecha con el mar de fondo, la piscina o la pared de la habitación. Todos la seguíamos teniendo en la cabeza para cuando, el 3 de septiembre, Omar Montes, Mala Rodríguez, Rvfv, Nyno Vargas y Beatriz Luengo decidieron unirse para hacer que el verano durase un poquito más.

La versión original acumula ya más de 24 millones de reproducciones, además de las más de 6 millones del remix en Spotify; y es que todo el mundo necesita un poco de ese rakata(katakatakatá) del que habla Original Elías en algún momento.

Tiroteo Remix

Desde el pop de la Nueva Ola del género en España a la que pertenecen Marc Seguí y Pol Granch, Rauw Alejandro decidió unirse para dejar una colaboración redonda: Tiroteo – Remix. Ya sabíamos de ella antes de mediados de este año, pero la seguimos escuchando durante todo el verano como si fuese algo que acababa de salir.

Cantándola con la misma emoción que la original, este tema se ha mantenido en lo alto de las listas de nuestro país durante mucho tiempo, alcanzando los casi 166 millones de reproducciones en Spotify.

Llueve sobre mojado – Pablo Alborán, Aitana, Álvaro de Luna

Entre muchos otros, hay tres artistas que, actualmente, no pueden faltar en ninguna lista nacional: Aitana, Álvaro De Luna y Pablo Alborán. Si suelen ser protagonistas en las listas por separado, ¿por qué no juntarse? Eso es lo que ha pensado Pablo Alborán quien, con Llueve sobre mojado, ha querido contar con ambos artistas para crear una letra sobre las heridas amorosas que sanan pero cuya cicatriz se nota cada vez que cambia el tiempo. Salió el pasado 15 de octubre bajo una melodía pop que se mantiene en la cabeza y que hace lo propio en los ránkings nacionales.

Bizarrap

Nos encontramos con la cúspide de las colaboraciones en la industria musical actualmente. Como ocurre en algunas películas en las que algún personaje un poco esnob dice “si no estás en esta fiesta, no eres nadie”, si no has colaborado con Bizarrap, probablemente seas alguien, pero no demasiado.

El productor y compositor argentino que todo el mundo quiere ver sin gafas cuenta con unas Music Sessions que van numeradas a medida que los artistas pasan por sus producciones. Y este número no hace más que aumentar. Su colaboración con Nathy Peluso en Nathy Peluso: Bzrp Music Sessions, Vol. 36 fue todo un éxito que acumula casi 157 millones de reproducciones en Spotify. Sus siguientes colaboraciones con Nicky Jam, Snow Tha Product, Eladio Carrión o Ptazeta también fueron muy bien recibidas por un público que ha vuelto a incendiar las listas.

Camilo y Evaluna

Hay gente que tiene buenas energías. O eso, o simplemente te caen bien, pero lo cierto es que Camilo y Evaluna forman parte de esa gente. A pesar de que tienen carreras en solitario, ya han colaborado muchas veces haciendo covers de canciones que les gustan para su canal de YouTube conjunto. También los habíamos visto en colaboraciones de canciones propias como Macchu Picchu o Amén (en este último caso, junto a Ricardo Montaner, y Mau y Ricky). Con melodías puramente pop, sus voces se entrelazan y armonizan como si eso fuese lo único que pudiera pasar, como si fuera lo natural.

 El pasado 13 de octubre la magia volvió a ocurrir. Sacaron nuevo tema, Índigo, y justo antes de salir del vídeo oficial de YouTube para poder añadirla a nuestra lista de Spotify, nos lo mostraron en pantalla: Evaluna está embarazada, y junto a Camilo, esperan un bebé. La segunda mitad del videoclip presenta la reacción de Camilo y de todos los allegados a la pareja al enterarse de la noticia. Todo esto con un tema pop alegre y tierno de fondo en el que el amor hacia este futuro integrante de la familia es casi palpable.

Cada vez que un cantante saca tema nuevo, una parte de sus pensamientos, de su tiempo, y de ellos se queda en esa canción. Si eso es algo que ya podemos notar cuando escuchamos un agudo de Ariana Grande, el “19 días y 500 noches” de Joaquín Sabina antes de que suene la guitarra, o el “I can see your halo” de Beyoncé; esa emoción se multiplica cuando lo que escuchamos viene compartido por varias voces.

Porque la unión hace la fuerza, sí, pero también la música.

 

Por: Marina Carrasco

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Espectáculos y teatro Uncategorized

Reseña Whitney Houston: todos los ídolos merecen un homenaje a su altura

¿Qué darías por tener a Withney Houston cantando frente a ti? ¿Qué darías por volver a sentir sus directos, con la misma potencia y energía que siempre?

Ahora es posible experimentarlo, porque la voz con mayúsculas vuelve a los escenarios con sus mejores éxitos en un formato de gira que nunca imaginaste: ¡el Hologram Tour!

Tras un estreno frustrado en Las Vegas durante el año pasado debido a la COVID 19, ha sido el Gran Teatro Bankia Principe Pío quien ha acogido su estreno mundial en Madrid. Podrás disfrutarlo hasta abril de 2021, cuando continuará su gira por otros países, ¡te lo contamos todo!

 

WHITNEY HOUSTON HOLOGRAM TOUR: EL ESPECTÁCULO

Un inmenso escenario, una banda de música en directo, un cuerpo de bailarines de primera y los mejores efectos de luces y sonido te esperan dentro de la Estación de Tren Principe Pío, anticipando lo que será un show sorprendente y poco habitual para el público.  Y es que este concierto holográfico sólo es posible gracias a una cuidadosa mezcla de innovación y pura experiencia en el mundo del espectáculo. La novedosa tecnología utilizada viene de la mano de Base Hologram, empresa pionera en la recreación de imágenes con grandes y reconocidos montajes a sus espaldas. Además, desde la parte artística se suma al proyecto la aclamada directora de arte y creativa Fátima Robinson, quien dirige y coreografía. El resultado: un show digno de la artista que lo protagoniza.

La suma del esfuerzo técnico y humano da un resultado estéticamente impresionante e inesperado, donde lo físico se fusiona con lo virtual en un concierto continuo e imparable. Desde la profesional banda que acompaña a la artista con la música en estricto directo, siguiendo por el acompañamiento de cantantes, los efectos, el ritmo del espectáculo, el enérgico cuerpo de bailarines siempre sumido en dinámicas coreografías… y como colofón, el espectáculo de luces e inmensas pantallas, con proyecciones que convierten cada tema en todo un homenaje a Whitney Houston.

El realismo y excepcional integración del holograma de la artista con el resto del espectáculo nos hizo zambullirnos de lleno en la música, olvidando lo que era real y lo que era proyectado, permaneciendo absortos en la voz, la música, el movimiento y espectáculo. Fe de ello es la emoción incontenible de muchos espectadores, pues vivir el concierto póstumo de un gran icono como Whitney Houston es todo un privilegio. Y es que la voz, los sentimientos, y la vibración a la altura del esternón son los mismos.

Un gran montaje para un gran show, a la altura de su estrella. Una puesta en escena cuidadosa, con atmósferas envolventes que te llevan in crescendo al exceso vocal de Witheny, que llena cada rincón del teatro. Y por supuesto, ella: la gran Withney Houston, como centro y guía de todo el concierto.

No echamos de menos ninguno de los hits más icónicos en el repertorio, con un set list escogido con mimo para que nos trasladásemos a sus mejores actuaciones: I wanna dance with somebody, Higher Love, I have nothing, Greatest love of all o los más conocidos temas de la película El Guardaespaldas I Will always love you y Run to you. Con una Withney tan real y casi tangible moviéndose por el escenario. Los fans más acérrimos verán satisfecha su nostalgia y tampoco decepcionará a los que descubran a la artista en esta gira. Porque en el patio de butacas vimos emocionarse a gente de todas las edades ante el realismo de la puesta en escena.

Especial mención al cuidado de las medidas COVID por parte del personal del teatro: gran precaución en entradas y salidas, ordenadas y por filas progresivas para evitar acúmulos de gente en las puertas, mesas individuales con gran separación entre ellas ,y mascarillas obligatorias durante toda la función, para que la seguridad no te impida disfrutar cada minuto.

Todos los fans merecemos el directo de nuestro ídolo. Todos los ídolos merecen un homenaje a su altura. No importa lo exigente que te consideres como fan, ni el recuerdo que tengas de sus directos: este concierto es una experiencia única y novedosa.

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Espectáculos y teatro

Lavar, marcar y enterrar: el valor de la comedia

Mezcla mechas, balas, y algún que otro hueso enterrado, dale forma de teatro y obtendrás una divertidísima comedia. El resultado es Lavar, Marcar y Enterrar, una veterana obra que te inundará de estilo y de carcajadas, aunque intentes esconderlo detrás de la mascarilla. ¿Quién no necesita un corte de pelo y de paso un buen atraco en estos tiempos de pandemia? 

Tras una satisfactoria andadura iniciada en 2014, Lavar, Marcar y Enterrar lleva nada menos que cinco temporadas en el Teatro Lara.  Forma parte de la Trilogía Capilar sobre el Secuestro, junto a su precuela Rulos, el origen y su secuela No hay mejor defensa que un buen tinte, todas ellas repletas de humor, misterio y mucha estética. Escrita y Dirigida por JuanMa Pina, cuenta a sus espaldas con la candidatura al Autor Revelación en los Premios MAX 2015 y III Premios Mi Butaquita por Mejor Dirección y Autoría Novel.

Crónica Lavar Marcar Enterrar

En el corazón del Teatro Lara, la Sala Lola Membrives se convierte así durante 90 minutos en testigo de un bizarro y descalabrado secuestro que mantendrá al espectador inmerso en una comedia ágil, inmersiva y con tantos giros de guión como extensiones puedan caber en una buena peluca. Bienvenidos a la peluquería “Cortar Cabezas”.

Justo antes del cierre nocturno de “Cortar Cabezas”, una pareja de atracadores enmascarados irrumpen con un plan perfecto en su mente: entrar, conseguir el botín y huir fugándose de la capital. Parecía fácil. Pero escena a escena todo se irá enredando por culpa de los misterios que encierra ese sótano húmedo en el que se van desenterrando secretos y huesos a partes iguales, de los que ni la orgullosa dueña ni su empleado saben nada…aparentemente. El pasado no es sencillo de ocultar bajo permanentes y laca, y entre estrafalarias situaciones y flashbacks a los años dorados de la movida madrileña, la obra va transcurriendo paralelamente en distintas líneas temporales, desenredando en ágiles diálogos e hilarantes situaciones la verdadera historia de este local de Malasaña que ha sido testigo de mucho más que cortes de pelo y permanentes.

Reseña Lavar Marcar Enterrar

Desde el primer minuto, queda de manifiesto la gran conexión de los actores con el público, quien pasa a formar parte del espacio dramático como clientes de esta peluquería demencial. Destaca el personaje interpretado por Mario Alberto Díez: Fer, el empleado tan fiel como neurótico que desde su particular personaje explota la esencia más cómica de la mímica. Cada mirada, cada tic , arranca risas con su mera presencia sobre el escenario. En el extremo opuesto, la tranquila inteligencia de la dueña del local (en la piel de una soberbia Olga Hueso), resignada sólo en apariencia a ver cómo en una sola noche se puede ir al traste todos los años invertidos en puntas abiertas y en mantener su negocio.

Por descontado el cuidado con que se mantiene toda la normativa sanitaria (desinfección completa de la sala tras cada representación, distancia de seguridad, gel hidroalcóholico previo al acceso), para que sólo nos preocupemos de dejarnos llevar por el ruido de tijeras y secadores. Y las risas.

Vete pidiendo hora en Cortar Cabezas, tienen hueco los sábados a las 17:15 y aprenderás que ni el tinte ni la tierra pueden ocultarlo todo.

Reseña Lavar Marcar Enterrar

 

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Cultura Espectáculos y teatro Eventos

Matilda, el Musical llega directo del West End a Madrid

Si os nombramos a una niña de cinco años muy viva e inteligente a la que le chiflan los libros, ¿os imagináis de quién hablamos? Y si además añadimos que tiene poderes telequinéticos, es decir, es capaz de cambiar los objetos de lugar y controlar las cosas con su mente… ahora sí, ¿verdad?

Efectivamente, estamos hablando de la archiconocida Matilda, la protagonista de aquella historia de Roald Dahl de 1988, que consiguió enamorar a generaciones y generaciones enteras. ¿Quién no ha fantaseado de niño con tener superpoderes como ella? Su brillantez e ingenio, su descaro y osadía, nos han hecho quererla y admirarla. Una niña valiente que se impuso a su ignorante familia y peleó por el futuro y la vida que se merecía.

¿Y qué ocurre con ella? Pues resulta que próximamente tendremos la oportunidad de vivir su historia como nunca antes lo hemos hecho. Al fin llega a Madrid, directo desde el West End de Londres, Matilda, el Musical, de la mano de SOM Produce. La empresa, que ha producido otros grandes espectáculos en la capital como el exitoso Billy Elliot,  ya ha convocado audiciones para su futura producción. ¡La próxima temporada teatral promete volver con toda la fuerza del mundo!

 

 

SOM Produce está buscando niños y niñas de entre siete y diez años, con alturas máximas de 1,35 centímetros. Si conoces a alguien con superpoderes o que al menos encaje en estos parámetros, ¡debéis rellenar el formulario de inscripción! Por ahora, todavía no se saben las fechas de estreno, ni el teatro en que tendrá lugar la premiere de Matilda, el Musical, pero estaremos atentos para no perdernos detalle de las futuras revelaciones que se hagan sobre el show. 

Un espectáculo que ha dado la vuelta al mundo, ha conquistado al público y a la crítica, y se ha mantenido en cartelera durante años y años. Después de haber estado en las mecas del teatro de los dos lado del globo, Broadway y el West End, tendremos la suerte y el honor de acoger Matilda, el Musical en España. 

La novela infantil de Roald Dahl fue adaptada en 2010 por el escritor británico Dennis Kelly, y se le puso la letra y música del compositor y cómico Tim Minchin. El debut de Matilda, the Musical en el West End se produjo el 24 de noviembre de 2011 en el Cambridge Theatre, y el estreno en Broadway tuvo lugar en el Shubert Theatre, el 11 de abril de 2013. Tal fue y tal es la acogida de esta superproducción, que el show ha continuado representándose hasta el día de hoy en el West End de Londres.

Vete preparando porque lo que está a punto de llegar es insólito y se convertirá en parte de la historia teatral de Madrid. Matilda viene para hacernos soñar como nos hizo de niños, para hacernos perseverar y enfrentarnos a las adversidades, y sobre todo, para darnos esperanzas. El cuento clásico de la niña que tenía poderes y amaba la lectura, ahora más real y cercano que nunca. ¡No te pierdas el estreno más importante de la próxima temporada!

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Espectáculos y teatro Eventos Monólogos y Humor

El telón se levanta de nuevo: espectáculos para este otoño en Madrid

Se aproxima el inicio de una nueva estación, y con ella no solo varía el color de las hojas, sino que también cambian las ofertas teatrales. El otoño pisa Madrid con pie firme. Llega dispuesto a revolucionar las carteleras y a inundar todas sus salas con las mejores representaciones y espectáculos. 

Qué mejor forma de celebrar este cambio estacional en el que los días se vuelven progresivamente más fríos que en el interior de un buen teatro, disfrutando de una obra desde la calidez de una cómoda butaca. Una época del año llena de encanto, que nos cautivará, más si cabe, con las oportunidades de entretenimiento que trae consigo. Aunque esta temporada viene con algunas restricciones y medidas especiales debido a la Covid-19 (restricción de aforo, obligatoriedad de mascarilla, distancia social), éstas convierten a los teatros en entornos seguros y preparados en los que podremos seguir invirtiendo nuestro tiempo de ocio.

De forma que, a continuación, os presentamos la guía teatral de la temporada. Si eres un cultureta adicto a las buenas funciones, ¡coge papel y lápiz porque no querrás perderte ni una sola de estas maravillosas obras!

 

El Brujo

Ya que hablábamos de encanto y hechizo, la primera sugerencia no podía ser otra que El lazarillo de Tormes de El Brujo, un espectáculo de poco más de hora y media que tiene lugar en el Teatro Cofidis Alcázar. En él, nuestro querido Rafael Álvarez realizará un monólogo en tono intimista, cuyo objetivo es hacer reflexionar al público sobre cuestiones existenciales como la infancia o la marginación.

Las entradas para El Brujo tienen un precio de tan solo 20 euros, ¡no lo pienses más y consigue ya la tuya!

 

Corta el cable rojo

El Pequeño Teatro Gran Vía acoge la novena temporada de  Corta el cable rojo, posiblemente una de las comedias más hilarantes de toda la cartelera teatral del momento. Un espectáculo lleno de humor, improvisación y originalidad, en el que sus tres protagonistas irán construyendo sus monólogos con las aportaciones que hacen los espectadores. 

Carlos Ramos, Salomón y Jose Andrés consiguen hacer un show ameno, divertido e interactivo, en el que las carcajadas están aseguradas. Además, encontrarás localidades desde apenas 14 euros, ¡un precio inmejorable!

 

El Peliculero

El cómico Víctor Parrado nos trae una temporada más de El Peliculero en el Pequeño Teatro Gran Vía. Un monólogo de hora y media lleno de música, baile y humor, en el que Parrado nos hará revivir alguna de las escenas más icónicas de la historia del cine a través de sus vivencias personales.

Consigue tu entrada por el increíble precio de 18 euros, y asiste a una Gala de los Oscars de lo más original, en la que se premiarán los mejores y peores momentos de la vida del humorista. ¡No te pierdas el evento del año!

 

Escape Room

La trepidante comedia de Joel Joan y Héctor Claramunt, Escape Room, pisa fuerte el escenario del Teatro Fígaro de Madrid. La historia de cuatro amigos que deciden hacer un escape room parece, de primeras, una idea inocua. El problema es que quizás nada en el juego que están a punto de comenzar es tan inocente como creían. Lo que parecía un plan divertido se convertirá en todo un infierno. Una obra que mezcla suspense y humor, y trata temas como la amistad, las relaciones de pareja y los problemas cotidianos. Se podría decir que con Escape Room morirás de la risa, ¿te atreves a entrar?

Las entradas para disfrutar de esta joya cómica tienen un precio que oscila entre los 18 y los 20 euros, ¡hazte ya con unas!

 

El método Grönholm

La cruel comedia de Jordi Galcerán, El método Grönholm, inaugura su nueva temporada en el Teatro Cofidis Alcázar. Una sátira que reflexiona sobre la ambición, los límites y los principios, y en la que veremos a los personajes someterse a una dura entrevista de trabajo por un cargo de director en una importante empresa. 

Luis Merlo, Jorge Bosch, Marta Belenguer y Vicente Romero encarnan a los cuatro protagonistas de esta despiadada comedia de hora y media. Las entradas tienen ahora un precio de 16 euros, ¡aprovecha esta oferta inmejorable!

El metodo gronholm teatro

 

Hasta aquí hemos llegado

El humorista y monologuista español Leo Harlem nos trae junto a Sinacio y Serio Olalla, otros dos grandes comediantes del panorama nacional, el espectáculo Hasta aquí hemos llegado. Un show de aproximadamente 100 minutos en el que no podrás contener las risas, y que ha cerrado cada una de sus temporadas siendo un éxito rotundo.

Nuestros tres humoristas repasarán sobre el escenario del Teatro EDP de Gran Vía alguna de las situaciones más habituales a las que se enfrentan los cómicos antes de sus funciones. Las localidades para disfrutar de esta desternillante actuación tienen un precio de 25 euros. ¿A qué esperas para conseguirlas?

 

I Want You Back

El Teatro EDP de Gran Vía acoge el impresionante show I Want You Back, un espectacular homenaje a la estrella del pop por excelencia, Michael Jackson. El musical, de aproximadamente dos horas de duración, contará con la voz de Dabeat, una banda en directo que interpretará el repertorio del artista y un grupo de baile liderado por SacMJJ. 

Únete a la fiesta y déjate llevar por ritmo, consiguiendo tus entradas por el precio de tan solo 15 euros. 

 

Esperamos que estas opciones os hayan servido de ayuda para planear vuestro regreso a los teatros tras las vacaciones de verano, y que disfrutéis mucho con todas ellas. ¡Feliz otoño teatral en Madrid!

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Especiales

Alerta Roja: por qué la cultura sigue siendo segura (y necesaria)

El sector cultural sale a la calle este 17 de septiembre, movilizándose bajo el movimiento Alerta Roja, para alertar en 28 ciudades sobre la preocupante situación que están viviendo los profesionales de la cultura. La falta de ayudas y el descuido progresivo han puesto en jaque a la industria, pese a haber sido una de las que más medidas ha establecido contra el Coronavirus. La manifestación se hará simultáneamente en varias ciudades españolas, cumpliendo, por supuesto, con todos los protocolos de seguridad pertinentes.

El nuestro es un país de ocio y entretenimiento. De eventos, congresos y ferias. Celebrar cada acontecimiento se vuelve posible gracias a la cualificación de nuestros expertos en el sector, y a la calidad innegable de nuestras infraestructuras culturales. España ocupa uno de los primeros puestos en las clasificaciones internacionales, y el motivo es que acogemos algunos de los actos más importantes del planeta. Ahora promotores, actores, músicos, técnicos, acomodadores, diseñadores, bailarines y todo tipo de profesionales se enfrentan a una de las peores crisis de su historia.

El objetivo de los manifestantes del 17S es conseguir el reconocimiento que, progresivamente, les ha sido negado. Bien por no considerar la cultura una parte crucial de la economía nacional, bien por no considerarla en absoluto. La realidad es que cada uno de los ámbitos en los que se divide la cultura es totalmente necesario, solo necesitan ser protegidos y darles el apoyo necesario.

El teatro, los musicales, el cine y los conciertos han librado su propia guerra durante la pandemia, han nadado contra corriente para seguir a flote, muchos ofreciendo entretenimiento de calidad incluso gratuitamente. Se han reinventado, se han renovado y han adoptado todas las medidas necesarias para volverse más seguros que nunca. Es hora de reconocer al sector como es debido y encontrar soluciones adaptadas a esta situación excepcional. Es hora de salvar la cultura.

Medidas COVID teatros y musicales

La vuelta del teatro ha sido particularmente dura. Las limitaciones de aforo han hecho casi imposible la vuelta de muchos teatros privados, ya habitualmente asediados por una economía frágil, pero ni siquiera esto les ha hecho desistir. Todas las salas teatrales del país han adoptado las recomendaciones de Sanidad para ofrecer a sus asistentes una gran oferta cultural en un espacio totalmente seguro, y ahora las funciones se celebran entre férreas medidas de seguridad. Algunas de las cuales son:

  • Uso obligatorio de mascarilla y distancia de seguridad entre los asistentes
  • Renovación del aire: optimizar los sistemas de climatización
  • Toma de temperatura de los asistentes al llegar al edificio
  • Realización de prueba PCR a los artistas
  • Equipos de protección para los empleados
  • Compra y venta de entradas online y no en la taquilla del teatro
  • Control de limitación de aforo
  • Dispensadores de gel desinfectante en varios puntos del recinto
  • Limpieza y desinfección de todos los espacios del recinto

 

Medidas COVID cine

Las empresas del ámbito del cine también han llevado a cabo diversas estrategias para garantizar el bienestar de los clientes que lleguen a sus salas. La reapertura se ha hecho posible gracias a la aplicación de todas estas precauciones:

  • Distancia de seguridad obligatoria entre los asistentes
  • Equipos de protección para los empleados
  • Control y limitación de aforo
  • Dispensadores de gel desinfectante en varios puntos del recinto
  • Uso obligatorio de mascarillas. 
  • Puertas abiertas y ventilación interior permanente
  • Envases individuales y restricción de la venta a granel de productos alimenticios
  • Pago con tarjeta
  • Compra y venta de entradas online
  • Entrada y salida de los clientes de forma ordenada para evitar aglomeraciones
  • Limpieza y desinfección de todos los espacios del recinto
  • Horarios de proyecciones más espaciados para evitar aglomeraciones

 

Medidas COVID conciertos

Cantantes y agrupaciones también han tenido que rehacer sus calendarios, atrasando o cancelando la máxima totalidad de los eventos. Los grandes conciertos de estadio, festivales y las salas intermedias han sido los peor parados, relegando la mayoría de giras internacionales al 2021. Sólo algunos espacios al aire libre con asientos o locales muy bien señalizados han podido celebrar eventos musicales. Cada concierto celebrado se ha llevado a cabo con la máxima cautela, teniendo por objetivo frenar todas las posibles reticencias e inseguridades del público. 

  • Reajustes de aforo y densidades grupales
  • Distancia de seguridad obligatoria entre los asistentes
  • Uso de la mascarilla
  • Dispensadores de gel desinfectante
  • Toma de temperatura de los asistentes 
  • Sectorización de espectadores en zonas: de pie o sentados de forma homogénea
  • Prohibición de fumar
  • Registro de los asistentes y preasignación de localidades por sectores
  • Entrada y salida de los asistentes de forma ordenada para evitar aglomeraciones
  • Equipos de protección para los empleados

El sector de los eventos, conocedor de sus condiciones previas, ha sido el que más esfuerzos ha volcado para adaptarse a la nueva normalidad: conciertos en sillas, teatros medio vacíos, entradas exclusivamente online, higienización constante…todas las medidas posibles para garantizar no sólo la seguridad de todos, sino la confianza del público. Cultura, eventos y entretenimiento aúnan así fuerzas para hacer frente al COVID 19. Lo demostró hace unos meses y lo sigue haciendo ahora. Hagámosle frente unidos.

 

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Espectáculos y teatro

Cádiz: miedos, amigos y crisis de los 40 para volver al teatro

Ni una pandemia podrá acallar los escenarios. Después de meses de silencio, reprogramación e incertidumbre,  el teatro ha vuelto a Madrid. Lo ha hecho tímidamente, tratando de adaptarse a las difíciles nuevas circunstancias del distanciamiento social. Distanciamiento que no sabe de teatro, precariedad de la industria, problemas de aforo, compañías ni funciones. Pero el teatro siempre vuelve.

Y nosotros por fin lo hemos vuelto a vivir en directo, en el Teatro Lara, que en julio ha abierto nuevamente sus puertas con Cádiz en sus marquesinas.

Dirigida por Gabriel Olivares (autor de la exitosa Burundanga), Cádiz nos presenta a Eugenio, Adrián y Miguel, tres amigos que se reúnen cada año a cenar para mantenerse al día de lo que ocurre en sus vidas. Pero no nos engañemos: estas distendidas tertulias anuales entre colegas son mucho más que tertulias. Tras la cháchara, nos espera un argumento más profundo y transversal sobre cómo la vida pasa, avanzando de forma inexorable. Habla de lo humano de ir haciéndose cada día un poco mayor sin percatarse y de la obligación de afrontar situaciones desde la madurez….o no, pues sus personalidades diametralmente opuestas lidian por defenderse cada uno desde su perspectiva vital.

Y todo esto desde el enfoque de una comedia rotunda, balanceándose entre lo ácido e irónico hasta un humor sencillo y profundamente agradable. Se aseguran carcajadas, de estas que se te escapan sin que te des cuenta porque tú no eres de reírte en el teatro. Pero la complicidad tan evidente que se desprende de los actores termina por traspasar las tablas y contagiarse a un público que es suyo desde la primera escena. Porque nosotros también formamos partes de esa tertulia, comensales silenciosos secundarios que observan la evolución de los tres hombres sumergidos en sus intrahistorias. 

Muchos verán sus miedos reflejados en los miedos de los protagonistas. A lo desconocido, a las relaciones y sus compromisos, a los opciones irremediablemente desechadas por elegir otras. Al tiempo. A pesar de la amistad que los une, sus personalidades no podrían ser más diferentes, encarnadas a la perfección por el trío protagonista: Fran Nortes (quien además de su gran interpretación de Adrián, es autor el del texto), Bart Santana y Nacho López, cada uno con su forma de enfocar la crisis de los 40. Nos ofrecen además distintas reinterpretaciones de las masculinidad, de esos estereotipos rígidos que la encasillan y ordenan como debe ser su inmadurez/madurez. ¿Cómo enfrentarlo todo desde la inexperiencia del que aún no lo ha vivido?

Los recuerdos gaditanos de juventud vertebran la vida y avances de los protagonistas, y delatan con absoluta certeza que no se puede volver a esa playa ni a esa época. Pero sí a los viejos amigos, para recordar el sol del sur donde ocurrieron los veranos que no se olvidan.

Aunque la actual situación de pandemia haya obligado a modificar la escenografía inicialmente planteada para la obra (mucho más inmersiva en pleno patio de butacas), el cambio no le resta un ápice de intimidad al resultado final. Un decorado minimalista resulta más que suficiente para crear distintos ambientes, donde la iluminación y la música son suficientes para hacer el resto.

La nueva cotidianeidad se ha instaurado definitivamente en el teatro. Mascarilllas como un objeto más, saludos con el codo también dentro de la obra, escenografía adaptada… pero durante casi 2 horas, Cádiz nos permite evadirnos, disfrutar, constatar con el reflejo de la obra que nuestras propias crisis son las mismas para todos.

Podremos disfrutar de la obra hasta octubre de 2020, con el debido respeto a las distancias de seguridad tanto en entradas y salidas como butacas por delante, con las mascarillas correctamente colocadas, esa gotita de gel al entrar y todas las ganas de disfrutar del buen teatro madrileño como antes.

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Cine Cultura

Mejores series y películas de Netflix

Las personas que consumen producciones audiovisuales a través de las pantallas han aumentado exponencialmente debido al auge de las nuevas plataformas en streaming de los últimos años. Además, el confinamiento nos ha obligado a pasar mucho más tiempo en casa, lo que ha provocado un gran repunte en las visualizaciones de producciones audiovisuales en plataformas digitales. Según el informe publicado por Nielsen el pasado mes de febrero, un 30% del visionado de pantalla en Estados Unidos se hace a través de Netflix.

El aumento de esta tendencia ha surgido en paralelo al incremento de ofertas de películas y series de este portal digital que acoge una inmensa lista de todo tipo de producciones cinematográficas de todos los géneros de la industria: amor, ciencia ficción, terror, infantil, documentales, historia… ¡El sueño de cualquier cinéfilo! 

Sin embargo, existen estudios que aseguran que los interminables minutos que la mayoría de nosotros dedicamos a elegir entre esta gran variedad de ofertas hace que nos sintamos menos satisfechos con la decisión final. El psicólogo estadounidense Barry Schwartz, define este concepto como “la paradoja de la elección” (2004). 

El tiempo es el valor más preciado que todas las personas poseemos. No desperdicies tu tiempo y termina con la indecisión. A continuación, te contamos cuáles son las mejores producciones de Netflix de estos momentos. Una lista de películas y series con increíbles historias que no dejarán indiferente a nadie.

The Politician 

“Quiero ser presidente de Estados Unidos”. Con este contundente objetivo, el joven estudiante Payton Hobart prepara su campaña para hacerse con el puesto de presidente de su instituto. Durante la primera temporada de esta serie veremos las peripecias políticas que el americano organiza para saciar su ambición de líder. En esta serie se ponen sobre la mesa debates que nos invitan a la reflexión sobre el poder de los políticos. El protagonista vive conflictos internos sobre aquello que debería hacer, lo ético, y aquello que él piensa que es lo correcto, la moral. Un recorrido emocional que destapa las dos caras de la moneda de la política actual. Una nueva generación preocupada por el futuro del planeta en desacuerdo con la generación anterior deriva en una lucha política entre padres e hijos, lo que, en muchas ocasiones, se convierte en un reflejo de la sociedad en la que vivimos hoy. Durante la segunda temporada, su campaña sobre el medio ambiente lo llevará a disputarse las elecciones de Nueva York con una de las políticas más veteranas de la ciudad, Dede Standish. ¿Hasta dónde llegará la ambición de este joven político? 

Reign 

 ¿Eres de los que sienten un vacío cuando acaban una serie y siempre tiene ganas de más? Entonces, esta es tú serie. Cuatro intensas temporadas de las que no podrás dejar a medias ningún capítulo. Esta serie histórica cuenta la historia real de María Estuardo de Escocia. Una joven reina que se ve envuelta por las presiones familiares, los conflictos de la casa real y sus deseos amorosos. Nos remontamos al año 1557, cuando la pequeña postulante al trono se refugia en Francia debido al conflicto entre católicos y protestantes en Inglaterra. El destino de esta viene marcado por alianzas e intereses políticos. Una historia en la que se despliegan los poderes de la monarquía de la época y donde el derecho al trono viene de la mano de  privilegios adquiridos por nacimiento. El conflicto de religión en el territorio inglés se ve representado por la lucha entre María y su prima Isabel, reina de Inglaterra. Dos poderosas mujeres que se ven envueltas en un mundo de hombres desdichados y hambrientos de poder que intentarán derrocar a estas dos mujeres que buscan de manera incesante el beneficio de sus respectivos países. ¿Conseguirá la reina María sobrevivir a los inquietantes esfuerzos de sus oponentes?  

Pride

El 28 de junio se celebró por todo el mundo el día LGTBI para afirmar el sentimiento de orgullo personal que genera exhibir públicamente las identidades y orientaciones sexuales y de género tradicionalmente marginadas y oprimidas. No podía faltar un clásico de esta temática. Un colectivo que ha realizado incansables movimientos por conseguir derechos en una sociedad intoxicada por la homofobia. Así nace la película de Pride. Basada en hechos reales, este film muestra a un grupo de activistas LGBTI que unieron sus fuerzas para recaudar dinero para ayudar a los mineros británicos durante su huelga a principios de los 80. Una campaña que se inició con el nombre de Lesbians and Gays Support the Miners. A pesar de sus esfuerzos, el Sindicato Nacional de Mineros se mostró reacio a aceptar el apoyo del grupo por miedo a que los relacionaran con un grupo abiertamente gay. Por eso, decidieron llevar sus donaciones a un pequeño pueblo minero de Gales. Una alianza entre dos comunidades nunca vista antes. No te pierdas esta reivindicativa película que emana solidaridad y progreso en todas sus escenas. ¡Una lección de vida en toda regla!  

White Lines

Un joven con ganas de comerse el mundo y alejarse de su aburrida y apagada vida en Manchester. Y es que, ¿qué mejor manera de huir de su nebuloso pasado que empezar una nueva vida en Ibiza? El joven DJ aterriza en el paraíso mediterráneo acompañado de sus mejores amigos. Con ellos vive una vida de excesos, drogas, dinero, música, fiesta, discotecas y desfase, pero unos años después aparece muerto en Almería. Parece que nadie sabe lo que ha pasado con Alex Collins. Veinte años después de su desaparición, su hermana pequeña corre en busca de su hermano para destapar todas las incógnitas que oscurecen la vida de este. Durante su estancia en Ibiza, Zoe Collins empieza a experimentar una serie de entramados ocultos que desvelan el lado más oscuro de su queridísimo hermano. ¡Descubre cómo acaba esta misteriosa historia en una realidad paralela creada por Alex Pina!

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Cultura Museos, exposiciones y actividades

¿Cuándo y cómo será la vuelta a los museos?

Amantes de la cultura y del arte… ¡ya estamos de vuelta! Después de dos  meses de larga espera, los museos estatales abrían sus puertas el pasado 9 de junio. Una fecha esperadísima por muchos españoles que, tras contemplar durante demasiado tiempo sólo objetos cotidianos que nos recuerdan al dadaísmo de Duchamp, ya tenemos ganas de volver a los grandes museos de nuestro país. 

El pasado 4 de junio el Ministerio de Cultura y Deporte aseguraba la prórroga de  las exposiciones temporales abiertas antes de la crisis. Se han modificado temporalmente sus itinerarios y “se reducen las salas visitables para garantizar el cumplimiento de las medidas de prevención”. Además, los museos estatales se mantienen abiertos con su horario habitual y ofrecen la entrada gratuita hasta el 31 de julio de 2020. ¿Qué más se puede pedir?

Abren-museos

 

¿Cuáles son las medidas de seguridad?

  • Visita individual o por unidad familiar a la colección permanente y a las exposiciones temporales.
  • Visitas en grupo al finalizar la desescalada. 
  • Uso obligatorio de mascarilla. 
  • Distancia de 2 metros entre los asistentes. 
  • Preferible el pago con tarjeta. 
  • Recomendación: compra tu entrada anticipada. 
  • Gel desinfectante en varios puntos de los museos (entrada y salida). 

¡Ya puedes volver a visitar los museos más increíbles de nuestro país! Algunos de los museos imprescindibles en España son: 

El Museo Reina Sofía, uno de los museos más visitados del mundo situado en pleno centro de Madrid, donde podrás ver obras de los mayores exponentes del siglo XX, tales como Pablo Picasso, Salvador Dalí y Joan Miró.

El Caixaforum de Barcelona. Un gran espacio cultural, situado en la montaña de Montjuïc, donde podrás disfrutar de figuras únicas del arte contemporáneo y modernista, además de espectaculares salas de exposiciones temporales y actividades creativas. 

Tampoco puedes perderte el asombroso Museo de Cera de Madrid. Sin duda, uno de los lugares más emblemáticos de la capital. 450 figuras nutren una colección de personajes célebres como Cleopatra, Napoleón o Carlos V, hasta famosos actuales como Brad Pitt, Antonio Banderas o Cristiano Ronaldo.

Si visitas la ciudad de Valencia, el Museo de las Ciencias Príncipe Felipe es el lugar perfecto para ahondar en los descubrimiento del mundo de la ciencia, la tecnología y el medio ambiente. Despierta tu interés hacia el conocimiento científico y tecnológico con sus talleres y rutas interactivas.

Museos Abiertos en España

A continuación, te contamos cuáles son los museos abiertos en tu ciudad:

Museos abiertos en Madrid: 

Museo Arqueológico Nacional 

Museo Nacional de Artes Decorativas

Museo Sorolla 

Museo Nacional de Antropología 

Museo Cerralbo

Museo Nacional del Romanticismo 

Museo de América

Caixaforum Madrid 

 

Museos abiertos en Barcelona

Caixaforum Barcelona 

Museo Picasso

Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona

Museo La Virreina Centre de la Imatge

Museo de las Ciencias Naturales de Barcelona

 

Otros museos: 

Museo Nacional de Arte Romano (Mérida)

Museo de Altamira, en Santillana del Mar (Cantabria)

Museo Nacional de Arqueología Subacuática ARQVA (Murcia)

Museo del Greco y Museo Sefardí (Toledo) 

Museo Nacional de Cerámica y Artes Suntuarias González Martí (Valencia)

Museo Nacional de Escultura y Museo Casa de Cervantes (Valladolid)

 

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Espectáculos y teatro Monólogos y Humor

Ríete a carcajadas con los mejores espectáculos de humor de los próximos meses

A veces todo lo que necesitamos para arreglarnos el día es sólo un poco de humor. Y no hay mejor manera de disfrutarlo que en directo: cómicos, humoristas y actores nos deleitan con increíbles actuaciones en un ambiente divertido y dinámico. Estos reflejan las locuras y los vicios de la sociedad actual a partir de monólogos e improvisaciones que pretenden sacar una sonrisa a todos los asistentes. 

Con este objetivo, los humoristas más relevantes de nuestro país vuelven a los escenarios durante sus próximas actuaciones. ¿Quieres saber quiénes serán los primeros cómicos en subirse a los escenarios? A continuación, te contamos todo lo que necesitas saber sobre los espectáculos de humor en España con risas 100% aseguradas: 

CORTA EL CABLE ROJO

Carlos Ramos, Salomón y José Andrés vuelven con su archiconocido Corta el Cable Rojo. Un espectáculo de improvisación repleto de risas y humor arriesgado, original y moderno. Podrás ver esta hilarante obra teatral este verano en el Teatro Real Carlos III de Aranjuez del 3 de julio al 1 de agosto y en el Teatro EDP Gran Vía de Madrid del 4 al 28 de agosto. ¡Una tronchante función en la que la participación del público es indispensable! 

GOYO JIMÉNEZ

Si pensamos en un artista increíblemente polifacético es imposible no nombrar al gran Goyo Jiménez. Un abogado, publicista, cómico y humorista melillense rebosante de experiencias y “especialista” en temas americanos. El artista ha participado en algunos de los programas cómicos más relevantes de España como El Club de la Comedia y La hora de José Mota. Ahora, viene cargado de energía para deleitarnos con un explosivo y nuevo espectáculo en el el Cine Callao de Madrid a partir del próximo 3 de octubre de 2020.

LA GOLFA DEL JAMMING

Una de las compañías de improvisación más importantes de nuestro país viene con su teatro más divertido. La golfa de Jamming aterriza en el Teatro Maravillas el próximo 26 de junio. Una fantástica función escrita ante el público y representada con las herramientas de la interpretación convencional. Los actores de esta función ya han conseguido hacer reír a carcajadas a más de un millón de personas, ¿quieres ser uno de ellos?

 

PANTOMIMA FULL

Rober Bodegas y Alberto Casado, más conocidos como Pantomima Full, llegan a Madrid con su tercer espectáculo teatral. Un show de sketches en directo inspirado en sus famosos vídeos de menos de dos minutos que han provocado auténtico furor en las redes sociales. El de la guitarrita, el canallita, el que siempre se enamora, el runner, el que se apunta a la bebida de moda… conoce a todos estos personajes en esta graciosa función. El dúo humorístico salta de nuestras pantallas al teatro del 16 de octubre al 26 de diciembre en el Teatro Cofidis Alcázar de Madrid

 

OTROS ESPECTÁCULOS IMPRESCINDIBLES:

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Parques de ocio Turismo

Terra Mítica construye un macro resort y no abrirá hasta 2021

El parque temático de Benidorm permanecerá cerrado este año. A pesar de la finalización del estado de alarma el pasado lunes, el parque de atracciones Terra Mítica decide posponer su apertura para la siguiente temporada 2021. Además de por razones de seguridad a causa de la crisis del coronavirus, la decisión definitiva de cerrar sus instalaciones este año es por una muy buena causa. 

Desde la organización aseguran que dedicarán estos meses a mejorar sus instalaciones para garantizar una experiencia aún más increíble para los asistentes de este gran complejo de ocio. La empresa (propiedad del empresario francés Georges Santamaría) tiene preparado una gran sorpresa para los amantes de las aventuras y las emociones fuertes. 

Terra Mítica se ha consolidado como uno de los grandes parques temáticos de nuestro país y se ha convertido en el lugar perfecto para pasar unas vacaciones con familia y amigos. Sol, playa, atracciones, diversión y adrenalina son la combinación perfecta para vivir unas esperadas vacaciones a orillas de la increíble costa Mediterránea. 

Por esta razón, el grupo francés ya está manos a la obra para construir un nuevo macro resort destinado al ocio de lujo y la diversión de excelencia. El nombre de este lujoso y moderno complejo será Grand Luxor Villages. Un espacio turístico que pretende convertirse en un destino de referencia para turistas nacionales e internacionales. 

Cuándo abre Terra Mitica

Este gran complejo contará con increíbles villas temáticas totalmente equipadas con piscinas individuales, amplias terrazas y luminosas habitaciones, situadas a escasos metros del parque de atracciones. Un lujoso espacio para disfrutar con los tuyos y descansar tras un largo día recorriendo el enorme parque temático. El confort y la exquisitez serán dos elementos claves para la construcción de este espectacular resort. 

Si buscas vivir una experiencia repleta de comodidad y emoción, este hotel en Terra Mítica será tu lugar ideal. Ya no tienes excusa para pasar unas divertidas y cómodas vacaciones en familia en este hotel de Terra Mítica que abrirá sus puertas el próximo mes de abril de 2021, al mismo tiempo que el parque de atracciones. 

Sin embargo, este verano sí que podrás disfrutar de otros parques temáticos, acuáticos y zoológicos en Benidorm. Aqualandia y Mundomar ya están preparados para ofrecer una diversión de calidad a los visitantes. Además, cuentan con estrictos protocolos de seguridad para su reapertura el próximo viernes 3 de julio.

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Cine Cultura

¿Cuándo abren los cines en España?

Pandemia global, coronavirus, confinamiento, cuarentena… La situación actual ha llevado a muchos a pensar que vivimos en un capítulo de “Black Mirror”, una de las series más exitosas de Netflix, o en la película que para algunos predijo esta crisis en 2011, “Contagio” del director Steven Soderbergh. 

Dejando a un lado la búsqueda de parecidos cinematográficos, la verdad es que durante la cuarentena los amantes del cine hemos cambiado nuestro hábito de ver los estrenos más esperados en la gran pantalla por hacerlo en casa. Ir al cine es, sin duda, uno de los planes de ocio que muchos hemos anhelado durante estos meses.

¿Quién no se muere de ganas por ver su película favorita en una pantalla gigante y vivir las emociones que nos proporciona el arte de la ficción?  Pero no os preocupéis, porque esta semana muchos cines de España empiezan a abrir sus salas, encender de nuevo sus pantallas y vender palomitas.

Por este motivo, las diferentes cadenas cinematográficas de nuestro país ya están preparadas para la reapertura de sus salas de cine. Teniendo en cuenta la vuelta a la nueva normalidad, las organizaciones ya han establecido protocolos de seguridad y limpieza de los espacios para que la vuelta al cine sea más segura que nunca, evitando así los contagios de coronavirus. Desde FECE (Federación de Entidades de Empresarios de Cines de España) aseguran que los cines volverán a abrir con las medidas de seguridad e higiene necesarias para esta reapertura.

Medidas de seguridad en cines por coronavirus

¿Cómo será la vuelta al cine? Las empresas de cine de España aseguran su compromiso con sus clientes ante la situación del covid-19. Por esta razón, estas son las medidas de seguridad que están llevando a cabo para la reapertura de sus salas de cine.

  • Equipo de protección para los empleados.
  • Distancia de seguridad entre los asistentes. 
  • Evitar el contacto físico. 
  • Control y limitación de aforo. 
  • Gel desinfectante en varios puntos del cine. 
  • Uso obligatorio de mascarillas. 
  • Puertas abiertas y ventilación interior permanente. 
  • Envases individuales y restricción de la venta a granel de productos alimenticios. 
  • Pago con tarjeta. 
  • Compra y venta de las entradas online. En Taquilla Cine podrás comprar tus entradas y descargarlas para enseñarlas desde tu smartphone en la entrada del cine. 
  • Entrada y salida de los clientes de forma ordenada para evitar aglomeraciones. 
  • Limpieza y desinfección de todos los espacios del cine: aseos, pasillos y salas. 

Cuándo abren los cines

 

¿Cuándo abren los cines? 

Debido a que las comunidades autónomas de nuestra país se encuentran en diferentes fases de la desescalada, su apertura de cines varía según su localización. Aunque los cines pueden comenzar a abrir una vez que su territorio haya entrado en Fase 2, la decisión final es de las organizaciones. A continuación, te contamos cuándo abren los cines en tu ciudad y cuáles son los cines abiertos en tu municipio. 

CINES ABIERTOS

Madrid:

Autocine Madrid Race abierto desde el 25 de mayo. 

Renoir Plaza de España abierto desde el 12 de junio.

Artistic Metropol abierto desde el 12 de junio. 

Sala Equis abierto desde el 12 de junio. 

Valencia

Cinesa LUXE Bonaire abierto desde el 12 de junio. 

Kinépolis Heron City (Paterna) abierto desde el 12 de junio. 

Vizcaya

Cine Zugaza de Durango abierto desde el 5 de junio. 

Premium Artea y Megapark abiertos desde el 12 de junio. 

Cines Niessen de Errenteria abierto desde el 12 de junio. 

Cines Gorbeia de Vitoria-Gasteiz abierto desde el 12 de junio. 

Cines Usurbe Antzokia de Beasain abierto desde el 12 de junio. 

Cádiz:

Yelmo Área Sur abierto desde el 12 de junio. 

Yelmo Premium Puerta de Europa abierto desde el 12 de junio. 

Gran Canaria

Yelmo Vecindario abierto desde el 12 de junio. 

Yelmo Las Arenas abierto desde el 12 de junio. 

Yelmo Premium Alisios abierto desde el 12 de junio. 

Tenerife:

Yelmo Meridiano abierto desde el 12 de junio. 

Yelmo Orotava abierto desde el 12 de junio. 

Fuerteventura: Yelmo Fuerteventura abierto desde el 12 de junio. 

Santiago de CompostelaCinesa As Cancelas abierto desde el 12 de junio. 

Zaragoza: Cinesa Puerto Venecia abierto desde el 12 de junio.

Almería: Ocine Centro Comercial Copo de El Ejido abierto desde el 13 de junio. 

 

PRÓXIMAS APERTURAS

Madrid: 

Cinesa LUXE Xanadú abre el próximo 19 de junio. 

Cinesa Las Rozas Heron City abre el próximo 19 de junio. 

Cines Paz Chamberí abre el próximo 26 de junio. 

Sevilla: Premium Lagoh abre el próximo 26 de junio. 

Barcelona:

Cine Floridablanca abre el próximo 18 de junio. 

Cines Verdi abiertos abre el próximo 26 de junio. 

Mallorca

Ocimax, Festival Park, Augusta, Rivoli y Manacor abren el próximo 24 de junio.  

Artesiete (FAN Mallorca) abre el próximo 8 de julio. 

Logroño: Cines Yelmo Berceo abre el próximo 26 de junio. 

¡Consulta los estrenos, la cartelera y todos los horarios de los cines en Taquilla.com! Aquí encontrarás toda la información que necesitas para volver a disfrutar del cine. 

 

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Especiales Parques de ocio

¿Cuándo abren los parques de atracciones en España?

Preparados, listos, ya: ¡Los parques temáticos ya están organizando su reapertura para este verano! Muchos de los parques de atracciones de nuestro país ya están preparados para recibir de nuevo a los visitantes el próximo mes de julio. 

Tras más de tres meses cerrados debido a la crisis del covid-19, los parques españoles constituyen uno de los sectores más afectados por la pandemia en nuestro país. Sin embargo, desde las diferentes organizaciones cuentan ya con estrictos protocolos sanitarios para poder abrir de nuevo sus puertas a los amantes de la aventura y la adrenalina. 

Entre las medidas de seguridad que se llevarán acabo en los parques temáticos para la prevención de contagios de coronavirus, encontramos la limitación de aforos, el establecimiento de la distancia de seguridad entre los asistentes, el uso obligatorio de mascarillas y la limpieza exhaustiva de los espacios.  

¿Quieres saber cuándo abren los parques temáticos en España? A continuación, te contamos todo lo que necesitas saber sobre su apertura, ofertas y medidas extraordinarias de los parques de atracciones de nuestro país. 

CUÁNDO ABREN LOS PARQUES ACUÁTICOS

Aqualand Maspalomas

Fecha de apertura: CERRADO TEMPORALMENTE (hasta nuevo aviso)

Ciudad: Las Palmas de Gran Canaria. 

Aqualandia Benidorm

Fecha de apertura: 3 de julio

Ciudad: Benidorm

Aquamijas

Fecha de apertura: 29 de junio

Ciudad: Mijas

Aqualandia

Fecha de apertura: 3 de julio

Ciudad: Benidorm 

Siam park 

Fecha de apertura: CERRADO TEMPORALMENTE

Ciudad: Santa Cruz de Tenerife. 

Ofertas: En breves podrás disfrutar de tu entrada doble para el parque acuático Siam Park y el zoológico Loro Parque con el twin ticket. 

Aqua Natura 

Fecha de apertura: *PENDIENTE DE APERTURA*

Ciudad: Benidorm 

Ofertas: Consigue 5 € de descuento en todas tus entradas. Oferta exclusiva online

Observaciones: Es obligatorio el uso de mascarilla para acceder a las instalaciones.

Caribe Aquatic Park

Fecha de apertura: CERRADO 2020

Ciudad: Tarragona

Illa Fantasía

Fecha de apertura: 27 de junio

Oferta: Disfruta de un increíble descuento del 50% en nuestro portal de entradas. 

aqua natura benidorm

 

CUÁNDO ABREN LOS ZOOLÓGICOS

Zoo Aquarium de Madrid

Fecha de apertura: 1 de julio

Ciudad: Madrid

Oferta: Mejor precio garantizado

Observaciones: Posibilidad de cambio de fecha con hasta 4 días de antelación

Faunia

Fecha de apertura: 22 de junio

Ciudad: Madrid

Oferta: Mejor precio garantizado

Observaciones: Posibilidad de cambio de fecha con hasta 4 días de antelación

Oceanogràfic

Fecha de apertura: 1 de julio

Ciudad: Valecia

Oferta: Adulto a precio de niño del 1 al 10 de julio

Selwo Aventura

Fecha de apertura: 22 de junio

Ciudad: Estepona

Oferta: Mejor precio garantizado.

Observaciones: Puedes solicitar cambios de fecha con hasta 4 días de antelación.

Selwo Marina

Fecha de apertura: 1 de julio

Ciudad: Benalmádena

Oferta: Mejor precio garantizado.

Observaciones: Puedes solicitar cambios de fecha con hasta 4 días de antelación.

Jungle Park

Fecha de apertura: CERRADO TEMPORALMENTE

Ciudad: Santa Cruz de Tenerife 

Loro Parque

Fecha de apertura: CERRADO TEMPORALMENTE

Ciudad: Santa Cruz de Tenerife 

Observaciones: Las entradas para visitar Loro Parque tendrán validez de un año desde la fecha de compra. 

Palmitos Park

Fecha de apertura: CERRADO TEMPORALMENTE

Ciudad: Maspalomas (Gran Canaria) 

Sendaviva

Fecha de apertura: 4 de julio

Ciudad: Arguedas (Navarra) 

Ofertas: Disfruta de dos días consecutivos en Sendaviva con un 38 % de descuento. El precio para adultos de esta promoción es de 35€ y de 28€ para niño o senior. Oferta solo disponible online. Compra ahora tu entrada y visita el parque cualquier día de la temporada 2020.

Terra Natura Benidorm

Fecha de apertura: 22 de junio

Ciudad: Benidorm 

Objetivos: Por el momento se cancelan los espectáculos, shows y experiencias que favorezcan las aglomeraciones de visitantes.

Bioparc 

Fecha de apertura: 18 de junio

Ciudad: Fuengirola (Málaga)

Observaciones: Bioparc Fuengirola cuenta con un único acceso, con fila única y por orden de llegada. Obligatorio uso de mascarilla para acceder a las instalaciones. 

Zoo de Barcelona 

Fecha de apertura: 1 de julio

Ciudad: Barcelona 

Terra Natura Murcia 

Fecha de apertura: 15 de junio 

Ciudad: Murcia

Oferta: Disfruta de Terra Natura y Aqua Natura Murcia con una oferta exclusiva online. ¡Ahora con un 28 % de descuento! Con esta promoción podrás conseguir tus entradas para adulto por 18 euros y niños por tan solo 14 euros. Oferta válida hasta el 30 de Junio de 2020

Observaciones: Es obligatorio el uso de mascarilla para acceder a las instalaciones.

Loro parque

CUÁNDO ABREN LOS ACUARIOS

Acuario Poema del Mar 

Fecha de apertura: PENDIENTE

Ciudad: Las Palmas de Gran Canaria. 

Mundomar 

Fecha de apertura: 3 de julio

Ciudad: Benidorm 

Ofertas: Disfruta de increíbles descuentos para toda la familia con el pack familiar. 

Acuario de Zaragoza

Fechas de apertura: 11 de junio 

Ciudad: Zaragoza

Observaciones: Obligatorio uso de mascarilla para acceder a las instalaciones. Accede con las entradas descargadas en tu Smartphone.

CUÁNDO ABREN LOS PARQUES DE ATRACCIONES

PortAventura

Fecha de apertura: 8 de julio

Observaciones: Podrás acceder ¡sin necesidad de imprimir las entradas! Descárgalas en tu dispositivo móvil y accede directamente a través de los tornos.

Parque Warner

Fecha de apertura: 22 de junio

Oferta: ¡¡Oferta de hasta el 40% en Parque Warner!!

IMPORTANTE:Puedes solicitar cambios de fecha con hasta 4 días de antelación.

Isla Mágica

Fecha de apertura: 4 de julio

Oferta: Disfruta de la oferta Ojo al Parche durante todo el verano con un descuento del 31% en tus entradas tanto para adultos (24€) como para niños (18€). Además, si eres residente en Sevilla, podrás disfrutar de los descuentos más increíbles.

IMPORTANTE: Se pueden devolver las entradas con hasta 3 días de antelación

Observaciones:  El uso de mascarillas es obligatorio para acceder al parque y en todos los lugares donde no pueda mantenerse el distanciamiento social, incluidas las atracciones y los lugares cerrados.

Parque de Atracciones de Madrid

Fecha de apertura: 1 de julio

Ciudad: Madrid

Oferta: Mejor precio garantizado.

Observaciones: Puedes solicitar cambios de fecha con hasta 4 días de antelación.

Terra Mítica

Fecha de apertura: CERRADO 2020

Ciudad: Benidorm 

Observaciones: Finalmente, el parque de Terra Mitica no abrirá durante esta temporada del año 2020.

Portaventura

Fecha de apertura: 8 de julio

Ciudad: Tarragona

Observaciones: Obligatorio el uso de mascarilla para todos aquellos mayores de 6 años. Se tendrán que seguir las normas de higienizado de manos y distancia social.

Futuroscope

Fecha de apertura: 15 junio

Ciudad: Poitiers (Francia) 

Observaciones: Será obligatorio el uso de mascarilla en algunas zonas del parque. 

Parque Asterix

Fecha de apertura: 1 julio

Ciudad: Chasseneuil-du-Poitou (Francia) 

Tibidabo

Fechas de apertura: Apertura 1 de julio

Ciudad: Barcelona 

Observaciones: Actualmente, el funicular no está operativo por cuestiones de mantenimiento. Podrás hacer uso del servicio de autobús sustitutivo de manera gratuita.

Terra Mitica titanide

TOURS EN ESTADIOS DE FÚTBOL

Tour del Wanda 

Fecha de apertura: 5 de junio. 

Ciudad: Madrid (Estadio Wanda Metropolitano).

Observaciones:  El uso de mascarilla será obligatorio para poder acceder al recinto. De manera temporal las Estaciones de Realidad Virtual no estarán operativas por motivos de higiene ni se podrá hacer uso de los asientos en palco, auditorio ni banquillo.

Tour del Bernabeu 

Fecha de apertura: 9 de junio 

Ciudad: Madrid Abre desde mañana

Observaciones: Se tomará la temperatura antes de acceder a las instalaciones y será obligatorio el uso de mascarilla. El recorrido queda limitado a las siguientes zonas: Panorámica del estadio, Sala “Mejor Club de la Historia”, Sala “Sensaciones”, Vídeo y fotomontajes con jugadores.

OTROS PARQUES

Dinopolis

Fecha de apertura: 6 de julio

Ciudad: Teruel 

Puy du Fou España (Toledo)

Fecha de apertura: 18 de julio

Ciudad: Toledo 

Observaciones: Disponibles las entradas para el espectáculo nocturno “El Sueño de Toledo”. 

Teleferico Benalmadena

Fecha de apertura: 1 agosto

Ciudad: Benalmádena (Málaga). 

Teleférico de Montjuic

Fecha de apertura: 1 de julio

Ciudad: Barcelona. 

Teleférico de Benalmádena

Fecha de apertura: 1 de julio

Ciudad: Benalmádena

Observaciones: Cambios posibles hasta 4 días antes

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Cultura Música

Bedroom pop: ¿a qué suena la era millennial?

A estas alturas de la historia ya nos hemos dado cuenta todos de que los tiempos cambian, de que cada vez cambian más rápido, y de que con ellos van variando las modas y estilos predominantes en la sociedad. Y la música no es una excepción. El siglo XXI ha traído consigo el surgimiento de una oleada de nuevos géneros y subgéneros musicales fruto de la convergencia de otros anteriores, como el trap, los lo-fi beats, el beatboxing, el reggaetón, y un largo etcétera que ha marcado la personalidad de los nacidos en esta época.

Sin embargo, hay un estilo en concreto que destaca entre los demás por su novedad y popularidad, el bedroom pop o pop de dormitorio, que tanto está dando que hablar este último tiempo, y que conecta lo mejor del pasado con lo mejor del presente. Pero, ¿de dónde proviene este género? ¿Ha surgido ahora o ya existía antes? ¿Y de qué trata exactamente? 

QUÉ ES EL BEDROOM POP

Se podría decir que el pop de dormitorio es el culmen de la cultura millennial. Los pertenecientes a la generación de los memes, los emojis, Pokémon y Messenger, tienen ahora un género musical que se adscribe bastante bien a su imaginario colectivo. No existe consenso en cuanto a quién entra dentro de esta generación y quién no, es más bien un sentimiento. Sin embargo, lo que sí está interiorizado es que el bedroom pop es algo característico de los millennials y los Z. Un estilo a caballo entre una generación y otra, que mezcla particularidades de ambas y cuyo detonador ha sido Internet y los nuevos recursos tecnológicos. Este género ha cogido la frustración de los millennials y la ha llevado hasta el dormitorio de los Z, igualando la desazón de los veinteañeros a las preocupaciones típicas que rodean a los adolescentes.

A los millennials se les considera narcisistas, individualistas, ambiciosos, descarados, inconformistas, adictos al móvil y a las redes, entre otras muchas cosas. Se habla de ellos como una generación de jóvenes deprimidos y nostálgicos, pero altamente funcionales, y es este espíritu melancólico y abatido lo que da lugar a la creación de este nuevo género. 

 

Es un género que nace, como bien deja entrever su nombre, en la intimidad de un dormitorio. Canciones emotivas que se componen, mezclan y publican en apenas unas horas, con la simple ayuda de un un software de creación de música, un teléfono móvil o un ordenador, y las redes sociales. Se originó como una música independiente e inmediata, que viaja de la soledad de un cuarto a la de otro.

Básicamente, son adolescentes y jóvenes expresando su desasosiego, sus aspiraciones y sus problemas amorosos. Son producciones minimalistas e introspectivas, con letras inocentes y sonidos simples que consiguen crear una atmósfera onírica tan fuerte que cala en el pensamiento de quienes lo escuchan. Es un estilo que consigue hacer al oyente sentir tristeza y alegría, esperanza y desazón, todo al mismo tiempo. El sentir de los millennial y los Z hecho música.

Como ya hemos mencionado, la fusión y la heterogeneidad son características comunes al siglo XXI, y el pop de dormitorio procede precisamente de la confluencia de varios géneros. La psicodelia, el dream pop, el shoegaze, el indie y el lofi son los principales integrantes de este tipo de música. Melodías lentas y atmosféricas llenas de reverbs y distorsiones. Algunos de los representantes internacionales más conocidos de este sonido son Boy Pablo, Rex Orange County, Clairo, Mac Demarco o Twin Peaks, ¿qué es lo que tienen en común sus creaciones?

ARTISTAS DE BEDROOM POP

 

Clairo

Cuando se piensa en bedroom pop, es difícil que no te venga a la mente la imagen de Clairo. Su nombre real es Claire Cottrill, y se trata de una cantante estadounidense que saltó a la fama mundial tras la publicación de la canción Pretty girl en el año 2017. El trabajo, que se hizo viral en cuestión de horas, resume perfectamente el espíritu de este género: Su estética se limita a la joven sentada en el escritorio de su habitación cantándole a la cámara. 

Rex Orange County

Alex O’Connor es un veinteañero británico que ha tomado el pop de dormitorio y le ha aportado su granito de arena y su toque personal. Normalmente, en su discografía se pueden apreciar las bases y ritmos pausados y relajantes de este género, mezclados con elementos característicos del jazz o el soul, como en las canciones Sunflower o A Song About Being Sad.

Sus temas, como toda canción de dormitorio que se precie, no llegan a ser ni alegres ni tristes del todo, y en ellas habla de amor, desamor, vida, muerte, y todas las cuestiones existenciales que se pueda plantear un ser humano.

Cupido

Moviéndonos al ámbito nacional, tenemos el icónico grupo conformado por Pimp Flaco y Solo Astra: Cupido. Esta agrupación rompió todos los esquemas de sus seguidores en 2019, cuando publicó el álbum Préstame un sentimiento. En el disco dejaron totalmente de lado el trap que los había caracterizado hasta el momento, para iniciarse en un estilo popero muy nuevo que apenas se había asentado en España.

Desde ese momento, todos los singles que han lanzado, No Sabes Mentir, Milhouse o U Know, cuentan con esta estética ochentera concreta, presente en todos los artistas que se enmarcan en el estilo. 

Sen Senra

Algo parecido ha ocurrido con el gallego Christian Senra, un veinteañero que ha dejado con la boca abierta a todo el que ha escuchado su álbum Sensaciones, y que se ha proclamado una de las grandes promesas de la música pop del país. 

El disco acumula ya dos millones de visitas en Youtube, y los temas Ya No Te Hago Falta, No Me Sueltes Más o Como El fuego, son claras expresiones de esta frescura, sencillez y versatilidad que rodea a todos los artistas de dormitorio.

No sabemos cuánto tiempo se quedará el bedroom pop con nosotros, ni si calará en la música del futuro tanto como lo hicieron otros estilos de décadas pasadas, pero lo que sí está claro es que las generaciones futuras se referirán a él como el género que condensó todas las aspiraciones, sentimientos, decepciones, ilusiones y ansiedades de los pertenecientes a la era millennial.

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Especiales Parques de ocio

¿Podremos disfrutar este verano de los parques de atracciones?

¿Podremos disfrutar este verano de los parques de atracciones? Es la pregunta recurrente que últimamente nos hacemos muchos de nosotros. Y es que nadie saber a ciencia cierta cómo serán los próximos meses. Una vez pasado el pico de la pandemia y con la lenta desescalada en mente, el ocio vuelve ahora generándonos dudas. Pero no sólo miramos inquietos a nuestros calendarios, también nos preguntamos cómo será la experiencia. ¿Cómo se adaptarán los parques a las medidas establecidas por el Gobierno?

Tras meses con los candados echados, parques de atracciones, zoológicos y otros centros de ocio se preparan a contrarreloj para recibirnos de vuelta. Y no está siendo fácil, ya que la situación ha provocado (como en tantos otros sectores) una huella económica importante. “La imposibilidad de abrir los parques durante los primeros tres meses de la temporada supone la pérdida de aproximadamente el 40% de nuestra actividad anual”, nos cuenta Guillermo Cruz, presidente de la Asociación Española de Parques de Atracciones. Esto se suma a una coyuntura previa nada sencilla, pues los parques de atracciones siguen contando con un IVA cultural al 21%, una situación de discriminación y desventaja frente a otras actividades como el cine o el teatro.

¿Cuándo reabrirán los parques? El momento más probable es durante la fase 3. Dependiendo así de la provincia, la apertura de los parques se retrasará algunas semanas, pero la vuelta es inminente. “Somos optimistas y, si todo sigue como hasta ahora y la evolución del control de la pandemia sigue siendo positiva, esperamos que se nos permita la reapertura durante la fase 3 (entre junio y julio dependiendo de la comunidad)”, confirma el presidente de la AEPA.

Eso sí: para poder abrir, el Gobierno exige algunas medidas de seguridad y aforo a las que los parques tendrán que adaptarse. Medidas en las que llevan semanas trabajando activamente para buscar soluciones en esta nueva normalidad. ¿Es viable abrir con un aforo limitado? “Tenemos que hacerlo viable”, responden desde AEPA. 

Los parques españoles tendrán así que ajustarse este verano a los requisitos de aforo y garantizar el espacio de seguridad en colas y espacios cerrados (igual que se hace en supermercados, incluyendo marcado de espacios o distancias en el suelo, barreras móviles de seguridad …). También se implementará la desinfección de manos de uso obligatorio; se van a reforzar las rutinas de limpieza y desinfección de las instalaciones; y se promocionará el pago mediante tarjetas de crédito frente al efectivo.  “Por supuesto, garantizaremos la higiene en todas nuestras instalaciones.” Desde AEPA tienen claro qué es lo más importante.

Aunque hay un plan general con reglas básicas de cumplimiento que se presentaron al Gobierno a los pocas semanas del inicio de la crisis, cada uno de los parques de atracciones va a contar también con un plan específico de reapertura, ya que las características son muy variadas de unos parques a otros: superficies, aforos, recintos internos… “Nuestros años de experiencia y la estrecha relación con parques de ocio de todo el mundo hace que tengamos las claves de lo que están haciendo en otros países y de lo que realmente está funcionando.” Para cuando llegue la fase 3, todo estará preparado. 

 Los parques de ocio representan un elemento importante de nuestra economía, un elemento importante dentro de la rueda del turismo. Por eso es importante que empiece a funcionar desde ya: “Los parques temáticos formamos parte de la cadena de valor del turismo porque en muchas ocasiones somos el origen de la planificación de un viaje o de la visita a una ciudad concreta. Todo esto genera una enorme actividad económica a su alrededor y por eso estamos convencidos que el Gobierno va a apoyarnos […] Además, no podemos olvidar que jugamos un papel importante en la generación de empleo, ya que nuestras empresas dan trabajo a más de 85.000 personas.”

Terra Mitica titanide

Además, hay un concepto clave en la planificación de las vacaciones de los españoles de este año que hará a los parques protagonistas: el turismo nacional. La limitación de movimiento va a resultar determinante para a la hora de estructurar nuestro ocio. “Nos debemos a nuestros visitantes y los españoles demandarán este año opciones de ocio local”. En un ambiente repleto de miedo e incertidumbre, nadie sabe a ciencia cierta si podremos viajar al extranjero este verano. Pero la alternativa es rica y variada: de norte a sur, siempre queda algún rincón que conocer en nuestro país.Y los parques españoles se preparan para ofrecernos un ocio a la altura de las circunstancias.

Desde AEPA mantienen, eso sí, el espíritu optimista que caracteriza los parques: “Las dificultades y las nuevas normas que debamos aplicar en nuestros parques no están reñidos con la creatividad y las innovaciones que cada año ofrecemos a los niños y los mayores que nos visitan. Aprovecho desde aquí para animar a todas las familias a que nos visiten y no me cabe ninguna duda que les ofreceremos inolvidables momentos de ocio y diversión.”

sin colas parques

MEDIDAS DEFINITIVAS: EL BOE

El pasado sábado 30 de mayo se publicaba el BOE donde se contempla cómo tendrán que ser las medidas de higiene y prevención en los centros de ocio. Y ya ha confirmado las palabras de Guillermo Cruz: la flexibilización de determinadas restricciones establecidas por el estado de alarma se aplicarán en la fase 3 del Plan para la transición hacia una nueva normalidad.

Algunas medidas específicas serán:

  • El aforo queda limitado al 50% en los parques de atracciones, y al 30% en atracciones y lugares cerrados
  • Los parques serán los encargados de establecer sistemas efectivos de recuento y control del aforo, del espacio de seguridad interpersonal y de la higiene.
  • Se reducirá en lo máximo posible el riesgo de aglomeraciones, usando todas las puertas posibles para entradas y salidas
  • Las zonas y espacios cerrados donde no sea posible mantener las distancias de seguridad deberán permanecer cerradas.
  • Se harán limpieza y desinfección completas del parque dos veces al día, y la revisión de los sanitarios y aseos tendrá lugar cada hora.